Nomada Q : papel

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Realizada en 2.001 la intervención titulada Love Letters Building supone un punto de inflexión en la trayectoria del artista alemán HA Schult. Conocido por sus performances nómadas visiones de un mundo colapsado de todo tipo de residuos.

Donde la participación activa de sus responsables o sea los seres humanos actúa como un mecanismo narrativo, cuyo propósito es concienciar sobre las consecuencias que supone tanto para el medio ambiente como para la gestión positiva de nuestras vidas.

De practicar opciones de consumo responsable, sostenibles y respetuosas con el medio ambiente, aplicando soluciones que pasan por el reciclaje y la utilización de los recursos disponibles de forma circular, ecuación cuyas variantes se ha comprobado que es la única evitar que los efectos del cambio climático ponga en peligro nuestra presencia sobre el planeta Tierra.

Sin embargo para empapelar las fachadas de un edificio que alberga las instalaciones de una estafeta de correos, se traslado a Berlin donde las misivas enviadas por miles de colaboradores anónimos. Sirvieron para dar forma a un collage que sirve para escenificar un cambio de paradigma en cuanto al formato que utilizamos para comunicarnos en una sociedad cada vez mas digitalizada.

El enfoque que se aplicado tanto en esta intervención como en otras precedentes del mismo, parte del compromiso que ha mostrado con las expresiones colectivas. Como hilo conductor a partir del que introducir elementos reflexivos sobre una diversidad de temas y problematicas. Con las que su autor convierte el espacio público en una especie de ágora actualizado.

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Inmerso en plena era de las telecumunicaciones y de como la tecnología influye en nuestra forma de relacionarnos basculando entre la inmediatez, los contenidos multimedia y la posibilidad de transformar nuestra identidad. Love Letters Building nos ofrece una lectura nostálgica y contemplativa de como hasta hace no mucho tiempo nos comunicabamos redactando cartas.

Entre los trabajos con los que cuenta el estudio de diseño y decoración Arom Estudio, a mi me ha llamado la atención aquellos en los que emplean libros viejos, como alcorques improvisados donde anidan arboles cultivados a diferentes escalas.

Tanto en la serie titulada Historias de la tierra como en la Biblioteka, la materia prima sirve como elemento estético y narrativo conceptual. Con los que su autores tienen como propósito provocar un estado reflexivo a partir de lo que el espectador contempla, estimulando su conciencia medio-ambiental.

Bajo esta premisa Arom diseña pequeños escenarios en los que combina una estética cercana al Land Art y técnicas artesanales, por los que sus piezas incluso se podrían calificar de pequeños trabajos de manualidades. Cuyo relato visual gira entono a las condiciones de su entorno y en como les afectan.

Colocados en los bordes de las paginas los arboles, reproduciones de ejemplares reales se proyectan sobre el espacio en blanco. En otras piezas los libros se presentan dentro de los limites de un marco donde se apilan luchando por el espacio.

Arom Estudio diseña muestras que transmiten fragilidad y elegancia, de clara vocación ornamental cada obra representa un dialogo visual con la naturaleza así como su magia y conservación.

Organizada en el edificio que alberga la Facultad de Ciencias de la Educación en el campus perteneciente a la Universidad de Málaga en España en el año 2014. Historias de la Tierra es una selección de obras que juegan con nuestros sentidos trasladandonos a nuestro pequeño oasis personal.

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El best seller mas traducido y leído de la historia de a humanidad ha sido la Biblia en sus diferentes versiones. Su concepción universal y la coincidencia de la invención de la imprenta, con el ultimo ciclo de su expansión le ha conferido este titulo.

Esto podría cambiar gracias al proyecto Drinkable Book, en cuyo desarrollo se ha aplicado las ultimas técnicas de impresión. Creando un libro cuyas paginas permite ser leídas a la vez que ser utilizadas como filtros con las que sus usuarios, poder obtener la suficiente cantidad de agua con la que cubrir sus necesidades básicas. un libro que se lee y bebe

Elaborado a partir de material de reciclaje, sus hojas están impregnadas con un baño de partículas de cobre a escala nanométrica. Esta película al entrar en contacto con los residuos que vienen depositandose en los acuíferos producto de la actividad humana.

Los disuelve logrando un agua cuyas propiedades la convierten en acta para el consumo humano. Con una eficacia en la eliminacion de organismos nocivos para la salud que ronda el 100%, cada pagina impresa en diferentes idiomas contiene material divulgativo sobre los procesos que intervienen en los ciclos del agua.

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Desarrollado por la iniciativa Water Is Life, se trata de un proyecto que trabaja con comunidades radicadas en países de desarrollo, que fusiona la biotecnologia y el arte con un objetivo humanitario.

Este año que finaliza ha sido especialmente dramático para los miles de refugiados. Que tratando de escapar de las desastrosas consecuencias de los múltiples conflictos que asolan el norte de África.

Pierden la vida en su intento de alcanzar las costas del sur de Italia. Embarcaciones en pésimo estado y atestadas de seres humanos son el reclamo de organizaciones mafiosas sin escrúpulos, que convierten un desastre humanitario en un negocio genocida y carente de moral alguna.

Realizada para la ultima edición de la Biennale de arte de Venezia. La instalación acuática titulada Paper Boat supone una sutil denuncia sobre la fragilidad de los derechos humanos y la indefensión de millones de desplazados inocentes que se ven expuestos a las cruentas atrocidades.

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Obra del siempre sugerente Vik Munik, el barquito de papel surca en silencio los canales de la serenesima, suscitando su presencia el interés de los miles de turistas. Que ajenos a su significado, lo observan como una atracción de la organización de la muestra

Que sensación te produciría al abrir el periódico que lees habitualmente y encontrarte con un bosque elaborado, con parte de los párrafos redactados por tus columnistas favoritos.

O mirar en el fondo de una bolsa de compras de moda y descubrí el universo. Estas son solo algunas de las metáforas, que utiliza el artista con sede en New York aunque de origen japones Yuken Teruya. Que utiliza para proyectar de forma poética y con un lenguaje cargado de referencias surrealistas.

Las obras que formaron de la exhibición titulada The Simple Truth Marchu, y que se pudo visitar hasta finales de Abril de este año en Josée Bienvenu Gallery. Donde Yuken sigue profundizando en sus contantes artísticas como seña de identidad, caracterizadas por la utilización como materiales de su imaginario de sinergias cotidianas.

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Que inspiradas por la técnica ancestral del origami, la autora transforma objetos de origen prosaico. En escenas idealizadas que nos muestra su universo romántico y onírico.

La otra tarde navegando por el portal de diseño Behance, y cuando ya me disponía a cerrar la ventana del navegador. Descubrí el interesante trabajo del disñador Michal Marko.

Con sede en la localidad eslovaca de Ružomberok, su porfolio se compone de mobiliario y objetos de decoración. Elaborados a partir de papel y obtenida de muebles reciclados, prensa y deshechos de cartón, con los que obtiene una amplia gama de productos.

Realizados aplicando técnicas artesanales, tanto los muebles, como los productos de papeleria y el resto de sus numerosas y variadas propuestas. Suponen un proceso previo de selección de los materiales en función de las características del objeto a realizar y su capacidad modular.

La serie Modular Paper Funiture es una colección de muebles que permite montarlos de infinitas formas de forma practica y rápida

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Como si de una cápsula del tiempo se tratara todos y cada uno de los retoño de abeto que germinan en un claro del bosque Nordmarka situado en las proximidades de la capital Noruega. En un plazo aproximado de cien años se talaran cumpliendo con su sacrificio con el enunciado de una paradoja, de un mundo donde supuestamente el formato físico del libro ha desaparecido o ha quedado relegado como reliquia conservada en los anaqueles de un museo, se editen hasta cien volúmenes inéditos de otros tantos autores que generosamente hayan realizado la donación de un libro inédito en vida.

Esta metáfora retrofuturista creada a partir de la iniciativa de la artista britanica Katie Paterson y que lleva por nombre Future Library, cuenta con una primera referencia. Aportada por la escritora también de origen ingles Margaret Atwood cuya buena de los argumentos sobre los que cimenta su extensa obra, órbita alrededor de la ciencia ficción y el misterio.

Cuando en 2.114 se comiencen a publicar todos y cada uno de los manuscritos donados, se podran a disposición del publico en general. Custodiados en una sala de la Biblioteca Pública Deichmanske, en el momento de ser editados a una prioricidad de un titulo por temporada, sera momento de comprobar si las todas y cada una de las historias que emergen de sus paginas.

Folios con aire de genero futurista y redactadas una centuria atrás, obedecen a los canones sociales establecidos en esa supuesta sociedad actual, y cuyos autores ya habrán desaparecido al menos físicamente. Pudiendo valorar el grado de aproximación de su legado literario, comparando el futuro imaginado intelectualmente por el escritor con un presente incierto, en una especie de misión arqueologica donde el porvenir ya imaginado pero desconocido permanece vinculado y escondido entre las raíces del bosque.

La artista urbana francés Mademoiselle Maurice se ha hecho mundialmente conocido por sus intervenciones, las que se caracterizan por sus explosiones de color.

Llamaradas que se completan con mensajes irreverentes, que son atenuados gracias a toda la efervescencia y energía que se impone a la estética a veces bizarra a través de la utilización de la acuarelas

Para su ultima expolición en la Backside Gallery de Marsella, recurre a sus referentes habituales. Para representar un mapamundi en el que utiliza otro de los materiales habituales en su obra, como es el papel.

Con el que perfila los contornos de los cinco continentes, bañándolos con goterones de colores. Con los ofrece una interpretación optimista y febril de un mundo que medio-ambiental mente presenta múltiples problemas de difícil solución.

Aunque en el animo de su autora, al menos que sepamos, no ha existido la motivación de realizar con esta obra un alegato medio ambiental. Si logra transmitir una sensación de esperanza con su obra.

En la que lo blanco e inmaculado del papel con los que representa el conjunto de continentes, se funde con un crisol de colores que invaden la superficie del mar.

En la parte inferior de la instalación World Iris, que como en la mayoría firmadas por el autor. Se define por lo efímero de su existencia.

Perfectamente alineados una serie de tubos de cristal almacenan los pigmentos de diferentes tonos con los que ha pintado el mural como si fueran esencias naturales de un mundo y su increíbles diversidad de contrastes.

Las esculturas etereas del artista holandes Peter Gentenaar flotan en el espacio creando la sensación de movimiento. Desplazándose en función del lugar donde te ubiques para observarlas, transmitiéndote ese tipo de fragilidad que crea atmósferas donde la serenidad te conecta con lo mas intimo de tu ser orgánico.

En sus exposiciónes Peter selecciona lugares que debido a sus características resultan apropiados para el contexto visual sobre el que que trabaja. Edificios abovedados y techos altos, se convierten en el marco idóneo donde escenificar las formas caprichosas de colores tenues que parecen levitar en su ascensión.

Que adquieren una dimensión dramática, donde las obras se integran en el contexto arquitectónico. Realizadas con pasta de papel elaborada por el propio artista, las esculturas son vertebradas infiltrando varillas de bambú.

Con las que consigue darle el volumen deseado definiendo las aristas con las realiza los trazado de cada pieza. Cada lamina de papel fina es reforzada con nervaduras muy finas de bambú, adquiriendo las propiedades de las hojas de los arboles.

Que al ser expuestas a condiciones medio ambientales adecuadas se transforman a partir de su forma original. Las obras de Peter Gentenaar se inspiran en procesos dictados por la naturaleza, reproduciendo fragmentos orgánicos que simulan mecanismos en los que se basan el conjunto de ecosistemas que conforman el mundo natural.

China es un gran país que pese a su presión demográfica, todavía conserva grandes extensiones de selva practicamente deshabitada, que posee una rica y variada fauna formando ecosistemas únicos en el mundo.

Siendo una especie como el oso panda, un animal endémico que sólo se puede ver en regiones muy específicas del coloso asiatico, el que por sus características morfologicas y habitos alimenticios singulares símboliza mejor cultura y tradicionales ancestrales de este gran pais.

Un plantigrado único en el mundo que debido a su fragilidad y a que su entorno natural donde se alimenta básicamente, esta constantemente amenazado por la actividad depredadora del ser humano. Ha visto reducido su hábitat habiendo descendido su número de individuos de manera considerable.

Con el objetivo de denunciar esta situación y concienciar sobre su frágil equilibrio, el artista francés Paulo Grangeon desde el año 2.008 ha trabajado en términos creativos creando instalaciones de efecto masivo.

Con las que ha organizado exhibiciones en ciudades del todo el mundo en colaboración con el Fondo Mundial para la Naturaleza, tratando de sensibilizar sobre su conservación. Lo que ha provocado un efecto rebote por lo que las población es de osos pandas ha aumentado hasta alcanzar los 1.600 ejemplares.

Actualmente de gira por el país del que es originario este bello y evocador animal. Todas y cada una de las figuras realizadas a escala real. Están elaboradasa con papel mache y materiales de reciclaje, con los que Paulo caracteriza este bello animal reproduciendo fielmente sus rasgos y peculiares manchas, caracteristicas por los se han convertido en un símbolo de la sostenibilidad ecológica.

En Kaleidoscope, colección exhibida en la Magnan Metz Gallery de New York en 2.012. Su autora Maya Onoda reproduce a nivel celular la materia a partir de la que esta formada la vida.

Para eso utiliza papel que convierte en un ente orgánico con capacidad evolutiva, el cual se proyecta en el espacio adoptando las mas caprichosas formas. Las instalaciones troqueladas permanecen inertes ante los ojos del espectador transmitiéndole su fragilidad.

La obra de la artista japones Maya Onoda, invoca a lo esencial sugiriendo formas de organización con las que relacionarse en un ambiente conocido. Estructuras a través de las que describen visualmente el funcionamiento de mecanismos naturales.

Maya Onoda es una artista nacida en Japón que se traslada a California donde tras formarse y licenciarse en Bellas Artes por la Universidad Estatal de de Fullerton. Se instala en New York para completar su currículum académico con un máster en Bellas Artes en el Instituto Pratt de Brooklyn.

El conjunto de obras que forman parte de su tercera exposición individual Caleidoscopio, exploraban la transformación de la vida cotidiana en arte a través del uso materiales que parten de un origen biológico como el papel.

Inspiradas en actos tan cotidiano como es el del ritual de tomar un café, la instalación realizada con papel shoji entrelazado y manchado ligeramente con los posos de café. Reúne los mecanismos que emula al proceso de cortar papel convirtiendolo en un bucle infinito, transformación que se produce siempre dentro de esta repetición al cambiar la propia perspectiva. Al igual que un caleidoscopio, la obra de Onoda cuenta una historia diferente con cada transformación y se convierte en una la historia interminable.

Utilizar materiales de construcción que posean la capacidad para responder a un entorno cambiante, adaptandose la estructura del edificio es uno de los objetivos del proyecto Meta-follies.

Desarrollado por el estudio Ecologic Studio, se trata de una iniciativa que combina la tecnología y la búsqueda de nuevos materiales flexibles. Con las que crear entornos con características sensitivas. Cuyo principal objetivo sea conferirle las herramientas mediante las que pueda realizar una previsión de las condiciones de su entorno y de las necesidades de sus usuarios.

El pabellón define nuevos códigos arquitectónicos mediante la sustitución de artificial por organico como referencia constructiva. Concebido algorítmicamente, el pabellón se adapta y cambia con el tiempo, ofreciendo una estructura mecánica que proporciona una forma dinámica de relación contextual con su entorno a través de una apreciación estética intuitiva.

Construido a partir de materiales reciclados y residuos urbanos como el poliproleno, Meta-follies. Vincula la cibernética y la psicología ambiental, empleando el cómputo digital y parametricismo; en un experimento donde artesanía y el activísimo urbano articula el debate entre lo estético y lo funcional.

Meta-follies que presenta una estética inspirada en los diseños de las cápsulas aéreo espaciales. Esta recubierto por una red de sensores que monitoriza sus constantes. Un campo digital materializa la sensibilidad que produce los sonidos captados por centenares de dispositivos piezoeléctricos, reaccionando a los movimientos corporales.

La escultura Sophie Ryder cuyo trabajo es conocido por sus series de esculturas en bronce donde realiza reproduciones de animales silvestres adoptando posiciones humanas. En la serie de instalaciones tituladas The Eye y The Big Smile sustituye los volúmenes y la solidez del bronce por un formato unidimensional.

Estandartes realizados en papel representan la visión y la comunicación humana. Ubicadas en un paisajes rural su presencia se convierten en los sentidos que sirven de altavoz vigilando la integridad y conservación del medio natural.

Ubicadas en diferentes localizaciones del Parque Escultural de Yorkshire en el Reino Unido. En cuyas instalaciones se puede visitar buena parte de su obra en la que su autora indaga en los elementos que nos vinculan con nuestro entorno natural, subrayando aquellos aspectos que facilita nuestra relación y comprensión del mismo.

Quien no ha tenido la tentación alguna vez de posar como modelo para algunos numerosos dibujantes callejeros que a cambio de unas monedas, alteran las facciones de tu rostro hasta convertirlo en una caricatura, y que te los encuentras situados en lugares estrategicos de plazas, parques o en época estival con el caballete situado de cara al mar en uno de los muchos paseos marítimos que se inundan de gente tras ocultarse el sol.

El dibujante Tobias Gutmann se ha inspirado en la tecnología del fotomaton, para reinventar la caricatura añadiéndole un matiz irónico. Tomando como modelo la estructura de este estudio fotográfico casual y urbano, del que debido a las nuevas tecnologías su uso y presencia esta siendo relegado.

Tobias ha creado el Face-o-mat, una versión artesanal e informal con la que ha recorrido hasta ahora mas de 40.500 kilómetros. En un viaje vital y artístico por el que ha tenido la oportunidad de recalar en ciudades de los cinco continentes, en una experiencia donde el contacto con lo que es la tarjeta de presentación de toda persona, le ha supuesto un mejor conocimiento no solo de su fisonomía sino de sus diferentes caracteres.

Realizado en cartón, el candidato se siente exponiéndose su rostro a través de una abertura cuadrangular que representa el objetivo de una cámara. Al otro lado Tobias mientras representa sus rasgos sobre una cuartilla de papel donde utilizan una técnica minimalista, emerge lo que según el criterio del autor es su retrato mas cercano y fiel a su aspecto físico.

Mas allá del beneficio económico, Face-o-mat es un proyecto que partiendo de un antecedente tecnológico, realiza una radiografia en clave cómica y en un contexto global de la increíble variedad de razas que humanizan el mundo, convirtiéndolo en un lugar mestizo y en constante transformación.

Las raíces de un árbol, las paredes interiores de una cueva o la lengua de un glaciar punto de caer al océano son algunos de los sucesos del entorno natural, en los que se inspiran los artistas Wade Kavanaugh y Stephen B. Nguyen con sede en New York, para realizar sus voluminosos conjuntos escultóricos.

Realizada con papel de diferentes colores dependiendo del objeto recreado. Se trata de intervenciones donde el espacio se convierte en el contenedor donde la escultura cobra vida extendiéndose de forma orgánica hasta modificar la identidad del mismo.

Debido a las grande dimensiones y a la mareabilidad del material que se emplea, las estructuras conforman paisajes interiores donde lo surrealista y lo onírico confluyen en una experiencia sensorial que estimula la imaginación del espectador, que siente el impulso de recorrerlas a pesar de que es consciente de que su acción deforma su constitución.

Wade Kavanaugh y Stephen B. Nguyen, han realizado colaboraciones puntuales mientras paralelamente desarrollaban sus carrera en solitario. Iniciada en 2005, han creado una plataforma común definida por un estilo propio donde el tratamiento colectivo, continuamente re-cuestionan fundamentos visuales tales como la memoria, la percepción y la apariencia del paisaje y sus procesos biológicos.