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Aparte de ser uno de los 29 estados que conforman la India y de albergar el que segurmante sea el monumento mas conocido de país, como es el iconico Taj-Mahal. La región de Uttar Pradesh, que cuenta una superficie de 240.000 kilómetros cuadrados.

Estando buena parte de su territorio expuesto a la influencia de la cercana Nepal, presenta ademas la mayor diversidad étnica y religiosa de toda la nación, a lo que hay que añadir un importante patrimonio natural, que fundamentalmente se concentra en el Norte del estado.

Mas concretamente en un lugar conocido como Yamuna Valley sitio idílico situado entre las localidades de Garhwal y Kumaon. Considerada un área de especial protección meddio-ambiental que colinda con el estado de Uttarakhand, y que a comienzos de la década de los años 70´s del Siglo pasado.

Se convirtió en la cuna de uno de los primeros movimientos de conciencia eco-feminista que conoció Occidente. Bautizado con el apelativo Chipko que en lengua Hindi significa abraza arboles. Se trata de un movimiento transversal.

LOS PRINCIPIOS DE UN MOVIMIENTO ECO-FEMINISTA Y SUS PROTAGONISTAS

Cuyas acciones se basaban en los principios recogidos en el manifiesto conocido como sarvodaya gandhiano y la resistencia no violenta, encarnadas en las activista Sarla Behn. Nacida en UK de padre alemán y madre inglesa que tras un viaje a la India durante la década de los años 20 del siglo pasado.

Tiene la oportunidad de conocer el movimiento de independencia de la India liderado por Gandhi y Sunderlal Bahuguna. Un reconocido lider espiritual también llamado Garhwali y activista ecologista, que sensibilizado con la causa de las lucha de un grupo de aldeanas.

El movimiento eco-feminista de origen Hindu Chipko se caracteriza por su sentido de la comunidad y su compromiso con la protección de la naturaleza a traves de acciones no violentas.

Que empezaban a ser conocidas por sus acciones, las cuales consistían en abrazar de forma colectiva abarcando con sus brazos entrelazados los troncos leñosos de especies como el Fresno y de una variedad de Roble conocida como Banj. Especie autóctona a la que se le otorgan propiedades terapéuticas como agente antitumoral, siendo utilizadas sus semillas sustitutivas del café y su madera como combustible.

Acciones cuyo propósito era evitar que fueran sustituidos por extensas plantaciones de pinos resinosos y eucaliptos de crecimiento rápido, variantes mucho mas productivas. Ventajas adaptativas que le interesaba a una industria madedera muy pujante en la epoca y que recibia constantes concesiones por parte de la administración local.

LOS PRIMEROS ANTECEDENTES 300 AÑOS ATRÁS

Intereses que por otra parte entraban en conflicto con el fuerte vinculo que existía entre los habitantes de la zona y su entorno natural, cuyo compromiso con la madre tierra ya contaba con antecedentes que se remontaban 300 años atras.

Cuando miembros de la de las comunidades local Bishnoi y Rajasthan sectas hunduistas seguidores de Krishna de quien emana Vhisu, (que en sánscrito significa ‘negro’ u ‘oscuro’) Según la tradición, ese era el color de la piel del dios, aunque en las reproducciones e imagenes de veneración su piel suele ser de color azul.

Sacrificaron sus vidas al intentar salvar los árboles sagrados Khjri abrazándolos. Masacre que por fortuna en los cuarenta años de activísimo liderados por este grupo de mujeres han evitado, logrando por medios pacíficos librar de la tala indiscriminada de decenas de miles de arboles que siguen proporcionándoles sombra y recursos para su desarrollo como comunidad.

Aunque su actividad sigue estando enfocada principalmente a preservar su entorno medioambiental también han desarrollado una serie de programas con un contenido social y sobre todo cultural.

A través de los que organizan una serie de festividades que inspiradas en ritos de origen hindu, consisten en que las mujeres se anudan con Rakhis amarillos o hilos sagrados alrededor de los árboles para reforzar su vinculo con ellos y proporcionarles protección. Ceremonia que se culmina con la lecturas del Bhagavad Gita, una serie de versiculos sagrados que invocan a sus deidades.

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Retrato colectivo del germen del movimiento eco-feminista Chipko en 1974

JUMP INTO THE FUTURE:

Recently, 2022 celebrated the 50th anniversary of the first conservation actions in the village of Raini, which were triggered by terrible floods that swept through the Alaknanda valley crossed by several tributaries and rivers. These had overflowed due to deforestation that had taken place years before. This led to the creation of the Chipko movement by a group of villagers.

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Recientemente en 2022 se han celebrado el 50 aniversario de las primeras acciones de conservación que se realizaron en la aldea de Raini y cuyo detonante fueron unas terribles inundaciones que arrasaron el valle Alaknanda cruzado por varios afluentes y rios. Los cuales se habían desbordado debido a la deforestación que se había producido años atras. Hecho que propicio que un grupo de aldeanos tomarán conciencia creando el movimiento Chipko.

En buena parte de las intervenciones del artista urbano Rone con sede en la ciudad australiana de Melbourne se observa una constante compartida, que vincula lugares inhabitados y sus arquitecturas con su faceta humana.

Aplicando tonos suaves transmite a través de retratos arquitectonicos diferentes emociones que en su momento experimentaron los residentes de los edificios y que tuvieron que abandonar en muchos casos de forma precipitadas debido a un siniestro o a un desahucio o simplemente a que se cesó la actividad económica que existía en las inmediaciones de la vivienda.

Creando una atmósfera donde la nostalgia y la incertidumbre dramatiza el conjunto, logrando transmitir de forma poética las experiencias que se vivieron en ese lugar en un determinado momento no hace mucho tiempo. Retratos cargados de nostalgia y elocuencia que sirven para rellenar vacíos arquitectonicos en edificios que languidecen.

Para su ultimo trabajo titulado Empty (vació) realizado a lo largo de los dos años en diferentes localizaciones de Melbourne, explora la relación entre la belleza y la decadencia. Para eso representa el rostro de diferentes mujeres en función de un contexto especifico, un teatro, una vivienda unifamiliar, o por ejemplo las viejas instalaciones de un balneario.

En este caso el escenario elegido es el recinto que albergaba, Art Nouveau Lyric Theatre edificio majestuoso que data de 1920, y que si nadie remedia será irremediablemente demolido. Un espacio que ya conocía Rone pues había estado explorandolo en diferentes ocasiones con anterioridad estudiando las posibilidades que brindaba.

Finalmente decidió acometer una transformación épica que comprendería no solamente su platea principal con su aforo, sino el resto de las dependencias. Un edificio en el que la primera vez estuvo experimentó un sentimiento que le abrumaba, presentaba una atmósfera tan fria, aquellos techos altos y los corredores en penumbra, que trataba de imaginarse los frecuentados por los artistas y el público que lo lleno durante temporadas.

El conjunto de murales está pintado sobre algunas obras de arte originales que solo se revelaron por accidente cuando decidieron limpiar la pared antes de pintarla. Corriendo a lo largo de ambos lados del espacio hay dos filas de piezas de arte colgadas que parecen flotar mágicamente en el aire. En el lado derecho doce retratos pintados, a la izquierda ocho fotos de las obras de Rone que se muestran en un contexto dramatico.

Una discreta mirilla mirando hacia el almacén negro de al lado reveló otro mural que se elevaba del piso cubierto de escombros. Las tablas tenían numerosos agujeros pequeños perforados en ella permitiendo que la luz perforara el vacío negro. Todo el espectáculo fue impecable, un verdadero testimonio al que dos mil personas que vinieron durante el fin de semana de su inauguración en el que se vendieron todas las obras.

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Las obras de la serie Empty en formato fotografía forman parte de una muestra itinerante cuya primera exhibición celebrada en Octubre del año pasado tuvo lugar en un hangar en desuso que estaba presidido por uno de los retratos realizado a gran escala.

Harta de las diputas con su casero por lo que consideraba el pago de un alquiler abusivo, Leonie Müller una mujer independiente y amante de los viajes entren. Decidió abandonar su vivienda habitual y su vida sedentaria.

Y experimentar con alternativas nómadas, en su caso decidió utilizar el magnifico servicios ferroviario de Alemania. Una extensa red que abarca todo el territorio alemán y que por unas tarifas relativamente economistas te permite recorrer todo el país conociendo lugares y relacionandote con sus pobladores, algo que adoptando una forma de vida convencional es practicamente imposible.

Equipada con una mochila y su ordenador personal desde el que actualiza su blog desde el transmite de forma detallada todas y cada una de sus peripecias. Leonie además ha podido constatar como su cuenta de resultados ha mejorado, debido al ahorro de hasta un 40% en relación que ha llevado hasta ahora y que le suponía un perjuicio importante, facturas, tasas, averías que con su nuevo estilo de vida han desaparecido.

Aunque en principio Leonie tan solo ha planificado un año viviendo en tren, que compagina con breves instancias en determinados destinos, no descarta prorrogar la experiencia siempre y cuando lo pueda compaginar con su faceta laboral.

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A punto de finalizar su año sabático ferroviario, Leonie hace un balance muy positivo, según ella sus vivencias al bordo de tren le han supuesto un enriquecimiento a nivel personal. Habiendose dado cuenta de lo vacía que suponía vivir una vía anclada a un mismo lugar.

La iniciativa del colectivo Lata 65 significa literalmente (Mas de 65), y se trata un proyecto singular que utiliza el arte como expresión urbana. Teniendo objetivo desarrollar una herramienta que potencia la expresión creativa en el espacio publico.

Y cuya pedagogía social se basa en técnicas que han sido diseñadas, especialmente para ser destinadas a las personas mayores de 65 años. Dándoles la oportunidad de transmitir a las generaciones mas recientes una serie de valores.

A través de los que conocer su realidad así como sus inquietudes y preocupaciones. Armados con sprays de colores y debidamente protegidos, los miembros de este colectivo realizan intervenciones en festivales. En los que aparte de realizar sus murales.

Se relacionan conociendo una diversidad de realidades, que de otra forma les serian ajenas. Esta iniciativa que tiene su origen en Portugal, presenta un matiz que tiene que ver con el genero de sus miembros. Pues la totalidad de sus participantes son mujeres, comunidad que tras reunirse en asamblea regularmente deciden los temas sobre el versara sus futuros trabajos.

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Conocidos por haber participado en la ultima edición del festival de arte urbano WOOL. Los integrantes del colectivo Lata 65 tienen la oportunidad de dar rienda a sus ideas en un entorno abierto como es el espacio publico favoreciendo su relación con todo tipo de publicos.

LATA 65 | workshop de arte urbana para idosos from wool on Vimeo.

En New York cada día se pueden disfrutar de miles de actividades pertenecientes a diferentes ámbitos creativos. Siendo el espacio publico un escenario donde tiene cavidad casi cualquier iniciativa creativa.

Pasando muchas de ellas desapercibidas Flor de Toloache es un documental, que recoge las actuaciones de un elenco de mariachis un tanto peculiar. Ya que al contrario de lo que es habitual se trata de un grupo compuesto integramente por miembros pertenecientes al sexo femenino.

Producido por Jenny Schweitzer, la cinta se centra en como un grupo de mujeres realiza una actividad considerada tradicionalmente de hombres. recogiendo actuaciones e impresiones relativas a los perjuicios y suspicacias que en ocasiones supone su presencia. Perteneciente al proyecto audiovisual Rhythm in Motion, se trata de una serie que describe la frenética actividad musical que en una ciudad como New York se puede encontrar.

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En Flor de Toloache se relata la vida de un grupo de mujeres, que compaginan sus actividades privadas con su participacón en un grupo de mariachi

Bring the Sun home nos muestra en imgenes una experiencia colectiva, donde a pesar de las diferencias culturales, un grupo de alrededor de quinientas mujeres. Conviven durante varios meses intercambiando conocimientos.

Con el objetivo de adquirir la autonomía energética óptima, que posteriormente ya en su hogar poder trasladar a los miembros de sus respectivas comunidades. Desarrollando soluciones renovables en forma de instalaciones fotovoltaicas, con las que poder cubrir sus necesidades domesticas.

Filmado por los cineastas Chiara Andrich y Giovanni Pellegrini, el documental que se alzo con el primer de la ultima edición del Festival de Cine y Derechos Humanos de San Sebastián. Nos narra el viaje de estas desde sus aldeas situadas en aldeas remotas de América del Sur, y su posterior periodo de formación en la India donde completaron su formación.

Patrocinado por la compañía italiana de energías renovables Green Enel Power, se trata de una iniciativa que culmina un proyecto. Que trabajando sobre el terreno proporciona las herramientas y equipamientos adecuados a través de los que sus miembros puedan empoderarse energeticamente.

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Bring the Sun home es un trabajo que supone un canto a la vida, en el que las energías renovables y los valores humanos. Se personifican a través de un grupo de mujeres y de las comunidades que representan.

Lejos de lo que pueda parecer, es recomendable, incluso vital desde un punto de vista creativo que las circunstancias que observas en tu entorno y con las que de forma mas o menos habitual o proxima te relacionas, ademas de sus diferentes estados te afecten en tu labor artística.

De hecho suele ser este cumulo de estados producto de la relación que se establece con el medio lo que detona los mecanismos expresivos. Esta circunstancia se acentúa mas si cabe, cuando las condiciones tanto subjetivas como objetivas se despliegan en un entorno muy adverso.

Shamsia Hassani tanto por su condición de mujer como de artista, serian dos características que en cualquier país occidental no deberían plantearle mayores problemas. Pero esta percepción se transforma radicalmente cuando se ahonda en su biografía. Nacida y residente en Kabul capital de Agfanistan.

Un país inmerso en un conflicto bélico desde tiempo inmemorial, y que debido a la interpretación extremista que buena parte de su clase dirigente realiza de la ley islámica, la mujer como entidad social ve reducida y reprimida su movilidad, limitándose en la practica totalidad de los casos al ámbito domestico.

A pesar de estas precarias condiciones Shamsia licenciada en bellas artes, (lo que la convierte en un rara avis en su país) ha conseguido desarrollar una fecunda actividad artística. La mayor parte de esta trayectoria realizada utilizando como vinculo expresivo el espacio publico. Y en cuyas intervenciones se observan continuas referencias a las costumbres de su país y a las arbitrariedades de cuyas principales victimas, son aquellos colectivos mas vulnerables.

Situaciones dramáticas cuyo tratamiento tiene que ser abordado de forma muy sutil para no despertar suspicacias entre las autoridades, y en las que los colores a pesar de lo que se podría imaginar. Suponen una nota de optimismo y vida, transmitiendo un mensaje donde se cruza la humanidad y la esperanza en un futuro que en la mayoría parte de la ocasiones muestra su cara mas desalentadora.

Hassani nacida en 1988 pasó su infancia en Irán; sus padres habían emigrado temporalmente allí, desde Kandahar, Afganistán durante la guerra. Hassani mostró interés en la pintura desde muy joven. Mientras que en el noveno grado, Hassani carecía de acceso a clases de arte, ya que no estaba permitido a los afganos en Irán. A su regreso a Kabul en 2005, se graduó en artes en la Universidad de Kabul obteniendo un grado en artes visuales.

Hassani representa principalmente imágenes estilizadas y monumentales de mujeres que usan burkas. De acuerdo con el artista, "Quiere mostrar que las mujeres han vuelto a la sociedad afgana con una forma nueva y más fuerte. Es una mujer nueva. Una mujer llena de energía, que quiere empezar de nuevo". Intervenciones con las que su autora trata de enfatizar la situación extrema en la que viven millones de mujeres en Afganistán; por eso uso mis pinturas como un medio para recordar a la gente. Pero otorgandole una interpretacion que a pesar de su dramatismo trata de mostrar a una mujer que sobrevive mostrando su lado mas humano y esperanzador.

En un ejercicio de simbiosis la artista Laurent Seroussi, representa diferentes tipos de mujer conectándola con su parte animal.

Para eso selecciona diferentes especies del orden taxologico de los insectos y emulando animales de la mitología griega, describe su particular concepto de la evolución. En este caso mediante organismos híbridos que se inspiran en la naturaleza.

La serie de fotografía titulada Insectes. Muestra a modelos posando con elegancia en las que el corte del vestuario es sustituido por los patrones y motivos propios de tejidos orgánicos.

Evocar a un país como Ruanda suele responder a connotaciones, cuyos acontecimientos mas conocidos nos hace sentir una mezcla de estupor y vergüenza por nuestra condición de seres humanos.

Pero mas allá de sus diferencias étnicas, producto de un pasado colonial cuya época, se caracterizo por exacerbar las diferencias entre las etnias mayoritaria que lo componen.

Es un país que desea dejar atrás su pasado, para lo que se esta apoyando en la principal riqueza que tiene como país; su gente, su historia y su diversidad y patrimonio natural. Diseñado por el estudio de arquitectura de Sharon Davis con sede en New York.

Quizás a ojos de un extraño parezca inverosímil el hecho de que un arquitecto que trabaja con parámetros occidentales, pueda concebir un edificio cuyas especificaciones estructurales y funciones sociales. Se adapten a la indiosincracia local.

Situado en una parcela en las afueras de Kayonza, un poblado que dista a 150 kilómetros por caminos polvorientos de la capital Kigali. Levantado sobre una parcela rodeada por cactus y vegetación baja, sobre la tierra arcillosa y urbanizados con jardines bordeados por senderos enlosados.

El nuevo y famante Centro de oportunidades para mujeres de Kayonza, es un claro ejemplo de arquitectura producto de las tipologías locales y el empleo de materiales de construcción tradicionales como el adobe o la hoja de palma.

Y otros importados como son los ladrillos o el metal en una mezcolanza que permite, conservar la identidad propia del lugar incorporando nuevos usos foráneos.

Siguiendo un modelo ancestral los pabellones se alinean como las chozas tradicionales de la tribus que han poblado durante miles de años creando un vinculo estético. Que se completa con un diseño cuyas formas están inspiradas por estas comunidades nativas. A los que se han añadido unas instalaciones de energía y tratamiento de agua autónomas que facilitan su operatividad.

El proyecto que es producto de la colaboración de las autoridades locales y la organización no gubernamental Women for Women International. Tiene como propósito promocionar los valores de las mujeres con las que trabaja, mediante el desarrollo de programas acordes con las necesidades planteadas por los miembros de las entidades locales.