Nomada Q : maqueta

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La posibilidad de habitar en comunidades flotantes en el espacio, megaciudades interestelares construidas artificialmente para albergar comunidades de cientos de miles de habitantes, con las que colonizar otros universos.

Es un anhelo y escenario que se ha representado innumerables veces a través de narrativas alimentadas por la ficción y de las que se nutre el imaginario colectivo. Un mecanismo de evasión al que se ha recurrido infinitas veces para tratar de vislumbrar como seria habitar otros mundos mas allá de nuestra vía láctea.

La artista Nina Lindgren se inspira en la iconografía y diseños de una de las primeras y mas emblemáticas producciones de cine dedicadas al genero de la ciencia ficción como es Metrópolis obra iniciativa de Fritz Linz. Para describirnos su propia versión de los hechos.

Su propia interpretación de lo que sería abordar el colonizar un planeta en principio desconocido, inhóspito y hostil para los seres humanos. Y de como sería la major manera de abordar este desafío desde una perspectiva adaptativa, contemplando este paso evolutivo en la historia de la humanidad desde una óptica subjetiva.

Realizado con laminas de cartón refrzado, las arquitecturas en las que se basan la ciudad de flotante de Floating City. Sin embargo poco o mejor dicho nada tiene que ver con la imagen futurista que transmiten las películas, siendo por el contrario de formas muy reconocibles e incluso se podrían consideradas cotidianas.

La escultura se expuso por primera vez en una galería de arte de Copenhague en la primavera de 2014. Cuando el evento llegó a su fin, la escultura no aparecía por ninguna parte. Aún no está claro qué ocurrió realmente; si fue robada o simplemente tirada a la basura. Por lo que se volvió a construir. No son visualmente idénticas en los detalles, pero no deja de ser la misma obra de arte: fue reciclada y renació.

Producto de los viajes realizados por Nina, ella se inspiró en estilos como el Brutalismo y su estética sobria y texturas y geometrías contundentes. Conjunto de propiedades que traslado y represento en un volumen producto de la forma arquitectonica que funcionarían como islas autónomas, las cuales podrían permanecer en un mismo sitio por un determinado intervalo de tiempo o desplazarse en el espacio en busca de un nuevo destino en el que prosperar.

Cuantas veces hemos imaginado que viajábamos en el tiempo, u orbitabamos alrededor de la luna. O buceábamos en las profundidades descubriendo los restos del Nautilus que aparecía en 20.000 leguas de viaje submarino.

El ilustrador y artista Chris Spollen, realiza un trabajo mas elaborado se cabe. Donde el fetichismo y la arquelogia constituyen su pasión por el diseño de todos aquellos prototipos, que a lo largo de la historia se han construido. Pero que por diferentes razones nunca han llegado a ser comercializados entre el gran publico, provocando en muchos casos un autentico descalabro entre sus inventores.

Reproducidos mediante ilustración o a escala en maquetas. Cada trabajo viene precedida de un arduo trabajo de documentación, cuyos resultados Chris recrea de forma artística. Con lo que consigue piezas que combinan la estética surrealista que suscita la imaginación, y una labor didáctica de divulgación a través de lo que recupera proyectos en muchos casos olvidados.

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Las pinturas que forman parte de la serie titulada Down Roots (echando raíces) realizadas por la artista con sede en la ciudad americana de Cleveland Amy Casey, nos muestra una ciudad que se urbaniza a partir de una combinación de formas orgánicas.

Y donde su materia biológica es sustituida por materiales artificiales. Realizando trayectorias caprichosas que incitan a perderse en un laberinto formado por cientos de calles y edificios apilados, adoptando una arquitectura de efecto masivo.

Que monopoliza la atención del espectador, posición activa que le introduce en el intricado callejero formado por planos superpuestos. Que recorre con la imaginación buscando una salida de la ciudad flotante al borde del colapso.

En el vídeo que completa la serie y que se puede ver integramente AQUI, invoca al arte como terapia para enfrentarse a las catástrofes inevitables a las que todos nos expuestos alguna vez durante nuestra vida.

El tsunami del Océano Índico de 2004, por ejemplo, cuyo dramático episodio la afectó profundamente, debido a que tenía amigos en Tailandia en esos momentos.

Aparte nos muestra el minucioso proceso de elaboración de cada lamina en la que utiliza fotografías de edificiós, mediante las que Casey representa pequeñas ciudades imaginarias. Reconstruyendo un paisaje cercano con el que se relaciona y a través del que visibiliza las vulnerabilidades humanas.

Actualmente se puede visitar en la Flach Gallery de New York la exposición titulada From Where the Sun Now Stands (algo así como De donde el sol se ubica actualmente).

Realizada por el artista sueco Andreas Johansson, la exhibición la conforman seis libros pop-up, en los que se recrea un mismo lugar, desde diferentes perspectivas. El paisaje reproducido es un paraje industrial de la que es considerada la ciudad mas ecológica posible como ser Växjö en Suecia.

Donde Johansson cuando era joven practicaba skate y realizabas graffitis. Aqui podéis ver un vídeo de los libros. Un lugar donde Andreas se sentía atraído por los espacios industriales y desolados. En su imaginación, estos lugares podrían transformarse en collages que captan la esencia de la evasión y la ensoñación.

Se trata de un encuentro radical y fascinante que se produce entre el carácter inocente, el libro troquelado o 3D de los niños, y las connotaciones del medio ambiente en relación con la arquitectura. Andreas Johansson ha trabajado durante mucho tiempo con los collages a partir de fotografías reproduciéndolos en maquetas.

El poético título, "From Where the Sun Now Stands", nos invita a explorar nuestro entorno desde una perspectiva más amplia. Señala simbólicamente hacia el sol, subrayando un punto de vista universal. La nitidez de las imágenes de Andreas resalta cada detalle, aunque la fuente de luz siga siendo misteriosa y sin identificar.

Lugares de la memoria con los que has mantenido un vinculo sentimental y que emergen del tiempo. La trayectoria artística de Andreas Johansson comenzó con los collages, en los que desmontaba meticulosamente fotografías y reconstruía nuevos entornos. Estos collages evocan una sensación de familiaridad, que recuerda a lugares que todos reconocemos.

La primera imagen que me vino a la cabeza cuando vi por primera vez las maquetas cibernéticas del artista italiano Franco Recchia, fueron los fotogramas de una película ya mítica en la historia del cine de ciencia ficción como es Blade Runner.

A partir de la reutilizacion de componentes de ordenador elabora sus instalaciones arquitectónicas. Fuentes de alimentacion que se convierten en rascacielos, micro chips con el que se construyen edificios, memorias ram que apiladas componen la estructura de bloques de viviendas, unidades de cd/rom, carcasas, ventiladores, tarjetas de sonido...

Cualquiera de los componentes que integra un equipo informático, tras desmotarlo y hacer una selección minuciosa se transforman en material de construcción. En piezas con las que construir y urbanizar un espacio que aflora en la imaginacion de su creador.

Con un precio que oscila entre los 2.400 y 8.000 dolares, dependiendo del modelo puedes adquirir uno de sus reproducciones. O en caso de no disponer del suficiente dinero como para disfrutar de una sus maquetas en el salón de tu casa.

Recchia desmonta ordenadores viejos y utiliza sus partes para crear ingeniosos nucleos urbanos. Esculturas tech-junk que actúan sobre la memoria del observador y sus rcuerdo.

Cerrar los ojos y pasear de forma metaforica por avenidas, pavimentadas con cintas de transmisión de datos. O poder contemplar como el ocaso baña las paredes de acero de los edificios que recortan el skyline de estas ciudades computerizadas.

Algodón para las nubes, cartón para recrear las montañas, madera, goma espuma, pinturas, corcho, resina. Basicamente materiales cuyo origen es el reciclaje, además de otros más propios del ámbito de las artesanías y de las manualidades.

Son solo algunos de los que emplea el fotógrafo freelance Matthew Albanese residente New Jersey para realizar sus elaborados paisajes oniricos. Unos buscan su paraíso particular recorriendo con su cámara de fotos a cuestas los mas inhóspitos lugares.

Mientras que otros como Matthew Albanese se inspiran en coordenadas visitadas en múltiples viajes, para después en un estudio reconstruirlos a escala. Pero eso si dándole su toque personal.

Primero empezó con accidentes geograficos sencillos como los picos de las montañas que veía en las revistas de fotografía, a los que fue añadiendo contenidos que presentaban mas dificultades. Debido a la cantidad de elementos que contenía la composición de cada nuevo proyecto que emprendia.

Todo este ingente trabajo con un único objetivo lograr engañar al ojo del espectador que lo contempla extasiado, haciéndole creer que esta asintiendo un paisaje real, y que no es fruto de su imaginacion.

En algunos de sus maquetas ha invertido hasta seis meses de tiempo, pues en palabras del autor cada proyecto es mas elaborado que el anterior. Hay que realizar un boceto, disponer los materiales, ubicar las luces que técnicamente representa un elemento crucial en su trabajo. Escoger los filtros de la cámara que empleara para las diferentes tomas que hará de las maquetas, asi como las texturas y los tonos que empleara en cada maqueta.