installation performance
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Allegory - Sheltree


Cada año coincidiendo con las fechas navideñas el Ginebra Light & Trees Festival, una cita en la que presentan proyectos que combinan la iluminación y su relación con la naturaleza en el ámbito urbano, convirtiendo la ciudad Suiza en una exhibición donde el arte en sus múltiples manifestaciones adquieren un carácter lúdico.

Entre la actividades se organiza un concurso informal en el que los ciudadanos deciden cual es la mejor propuesta. En esta edición el proyecto elegido como vencedor, ha sido el presentado por el estudio Allegory y su instalación Sheltree.

Se trata de aprovechar los ejemplares con mayor calibre para adaptandoles una sombrilla que proporciones sombra y protección tanto en los días calurosos como frente a los rigores del invierno. Completando Sheltree integra un sistema de iluminación LED que proporciona luz artificial activándose mediante un sensor cuando se cierne la oscuridad desplegando diferentes colore en función de la estación del años.

Naomi Natale - One Million Bones, una alfombra de un millón de huesos para denunciar los muertos en Africa


El National Mail (Paseo Nacional) en Washington DC, quizás sea el lugar del mundo con mas connotaciones y carga simbólica en términos políticos. Escenario de alocuciones históricas como las realizadas por estadísticas de la talla como Kennedy, Luther King o el mas reciente Barack Obama con su ya celebre "Yes we can". 

Representa por lo tanto el ágora donde se convocar todo tipo de manifestaciones, a través de las que reinvidicar y demandar  sobre una diversidad de causas. Anunciado en 2.011 el proyecto One Million Bones es una propuesta que mezcla el activismo y la expresión artística desde un enfoque colectivo.

Con un fuerte componente social, se trata propuesta gestionada por la artista y activista Naomi Natale, que sensibilizada por los millones de muertes ocurridas como consecuencia de los conflictos y genocidios. Perpetrados principalmente en países africanos con Sudan, Somalia o República del Congo.


Lista a la que se podrían añadir Ruanda o Sierra Leona entre otros muchos. Llevada a cabo el pasado 8 de Junio, los cien metros de ancho con los que cuenta el paseo, se alfombro con un millón de huesos fabricados con diversos materiales. 

Los elementos óseos pertenecientes a diferentes partes del cuerpo tenia un valor economico, precio que oscilaba, dependiendo del material con el que estuviera hecho y de su tamaño. Naomi Natale es una artista que cuenta con una larga trayectoria en una diversidad de ámbitos creativos haciendo desde instalaciones, fotografias, o piezas de arte más formal.


Artífice de The Cradle Project (Proyecto Cuna), una instalación a gran escala con la que pretendía llamar la atención y recaudar fondos para los 48 millones de niños huérfanos que se calcula que existen en el África subsahariana. Naomi ha recibido numerosos premios, incluyendo un TED Principal Fellowship.



One Million Bones es un proyecto que forma parte de la iniciativa El arte de la Revolución, una organización dedicada a aprovechar el poder del arte para inspirar el activísimo. Utilizándola como herramienta con la que atraer y movilizar a las comunidades en torno a un tema específico de justicia social. 

Ofreciendo una forma tangible para que las personas se conecten a través del arte. Esta intervención de efecto masivo y ejecución especifica en el espacio publico, contó con dos experiencias previas realizadas en las ciudades de Alburquerque en el estado de Nuevo México y en New Orleans en 2.011 y 2.012 repectivamente. 

Su realización que contó con la participación de miles de voluntarios, representando a los miembros de las razas y etnias implicadas en los diferentes conflictos a los que pretendía rendir un sentido homenaje solidario. One Million Bones es una instalación de arte que a través de expresiones que se caracterizan por su compromiso social.

Pretende aumentar la conciencia acerca de los genocidios en curso y violaciones de derechos humanos que se siguen produciendo en el mundo de hoy. La pieza visualmente impactante ofrece un millón de estructuras en forma de huesos humanos, realizadas de forma artesanal con materiales como la arcilla, el yeso, elpapel y otros materiales creando un conjunto escultórico que se asemeja a una fosa común simbólica.


Alfredo Omaña - El Jardín Encendido


El Jardín Encendido (ON) es una intervención que combina materiales orgánicos transformando en paisaje interior el hall de la facultad de filosofía  Universidad de León en España, y sonidos extraídos de la naturaleza. 

Teselas de césped alfombra el patio interior de la facultad en relieve la palabra ON(encendido), da la bienvenida a los estudiantes y catedráticos de forma inesperada que recorren las instalaciones tratando de evitar pisar la extensión que ocupa la totalidad de la plaza central.

La intervención realizada por el artista local Alfredo Omaña supone la ocupación de una superficie de 311 metros cuadrados. El artista ha jugado con el factor sorpresa, ya que desde la perspectiva de la instalación el observador solo contempla una extensión de césped, es cuando accede a la planta superior cuando se muestra en relieve el termino ON.

Montado en tres días de intenso trabajo, El jardín encendido forma parte de las actividades de la XIX edicion de la muestras El Hall Transformado, pudiendo ser visitada  hasta finales de mayo/principios de junio siendo la entrada libre.  El jardín encendido pertenece a una serie en la que el autor trabaja desde hace años bautizada como ArtGarden.

Aunque de forma ordenada la extensión de césped natural coloniza el pieza rectangular ofreciendo una doble perspectiva del enunciado, dependiendo de la posición desde donde se situé el observador. La experiencia se completa con una banda sonora compuesta por trinos de diferentes especies de pájaros.

Joe O'Connell y Blessing Hancock - Ballroom Luminoso, esferas que iluminan la herencia Mexicana en Texas


Colgadas del reverso de un puente de acceso a la localidad de San Antonio perteneciente al estado norteamericano de Texas. Seis lamparas esféricas realizadas con deshechos de bicicletas usadas brillan en la oscuridad.

Los engranajes de acero de las bicicletas se alternan con motivos realizados en orfebrería que reproducen simbolos de las numerosas comunidades hispanas, que residen en la zona y se dedican actividades agrícolas.

Hechas por los artistas Joe O'Connell y Blessing Hancock, las esferas luminosas giran proyectando los motivos representados en el techo del puente iluminándolo con diferentes colores emitidos por los diodos LED.


Creando una sensación de movimiento que a la vez va narrando una historia dramatizada relacionada con el acervo cultural hispano, proyectado por una comunidad ascendencia mexicana cada vez más presente en este área de los Estados Unidos.


Titulada Ballroom Luminoso (Salón luminoso). Se trata de una instalación que hace referencias a la cultura prehispánica de la zona muy influenciada por las comunidades de inmigrantes mexicanos. Que se han ido asentado sobre todo en el sur del estado norteamericano.


Tanto en el presente como en el futuro a través del diseño de los medallones decorados con detalle. Las imágenes talladas en estos mismos medallones se basan en la historia de la población agrícola,  de herencia hispana y el movimiento ecologista que se ha desarrollado paralelamente a su presencia.   

 Joe O'Connell con formación técnica y el escultor Blessing Hancock, crean instalaciones en donde combinan materiales de deshecho y tecnología a través de las que tratan de interpretar la realidad que les rodea. Cada proyecto que emprenden implica la realización de un estudio previo en el que se explora el significado de la materia relacionandola con el argumento que motiva la escultura y su paisaje humano y natural.

Florian Riviere, jugando con la ciudad desde una óptica participativa y creativa


El artista frances Florian Riviere concibe el espacio publico y el mobiliario que lo puebla como elementos para introducir dinámicas en las que la participación sea la característica principal. 

Con esta prioridad y en este contexto las propuestas de Florián actúan en los lugares comunes transformando un paisaje urbano en desuso y esteril, en un lugar de alto rendimiento social y creativo. En el que sus beneficiarios aportan su granito de arena.

Con el objetivo de crear una diversidad de equipamientos de uso comun, como por ejemplo instalaciones deportivas, espacio didácticos o zonas verdes en las que poder organizar actividades lúdicas en las que el ciudadano participar dándole un nuevo valor a ese espacio publico. 

Experiencias en su mayoria de carácter especifico y efímero exploran las posibilidades funcionales de la calle ampliando sus posibilidades de uso. Proyectos con los que enriquece esos lugares en principio estancos, añadiendoles ciertas dosis de humanidad.
 

La calle de esta forma amplia su status prestandose a la improvisación. El lugar de paso se transforma en un laboratorio de ideas, donde se puede experimentar y ser creativo, contribuyendo a crear mecanismos democráticos a través de los que los miembros participantes deciden cuáles son las medidas que se deben adoptar.

Sus intervenciones localizadas entre la expresión militante y el diseño del espacio público activista, poseen  la particularidad de ser espontáneas.


Florian Riviere se define como "hacker urbano". Estableciéndose desde 2008 a 2012, en la ciudad francés de Estraburgo donde creo colectivo el Créative Democracy. Inspirado por los hackers y la cultura urbana se centra en crear estrategias a través de la que estimular la participación ciudadana. 



Sun K Kwak, cinta adhesiva y cuerpo


Empleando como único material expresivo cinta adhesiva (casi siempre en tono negro), la artista con sede en New York Sun K Kwak, describe sobre las paredes emociones cuyo lenguaje se proyecta a partir de sus gestos corporales. Como medio, la cinta adhesiva negro se desplaza libremente entre dos y tres planos dimensionales. A través de la flexibilidad y la accesibilidad de la cinta ordinaria designa los trazos como una extensión de su cuerpo. 

 El proceso representa su esfuerzo por unirme con el medio, ya que se abre paso sin obstáculos a través de diversos espacios visuales y ambientales. Transferido a las líneas negras el dinamismo de múltiples energías generadas entre la idiosincrasia de la arquitectura y su entorno. 

 Nacido en Korea, Kwak fue educada formalmente como pintora. Durante su curso de estudios en Nueva York, desarrollo su técnica única de trabajar a mano alzada con cinta adhesiva, dibujando directamente sobre las superficies de los espacios arquitectónicos como escaleras, vestíbulos de los edificios públicos, pequeñas galerías de arte, y las fachadas de los museos donde expone. Sus instalaciones crean espacios y experiencias que se encuentran a medio camino entre el dibujo y la escultura.


 

Tsang Kin-Wah - Ecce Homo I, un análisis de la prensa y sus segos


Ecce Homo I forma parte de una serie compuesta por tres instalaciones, a través de las que el artista chino Tsang Kin-Wah realiza algo tan inusual como un análisis de los elementos implicados en un proceso judicial. 

Utilizando como medio de expresión diferentes tipografías que se cruzan sobre el plano blanco de unas paredes que dan forma a unas habitaciones desnudas de mobiliario, en las que únicamente hay varios espejos. Los cuales reflejan los conjuntos de letras desordenadas.

Los cuales representan conceptualmente una metáfora de la confusión que a veces tiende a provocar la prensa tanto la tradicional, como la que se ha incorporado debido a los nuevos nichos informativo que ha supuesto la irrupción de la era digital. Suceso que paradojicamente lejos de pluralizar el acceso a los flujos de información enriqueciendo el contexto que se ofrece de la misma, la ha empobrecido.


Realizadas a lo largo de 2011, Tang reflexiona sobre el papel de los entes mediaticos y su influencia en el desarrollo de cualquier tipo de causa jurídica. Al mismo tiempo, trata de representar las emociones del sujeto que está siendo objeto de juicio, y la atmósfera densa y tensa a lo largo de todo el proceso. 

 Exhibida en 2012 en la sede que alberga la programación de Pearl Lam Gallery en Hong Kong. Inspirada en los sucesos  que precipitaron el derrocamiento y posterior juicio sumarísimo que supuso la ejecución del dictador comunista Nicolae Ceausescu, el cual gobernó Rumanía hasta la caída de la Unión Sovietica.


Tomando como fondo documental la casi mitológica frase Ecce Homo, utilizada por Poncio Pilato para sentenciar a Jesús en público antes de la crucifixión, la cual sirvió de inspiración para titular uno de los más manuales marxistas que más se consultan escrito por Nietzsche y que especula sobre el juicio final de Jesús y la filosofía de Nietzsche, los partes de prensa y las imagenes de televisión que se emitían de forma torrencial y en la mayoría de las ocasiones desde una optica sesgada y escasamente rigurosa, del derrocamiento de uno de los dictadores comunistas más déspotas de la antigua CCCP. Critica el papel de la prensa en la actualidad y su deriva idiologica. 

En este proyecto in situ se explora el tema del juicio y, en particular, la complejidad moral a la la hora de describir los hechos que acontecen de forma objetiva. Y hasta qué punto compromete nuestra dignidad como seres humanos. Tsang obliga al visitante a participar en la obra incitandole a la reflexión consciente en calidad de observador, pretende a través de la empatia ponerse en el lugar del otro y cuestionarse sus perjuicios morales.


Jon Kessler - The Web, el individuo frente a la tecnologia y su folklore


The Web es la instalación del artista Jon Kessler se trata de una experiencia en la que el elemento principal es la tecnología, intervención con la que el autor quiere mostrar hasta que punto influye en nuestros habitos y nuestras relaciones sociales todo lo relacionado con la era digital. 

Compuesta por elementos digitales, cinéticos y pantallas de ordenador alojadas dentro de una estructura de madera. En la que Kessler ha montado iPads, iPhones y otros equipos de Apple, mientras que las cámaras de vigilancia giran hacia atrás y adelante sobre soportes rotatorios.

Creando un perímetro supuestamente seguro que sin embargo no puede evitar que se oiga el zumbido silencioso de la maquinaria, que se ve interrumpida por el sonido emblemático de inicio un ordenador de Apple. El cual nos alerta como visitantes de que estamos inmersos en la nueva epifanía del siglo XXI.


En exhibición hasta el 28 de Abril en el Swiss Institute Contemporary Art de New York. Los visitantes también pueden descargar una aplicación para el iPhone, para poder exhibir las imágenes de su teléfono en los monitores. 


Monitores de televisión que apilados crean un caleidoscopio de imágenes, en el que los visitantes sin que ellos sean conscientes aparecen formando de una narrativa donde su identidad deja de ser anomima para a ser de dominio publico.


En las obras de Kessler a menudo se trata las relaciones sociales en un contexto contemporáneo, y la influencia de la tecnología y su utilización política desde  un punto irónico. Creando un relato crítico a la vez que comprometido en el que recurre a modos de presentación donde utiliza materiales de deshecho.


Convirtiendo la sala en un salón tecnológico de los espejos, el montaje de vídeo en directo y grabado produce un bucle confuso de personas que se observan a sí mismos y de paso a los demás. Mientras que ellos también son vigilados por esas mismas cámaras.

Jon Kessler empezó su trayectoria como becario en el instituto Guggenheim, en 1996 ocupo plaza como profesor en la Escuela de la Universidad de Columbia de las Artes. Esta actividad docente la ha compaginado con su carrera como artista exponiendo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1986), el Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh (1991), y el PS 1 en Nueva York (2005), entre otras. 


 

Halil Altindere - Carpet Land


Formado por miles de alfombras persas, la instalación Carpet Land del artista turco Halil Altindere se extiende en una superficie de terreno, donde tradicionalmente hortalizas y que en el momento de extender las alfombras estaba en época de barbecho. 

Aunque en un principio puede parecer un ingenioso montaje fotográfico, para su producción se preciso el apoyo logístico de una grúa y varios operarios de apoyo, que ayudaran a su autor a desplegar todas y cada una  de las alfombras que a modo de collage sustituyendo los elementos del paisaje original camuflando su fisonomía.

Nacido 1971 en la localidad de Mardin en Turquía. Halil es el editor y el redactor en jefe de revista de art-ist Contemporary Art Magazine de Estambul. Habiendo participado en la Bienal de Kwangju, Corea 2002, Bienal de Sao Paulo de 1998 y en la Bienal de Estambul de 1997.  Las primeras obras de Altindere Halil se caracterizan por una resistencia contra los regímenes represivos que representación al Estado turco. 

Sus manipulaciones de documentos oficiales, tales como billetes de banco, sellos y tarjetas de identificación dirigida a ridiculizar y subvertir las normas  oficiales de identificación. Recientemente, sus trabajos muestran un giro visible de las restricciones de la política representativa hacia un empleo que permiten incorporar momentos en la vida cotidiana empleando en su códigos humorísticos de las subculturas propias de su ciudad de residencia Estambul.

Ecologic Studio - HORTUS, creando formas de vida a partir de dióxido de carbono


Creada para la exposición organizada por Architectural Association con sede en Londres, la instalación interactiva HORTUS, propone al visitante participar en un experimento donde se mezclan elementos orgánicos, tecnologicos y energéticos.

Ingredientes que contribuyen al desarrollo de un entorno autónomo y donde el visitante se convierte en un cyberjardinero. Abierta entre el 14 de Enero y el 11 de Febrero de 2.012 la intervención  firmada por EcoLogic Studio (Claudia Pasquero y Poletto Marco).

Representaba un ente vivo que a partir de la utilización de las energías renovables y la agricultura urbana, y por un período de cuatro semanas. El intervalo de tiempo que necesitaban los flujos de energía (radiación de la luz), la materia (biomasa, dióxido de carbono) y la información (imágenes, tweets, estadísticas).

Para interactuar induciendo múltiples mecanismos de autorregulación y evolucionar creando nuevas formas de auto-organización. Compuesta por 325 bolsas transparentes o "fotobiorreactores" que contienen nueve tipos diferentes de algas, se mantienen colgadas de una catenaria hecha de material acrílico. Cada una tiene un largo tubo de plástico transparente por el que visitante sopla, nutriendo las algas con dióxido de carbono. 

Cada fotobiorreactor tiene un código QR conectado a un sensor, ​​que al ser escaneado por un teléfono móvil informa de su estado, teniendo la opción de mandarlo como Tweet, además se ha creado un entorno virtual donde se muestra su evolución y diferentes parámetros biológico relativos a su estado.
 

Zimoun - Cajas sonoras que representan las distorsiones de la globalización


Las esculturas sonoras del artista suizo Zimoun que pueden recordar a las instalaciones masivas de coetáneos con Ai WeiWei utilizan materiales sencillos para crear paisajes sonoros únicos que resuenan como mantras. Partiendo de una condición minimalista. 

Diseña y construye las estructuras mecánicas que crean un coro de sonidos fascinantes que desafían las expectativas de las capacidades sensitivas del espectador. Que agudiza el oído para tratar de descifrar los sonidos emitidos por una bola de algodón golpeando una caja de cartón,

Produciendo una frecuencia que dependiendo de su amplitud debe ser imperceptible para el oído humano. Las ideas que inspiran las instalaciones de Zimoun suelen surjir de situaciones cotidianas, de la experiencia que supone vivir en una gran urbe que adopta formas ambivalentes en un entorno en el que la contaminación acústica puede ser un problema. 


Zimoun recicla este malestar sonoro empleando medios minimalistas y de baja tecnología ofrece propuestas a las que incorpora narrativas inspiradas por la belleza y la complejidad de la naturaleza, así como por sus sistemas metabólicos, su función,  y el caos y el orden que representan. 


En el montaje de cada instalación del artista y músico suizo se emplea una media de ocho días, se trata de  procesos complejos en el que los componente y los mecanismos que lo forman siguen un esquema metódico de montaje. Este sofisticado funcionamiento contrasta con el efecto aleatorio en el patrón de sonido. 

 El golpeteo monótono con la acústica natural del material de cartón, creadas a través de simples efectos como los producidos por la liviana lluvia que se precipita golpeando sobre un fondo de papel vacío. Es esta superposición de ondas de sonido aleatorio y aturdido la que crea un murmullo casi neutral y relajado que perciben los sentidos auditivos. 

Pulsando rítmicamente, cada unidad reverbera creando una huella sonora singular y la vez sincronizada. Microestructuras temporales surgen y cambian, haciendose audibles a través de patrones creativos resultado de una expresión colectiva. 


Harmen de Hoop, la ciudad y sus posibilidades


El artista holandés  Harmen de Hoop utiliza el mobiliario urbano dotando le de funcionalidad, de esta forma el poste de una portería de fútbol, sirve de soporte para colgar una papelera, o un socavon en la acera se convierte en un huerto urbano donde cultivar hortalizas. 

El anonimato es un aspecto esencial de su obra, ya que tiene consecuencias en la forma en la que se experimenta. Se aleja de su creación, negando así al espectador el marco de referencia del "arte" conceptual. Una de las consecuencias del anonimato es la reacción que puede producir, en la intervención Basketball Court (Baloncesto justiciero) en Amsterdam. 

Harmen pintó las líneas de una cancha de baloncesto quedando incompleta debido a las características del lugar. Después de unas semanas el Ayuntamiento "repuso" la canasta que pensaba que faltaba. Más tarde, cuando se percato del equivoco elimino las lineas conservando la canasta.

Las intervenciones de Harmen abordan el problema de la escasez de espacio y la posibilidad de darle múltiples usos para su uso publico, proponiendo una reflexión donde la ironía y lo practico suscitan en el publico un sentimiento de asombro e hilaridad.

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