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Simon Laveuve, refugios distopicos para después del apocalipsis


Elevados sobre fragiles pilares las miniaturas del artista Simon Laveuve, ya sean refugios inaccesibles u otro tipo de objetos cotidianos como coches que parecen que han sido rescatados de un desguace cuando iban a ser convertidos en solidos bloques de acero.


No dejan de proyectar una poetica de la realidad con la que nos relacionamos en la actualidad, quizas esa percepción bohemia de estas miniaturas en descomposición este inducida por los detalles con los que Simon customiza sus piezas, como por ejemplo grafittis que describen momentos que de forma inconsciente te traslada a momentos de tu vida.


Un juego de vajilla que tras ser reciclado de una vieja casa de muñecas acaba formando de una pieza titulada The Navigator (2020), una versión post-apocaliptica de lo que su autor denomina refugios, y que mas bien podria interpretarse como una base petrolera que ha sido convertida en un parque tematico.


Que aislado en la bruma de la noche forma parte de un paraje surrealista. Percepcion onirica que vuelves a experimentar en la maqueta titulada Estación 9/4, que esta compuesta por una casa de madera destartalada habitada por alguien que sufre mal de diogenes, o que abrumado por una realidad decide aislarse acompañado por miles de objetos.

En sus maquetas el mensaje esta en los detalles

Obras caracterizadas por una sociedad donde casi es imposible distinguir entre información y ficción, formando una sintesis excesiva y confusa, que conduce al ocupante a una nemesis por el que opta por crearse un refugio. Priorizando aquellas cosas imprescindibles que le garanticen la supervivencia.


En un entorno cada vez mas hostil como son los viveres, o un minimo de mobiliario como una silla de jardin embardunada de hollin y que pese a su estado de avanzado deterioro destaca entre los  depositos de basura que combinados con los bidones oxidados por el hollin y la escasa vegetación.


Las piezas del artista Simon Laveuve, miniaturas hechas con materiales de reciclaje, describen lugares que son producto de explotar un imaginario distopico y elementos propios de la cultura de ficcion mas thrash. 


Que dispuesta de forma sutil dotan al conjunto de un aspecto que se podria ser definido por una combinación de estetica friki muy cutre y una atmosfera barroca muy decadente e inquietantes. En otras propuestas Simon apuesta sin embargo por ofrecer una versión mas amable e incluso lúdica de la realidad.


Donde el autor apuesta por practicas artisticas cercanas al pestiche y la artesania para abordar la exploración del rendimiento del reciclaje de objetos procedentes de muy diferentes naturalezas, con el pretexto de crear arquitecturas distopicas a una escala reducida y en ocasiones minimalistas.

Simon se inspira en su entorno más próximo, una realidad que después customiza

Como en L´Envol tambien de 2020, una pieza casi suspendida en el aire donde se representa una escena donde lo kafkiano y un particular sentido del humor, crean una escena protagonizada por un personaje que vestido con idumentaria de camuflaje incluido pasamontañas, vuela una cometa mientras asciende por una escalera de hormigon que apenas se sostiene en un armazon de acero.


Realizando una lectura de la realidad que navega entre el caos y la lirica, binomio que establece el artificio como elemento enigmatico a ojos del que tiene que agudizar la vista para apreciar sus obras, unas obras en las que este fotografo de formación que crecio en Paris donde trabajo en diferentes ambitos profesionales.



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Hasta que decidio aplicar estos conocimientos de composición incorporandoles  una serie de simbolismos y movimientos teatrales cuyas figuras centrales giran alrededor de temas como el habitat y la capacidad de adaptación, un enfoque cuyo relato emana de su trayectoria profesional. Asi como de sus experiencias residiendo en las ciudades dormitorio que en el extraradio de la capital Francesa, en las que paso buena parte de su infancia, etapa que sin duda ha influenciado en su obra con la que ha creado un Universo muy particular y seductor.

 



Federico Babina, una historia del cine a traves de las ilustraciones de sus directores mas iconicos


Contemplando los retratos cinematograficos de Federico Babina te preguntas hasta que punto la filimografia de un determinado director ha influenciado en la estetica de su creador y viciversa.


Como en otras muchas series dedicadas a los mas diversos temas, aunque a mi me atraen aquellas en las que inspirado por disciplinas creativas Babina se sumerge en la personalidad de los personajes retratados, creando ilustraciones que desconstruyen su obra a traves de aquellos elementos por los que se hicieron Universalmente conocidos.

Así por ejemplo en la serie titulada Archits City dedicada a reflejar la vida y obra de algunos de los mas representativos artistas plasticos del Siglo XX recurre a una estetica donde combina la corriente artistica por la que fue conocido con su interpretación  (en este caso arquitectonica.) De esta forma la villa que hubiera diseñado Picasso seria una version adelantada en el tiempo de algunos de los muchos edificios firmados por Frank Ghery el mas vanguardista de los arquitectos.


El retrato de Orson Wells recuerda por su atmosfera taciturna a los retratos del Greco

Y la casa soñada por Andy Warhol el maximo representante del Pop Art se traduciria en una vivienda de corte Modernista, en la que destacaria la fachada con una hilera de ventanas que tintadas en colores vivos reflejaria el espiritu hedonista y trangresor de su residente.

O en secuela, la serie Archidesign  en la que introduciendo una atmosfera  producto de combinar la estetica zen con la de la novela negra, Babina reproduce una sinergia similar que en la anterior pero en esta ocasión  realiza una analogia en el que la arquitectura de por ejemplo LeCorbusier se adapta a los criterios de un diseñador y tambien arquitecto contemporaneo como Van Der Rohe, en plena efervescencia creativa como  los hermanos Bouroullec.

Realizadas desde principios conceptuales diferentes las series de ilustraciones Archidirector, como la de retratos Directportrait de Federico Babina, rinden homenaje al mundo del cine a traves de una seleccion de sus principales directores.
   


En el caso de la serie de 2.018  titulada Directportrait aunque reedita algunos directores como Hicthcock, Lucas, Fellini o Bergman aparecidos en Archidire de 2015. Serie dedicada a rendir homenaje a algunos de sus directores de cine favoritos, Babina se centra en realizar retratos donde los rasgos de los nombres seleccionados se completan con objetos que hacen referencia aquel titulo emblematico que le catapulto al estrellato convirtiendole en un mito del celuloide.

Siendo un trabajo que complementa a las 28 laminas que componia Archidirector, y con las que Babina completaba un proyecto en el que tomando la arquitectura como hilo conductor mostraba su propia versión de diferentes corrientes arquitectonicas que marcaron la profesión en los ultimos cien años. 

Lamina perteneciente a la serie Archidirector dedicada al director de cine Tim Burton

Hibridandolos paralelamente con otras tantas manifestaciones creativas cuyo aparición y apogeo tuvieron lugar en la misma linea de tiempo, dando como resultado la creación de una versión hipotetica e intermedia de lo que finalmente conocemos. 


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Hay otros que se suman a tan ilustre galeria de maestros del celuloide (casi todos mas proximos en el tiempo), como son Tarantino, Almodovar o Allen, compartiendo casi todos una caracteristica comun aparte de la que (mas o menos) pertenecen a la misma orbita generacional. 


Siendo que su filimografia que comenzo con titulos que se consideraron en su momento ajenos a los canones del cine mas comercial, siendo calificados por un amplia mayoria de criticos como producciones alternativas, o directamente de culto. Ampliamente con el tiempo han pasado formar parte del selecto grupo de directores que conforman los pioneros del mundo del cine,  siendo retratados por Babina (como en una mayoria de sus encargos,) utilizando una gama de colores fuertes e intensos, con los que obtene unos semblantes que destacan por su dramatismo y donde el objeto que los acompaña simboliza su carrera. 



JUMP INTO THE FUTURE:


For his latest series entitled ARCHYOGA published this 2023 the graphic designer and graphic illustrator Federico Babina of whose singular works we have already offered you samples that you can see HERE and HERE. It combines the body language of yoga adapting the asanas to a diversity of architectural typologies. For this occasion he has also created an animated version that you can see from this LINK. A piece that visually maintains a lyrical yet intense rhythm thanks to the collaboration of the composition of the musician Cesc Miralta, who has created harmonious chords endowing the volumes with an evocation and symbolism that emerge when the human body interacts with the space on which it acts.



ALSO IN SPANISH:

Para su ultima serie titulada ARCHYOGA publicada este 2023 el diseñador gráfico e ilustrador gráfico Federico Babina de cuyos singulares ya os hemos ofrecido muestras que podéis verá AQUI y AQUI. Combina el lenguaje corporal del yoga adaptándolo las asanas a una diversidad de tipologías arquitectonicas. Para esta ocasión además ha creado una versión animada que podéis ver desde este LINK. Pieza en la que visualmente recurre a una narrativa coreográfica que mantiene un ritmo lírico a la vez que intenso gracias a la colaboración del composición del músico Cesc Miralta,  que ha creado unos acordes armoniosos dotando a los volúmenes  de una evocacion y simbólismo que afloran cuando el cuerpo humano interactúa con el espacio sobre el que actua. 




Syd Mead el creador visual de Blade Runner


Controvertido como pocos si hay un termino que define la trayectoria de mas de cincuenta años del diseñador industrial Sydney Jay Mead mas conocido por el seudónimo de Syd Mead, es de creativa. 

Aunque oficialmente comenzo su  carrera en el departamento de diseño de la constructora de vehículos Ford,  donde se le presumía un gran futuro como principal desarrollador de la nueva linea de vehículos que conducirían la nueva clase media American que ávida de consumo se desperezaba a principios de la década de los años 70´s del siglo pasado.

Sin embargo el bueno de Syd pensó que el destino no estaba escrito de antemano y decidió abandonar su puesto ejecutivo en la compañía automovilística, y montar su propio estudio de diseño, que tras un titubeante inicio como ilustrador de libros dirigidos a un publico  predominantemente infantil.

Enseguida llamo la atención de los grandes estudios de cine de Hollywood por su poderosa imaginación, para los que realizo numerosos encargos,  al comienzo aceptando pequeños proyectos que no transcendían en nada.
 
Prorotipo original diseñado por Syd Mead para el film Blade Runner

Para a mediados de lo que podríamos denominar su década prodigiosa realizar algunos de los diseños mas iconicos de la historia del cine, comenzando por los que quizás se consideren hasta aquella fecha los diseños de vehículos mas avanzados a su tiempo.

Y  es que los coches utilizados en el set de rodaje de la película Blade Runner, supusieron una innovación no solamente en términos de diseño sino que estábamos ante los primeros vehículos que violando las leyes de la termodinámica despegaban las ruedas del suelo en vertical se elevaban y tras levitar durante unos segundos.

Salia disparado a surcar el espacio hasta llegar mas alla de Orión, donde un caza recompensas interestelar tenia como principal misión reducir a un replicante que había tenido la odisea de cuestionar su condición de androide. Aunque siempre será recordado este antecedente.
 



Las colaboraciones del diseñador Syd Mead en diferentes producciones de Hollywood durante la década de los 70´s y 80´s del Siglo pasado permitieron producir algunas de las películas mas iconicas de la historia del cine.



  
El cuadro Halcones de Medianoche de Edward Hopper fue una inspiración para el director de la película y Syd Mead

Hay que mencionar que Syd también tuvo la oportunidad de involucrarse en otras muchas producciones de ciencia ficción, a través de las que dejo constancia de su capacidad para diseñar los medios de desplazamiento con la prestaciones mas sorprendentes que te puedas imaginar.

Entre estas colaboraciones se pueden citar Star Trek (1978), la primera versión de Tron de 1980, o Alien de 1985 para la que diseño el robot Jhonny 5, habiendo un parón de casi de tres décadas en cuyo transcurso Syd coqueteo con otros ámbitos creativos como el incipiente mundo de los video-juegos o la animación.
 


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Hasta que en 2005 participa en la tercera entrega de la saga Misión Imposible para finalizar su carrera poco antes de morir en la continuación de Blade Runner 2049, secuela estrenada en 2016 y donde participo actualizando los diseños de la primera entrega

Aunque sin duda será Blade Runner por la que Syd será recordado película por cuya ambientación ha sido comparada con Metrópolis (1927) de Fritz Lang,  y su inspiración art déco  aunque también tiene influencia del cuadro Nighthawks (1942) de Edward Hopper. Ridley Scott contrató a Syd Mead como artista conceptual con el que que además compartia afinidades lecturas relacionadas con los cómics de la revista francesa de ciencia ficción Métal Hurlant (llamada Heavy Metal en EE. UU.)






El artista Pejac lanza STAY ArT HOME, arte interactivo en tiempos de cuarentena


La actual crisis sanitaria global protagonizada por el coranovirus Covid-19, aparte de acentuar nuestra sensación de incertidumbre sobre un porvenir cada vez mas "incierto", esta introduciendo en terminos sociologicos comportamientos que estan modificando nuestras relaciones personales.

Teminos como cuarentena, aislamiento o alerta sanitaria articulan medidas como el confinamiento masivo, la deteccion de seropositivos o el rechazo y estigmatización de aquellas conductas imdividuales que ponen en peligro la inmunidad de grupo y por lo tanto su intergridad, por otra parte.


En otro sentido y de forma expontanea afloran expresiones que se pueden definir como festivas o ludicas, que realizadas a traves de pautas colectivas actuan como estrategias balsamicas que refuerzan nuestro sentimiento como sujetos que nos identificamos con determinados valores humanos como la solidaridad, la fraternidad y el fomento de un compromiso ineludible con nuestros semejantes.


En este contexto de readaptacion la red esta teniendo un papel determinante fomentando iniciativas que se definen por incentivar la participación y restablecer los vinculos comunicativos entre aquellos que lo utilizan. Las videollamadas que hasta ahora eran una opción minoratia se han generalizado adoptandose como un estandar.


Una de las obras aportadas Pejac a la iniciativa STAY ArT HOME


La educacion telematica online o la distribución de contenidos a traves de plataformas y servidores en la red destinados a cubrir nuestra necesidad de ocio sustituyendo a las emisiones de televisión tradicionales son ya algo cotidiano, asi como la posibilidad de convertirse como sujeto en un guru o "youtuber" informativo con  capacidad para analizar la realidad e influir en millones de personas.


El teletrabajo o sectores como el comercio electronico que han experimentado incrementos hasta del 80% estan suponiendo una transformación radical del mercado laboral. Esloganes #como quedate en casa cuyo objetivo es concienciar sobre la necesidad de no exponerse demasiado evitando contraer el virus. 



STAY ArT HOME es un proyecto solidario y colectivo creado por el artista urbano Pejac, que utiliza herramientas digitales para crear un canal interactivo cuyo resultado creativo sirva de espacio expresivo y terapeutico frente a la pandemia del Covid-19. .     


Leitmotivs de efecto instantaneo y viral que se trasladan a nuestra indumentaria añadiendose como complementos habituales, guantes de latex o mascarillas, con los que tratamos de prortegernos creando un nuevo canon estetico donde como entidades sociales estamos desarrollando un nuevo estatus relacionado con la imagen que proyectamos socialmente.


Y que en terminos creativos ha supuesto el caldo de cultivo perfecto para que multitud de propuestas que originadas desde diferentes ambitos artisticos hayan suscitado la atención de millones de personas, que de otra manera no hubieran tenido la oportunidad de metabolizar toda esta tensión emocional.

Tres muestras de trabajos enviados mediante la aplicación de Instagram

Producto de una situación muy adversa y  relativamente desconocida que nos esta obligando ha replanteanos nuestro rango de prioridades, una labor pedagogica (traumatica si se quiere) que nos esta llevando a cuestionar muchos de los valores producto de la sociedad liquida en la que nos habiamos instalado pensando que nada podia alterar sustancialmente nuestro orden de cosas. Debates que giran alrededor de cuestiones que nos afectan directamente y que se sintetizan en interrogante como. 


¿Que preferimos seguir financiando la deuda de los bancos o invertir en proyectos cientificos de innovación y conocimiento que nos permita explorar soluciones de convivencia mas sostenibles? o ciñendonos a como afrontar futuras crisis santarias ¿Que preferimos un sistema sanitario basado en criterios basicamente relacionados con la atención al paciente o una sanidad cuyo dictamen y protocolo medico este orientados al diagnostico y la prevención? 

Una de estas propuestas que mas me han sugerido ha sido la del artista urbano Pejac que utiizando sus caractericas siluetas de color negro pintadas sobre vidrio como vehiculo expresivo, ha lanzado la campaña denominada STAY ArT HOME, invitando a todo aquel que lo desee a enviar.


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Mediante el siguiente hastag de Instagram #stayarthomepejac su propia versión de los hechos pudiendose compartir con el resto del mundo, gesto creativo que puede suponer una de las mejoras terapias terapeuticas a traves de las que tratar crisis emocionales, reduciendo los niveles de ansiedad generados por un confinamiento que se alarga añadiendo plazos sucesivos.

Y de paso crear un espacio de comunicación, cuyos beneficios redunden en una mejor comprensión de lo que esta sucediendo. Con el objetivo de facilitar la tarea el propio Pejac ha redactado un breve tutorial estableciendo una serie de consejos tecnicos a traves de los que poder guiarte en el momento de acometer la idea de tu obra. 

  

Mural Art, cuatro libros para comprender la evolución del Arte Urbano en el Siglo XXI


Nada mas hojear las primeras paginas excelentemente ilustradas del ultimo volumen que compone la colección de Mural Art, el cuarto de una serie cuyo primer antecedente data de 2008.

Pude llegar a comprender las razones por la que es constantemente citado en los mas reputados foros dedicado al Street Art y al arte urbano en general, como una de las principales referencias bibliograficas a las que cualquier buen aficionado.

Debe recurrir si quiere entender los orígenes de un movimiento y como han evolucionado las diferentes corrientes que dentro de la esfera publica, han aparecido y se han ramificado a lo largo de las ultimas dos décadas que se pueden calificar de prodigiosas.


EL ARTE URBANO Y SU EVOLUCIÓN ARTISTICA Y SOCIAL

 
Un viaje vertiginoso del cual ha sido testigo el fotógrafo y editor griego  Kiriakos Iosifidis, que casi de forma artesanal ha ido haciéndose eco de todas y cada una de las nuevas tendencias urbanas.

Que han convertido una expresión minoritaria y en muchos casos una practica estigmatizada socialmente y mediaticamente, en una manifestación, con la que a escala global se sienten identificados millones de personas.

Si en los primeros dos volúmenes titulados Mural Art 1 de 2008 (de titulo escueto) y Mural Art 2: Murals on Huge Public Surfaces Around the World from Graffiti al año siguiente, cuyo enunciado ocupaba practicamente toda la portada.

Kiriakos se ocupaba de hacer un balance  de la escena de su época a partir de evocar algunos de los grandes iconos del genero como son; WK Interact, Shepard Fairey, Viagrafic, Mike Giant y Os Gemeos (en el primero). y Sebastian James, CPAG, Roberto Delgado, ESCIF, PSY, REMED, Stick Up Kids, Macrew, Ken White, XLF Crew, Mr Wany, Gert Neuhaus, (en el siguiente).


DE LO AMATEUR A LO PROFESIONAL

Para los dos ultimos tomos Kiriakos, el titulado Mural Art, Vol. 3: Murals on Huge Public Surfaces Around the World from Graffiti 2010 con el que aparentemente cierra una trilogia que se centra en homenajear aquellos creadores que el admira como  MODE 2, die FX CREW, 3 STEPS, ART FACADE, H02, HITOZUKI, SHOK-1, KACAO 77, VULCAN, 2501, SABER, CLYDE, TATS CRU, o RON ENGLISH.

Licencia que con la que según su autor disfruto mucho y que omite en su ultima obra Mural Masters: A New Generation Hardcover 2018, volumen que se publica tras ocho años de trabajo, (y de nuevo como en anteriores ediciones sin traducción al castellano).

Repasa de forma pormenorizada una escena que a su juicio se ha enriquecido con una variedad de propuestas, las que desde diferentes ámbitos creativos han contribuido a dinamizar una manifestación.

Como la urbana ya de por si excitante, pero que en los últimos diez años ha incorporado elementos integradores como los de los numerosos certámenes y muestras que se celebran a lo largo del mundo, o galerias especializadas, además de las numerosas iniciativas relacionadas con el turismo urbano.

A lo que añadir un incremento en la oferta de formación académica mas o menos especializad, que han contribuido a generar un entorno profesional y económico a traves de cuyas sinergias se ha creado un sector económico cuyos intereses mueve miles de millones de Euros. Cuyos beneficios revierten ya se directa o indirectamente en la creación de decenas de miles de puestos de trabajo con un alto valor económico y social.

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La serie de volúmenes de Mural Art de Kiriakos Iosifidis abarca un periodo de dos decadas de arte urbano y los numerosos cambios que se han producido a lo largo de ese periodo de tiempo.