Nomada Q : audiovisual

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Realizadas a lo largo de un periodo de diez años las 400 fotografías que forman la serie No Bicycle Parking, tienen en común dos cosas, la primera que son bicicletas o lo que queda de ellas y segundo que fueron abandonadas en diferentes localizaciones de la ciudad de Filadelfia en Estados Unidos.

Como su propio autor indica el artista local Raphael Xavier, su motivación en principio era crear una base de datos de bicicletas robadas que fuera consultados por sus legítimos dueños, esta idea altruista obtuvo una gran recupersión facilitando la devolución de buena parte.

De la serie se ha realizado una selección con la que se ha montado una exposición que se ha podido ver en el Painted Bride Art Center, y con la que Raphael quiere montar una exhibición itinerante, a través de la que se pueda compartir con el gran publico esta experiencia, mediante la que su autor ha tenido la oportunidad de conocer multitud de historias relacionadas con la bicicleta.

Completando el proyecto No Bicycle Parking, se ha editado un documental de veinte minutos rodado por la novia de Raphael, en el que se describe todo el proceso de creación, además se quiere publicar un libro que recoja parte del material que ha sido excluido del catalogo de la exhibición.

En la instalación inmersiva titulada The Voice of Wind el artista y diseñador Kazunori Matsumura transporta al visitante a un espacio de meditación y de ensueño. Se trata de una experiencia compuesta por luz natural y grabaciones de sonidos extraídos de la naturaleza.

Kazunori tiene como objetivo restablecer la conexión de una sociedad cosmopolita con su origen orgánico y su entorno natural. Un equilibrio que a su juicio se ha perdido teniendo efectos desvastadores no solamente para el planeta Tierra, que tan generosamente nos alberga.

Proporcionandos todos aquellos recursos imprescindibles para nuestra subsistencia, sino para nosotros como miembros que formamos parte de la especie mas avanzada, de la que se tiene constancia hasta el momento. Equlibrio que solo se puede restablecer tan solo si somos capaces de volver a una optica de la vida que se base en la contemplación.

Muchos de sus trabajos están dotados con una reverencia casi espiritual a la naturaleza, recuperarando las escenas, los olores y los sonidos de los fenómenos naturales que experimento creciendo en la localidad de Hokkaido en Japón.

A través de sus recuerdos de la infancia Kazunori trata de crear un paisaje, una tangente del sueño a traves del que compratir sus inquietudes sobre lo ajeno que vivimos respecto a nuestra herencia natural.

"La Voz de los Vientos" tiene dos componentes, uno visual y otro sonoro. La idea detrás de este trabajo es el de transformar el sonido del viento en las voces de seres animados. Incorporarando el movimiento en la escultura que responde al cuerpo del espectador, usando el espacio, el movimiento y el sonido como ejes de su creación.

Las esculturas sonoras del artista suizo Zimoun que pueden recordar a las instalaciones masivas de coetáneos con Ai WeiWei utilizan materiales sencillos para crear paisajes sonoros únicos que resuenan como mantras. Partiendo de una condición minimalista.

Diseña y construye las estructuras mecánicas que crean un coro de sonidos fascinantes que desafían las expectativas de las capacidades sensitivas del espectador. Que agudiza el oído para tratar de descifrar los sonidos emitidos por una bola de algodón golpeando una caja de cartón,

Produciendo una frecuencia que dependiendo de su amplitud debe ser imperceptible para el oído humano. Las ideas que inspiran las instalaciones de Zimoun suelen surjir de situaciones cotidianas, de la experiencia que supone vivir en una gran urbe que adopta formas ambivalentes en un entorno en el que la contaminación acústica puede ser un problema.

Zimoun recicla este malestar sonoro empleando medios minimalistas y de baja tecnología ofrece propuestas a las que incorpora narrativas inspiradas por la belleza y la complejidad de la naturaleza, así como por sus sistemas metabólicos, su función, y el caos y el orden que representan.

En el montaje de cada instalación del artista y músico suizo se emplea una media de ocho días, se trata de procesos complejos en el que los componente y los mecanismos que lo forman siguen un esquema metódico de montaje. Este sofisticado funcionamiento contrasta con el efecto aleatorio en el patrón de sonido.

El golpeteo monótono con la acústica natural del material de cartón, creadas a través de simples efectos como los producidos por la liviana lluvia que se precipita golpeando sobre un fondo de papel vacío. Es esta superposición de ondas de sonido aleatorio y aturdido la que crea un murmullo casi neutral y relajado que perciben los sentidos auditivos.

Pulsando rítmicamente, cada unidad reverbera creando una huella sonora singular y la vez sincronizada. Microestructuras temporales surgen y cambian, haciendose audibles a través de patrones creativos resultado de una expresión colectiva.

Debido a la teoría de la gravedad de Isaac Newton el agua se precipita debido a la atracción que ejerce el magnetismo de la tierra. ¿Pero que sucedería si se expusiera al sonido de una onda senoidal la trayectoria del agua?

Pues que podaríamos crear una estimulante coreografía acuática, como la realizada por el colectivo de Ilusionismo y Ciencia Brusspup, y que muestran en su ultimo vídeo como una corriente de agua expuesta a un altavoz que produce una onda senoidal de 24 Hz, modifica el trazado de la trayectoria del agua, transformando el arco en un zig-zag.

Hace ya muchos años que el matemático francés J. Fourier (1768+1830) concluyó que cualquier forma de onda puede descomponerse en varias ondas senoidales de diferentes frecuencias. La onda senoidal es aquella que sólo posee una frecuencia. El sonido natural que más se asemeja a una senoidal es el silbido, que básicamente tiene sólo una frecuencia.

Amazing Water n´ Sound Experiment #2 es una experiencia visual que registra el efecto óptico que produce el sonido senoidal grabado con una cámara de 24 fps. La instalación consta de una manguera de agua que está conectada a un altavoz, de manera que cuando el altavoz produce un sonido, vibra la manguera, modificando el trazado del curso del agua.

El cable de audio conecta el computadora y el altavoz, ajustando el software de sonido la onda a 24 hz. Se pueden obtener diferentes resultados dependiendo del ajuste la frecuencia entre 23 y 25 Hz.

Viajero incansable, invirtió en un viaje por África mas de dos años, el cual completo haciendo autostop. Aventura en la que se embarco recién finalizada la carrera de geofísica por la Universidad de Stanford.

Donde descubre George Steinmetz su pasión por la fotografía. Sus trabajos se caracterizan por realizar grandes panorámicas de las rutas migratorias en altura, para elevarse utiliza un parapente siempre y cuando las condiciones climatológicas son óptimas.

Y dispone del suficiente tiempo, como para realizar unas capturas que destacan por su gran contraste y expresivos colores. Son sus conocimientos sobre geografía adquiridos en su etapa universitaria, lo que le facilita la mejor selección de exteriores en la estación idónea.

Celebres son sus reportajes para publicaciones como Geo o National Geographic, los cuales fueron realizados en expediciones a los desiertos del Gobi y del Sahara. Que pese a que presentan características afines consigue transformarlos en ambientaciones diferentes que parecen extraídas de pasajes de los relatos de Las Mil y Una Noches.

Con mas de veinticinco años de carrera, por sus trabajos ha sido galardonado en dos ocasiones con el premio en ciencia y tecnología que otorga World Press Photo. También ha ganado premios y menciones de Pictures of the Year, Overseas Press Club y premios de la revista Life Alfred Eisenstadt.

Eligió el parapente como plataforma desde la que fotografiar, porque le ofrece las mejores condiciones de estabilidad en condiciones de calma y una visión de 180º. Prefiriendo las primeras horas de la mañana temprano y las ultimas de la tarde, porque presenta las mejores condiciones de luz.

Para su ultima pieza audiovisual el colectivo de diseñadores de bicicletas urbanas Dosnoventa con sede en Barcelona recurren a la literatura, para expresar lo que sienten por la bicicleta como usuarios y como diseñadores.

El extracto literario seleccionado es un fragmento de una obra del escritor perteneciente a la generación beat Jack Kerouac. Filmado en colaboración con la marca de moda Lacoste L!VE.

De la dirección se ha encargado Sergi Castella (que ya realizara su video DSNV RUN NYC, con el que compartian su aventura americana). Para la filmación de We were never born, en vez de las calles numeradas de New York, escorgieron diferentes localizaciones donde el paisaje montañoso combinado con la bicicleta.

Creando una atmósfera donde la sensación de espacio y libertad se percibe en cada fotograma de spot, el cual podéis ver en el siguiente enlace pulsando AQUI. La producción sirve para promocionar la apertura de su nuevo espacio comercial en el número 5 de la calle Bocabella de la ciudad condal. Donde los clientes podrán adquirir los productos de Dosnoventa además de la linea de moda que ha confeccionado Lacoste en exclusiva para ellos.

Tengo muchas cosas que enseñarte ahora, en caso de que no nos encontremos, sobre el mensaje que me fue transmitido bajo un pino en Carolina del Norte, una fría noche de luna de invierno. Decía que Nunca Nada Aconteció, así que no te preocupes. Es todo como un sueño. Todo es éxtasis, por dentro. Nosotros simplemente no lo sabemos debido a nuestras mentes pensantes. Pero en nuestra verdadera esencia mental se sabe que todo está bien por siempre, por siempre y para siempre. Cierra los ojos, relaja las manos y las puntas de tus nervios, deja de respirar por 3 segundos, escucha el silencio dentro de la ilusión del mundo, y recordarás la lección que olvidaste, que se te enseñó en la inmensa y suave nube Vía Láctea hace mucho tiempo, hace innumerables mundos y ni siquiera del todo: Es todo una Gran Cosa despierta. Yo la llamo la eternidad dorada. Es perfecta. Nunca nacimos realmente, nunca moriremos realmente.

Carta de Jack Kerouac a Edie Parker. Enero de 1952.

Representaciones de animales, seres surrealistas y antigüedades comparten el espacio narrativo con elementos digitales que dota de movimiento a la ultima instalación Mecaniques Discursives, creada por los artistas visuales franceses Jacquet Yannick y Fred Penelle.

A partir de un discurso donde el material exhibido crea un microcosmos, el visitante se convierte en un espectador que interpreta su propia versión en un escenario que se proyecta hacia delante ocupando el resto de la sala.

Mecaniques Discursives es la continuación de Paleodictyon una instalación de caracter especifico fruto de la colaboración con el artista digital Simon Geilfus y el compositor Thomas Vaquié. La obra perfomance digital fue creada para ser proyectada sobre la cubierta del museo francés Centro Pompidou Metz representada en el marco de la celebración de pasado Nuit Blanche en Metz, Francia.

Su proyecto conjunto consistió en crear un reino visual inquietante y decididamente contemporáneo, trascendiendo edades y modas. Desarrollaron un vocabulario sofisticado a la vez que osado y un tanto petutbador, en el que fusionaron el grabado y el arte digital más ecleptico. Se trataba de trabajar con diferentes conceptos de forma que el resultado fuera lo más espontáneo posible.

Sus obras en ocasiones aparte de dramas a medias plantean respuestas inadecuadas a problemas importantes como el aislamiento social las desigualdades sociales. A menudo pinta escenas con figuras que emprenden acciones inútiles y no relacionadas para remediar el problema inspirando humor y sátira, siendo un reflejo de mis preocupaciones generales como artista

Las obras se crearon en su mayoría in situ, adaptándose de forma natural a los sitios, paredes y espacios que las albergaban, y convirtiendo las limitaciones técnicas en una fuerza creativa. Después de haber mostrado su trabajo en más de setenta exposiciones, Fred Penelle y Yannick Jacquet cuyo resultados aparte de lo artístico permitieron crear una biblioteca a partir de la que abordar y estudiar el subconsciente del individuo a través del arte.

Aires industriales y orinicos son constantes en sus trabajos

Paleodictyon cuenta con una aplicación para el smartphone, que facilitan aquellos que la instalen la posibilidad de experimentar la pieza de nuevo, esta vez desde otras perspectivas y puntos de vista.

Mecaniques Discursives es una obra que formo parte del programa del festival de arte audiovisual Mirage de 2013, mezclaba la proyección y grabación de vídeo, es una especie de maquinaria tan mecanica como poética que se reproducia en las paredes a la manera de un cadáver exquisito, tomando como punto de partida el principio de la reacción en cadena.

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En los trabajos y colaboraciones de Jacquet Yannick los caminos están marcados por el deseo de renovar formatos tradicionales enriqueciendo el lenguaje visual utilizando el espacio y la luz como soportes de visualización.

Es asombrosa la capacidad que exhibe la naturaleza para sobre reponerse y salir adelante aun en las condiciones mas adversas. Esta es la reflexión que me inspiro la contemplación de la perfomance How to Build a Forest (como construir un bosque).

Una pieza dramática que se desarrolla a lo largo de un periodo de ocho horas y con la que el colectivo de artistas PearlDamour realizan un alegato a favor de la ecología. Con la que tratan de forma pedagogica concienciar acerca del deterioro de nuestro entorno medio ambiental.

La idea del montaje How to Build a Forest surgió a partir de que uno de los miembros del colectivo fue testigo, de como talaban cien ejemplares en un bosque de Luisiana, hecho que coincidió con las catástrofes naturales de huracán Katrina que asolo la ciudad norteamericana de New Orleans y el posterior derrame de petróleo de 2010 en el Golfo de México.

Estrenada en 2.010 en New York, la representación de caracter lúdico festiva no se ha dejado de programar, principalmente en centros culturales y universidades, Los espectadores son invitados a recorrer e interactuar con la instalación, teniendo la oportunidad de presenciar un ecosistema en evolución.

Visto a una distancia el espectador percibe el bosque en su conjunto como algo lo suficientemente rico y denso, pero como con cualquier ecosistema, solo la inmersión total permitió una comprensión más profunda del mismo.

Pelican Bomb es una iniciativa que pone en diálogo a artistas, escritores y cualquier persona que este interesada en el arte y su rendimiento expresivo y social. Programando exposiciones y talleres creativos. Trabajo en el que tratan de incorporar a una diversidad de voces de la comunidad de la zona en la que operan.

Pocos fotógrafos han sabido capturar con una cámara las desvastadoras consecuencias que esta produciendo como consecuencia del cambio climático a través de los innumerables desastres naturales como Daniel Beltrá, sus grandes panorámicas en las que abre el ángulo al máximo captando logra instantáneas.

A través de las que captura de forma estremecedora a la vez que elocuente una realidad que nos atiza desde hace decadas. Fotografía que sólo reparar en ellas y contemplarlas uno instantes pueden ser suficientes para apreciar con multitud de matices las cicatrices que infringe a la naturaleza fenómenos como un tsunami, un incendio o un huracán entre otros.

Esta forma de enfocar la realidad le ha valido que su trabajo se reconocido con numerosos premios, incluyendo dos premios concedidos por la World Press Photo en las ediciones de 2.005, en la que consiguió el 3º premio en la categoría Nature stories, repitiendo al año siguiente cuando le otorgaron el 2º premio en la categoría Contemporary Issues, siendo uno de los pocos fotógrafos que ha logrado este prestigioso galardón dos veces consecutiva.

LA BELLEZA DE UN PAISAJE DESPUES DE UN INCENDIO
Colaborador habitual de la organización conservacionista Greenpeace, Daniel es un apasionado del medio natural, aunque academicamente curso de ingeniero forestal carrera que abandono por la de biología, su pasión por la fotografia hace que finalmente se decante por la actividad de la fotografía contando con una trayectoria de mas de dos décadas.

Especializado en tomar fotografias desde grandes alturas, sus conocimientos fotograficos los ha obtenido trabajando con algunos de los mejores reporteros para agencia como EFE. Uno de sus trabajos mas importantantes ha sido el realizado, como motivo del derrame de petróleo producido en 2.011 en la plataforma petrolifera Deep Water Jackson en Fort Jackson Golfo de México estado de Louisiana y que le valió el ser el ganador en la categoría de Vida Silvestre organizado por Veolia Enviroment.

Daniel usa habitualmente equipos de Canon, utilizando las lentes de distancia focal fija, esto es debido a las condiciones extremas en las que habitualmente, precisa mantener limpios los sensores en esta situaciones con frecuencia muy polvorientos y sucios puede ser todo un reto. La fotografía para el supone una herramienta con la que conciencienciar sobre los graves problemas que nos acucian medioambientalmente, y de como nos afectan a los seres humanos.

El artista urbano con sede en Berlin Sweza emplea el espacio publico combinandolo con las posibilidades que te ofrece la tecnología, con el objetivo del quien se aproxime a sus propuestas interactué empleando además del sentido de la vista, el oído y el tacto.

Pegados en diferentes puntos de la ciudad dibujos a escala real antiguos equipos estéreos con pletina reproducen un fragmento de una pista thecno, Para que esto suceda.

QRadio lleva integrado un código QR en el dibujo, que al ser escaneado por un teléfono móvil en el que se haya instalado la aplicación Repudo reproduce el sonido mientras te muestra el giro del magnetofono.

Repudo es un servicio que está disponible como una aplicación sólo para el iPhone y Android, permite a sus usuarios reproducir todo tipo de contenido multimedia como un texto, una foto, un vídeo o un mensaje de audio en cualquier lugar que deseen.

MÚSICOS CALLEJEROS Y PUBLICO UNIDOS POR EL ARTE URBANO

Solo hay que exponer la pantalla del móvil acercándolo al codigo QR impreso sobre stencil, y dejarse sorprender por una selección de sonidos variopintos iinspirados en el palpitar de la calle y con sabor urbano.

La intervención urbana en sí es una muestra bastante interesante que explora las posibildades que ofrece el arte callejero y su relación con la música desde el contexto que ofrece el espacio publico y la actividad que genera.

Mas allá de una dimensión estética y visual. La aplicación como concepto recurre a la memoria sentimental tanto del publico como del músico, convirtiendose en una herramienta de dinamización y actividad social y cultural.

Las intervenciones que realizan el colectivo barcelones Pequenique Productions recuerdan inevitablemente a las obras conceptuales del artista Christo. Al igual que este utilizan las estructuras arquitectonicas como armazon como elemento expresivo, la diferencia estriba en que PP trabaja sobre la nada interior de los edificios, y Christo camufla la arquitectura creandoles una envoltura que los transforma.

Desde que comenzaron su andadura en 2.007 han extendido cientos de miles de metros cuadrados de plastico, con los que han rellenado el espacio interios de los mas variados lugares, creando especies de burbujas donde el visitante puede experimentar una sensacion de proteccion y tambien de cierta angustia.

En su ultima intervención quizas la mas ambiciosa han rellenando varias instancias del Hotel Salomon de Rothschild en Paris, para un desfile de la firma de modas Maison Martin Margiela. Realizada por encargo de la organización de la semana de la moda de la capital gala.

En esta ocasión el color seleccionado, ha sido uno neutro, el blanco que simboliza la pureza, pero el procedimiento el mismo, tras estudiar las condiciones del espacio sobre el que va actuar y tras cubrirlo con plásticos rellenarlo de aire, proporcionando al entorno, una nueva textura donde el publico desorientado establece un dialogo con el nuevo escenario que se ha creado hasta que se reconoce en el.

Filmados en lugares tan distantes uno del otro como son Outback de Australia Occidental y un pueblo costero respectivamente. Los últimos trabajos de los especialistas en BMX Danny Campbell y Chris Akrigg coinciden en su elección de la bicicleta como medio para explorar y mostrar diferentes paisajes pero con un nexo su pasión por la bici.

La The Wave on Hyden Rock (La Ola en Hyden Rock) es un singular accidente geográfico, esta pared de granito es un fenómeno geológico formado a lo largo de los ultimos 2.700 millones de años, su forma de ola de surf gigante, fue lo que sedujo a los responsables de la productora InfinityList en colaboración con Mercedes-Benz para rodar Wave Rock. La cinta rodada en 3 días de calor abrasador cientos de kilómetros de la ciudad más cercana de Perth.

Por su parte en Trough the mill las localizaciones seleccionada por el colectivo Mongoose, nos traslada a un escenario donde se combinan paisajes rurales y estructuras arquitectónicas abandonadas que Danny utiliza para mostrarnos sus excelentes habilidades para sortearlas con soltura.

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¿Que impacto tiene sobre la salud el uso de las atracciones de feria?, partiendo de este planteamiento en teoría poco científico, el joven realizador Till Nowak escribió y produjo el falso documental Centrifuge Brain Project.

El protagonista de esta nusual cinta es un ingeniero llamado Nick Laslowick fundador del The Centrifuge Brain Project o ICR, que con sede en el estado de Florida se dedica a estudiar el efecto que tiene sobre la conducta y la cognición de las personas los parques de atracciones.

La cinta que combina imagenes reales y fragmentos realizados con herramientas digitales, es una seudoparodia de la metodología científica y sus motivaciones. El planteamiento del "experimento visual" consiste en tratar de observar y analizar aquellos parametros.

Implicados en los efectos que provoca el uso de las atracciones de feria sobre el sujeto. Cuestionando cómo su exceso lejos de suponer un beneficio puede perjudicar y provocar efectos negativos afectando de forma notable al usuario.

Centrífugo Brain Project es un proyecto visual que desde la ficción explora el dilema de que la tecnología y el ocio en el como sujetos estamos instalados nos aporte sólo beneficios.

Exhibida a los largo de todo 2.012 Centrifuge Brain Project que podéis ver íntegramente AQUI, ha sido galardonada en festivales de cine como el de San Sebastian, Moscu o Hamburgo. Montado con fragmentos de grabaciones realizadas en diferentes parques de atracciones desde la década de los años 70´s. Cada atracción que se muestra posee unas especificaciones relacionadas con su diseño, suponiendo su experiencia una mejora para el usuario, dependiendo de sus características.

Las intervenciones urbanas del artista de origen francés WK Interact afincado en New York, precisan de grandes superficies tanto las realizada en interior como las hechas en exterior, concebidas como pequeñas secuencias extraídas de un corto de animación. Sus trabajos hacen referencias a hechos históricos como la revolución Mexicana.

Como en el caso de su ultima obra titulada Project Brave, donde se hace referencia a la heroica labor realizada por el cuerpo de bomberos de New York en el transcurso de los funestos acontecimientos acaecidos el 11 de septiembre de 2.011.

Su proceso de creación parte siempre del mismo elemento, el estudio y reproducción del cuerpo en movimiento. Para eso primero realiza una sesión fotográfica donde a través de diferentes tomas captura las acción, que posteriormente trasladaras a plantillas troqueladas o murales realizados sobre papel.

Otra de sus constates es la consecución de sus palimpsestos urbanos es la utilización del negro sobre el blanco, con que consigue destacar los rasgos figurativos consiguiendo un efecto expresivo sobresaliente.

Aunque comenzo su carrera en su París, ha sido de sus numerosos trabajos realizados en diferentes localizaciones de los Estados Unidos, donde su trabajo ha conseguído suscitar la atención de los medios y el gran publico, teniendo la oportunidad de contar con colaboraciones de estrellas del deporte, como el jugador de baloncesto de Los Ángeles Lakers Kobe Bryant.

Para su ultimo trabajo el ilustrador y creador multimedia Edson Oda recupera la técnica de superponer imagenes como método narrativo y la estética western empleada en el The Writter.

Demostrando que no es necesario aplicar tecnologías muy sofisticadas para lograr contar una buena historia con la que el espectador. Tanto desde el punto de vista estetico como narrativo, incorporando elementos a la trama que provocan la curiosidad en el espectador.

A pesar de que el desarrllo de la historia, no deja de ser una historia clasica ambientada en el viejo oeste. En Malaria que podeis ver AQUI, Edson sin embargo aplica dos variantes que le diferencia de The Writter. La primera, en vez de fotografías en las que a través de bocadillos camuflados se estructuran los diálogos, emplea ilustraciones en blanco y negro.

En las que además de los bocadillos aparecen complementos narrativos como onomatopeyas recortados y efectos pirotécnicos. Elementos inspirados por el comic que nos inducen a pensar de la gran influencia que ha ejercido este formato en Edson.

El segundo recurso a partir del que estructura Malaria sirviendo como entorno visual, es el escritorio que decorado con objetos y fetiches que hacen referencia a la cultura del farwest, se convierten en pistas que indican al espectador por donde van los tiros.

Realizada en principio para presentarla al concurso Django Unchained Emerging Artist, Malaria nos cuenta la historia de el encargo que se realiza a un cazarecompensas de nombre Fabiano para capturar y dar muerte valga la redundancia que ni mas ni menos que a la mismísima Muerte.

La pieza de poco mas de cinco minutos de duración siendo una muestra de artesanía basada en el origami y el kirigami japones, que ha sido filmada en formato time lapse.