Nomada Q : animación

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El corto titulado Caldera (la cual podéis ver AQUI) es una animación de 11 minutos que tardo en producirse tres años, los mismos que el padre de su director Evan Viera, comenzo a experimentar frecuentes episodios ezquizoafectivos.

Una alteracio emocional que se caracteriza por padecer una amalgama de estados depresivos y delirantes que precisan de una medicación específica. En este caso Evan que también es autor del guión, nos pone en antecedentes utilizando un lenguaje repleto de símbolos oníricos.

Que sitúa al espectador ante una historia dramática de forma sutil, utilizando un discurso donde la fantasía y unos escenarios surrealistas generan la tension donde su protagonista se debate. Mostrándote el retrato de una joven que debido a la enfermedad está medicada, agobiada por un entorno hostil y afectivamente adverso.

Por lo que en un momento determinado decide renunciar al tratamiento, huyendo de la ciudad gris y lacrimógena que la rechaza. A partir de ese momento su percepción de la realidad la convierte en un ser vulnerable, lo que precipitan los acontecimientos provocando un final trágico.

Estrenada en 2.012 Caldera ha sido galardonada en diferentes festivales como el Prix Ars Electronica, Seattle International Film Festival, Festival de Cine Independiente de Roma o el Festival de Cine de Rockport. Siendo uno de los trabajos mas premiados desde su estreno.

A nivel técnico la cinta destaca por el excelente tratamiento de la iluminación que se ha realizado, lo que le confiere una atmósfera de naturaleza espectral. El metraje que carece de diálogos se apoya en la gran selección de los efectos de sonido, que vertebra una historia donde los silencios cobran un protagonismo esencial para el discurrir de la misma.

Como una lengua de lava incandescente que lo engulle todo a su paso a un ritmo constante como a cámara lenta, mientras se extiende ladera a bajo por la falda de la montaña escupida por la boca del cráter del volcán. El material utilizado en la animación Magnetic Putty Magic produce un efecto similar debido a la atracción magnética cuando se expone algún objeto metálico, este desaparece camuflado engullida por la masa magnética.

Realizada por los estudios PBS Digital Studios y Shanks FX, los objetos empleados se convierten en moldes donde la masilla magnética hace de argamasa, lo interesante de la proyecto reside en el proceso. El material imantado es sometido a altas temperaturas, diluyendose en una pasta homogenea similar a un puré, lo que amplifica sus propiedades magnéticas, absorbiendo cualquier tipo de objeto imantado.

Esta masilla magnética presenta las mismas posibilidades de mareabilidad que cualquier arcilla o plastilina, pudiéndole deformar, esculpir o acumular. La diferencia esta en su fenómeno para atraer cualquier cuerpo que contenga metales pesados expuestos en las proximidades de su campo magnético, provocando su absorción de forma espontánea.

Premio del Público en la ultima edición del festival de animación de Montreal, el ultimo trabajo de la realizadora Dina Velikovskaya estudiante Universidad Estatal de Cinematografía Rusa.

Representa un cambio de registro tanto en lo técnico como en lo narrativo respecto a trabajos precedentes, incluso se aprecia una ambientación diferente. Aunque en My Strange Grandfather (el que podéis ver AQUI) la protagonista sigue siendo el mundo de la infancia.

La historia describe la relación de una nieta y su abuelo un inventor excentrico. La atmósfera que preside el corto aunque conserva el lirismo que se observa en trabajos precedentes como Pages of fear, The road to bethlehem o su debut hace tres años The Bridge es diferente.

Al contrario que estos que transcurrían entre atmósferas opresivas donde el crudo invierno con sus tonos oscuros se convierte en parte importante de su discurso. En My Strange Grandfather la composición escénica se ambienta en un entorno mas amable.

Transcurriendo en época estival en una playa donde salvo algún vendaval, el cielo es azul, luce el sol que esta omnipresente a lo largo de todo el día y la escala monocromatica de otros trabajos es sustituida. Por una paleta de colores que favorecen una iluminación radiante.

Realizada en stop motion, Dina recupera las marionetas como objeto central de la animación, aparcando el experimento que supuso Pages of fear. En el que las marionetas se alternaban con material gráfico e ilustraciones.

Dina Velikovskaya nació en Moscú en 1984. En 2005 se graduó de la Escuela de Bellas Artes, con una especialización en diseño escénico. Desde 2006 ha estado estudiando en la Universidad Estatal de Rusia de Cinematografía (VGIK).

¿Que impacto tiene sobre la salud el uso de las atracciones de feria?, partiendo de este planteamiento en teoría poco científico, el joven realizador Till Nowak escribió y produjo el falso documental Centrifuge Brain Project.

El protagonista de esta nusual cinta es un ingeniero llamado Nick Laslowick fundador del The Centrifuge Brain Project o ICR, que con sede en el estado de Florida se dedica a estudiar el efecto que tiene sobre la conducta y la cognición de las personas los parques de atracciones.

La cinta que combina imagenes reales y fragmentos realizados con herramientas digitales, es una seudoparodia de la metodología científica y sus motivaciones. El planteamiento del "experimento visual" consiste en tratar de observar y analizar aquellos parametros.

Implicados en los efectos que provoca el uso de las atracciones de feria sobre el sujeto. Cuestionando cómo su exceso lejos de suponer un beneficio puede perjudicar y provocar efectos negativos afectando de forma notable al usuario.

Centrífugo Brain Project es un proyecto visual que desde la ficción explora el dilema de que la tecnología y el ocio en el como sujetos estamos instalados nos aporte sólo beneficios.

Exhibida a los largo de todo 2.012 Centrifuge Brain Project que podéis ver íntegramente AQUI, ha sido galardonada en festivales de cine como el de San Sebastian, Moscu o Hamburgo. Montado con fragmentos de grabaciones realizadas en diferentes parques de atracciones desde la década de los años 70´s. Cada atracción que se muestra posee unas especificaciones relacionadas con su diseño, suponiendo su experiencia una mejora para el usuario, dependiendo de sus características.

Para su ultimo trabajo el ilustrador y creador multimedia Edson Oda recupera la técnica de superponer imagenes como método narrativo y la estética western empleada en el The Writter.

Demostrando que no es necesario aplicar tecnologías muy sofisticadas para lograr contar una buena historia con la que el espectador. Tanto desde el punto de vista estetico como narrativo, incorporando elementos a la trama que provocan la curiosidad en el espectador.

A pesar de que el desarrllo de la historia, no deja de ser una historia clasica ambientada en el viejo oeste. En Malaria que podeis ver AQUI, Edson sin embargo aplica dos variantes que le diferencia de The Writter. La primera, en vez de fotografías en las que a través de bocadillos camuflados se estructuran los diálogos, emplea ilustraciones en blanco y negro.

En las que además de los bocadillos aparecen complementos narrativos como onomatopeyas recortados y efectos pirotécnicos. Elementos inspirados por el comic que nos inducen a pensar de la gran influencia que ha ejercido este formato en Edson.

El segundo recurso a partir del que estructura Malaria sirviendo como entorno visual, es el escritorio que decorado con objetos y fetiches que hacen referencia a la cultura del farwest, se convierten en pistas que indican al espectador por donde van los tiros.

Realizada en principio para presentarla al concurso Django Unchained Emerging Artist, Malaria nos cuenta la historia de el encargo que se realiza a un cazarecompensas de nombre Fabiano para capturar y dar muerte valga la redundancia que ni mas ni menos que a la mismísima Muerte.

La pieza de poco mas de cinco minutos de duración siendo una muestra de artesanía basada en el origami y el kirigami japones, que ha sido filmada en formato time lapse.

Para representar melodías de música graficamente se emplea el solfeo, un lenguaje compuesto por símbolos que puede ponerte en serios aprietos si eres un profano en su conocimiento.

Para corregir esto la agencia de diseño y publicidad cono sede Mainz en Alemania Finally Studio. Ha creado una animación titulada Understand Music en la que echándole imaginación representa diferentes fragmentos musicales a través de figuras dibujadas con notas, corcheas y bemoles.

Las cuales dispuestas en el orden adecuado haceen alusión al contenido de la obra que se interpreta en el transcurso una historia que aparte de destacar por su estética visual (un tanto minimalista.) Es porque aparte de amena resulta muy intuitiva.

Logrando escribir una partitura animada que cualquiera pueda entender o al menos si llega a ser relativamente comprensible para casi cualquier oído, por mucho que no esté cultivado en la audición de música como pueda ser el reputado melomano. Que por supuesto le será muchísimo menos complejo.

Understand Music es un proyecto multimedia que podéis ver íntegramente desde AQUI. Que incorpora elementos pedagógicos cuya función es facilitar la lectura de cada frecuencia, compás y harmonia escrita en la partitura.

Desde 2012 Finally Studio desde su sede en la ciudad alemana de trabajan en una amplia gama de proyectos visuales como animaciones, presentación gráficas e infografías dirigidas al ámbito cultural y educativo.

La primera cita fue el 10/10/10, la segunda convocatoria fue 11/11/11 y para cerrar tan singular trilogía se ha subrayado en el calendario la fecha del 12/12/12, aparte de presentar una correlación cronológica en la composición de sus guarismos. Estas tres fechas han servido como argumento para la proyecto audiovisual One Day On Earth .

Una propuesta de carácter global, que valiéndose de las redes sociales han creado una plataforma, a través de la que cualquier profesional o aficionado puede mandar su corto documental para poder ser exhibida y compartida en los canales que tienen abierto en la red.

A La iniciativa que cuenta con el apoyo de un crisol de organizaciones que trabajan en ámbitos como los derechos humanos, la persevación del medio ambiente o la ayuda al desarrollo. Se puede presentar cualquier obra que cumpla los requisitos establecidos por ODOE.

Del todo el material que se reune a lo largo del plazo de convocatoria se realiza un documental, que se pone a la venta en las principales plataformas de distribución de contenidos, tanto en formato físico como digital. También podéis acceder a la totalidad de las referencias mandadas en estas tres ediciones, a través de este mapa interactivo.

Aunque parezca que su elaboración y montaje son sencillos, lo cierto es que cada breve secuencia cuyo metraje puede oscilar entre unos cuantos segundos y un intervalo de tiempo que no supera los treinta segundos.

Puede implicar dependiendo de la cantidad de sujetos que su autor el artista y fotógrafo turco Erdal Inci varias horas. En un proceso donde emplea secuencias de vídeo, para crear efectos de movimiento en formato gif.

La sensación de clonacion del cuerpo que se desplaza en el espacio y el tiempo, experimenta con el fenómeno de deja-vu. Convirtiendo la expresión corporal en un gesto autómata.

Ubicados en multitud de contextos cada carrusel adopta una personalidad aunque transmita sensaciones muy similares. Aunque buena parte de los fragmentos están protagonizados por Erdal teniendo como escenario de filmacion el espacio publico.

Hay ocasiones en las que recurre a espacios cerrados. Donde debido a las limitaciones recurre a herramientas CGI, con las que multiplica las veces que estima cada acción ejecutada por el mismo. Acciones casi siempre casuales que son fruto de escenas que observa en la calle y le sirven como argumento inspirador.

El vídeo artista Johan Rijpma crea pequeñas piezas audiovisuales utilizando elementos cotidianos, dos buenos ejemplos son sus ultimo trabajos, titulados Tape Generation y División, en los que empleando cintas adhesivas y una simple folio realiza coreografías donde el movimiento y la banda sonora lo generan los materiales que lo protagonizan.

En cada uno de los proyectos realizados con elementos digitales puede llegar a tardar hasta seis meses. Tras realizas miles de fotografías las monta creando fascinantes secuencias de movimiento, donde la ilusión óptica progresa con el movimiento creando una dimensión diferente de los objetos que anima.

Johan Rijpma nacido y criado en holanda en 1984, Países Bajos, licenciandose en bellas artes en la Escuela de Artes de Utrecht (Facultad de Arte, Medios y Tecnología). Sus películas mezclan la animación, y el vídeo musical, siendo el resultado de su fascinación por la exploración del proceso creativo de objetos inertes y su imprevisibilidad.

Filmado en diferentes localizaciones de diferente desiertos de situados en los estados norteamericanos de Utah y California. Lugares que pese a su hostilidad paisajistica y sobre todo climatica.

Han sido elegido por el cineasta Jeff Frost como campo de operaciones donde adentrarse, con el objetivo de explorar y encontrar localizaciones en los que recientemente.

Haya habido algún tipo de construcción o pequeño asentamiento, de los tras ser abandonados quede algún tipo de rastro como algún edificios o estructura. Que atestigue que en aquel lugar inhospito.

En algún momento de su historia más o menos próxima hubo vida. Lugares abadonados, los que escenifica con motivos geométricos y con colores hipnóticos. Dando como resultado la vídeo instalación titulad Flawed Symmetry of Prediction.

Grabación que navega entre lo hipnótico y lo surrealista, convirtiendo el paisaje, tanto diurno como nocturno. En una narración mágica donde la presencia humana se percibe pese a su ausencia.

Para su montaje Jeff utilizo la friolera de 40.000 negativos de alta resolución, realizados con su equipo de fotografía compuesto por una cámara Canon. Trabajo en el que invirtió cerca de año y medio.

Tarea ardua y laboriosa que comenzaba cuando ya seleccionado el emplazamiento, colocaba su trípode en una posición fija respecto al objeto, y disparaba en formato timelapse. Creando una experiencia visual de movimiento y magia en mitad en la soledad del desierto. Flawed Symmetry of Prediction, ganó el premio Best in Show en su exhibición de graduación en 2012 y fue un éxito viral cuando se estreno onlíne. Pudiendose ver AQUI.

Ya están disponibles como cada temporada por estas fechas para su exhibición en Internet, los trabajos que cooinciendo con el fin de cada curso son realizados por los alumnos de ESMA.

Con motivo de la finalización de su ciclo formativo. Después de ver buena parte de los cortos de animación hemos seleccionado el titulado Origami. Utilizando como metáfora y fabula el arte de doblar papel, la trama nos sumerge en una historia.

ESMA es una escuela de artes aplicadas con treinta años de experiencia, que ha dado origen a una serie de diseñadores gráficos y animadores 3D. Reconocida internacionalmente por la calidad formativa. Su oferta abarcan ciclos en arquitectura de Interiores, diseño gráfico, animación cine 3D, videojuegos e ilustración.

El adolescente se reencuentra consigo mismo logrando salir de su estado de contrariedad, para ello emprenderá un viaje iniciatico que le transportara a un mundo de fantasía poblado por animales mitológicos, donde vivirá la aventura de su vida.

Origami nos muestra como a través de una relación generacional que se establece entre un abuelo y su nieto, y los valores que le transmite su abuelo a través de la practica de esta tradición milenaria. Una escena conmovedora en la las tradiciones milenarias se convierten en un vínculo familiar.

Con casi un 1500000 de reproducción el corto que podéis ver íntegramente AQUI. Es un relato que desde la distancia nos revela como las experiencias cuando son compartidas, pueden deparar momentos cuyo poso emocional puede permanecer en la memoria de aquellos que lo construyen para siempre.

Seleccionada para representar Holanda en los Oscar de 2.011 The Origin of Creatures (El origen de las criaturas), es una visión futurista de un mundo después de un desastre catastrófico. En esta parábola oscura nos muestra seres mutados que busca la cooperación, pero debido a la falta de comunicación esta misión está condenada al fracaso.

La historia de El origen de las criaturas se basa en uno de los más conocidos pasajes bíblicos. Dirigida por Floris Kaay , Dios es representado por el sol, la fuente eterna de la vida en nuestro planeta, sirviendo como un enlace de como algunas especies de hormigas construyen sus nidos en la dirección del sol para capturar el calor de la reina y las larvas . De repente, el sol juega un papel muy importante en "El Origen de las Criaturas", pudiéndose interpretar en su vertiente religiosa o científica, evolutiva.

En este caso, el escenario de la la Torre de Babel. se transforma estableciéndose en un futuro imaginario y apocalíptico, después de que el mundo se ve afectado por una catástrofe. Entre los restos de una ciudad devastada subsiste lo que queda de la humanidad. Los cuerpos humanos se dividen en partes separadas del cuerpo y se fusionan con otros seres, formando una colonia, solo sobreviviran si colaboran entre si.

De los escombros de los edificios destruidos están tratando de construir un nido tan grande y tan alto como sea posible, de modo que la reina de la colonia reciba la luz solar suficiente para reproducirse, pero debido a la falta de comunicación esta misión está condenada al fracaso.

Las instlaciones cinéticas dotadas de movimiento del artista Theo Jansen tienen algo de cautivador y mágico, para el que las contempla.

Sus movimientos acompasados poseen el ritmo de una coreografía, en la que cada pieza del autómata representa un gesto que se tiene que producir de forma sincronizada, el cual se repetirá infinitas veces. Basándose en los principios aerodinámicos de Theo, el animador y modelador David Lance.

Ha recreado en escenarios reales extraídos de la capital londinense, a una criatura que experimenta una metamorfosis orinica, en paisajes urbanos cargados de electricidad. Cuya atmósfera surrealista nos traslada a un mundo interior en el que los elementos que los pueblan nos hipnotizan.

En el cortometraje titulado The Future Forms of Life El cual podéis ver AQUI. Una fabula post/industrial, en la que el autor reflexiona sobre la conveniencia o no de que algunos sueños se puedan cumplir. Pues su resultados pueden ser realmente desagradables.

En su realización Lance ha utilizado aplicaciones de modelacion como 3Dsmax, Zbrush, MatchMover o MD2. Consiguiendo un efecto realista que transmite al espectador la sensación de estar participando en el relato que estás viendo.

Una mención especial merece la banda sonora que acompaña todas y cada una de las imágenes del corto. Música que es una mezcla de electrónica y étnica que está firmada por Tomas Dobrovolskis.

David Lance es un estudio creativo centrado en la animación arquitectónica. Crea proyectos creativos e imaginativos para clientes que provienen de una variedad de orígenes, incluyendo arquitectura, ingeniería y desarrollo inmobiliario. Con quince años de experiencia en visualización arquitectónica y animaciones, cuentan con una larga experiencia con encargos realizado para clientes de Oriente Medio, Europa y América del Norte.

Para ver los resultados de la ultima entrega de la saga que comenzo en 2.006 Bendito Machine, habido que esperar tres largos años. Titulada Fuel the Machines (Las máquinas de combustible), ya han obtenido cerca de 50.000 visitas y el reconocimiento de la critica especializada. Su argumento como en en anteriores mordaz e inteligente, aliñado de una ejecución estética impecable, representa una critica o mas bien una descripción fiel de los automatismos de los que adolece el comportamiento humano, en cuanto a su constante en practicar el saqueo como patrón como denominación de origen, en este caso aplicado a la extracción de los combustibles fósiles, mas en concreto del oro negro.

En el argumento emplean una mezcla de elementos, que hacen referencia a diferentes civilizaciones como la egipcia o las precolombinas, sobre todo en el tratamiento de los personajes. Seres que cegados por su sed de petróleo y ambición han colocado a la humanidad en un punto de no retorno, donde solo existe una prioridad, las extracción del petróleo. La acción se inicia con nuestro protagonista, un buscador de yacimientos petrolíferos, que en su periplo nos mostrara las consecuencias del expolio indiscriminado de recursos naturales, y su impacto sobre el medio ambiente.

Realizada por el equipo habitual formado por Jossie Mils, Julie Rieir y Pau Martinez, han contado con la colaboración del compositor Sxip Shirey, que ha contribuido con una partitura con la que se sustituye unos diálogos inexistentes, convirtiendo en parte fundamental del guión, donde enfatiza a través de las notas trama de una historia donde el ritmo del corto consigue mantener la atención del espectador.

Producida por Zumbakamera, con Fuel the machines han decidido dar un carpetazo a su actual modelo de financiación, creando un proyecto de crowdfunding, abierto a la participación de todo aquel, que quiera financiar economicamente los próximos capítulos de esta saga que como en otros casos ha desbordado Internet para convertirse en un fenómeno de masas partiendo de un presupuesto mínimo.

En el corto de animación titulado Visit asistimos a un reencuentro entre el personaje de esta historia y una ciudad ubicada en el sureste asiático, teniendo como referencia un faro, se mira en los numerosos edificios que se han añadido y en los que trata de reconocerse.

Aunque se trata de una producción no muy reciente, Visit la cual podéis ver íntegramente AQUI. Fue seleccionada para la edición del festival de Ottawa de 2.009, considero que por los valores que representa, merecía la pena recuperar esta poética pieza firmada por el cineasta y animador Kang Min Kim.

Un joven y prometedor narrador de historias con las que pese a su casi exigua trayectoria ha logrado forjarse una identidad creativa propia. La cuál se inspira en el entorno en el que creció en su Korea natal, pero que a pesar de las notables diferencias con la cosmopolita ciudad californiana de Los Angeles.

A la que se traslado para completar su formación instalándose a continuacion definitivamente. Ha sabido construir un lenguaje propio en el que conviviente aparentemente estos dos mundos que tradicionalmente han permanecido ajenos.

Para Visit Kim, quien se encargó de casi todos los aspectos de la producción, desde el diseño, la historia, la cámara, la animación, la edición y el post, invirtió poco más de dos meses en completarlo. Encargandose ademas del sonido y la música, Kim utilizó programas como Dragonframe, After Effects, Photoshop y Lightroom para producir el corto.

Visit es un trabajo que forma parte de su esfera como animador, trabajo que alterna encargos publicitarios, con piezas donde muestra su capacidad para transmitir emociones, a través de composiciones donde el lirismo visual y el tempo narrativo lo marca el stop motion y la música firmada por el propio KIM.