Nomada Q

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Pintados de azul celeste marcando la linea de un horizonte los 19 cuadros que componen la exhibición Antifouling, se comportan como elementos que forman parte de un paisaje de interior.

La muestra de carácter inmersiva programada por la galeria ex-elettrofonica en Londres, esta firmada por el artista Davide D'Elia. Que en unos de sus viajes por Italia, estando hospedado en Roma tuvo la oportunidad de hacerse con una colección de cuadros de estilos que van desde el retrato, el bodegon o el arte sacro.

A los que el autor acompaña de sillas y bollas con el propósito de dotar al conjunto de una ambientación marinera, haciendo referencia al origen de la pintura con la que reproduce un paisaje marítimo, siendo la que aplican en los astilleros a los cascos de las embarcaciones. Capa que sirve de protección frente a la corrosión producida por la oxidación a la que esta sometido el fuselaje del casco al entrar en contacto con el oleaje.

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Antifouling es una exposición que reflexiona en claves de metáfora, sobre el paso del tiempo y de como actúa en función de la composición y comportamiento de la materia

Realizado en el marco de la ultima edición de la muestra de arte urbano Urban Nation celebrada en 2.014. Cuyo proyecto principal llamado One Wall Project, consistía en utilizar la fachada del edificio que acoge las instalaciones Fluxfm en Berlin.

Convirtiéndole en un descomunal collage, el mural autoría del artista Handiedan, nos traslada en el tiempo al Berlin mas cabaratero y bizarro. Se trata de una intervención de carácter monumental y de ejecución que viste la superficie del edificio teniendo en cuenta su estilo arquitectónico.

El boceto original diseñado por secciones previamente con la ayuda de un ordenador, el mural es el resultado de la combinación de estilos. Papel y pintura dan forma a una figura de una mujer a gran escala que se proyecta sobre la calle produciendo un efecto muy dinámico y expresivo.

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Como una llamarada que incendia la calle, los colores vivos con los que esta pintado se integra en el paisaje urbano de la zona

Fruto de una iniciativa publico privada financiado con dinero europeo. El proyecto HiWave se materializa a partir del sueño de un cardiólogo e inventor que tras 30 años de trabajo.

Aplica su conocimiento adquirido en su profesión creando prototipos a partir de los que obtener energía de origen renovable. En el caso de HiWave se trata de un dispositivo que inspirándose en los movimientos de sistole e diastole del músculo cardiaco, produciendo energía a partir del movimiento de las olas.

El desarrollo del primer prototipo ha sido realizado por la compañía CorPower Ocean Ab fundada por el propio Stig Lundbäck, se ha dedicado desde 2.009 ha financiar proyectos de investigación basados en ingeniería cuyas resultados ascienden a mas de cien patentes en diferentes campos.

Fabricado en vidrio y acero y un peso de sesenta toneladas, las diferencias de HiWave como tecnología undimotriz. No se ciñen solamente a su aspecto estético un diseño compacto que carece de partes moviles, gracias al que puede operar cerca de la costa en condiciones de oleaje ligero, produciendo cada boya la cantidad de hasta 1 MW/hora.

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HiWave cuyo primer modelo esta previsto que este operativo, representa una solución de rango medio fácil de instalar y con un coeficiente de producción elevado.

Una de las virtudes de la arquitectura modular, es que permite tratar la arquitectura desde un punto de vista flexibles. Pudiendo concebir el espacio y las actividades que se van ejercer en el desde diferentes ópticas y usos.

Shelter Nomadica representa el ultimo diseño del colectivo de artistas y diseñadores noruego Salt. Cuyo proyecto Our Journey trata de recuperar habitos de vida con los que sus ancestros, habitaban los territorios limítrofes de forma nómada a partir del tratamiento sostenible de los recursos disponibles.

La primera fase que que se inicio en 2.014 y hasta a punto de finalizar, trabaja con soluciones modulares que construyen in situ destinándose a diferentes cometidos. Construidas con materiales orgánicos fundamentalmente madera, se trata de emplear la mínima tornilleria en su montaje, reduciendo su impacto medioambiental lo máximo posible.

En el caso de Shelter Nomadic, se trata de un refugio temporal compuesto por módulos rectangulares. Que apilados de forma cruzada permiten que hasta doce ocupantes puedan compartir el espacio de forma discreta. Pudiéndose transformar en función de diferentes usos y criterios como el clima pudiendo extender la estructura o por el contrario mantenerla cerrada sobre si misma de forma compacta.

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Shelter Nomadic es una solución que se adapta a un medio extremo, proporcionado un refugio seguro a sus ocupantes. Empleando los mínimos recursos posibles

Aparte del enorme patrimonio cultural con el que cuenta Grecia. En el país heleno se pueden visitar algunas de las islas mas bellas del mundo.

Entre sus numerosos alicientes cuentan con unos paisajes y playas en muchos casos aun no colonizados por el tradicional turismo de sol y playa. Que ofrece paraje en estado semi salvaje en los que el viajero, además de poder darse un chapuzon en una de sus miles y en muchos casos casi desérticas costas.

Podrá descubrir auténticos tesoros naturales. Una de estas perlas es perlas situadas en el Mar Jónico es la isla Zakynthos, de la que nos realiza un breve pero intenso recorrido por sus lugares mas señalados el time lapse Treasures of Zakynthos. Un trabajo producto de 380 horas de filmación obra del fotógrafo Maciej Tomków y que nos muestra una versión sobre mas allá de la tipica postal turística.

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Colores turquesas y aguas cristalinas bañan playas mitológicas, donde buques varados son oxidados por el paso del tiempo

Treasures of Zakynthos - A Timelapse Film from Maciej Tomków on Vimeo.

Realizada para la muestra de arte urbano WALK & TALK AZORES FESTIVAL en su edición 2014. La instalación titulada Ephemeral Reminder, nos plantea un escenario donde el viajero se convierte en dueño de su destino.

Realizada por la artista Susana Aleixo Lopes que reside en Lisboa desde 2007, planteo la intervención que se muestra como un rara avis, en una exhibición que se caracteriza por sus graffitis y murales. Realizada con maderas y residuo forestal abandonado en la playa, se trata de construir un refugio.

Donde evocar recuerdos de juegos y aventuras extraídos de la infancia. Una especie de artefacto o mejor de lugar privado al que poder recurrir, cuando se necesita un momento de intimidad y en el que se pueda recurrir a la memoria.

En la obra de Susana se observan procesos artesanales que se nutren de oficios, que debido a la tecnología y al perfeccionamiento en los modelos de producción en serie han sido desplazados siendo en muchos casos prácticamente olvidados.

Cuerdas y listones de madera se proyectan en el espacio destacando en el paisaje, donde actúa como una replica artificial mostrando la visión subjetiva de la autora y su memoria

Herramientas manuales se emplean en la reproducción de objetos con los que ha crecido la artista y que conforman su identidad sentimental y vital. Con las que crea rincones idílicos que se integran en el paisajes actuando como cápsulas del tiempo.

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El movimiento tiny house a pesar de que todavía esta dando sus primeros pasos. Ha creado en relativamente un potente entorno mediatico, que utilizando herramientas digitales y plataformas sociales.

Esta dando al gran publico un montón de iniciativas de lo mas variopintas donde se nos muestra el proceso de empoderamiento emprendido, por cada vas mas ciudadanos. Y que por las mas diversas razones un día decide construir su propia vivienda utilizando los recursos que tiene a su alcance, de forma sostenible y aplicando en la mayoría de los casos un alto conocimiento en soluciones tecnologicas, energéticas, estructurales....

Una de estas entidades informativa es el portal especializado tinyhousegiantjourney.com. Donde desde poder acceder a una considerable cantidad de documentación y recursos multimedia de proyectos realizados tanto por ciudadanos anonimos como entidades de viviendas que en la mayoría de los casos se definen por su espíritu nómada y altruista de sus protagonistas.

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Reportajes en primera persona con los creadores, nos describen las pequeñas pero acogedoras viviendas y su proceso de construcción.

La región de Trancoso es un área geográfica situada en Brasil, donde aparte de encontrarse Sao Paulo. Se pueden visitar algunos de los bosques pertenecientes a la biodeversidad de la selva amazónica mas variados y ricos de la región.

Siendo el lugar de operaciones del que extrae el artista y diseñador urbano Hugo França su materia prima, con la que elabora piezas únicas que combinan una función ornamental con su actuación social como parte del mobiliario publico.

El proyecto con mas de 25 cinco años de duración es fruto de la colaboración con la administración local. Con la que Hugo trabaja en la localización y diseño de los elementos adaptandolos a los criterios del espacio, donde prestaran su servicio.

Una historia que se inicia cuando Hugo decide cambiar drásticamente de vidad, tanto en lo personal como en lo profesional, renunciando a un puesto bien remunerado como ingeniero industrial en São Paulo. Así como su lujoso apartamento.

El mobiliario de Hugo compuesto por bancos, mesas así como el más específico destinado a uso infantil. Son tallados como si de esculturas se trataran a partir de troncos de arboles autóctonos.

Que tras amortizarlo en una venta urgente, destina el dinero a la adquisición de una hacienda en la región de Trancoso, más concretamente en el área de la costa de la ciudad de Bahía. En la que se instala conviviendo con los últimos supervivientes de la tribu aborigen de los Pataxó. De los que aprende a tallar la madera desarrollando su propia tecnica.

Con la que realiza sus primeras esculturas iniciando una trayectoria como escultor de madera. Actividad que tanto en el espacio publico como en el ámbito privado ha supuesto que sus trabajos se hayan concretado en una diversidad de encargos hecho con el residuo producto de la de forestación que sufrió la mayor parte de la región desde décadas precedentes.

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Adobe, arcilla, barro y paja son los materiales primordiales que aun a di de hoy, son los empleados en en muchas comunidades tribales del África Occidental.

Para construir sus chozas y cabañas y que se añaden a pigmentos como la gena, extraídos de vegetales y residuos orgánicos. Con las que posteriormente sus miembros han creado y perfeccionado a lo largo de los siglos una serie de técnicas que suponen un muestra de expresión vernácula y étnica que transmitida vía oral de forma generaciónal suponen un vinculo con nuestros antepasados.

Antecedentes con los que la fotógrafa Margaret Courtney-Clarke, tras desplazarse desde su estudio en la ciudad de Swakopmund en Namibia y recorrer miles de kilómetros. Visitando localizaciones en países como Mali, Nigeria, Costa de Marfil o Ghana.

Donde el objetivo y la experiencia como reportera durante decadas de Margaret, contando con una dilatada carrera en la que ha trabajado para medios como National Geographic, Smithsonian, Newsweek, Vogue Italia, L'Espresso y Air Afrique. Cambia de registro capturando una serie de fotografías que editadas en dos volúmenes bajo los títulos African Canvas y Ndebele.

Suponen el mejor y mas exhaustivo gráfico publicado hasta la fecha, y donde al lector se le muestra y describe a través de la mirada de Margaret. La mayor muestra de arte étnico fotografiada y en la que su autora ha empleado cerca de dos años.

Libros que suponen que aparte de su valor visual, supone una obra interdisciplinar donde los procesos artísticos se nutren de otras disciplinas como la etnografía, la antropología o el arte rupestre. Donde su generosa cantidad de imagenes se acompañan de textos donde se describen los orígenes y procesos de las diferentes técnicas que se recogen.

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Geometrías, y motivos que forman desde tiempos ancestral, de la iconografía y tradiciones. Son los principales elementos de la treadición expresiva de numerosos grupos étnicos que viven en países de África Sur Occidental.

Elaborados con las unidades básicas de contrucción. El fotógrafo italiano Matteo Mezzadri crea paisajes urbanos, donde los ladrillos se convierten en un agente uniformador con efectos estéticos.

Ganador del ultimo certamen Sony World Photography Award. Las composiciones escultóricas transmiten el desasosiego de un decorado inhabitado creando en el que le contempla una sensación de opresión. La serie titulada Le Città Minime describe una ciudad donde los procesos artificiales monopolizan el plano estético y colonizan la vida sustituyendola por arquetipos clonados que se reproducen en el espacio tiempo.

Capturadas por el artista en su estudio por medio de una variación de puntos de vista tanto de la lente de la cámara como de las fuentes de iluminación empleadas. Fijaciones con las que Matteo logras establecer diferentes matices de calor y textura. Los ladrillos superpuestos simbolizan reproducciones de partes inventadas de ciudades imposibles. Como parte de un plan arquitectónico que se vincula a un proceso de globalización,

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Realizadas sobre un fondo blanco el urbanismo inerte que nos muestra Le Città Minime, se extiende como una balsa de aceite parasitando el territorio