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A partir de la captura de 60.000 fotografías realizadas desde la azotea del edificio donde reside en Union Square en New York. Su autor el artista TJ Wilcox ha creado un soporte visual circular que ofrece al expectador una panorámica de 360˚ grados de uno de los lugares mas queridos por los newyorkinos y desconocidos por los cientos de miles de turistas que la visitan cada año.

Diseñada por el escultor Frédéric Auguste Bartholdi también conocido por el sobrenombre de Amilcar Hasenfratz, escultor de origen Francia, conocido especialmente por ser el autor de la célebre Estatua de la Libertad, regalo de Francia a los Estados Unidos, que está situada en la entrada del puerto de Nueva York.

Proyecto este lugar de reunión situado en Manhattan donde se pueden contemplar diferentes bustos escultóricos presidenciales, debiendo su nombre al hecho de que comunica las dos principales vías de la isla.

La instalación titulada In The Air que se puede visitar hasta el 9 de Febrero de 2.014 en el Whitney Museum, condensa en media hora de metraje el transcurso de una intensa jornada laboral, teniendo como epicentro la frenética actividad ofreciendo una experiencia donde se puede percibir el pulso de la ciudad que como una coreografía sofisticada logra que todo funcione sin apenas precisar la intervención de un modelo de gestión.

Compuesta por una pantalla de poco mas de dos metros de ancho y por diez metros y medio de diámetro, a la que se accede por una abertura inferior. Para su exhibición Wilcox selecciono las imagenes que realizadas a una por segundo montándola en formato timelapse. Reflejando en un bucle donde fragmentada en miniaturas el espíritu de la ciudad y su humanidad se diluye en el ritmo de sus calles.

Las pinturas que forman parte de la serie titulada Down Roots (echando raíces) realizadas por la artista con sede en la ciudad americana de Cleveland Amy Casey, nos muestra una ciudad que se urbaniza a partir de una combinación de formas orgánicas.

Y donde su materia biológica es sustituida por materiales artificiales. Realizando trayectorias caprichosas que incitan a perderse en un laberinto formado por cientos de calles y edificios apilados, adoptando una arquitectura de efecto masivo.

Que monopoliza la atención del espectador, posición activa que le introduce en el intricado callejero formado por planos superpuestos. Que recorre con la imaginación buscando una salida de la ciudad flotante al borde del colapso.

En el vídeo que completa la serie y que se puede ver integramente AQUI, invoca al arte como terapia para enfrentarse a las catástrofes inevitables a las que todos nos expuestos alguna vez durante nuestra vida.

El tsunami del Océano Índico de 2004, por ejemplo, cuyo dramático episodio la afectó profundamente, debido a que tenía amigos en Tailandia en esos momentos.

Aparte nos muestra el minucioso proceso de elaboración de cada lamina en la que utiliza fotografías de edificiós, mediante las que Casey representa pequeñas ciudades imaginarias. Reconstruyendo un paisaje cercano con el que se relaciona y a través del que visibiliza las vulnerabilidades humanas.

Una de las primeras acciones que realizamos por las mañanas es encender la luz, a la que estamos expuestos buena parte de la jornada. Ya sea en nuestros desplazamientos cuando utilizamos el transporte publico, en nuestro lugar habitual de trabajo o cuando regresamos a nuestro domicilio, las innumerables soluciones que existen en el mercado para iluminarnos están presentes.

Sin embargo algo tan cotidiano en nuestras vidas todavía a día de hoy carecemos de la información como consumidores, sobre los efectos que su supone su uso para el organismo humano. En colaboración con la firma de ingenieros del vidrio Cantifrix y la Universidad de Oxford, el departamento de innovación y desarrollo de la compañía Phillips.

Iluminación artificial y efectos

Han construido un pabellón modular en el que están realizando diferentes pruebas, mediante las que pretenden observar las posibles modificaciones que provoca sobre el estado de animo de los voluntarios que participan, prolongadas exposiciones en condiciones de iluminación artificial.

Y de como aplicando mejoras tecnologicas en el diseño de los materiales y componentes con los que se fabrican las bombillas y diodos LED, se pueden mejorar sus prestaciones como producto de cara al cliente, suponiendo por otra parte un beneficio para su salud de las personas.

Dirigidos por el profesor Russell Foster, profesor de Neurociencia circadiano en la Universidad de Oxford. El Photon Project pretende observar que mecanismos están implicados en la regulación de ritmo circadiano. El ciclo día-noche en los seres humanos es un ritmo circadiano incorporado - que se ajusta al entorno local por estímulos externos, siendo las más importantes de estas señales las que emite la luz del día.

la retina del ojo

Redecubiertas por el propio Russell las células ganglionares fotosensibles de la retina del ojo facilitan la entrada luz, juegan un papel fundamental incidiendo sobre los ritmos circadianos, pudiendo provocar importantes peturbaciones en su funcionamiento. Dependiendo de su período de tiempo puede generar estados prolongados de somnolencia, bajos niveles de concentración y un mayor riesgo de accidentes.

También hay evidencia de que la falta de sueño causada por la incapacidad de restablecer el reloj biológico puede tener un impacto crítico en: en alteraciones de la percepción mental como esquizofrenia, trastorno bipolar, y depresión. O enfermedades como Alzheimer, Parkinson, diabetes, y algunos tipos de cáncer.

Modular y artificial

Diseñado por el arquitecto Brent Richards el pabellón esta formado por un estructura de varillas de acero, cubiertos con paneles de cristal. Que permite estudiar a las personas bajo una variedad de condiciones de iluminación. El Photon pod es un estudio modular, concebido para estudiar la luz del día y la luz artificial y una combinación de los dos para encontrar las mejores condiciones en diferentes situaciones y tramos horarios.

Debido a que la vaina es toda de cristal en su interior se puede modificar a través de la superposición de filtros ópticos con las que simular diferentes condiciones de luz solar. Dotado con un sistema de iluminación inalámbrico controlado a través de una aplicación especifica. Los usuarios pueden utilizar la aplicación para encender las luces, graduando su intensidad, incluso crear el ambiente adecuado para una habitación escogiendo el color mas adecuado.

En las composiciones Pop-Art del artista Scott ListField conviven elementos de la cultura americana e iconos cinematográficos. Elementos narrativos a través de los que crea atmósferas surrealistas donde la memoria del observador.

Recupera fragmentos de muchos de los iconos culturales de los que hemos sido testigos a lo largo de buena parte del siglo XX. Tratando cada episodio o evento aplicando un enfoque como vehículo mitologico.

En cuya trama existe un personaje o protagonista, un anodino astronauta que actúa de anti-heroe o outsider. Que se asoma a una realidad que no por no conocerla le deja de resultar ajena.

A pesar de su inexpresividad y su carencia de lenguaje corporal, el expectador es capaz de percibir su desorientación. Así como su indiferencia y soledad que experimenta en una arcadia digital.

Scott Listfield es conocido por sus fabulas creativas en las psicoanaliza la sociedad que le rodea a través de la mirada distante, anodina y aparentemente nihilista e irónica de un astronauta solitario. Que se muestra desorientado en un paisaje abrumador repleto de iconos de la cultura pop, logotipos corporativos y referencias a ciencia ficción.

Scott creció en Boston, y estudió arte en el Dartmouth College. Después de algún tiempo viviendo en el extranjero, Scott regresó a Estados Unidos, donde empezó a caricaturizar una sociedad que había crecido influenciada por films de ciencia ficción como 2001 Una Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick o Jurasick Park, así como series como Lost In Space. Relatos cuyas expectativas tuvieron con el paso de las decadas, un reflejo sobre el terreno y en términos domesticos prácticamente nulo, no materializandose prácticamente ninguna de sus predicciones.

En un contexto social sobre-estimulado por la publicidad, que le incita a un consumo voraz de bienes y recursos. Situación en la que el individuo se enfrenta a sus propias contradicciones y fantasmas personales.

Cuando en 2.001 Álvaro Neil mas conocido como Biciclown partio de su ciudad natal en Oviedo en España, para recorrer en primera instancia los cientos de concejos a partir de los que se vertebra la comunidad autónoma de Asturias.

Y tras un periplo de tres años, embarcarse en el proyecto de carácter global bautizado con el nombre de M.O.S.A.W. (miles of smiles around the world). Este nómada de vocación con su bicicleta y su equipaje formado aparte de por las cosas que podía llevar en sus alforjas, por millones de sonrisas.

Que ha repartido de forma generosa mientras se embarcada en una odisea tan sugerente como incierta, tras cuya finalización acabaria completando un recorrido de mas de 124.000 kilometros. Travesía en cuyo transcurso habría hecho escala en cientos de poblaciones.

Situadas en ni más ni menos que sesenta y cuatro países pertenecientes a los cinco continentes. Lo que representa abarcar una inmensidad de territorio utilizando como único medio de transporte su adorada bicicleta.

En su periplo vital si hubiera que trazar sobre un mapa un recorrido, se iluminaria con las millones de sonrisas que ha conseguido alumbrar en todos y cada uno de los miles de lugares que ha tenido la oportunidad de visitar.

Su metodología basada en el sentido del humor y en su capacidad para empalizar con los miembros de los diferentes pueblos que lo acogia. Se escenifica en espectáculos de clown, talleres, encuentros didácticos o actos lúdicos, compuesto por espectáculos de magia, malabares y acrobacia.

Cuando finalize en 2.017 sino acumula mas retraso Biciclown, habra acumulado una enorme cantidad de documentación. Que ha compartido a través de diferentes redes sociales y su completo canal de Youtube. Desde el que de forma regular ha transmitido esta increible experiencia mediante una selección de videos, muchos de ellos emitidos en directo.

Además de una colección de libros que reúnen suponen una increíble cantidad de material y documentacion generados en diferentes formatos. Y que es producto de las experiencias recogidas a lo largo de sus viajes.

Historias con las que ha cautivado a cientos de miles de seguidores. Editado ya sea a traves de libros, material video gráfico. Los cuales redactados y editados recurriendo a una narrativa que combinan elementos lúdicos y un planteamiento donde incluye reflexiones y cierto grado de debate filosofico.

Además de la humanidad de las personas que lo habitan y en los que Biciclown con su presencia ha sembrado la semilla del buen humor. Una infinidad de episodios vitales don el principal objetivo que se persigue es el intercambio de experiencias a través de la participación colectiva con los pobladores de los países que visita.

Su ultimo documental en proceso de edición titulado Contagiando alegria, se ha materializado gracias a las cientos de personas que han colaborado aportando su granito de arena a través de un proyecto de crowfunding, y las diferentes plataformas sociales. Desde las que se pueden seguir cada una de sus actividades. Siendo además de testigo y participante de todas y cada una de sus aventuras.

Utilizando la bicicleta como único medio de transporte y su fondo físico Biciclown contempla el mundo y la vida como una rutina, en la que la capacidad de asombro, la empatia con el prójimo y su compromiso con el entorno con el que se relaciona. Camina o mejor dicho pedalea por un mundo que se va revelando a través de los accidentes geograficos que albergan fauna y flora expuestos a las diferentes climatologías bajo el que esta influenciado.

A lo largo de todo este mes de Octubre se podrá visitar la que se anunciado como la exposición de graffiti y arte urbano mas grande jamas realizada. Su acceso que es gratuito tiene como lugar singular de exhibición un edificio de diez plantas pendiente de demolición situado en el distrito 13 de París. Un barrio cosmopolita que se distingue por su concentración de población inmigrante.

El evento cuyas actividades se han desarrollado a lo largo de buen parte del verano, ha sido organizado por la inmobiliaria local ICF Habitat La Sabliere y Galerie Itinerrance contando con el apoyo de las instituciones publicas de la ciudad. Es una iniciativa del comisario de arte Mehdi Ben Cheikh.

En la ejecución de las obras que forman parte de Tour París 13, se han utilizado tanto los elementos exteriores como los interiores, habiendo desalojado previamente todo el mobiliario para evitar posibles accidentes. En el recorrido compuesta por obras realizadas con diferentes técnicas y estilos pretende ser un homenaje al barrio donde se asienta.

Aquellos que se acerquen al numero de la rue Fulton (Metro: Quai de la Gare - Línea 6). Tendrá la oportunidad de contemplar una muestra insólita en la que no solo podrá ver intervenciones de arte urbano, sino además de tabiques cubiertos con trazos de aerosol, el visitante podrá ver instalaciones y piezas de arte digital.

Tras finalizar el periodo de visitas, sus mas de 4.500 metros cuadrados en el que visitante puede contemplar intervenciones de mas 100 artistas urbanos, se cerraran hasta su demolición controlada programada. Con toda la documentación recogida se editara un documental describiendo a través de los testimonios de los participantes y del publico asistente.

Ver mapa más grande

Los autos cines o drive-in fue un modelo de exhibición cinematográfica creada en la década de los años 30´s en los Estados Unidos, llegando haber 4.000 establecimientos a finales de los años 50´s. En la actualidad practicamente han desaparecido siendo su presencia anecdótica.

Concienciados con su entorno y preocupados por la cada vez menos vigencia de los productos debido a la obsolescencia programada. El colectivo Empire Drive-In formado por artistas, diseñadores ecológicos y amantes del séptimo arte. Deciden reutilizar viejos modelos de vehículos incorporándolos como mobiliario a partir del que ofrecer sesiones cinematográficas, que tiene como escenarios parques publicos o áreas industriales.

La experiencia que tiene como objetivo explorar nuevas formas de participación ciudadana, a partir del reciclaje de un elemento tan común en nuestras ciudades como son los coches y la organización de actividades culturales en el espacio publico como, conciertos de música, espectáculos circenses, representaciones teatrales, perfomances. Actividades que sirven como complemento de los pases de cine.

Inicialmente se creo Empire Drive-In específicamente para la película documental Flood Tide (Marea Diluvio) del cineasta Todd Chandler, historia que nos narra la relación de un grupo de amigos en una ciudad post-industrial. Que sobreviven reutilización de forma creativa los deshechos que recogen en las margenes de un rió que transforman en su casa.

La idea con Empire Drive-In fue la de construir un lugar que se sentía como la propia película. Con sede en New York donde acaban de iniciar su segunda temporada, según sus promotores ED-I pretende ser un proyecto nómada en el que a través de dispositivos temporales a gran escala construidos a partir de autos desechados y materiales recuperados, acercar a un publico a través de su participación activa diferentes propuestas escénica. Habiendo construido Empire Drive-In en las ciudades de San José en es estado de California y Manchester en el Reino Unido.

Para su primera participación en la ultima edición Bienal de Venecia la artista Berlinde de Bruyckere, utiliza dos constantes en su trayectoria. Uno la emulación de la materia orgánica de origen humano a través de representaciones de la natureleza.

Y dos su relación con los procesos metabólicos de oxidación/reducción debido a su exposción al medio y su biodegradación. Comisionada por el premio nobel de literatura J.M. Coetzee. Que conoce desde hace algún tiempo atras y el cual redacta varias citas ex-profeso para la instalación, una dice "Cripplewood no es madera muerta".

Que actúa construcción narrativa que describe por principio una pieza delicada y frágil en términos estéticos. La otra es más elocuente y determinante. "Cripplewood... Como todos los árboles, a pesar de ser un árbol paralítico aspira a llegar el sol, pero algo en sus genes, alguna mala herencia, algún veneno, retuerce sus huesos".

Además se inspira en la iconografía de San Sebastián. Un soldado romano que se negó a renunciar a la religión cristiana que procesaba en la clandestinidad. A menudo representado atado a un árbol con flechas. Sobrevivio a sus heridas protegiendose de la plaga que se extendía por la ciudad.

Suceso que le convirtió en el santo siendo canonizado no sin cierta polémica previa. Este episodio épico Berlinde lo representa dándole una dimensión poética donde un árbol torcido desprovisto de su corteza muestra su delicada piel al descubierto dejando el tronco desnudo.

Los brazos y piernas del santo representados por las ramas del árbol revela sus cicatrices. La enorme instalación de cera reproduce con exactitud una amplia sección del tronco de un olmo caído.

Ponderado con sacos de arena, fusiónandoles en una masa formada por troncos y ramas. La instalación cuyo tronco fue trasladado desde Francia a Bélgica donde reside Berlinde. Representan los músculos, así como los tendones y huesos de la anatomía de un ser humano.

La arquitectura no son solo aspectos técnicos o funcionales, la presencia de un edificio también el tender vinculos emocionales. El habitarlo, el decorarlo supone establecer una relación con las personas que residen en el con los diferentes elementos que lo componen.

House of 33 years es un proyecto realizado por los arquitectos Megumi Matsubara trabajó junto Hiroi Ariyama. Encargado por una pareja de ancianos que tras 33 años decide volver a la localidad de Nara en Japon, donde se conocieron de jóvenes.

Deciden trasladar secciones de sus don anteriores residencias ubicadas originalmente en las ciudades de Sendai y Aomori. La casa montada en una parcela adyacente a un templo budista. Parte de un esquema compuesto modular protegido por un pabellón que diferencia el interior del exterior.

Una disposición en capas compuesta por paneles de vidrio y productos de madera, en el interior crean diferentes perspectivas visuales dependiendo del ángulo dónde te encuentres. La casa consta de varios pabellones y habitaciones fabricadas en madera que sobresalen bajo una gran estructura de acero. La relación entre los elementos individuales define el carácter de la casa como un todo.

La casa de 33 años es una casa de un coleccionista que recoge recuerdos, cuya memoria y futuro existen simultáneamente en el mismo espacio. Al enmarcar vistas a través de diferentes áreas, las imágenes se producen continuamente por el movimiento de los habitantes. Cada imagen se le da su propio espacio superponiendose como múltiples adiciones a la casa para actualizar los recuerdos de la familia.

Tipografías, geometrías o grecas formadas por diferentes patrones, toman forma a través de materiales orgánicos como el musgo o el césped principalmente. Como materiales a través de los que actuar creativa mente dentro del espacio publico.

Donde la diseñadora Anna Garforth con sede en Londres, en cuya ciudad se puede visitar la mayor parte de su obra. Ha demostrado su potencial discursivo y estetico. Aunque hay que subrayar que aparte de materiales de origen organico, en ocasiones añade papel pintado a sus intervenciones.

Las que son el resultado de combinar técnicas de paisajismo y arte urbano. Intervenciones que en todo están realizadas bajo un enfoque casi artesanal. Por lo tanto cada intervención se circunscribe en función de la tipología del paisaje urbano donde va a actuar.

Aplicando esta metodología consigue que la obra se integre en el contexto del lugar, viéndose como un elemento que limita con lo artístico y la función meramente ornamental en su entorno.

Matas de césped pulcramente troqueladas se incorporan de forma natural en las paredes y muros, creando la impresión de que su presencia tiene origen en las entrañas del hormigon y la arcilla roja de los ladrillos.

Siendo consecuencia de un fenómeno ajeno a nuestra compresión, que provoca el origen de trazos y figuras que utilizan como lenguaje narrativo el graffiti. Anna aplica un enfoque colonizador y parasitaria en el que experimenta con las posibilidades que ofrece una diversidad de materiales orgánicos como medio.

A través de las que manifesta ideas e inquietudes de diferente indole. Creando un discurso donde el mensaje y significado de la obra evoluciona con la germinación de los materiales empleados.

Con esta dualidad entre lo conceptual de la obra y su proceso germinal, Anna tiene por objeto reflejar el mundo y sus infinitas texturas y formas. Donde muchas especies de diferentes plantas y elementos hechos por el ser humano conviven en un ejercicio de simbiosis, construyendo un discurso armonico en el que participan formas naturales y elementos del mobiliario urbano retroalimentandose.