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Prism Design - Infinity Bamboo Forest, andando por un bosque de luz sin arboles


Protegidos por lunas de vidrio, cientos de diodos LED, se distribuyen a ambos lados de un pasillo que el visitante recorre en silencio y rodeado por una atmósfera que se caracteriza por los tonos oscuros.

Las parcelas que se dividen siguiendo un patrón cuadricular representan un bosque de bambú de los que se pueden encontrar en los alrededores de Daiwa House en la localidad china de Wuxi. Donde de forma permanente se exhibe la instalación de efecto masivo Infinity bamboo forest (bosque infinito de bambú).

Creada por el estudio de diseño Prism Design. Estéticamente te evoca pasajes que parecen extraídos de la ciencia ficción, donde la tecnología se yuxtapone a contexto natural transformándolo en un paisaje donde lo digital modifica la identidad orgánica de sus elementos así como sus procesos de expresión.


Donde las vainas de bambú y sus tonalidades son sustituidas por un paisaje artificial caracterizado por la racionabilidad de sus formas y efectos reflectantes. La disposición de cada tubo Infinity bamboo forest crea la sensación de infinito abarcando la totalidad del espacio, reflexionando sobre los efectos de la era digital y su colonización del entorno natural.  


Infinity Bamboo Forest es una instalación de carácter inmersiva en la que los visitantes son guiados a través del edificio con la sensación de estar en un bosque interminable de tallos de bambú brillantes sin fin. 

 

Prism Design es un estudio de arquitectura y diseño con sede en la ciudad china de Shangai. Que trabajan en diferentes áreas que van desde el diseño de interiores, diseño de productos y diseño de exposiciones. (espacios comerciales, hostelería, residencial, bares de salud y bienestar, restaurantes, diseño de tiendas y oficinas) dirección de arte y consultoría de diseño para empresas que operan en las industrias del mueble y la moda.




OVA Studio - Hive-Inn, arquitectura con contenedores facil de trasladar


El construir utilizando como elemento básico contenedores presenta diferentes ventajas, de las que NQ ya hemos descrito varias. 

Flexibilidad, desplazamiento, modularidad, rapidez, economía se pueden considerar algunas de ellas. Con el ultimo proyecto presentado por el estudio de arquitectura OVA studio, vamos a mostrar otras mas que se suman  a las ya citadas. 


Los módulos que componen Hive-Inn, se organizan a partir de una estructura o colmena. Donde se pueden alojar los contenedores intercambiando su posición en la columna, pudiéndolo migrar a otro destino de forma que permite trasladar la residencia estructuralmente.


Orientado en principio a la actividad comercial siendo una solución para el sector de oficinas. Hive-Inn se vertebra a partir de un andamiaje en vertical, al que se añade serviciós como ascensor, accesos, zonas comunes creando una estructura viva y cambiante.


El aliciente de la propuesta de Hive-Inn, reside en su capacidad para poder trasladar y anidar el contenedor en múltiples sitios, dependiendo de las necesidades del cliente.

OVA Studio es un estudio de diseño multidisciplinario especializado en arquitectura, diseño de Interiores y planificación urbana, fundado en 2008 en Hong Kong por Slimane Ouahes, arquitecto registrado en Francia (Architecte DPLG).

El equipo cuenta con más de 20 años de experiencia internacional en diseño, abarcando varios continentes (África, Europa, Asia y América). La filosofía de diseño de OVA Studio se basa en diseños innovadores y sostenibles para maximizar el potencial del encargo del cliente. Gracias a su extensa red, OVA Studio aprovecha sus habilidades específicas para abordar las necesidades individuales de cada proyecto.




Motoko Ishii - The Last Flowers, representa gráficamente una canción de Radiohead


La música es un lenguaje que al contrario que los idiomas articulados por fonemas y signos. Presenta una estructura gramatical que no exige un aprendizaje previo, siendo un medio de comunicación intuitivo que usa como materia prima el sonido.

The Last Flowers es una cancion cuya autoria esta firmada por el grupo de pop ingles Radiohead, siendo un tema que ha servido como inspiración al estudiante de diseño Motoko Ishii. 

Para crear su particular versión gráfica, en la que ha utilizado la cinta de viejos cassettes como material creativo. A partir del que representar visualmente y  simbólicamente  las estrofas y estribillos que articulan la canción de una de las bandas más iconicas del Brit Pop de la década de los 90's del Siglo pasado.


La instalación que forma parte del proyecto Visual Music. Proyecto singular gestionado por la profesora Olga Mezhibovskaya, que habitualmente imparte sus clases en la Escuela de Arte Visuales de New York. 


La propuesta dual The Last Flover mezcla la tipografía y el reciclaje. Suponiendo una invitación a partir del que sus participantes exploran las posibilidades de representar graficamente diferentes fuentes de sonido y frecuencias. Obteniendo resultados cuando menos sorprendentes,


En este contexto una pared en blanco se convierte en el pentágrama neutro sobre el Motoko transcribe visualmente el texto de The Last Project. Cuyo contenido se vuelve liquido transformando esa pared en un lienzo cuya representacion es la traducción visual de una partitura. 

Esta forma de abordar el diálogo entre diferentes ámbitos creativos, enriquece su significado tanto conceptualmente como estéticamente y narrativamente. Un auricular colgado en un rincón ofrece la posibilidad de escuchar la melodía completando la experiencia.



Bob Burnquist inaugurates Lake Tahoe skate park in California

 


Located in the center of Lake Tahoe, the largest accumulation of fresh water in the Sierra Nevada, in the eastern part of the state of California. It is the ideal place for the practice of numerous aquatic sports, activity that supposes the main economic activity in the zone.


A huge skate park is kept floating on its waters. While the professional skateboarding Bob Burnquist, slides covering the ten meters of distance that there is between the means, and that swings slightly to each tracing, that sometimes ends up directly sinking in the bottom of the lake.


Skatehouse Skatepark is an innovator with a newly built skate bowl. With a quality of craftsmanship second to none. The basin is constructed in a way that makes it fun for beginners, while being large enough for more experienced veterans to find unique layouts.


Because of the materials and characteristics of the water track, Bob was called in who presents an ideal profile for this type of track, as Burnquist's specialty is changing stances on the skateboard. Trying to find new ways to make his tricks always more creative. 


A WORLD CHAMPION SKATEBOARDING ON THE LAKE

Known for having collaborated in the development of video games of this as Tony Hawk's Pro Skater, participating in all deliveries of the famous saga except Pro Skater 3. This was because of problems with the rights of the license appearing as a guest star in another video game dedicated to urban sports called, X-Games Skateboarding.


A unique experience due to the fact that it is surrounded by water which allows for a splash, recently also added a skate store that offers everything any skateboarder could need. From the newest professional skateboarding models to skateboarding gear and clothing, the shop offers everything you need.


READ IT IN SPANISH: Bob Burnquist estrena la pista de Skate del lago Tahoe en California  

Designed by the tandem of local designers, the rink took about ten days to set up. It is part of the tourism campaign called Dream Big California which aims to promote alternative tourist destinations.

NEXT Architects - The Elastic Perspective, un puente inspirado en la banda de Möbius



En NQ nos hemos hecho eco de varios proyectos presentados por el estudio de arquitectura con sede en Amsterdam Next Project, de los cuales podéis ver una muestra aquí y aquí. 

Quizás este gusto por su trabajo este relacionado con su aplicación de un enfoque osado y poco ortodoxo del diseño arquitectonico. Ya que son proyectos que independientemente de su funcionalidad, demuestran que la arquitectura también posee un componente estético y cultural.

Su ultimo proyecto es un mirador en forma de tirabuzón cuyo propósito es ofrecer diferentes perspectivas de un mismo paisaje. The Elastic Perspective que esta situado en la cima de un montículo ofrece al usuario la posibilidad de contrastar diferentes puntos de vista sobre el paraje que se expone ante sus ojos.

La estructura de acero oxidado en bucle, se ubica en el interior de un recinto industrial, cerca de las vías del ferrocarril. En la que destaca una ladera cubierta de hierba en las afueras de Rotterdam. 

Su sinuosa forma inspirada en la figura del iconico matemático Möbius y su famosa banda continúa que parece casi ser interminable. Trazado casi mágico visualmente qu en cambio nos ofrece en su punto más alto, una vista sin obstáculos del horizonte de la ciudad en la distancia y cuyo diseño ya empleo de forma mas evidente en River and Meixi Lake proyecto del que dista apenas un año.

El diseño consiste en una escalera circular que conduce al visitante hasta una altura que permite obtener una panorámica de la práctica totalidad de la ciudad. El recorrido hace un movimiento continuo y por lo tanto se basa en el contexto y de su entorno. Obteniendo una respuesta visual diferente de un mismo punto dependiendo de la posición donde te sitúes.

Swoon - Submerged Motherlands, denunciando los efectos del cambio climático a traves del arte


Existen antecedentes en el registro fósil de como a lo largo de la historia de la humanidad, se han producido variaciones en el clima. Cuyos efectos sobre el planeta tierra y sus pobladores suposo su modificación en su ecológia en relación a su flora y fauna. 

Inspirados en las consecuencias producidas por diferentes de estos episodios climáticos, la artista urbano Caledonia Curry mas conocida como Swoon con sede en New York. Ha reproducido uno de estos posibles escenarios post-apocalipticos, en los que utilizando materiales residuales recogidos de las calles.

Ha reconstruido un paisaje en el que lo orgánico se muestra en estado de esterilidad, parasitado por toneladas de basuras y escombros que muestra su particular visión de un paraje presidido por la desolación.



El conjunto esculturico esta inspirado por en el concepto de Eje Mundi, el cual Conecta el cielo y tierra. El eje mundi (también) eje cósmico, eje del mundo, pilar del mundo, centro del mundodel mundo o centro del mundo) es un símbolo que representa el centro del mundo donde el cielo se conecta con la tierra. Diferentes culturas representan el eje mundi por símbolos variados tales como una montaña, un árbol, una vid, un tallo, una columna de humo o fuego.


La exhibición titulada Submerged Motherlands que actualmente se puede visitar en el Brooklin Museum. Se compone de un conjunto escultórico que en tono alegórico, esta presidido por un esqueleto que carece de sombra, con la que proteger de los rayos del solo al poblado de chabolas que yace a sus pies.


Enclavado alrededor del arbol podemos ver tres balsas. Las cuales hablan surcado parte del cauce del Rio Hudson con motivo de la cita  Swimming Cities of Switchback Sea celebrada en 2008, y con la que se pretendía visibilizar el dramático incremento del nivel del mar como efecto del cambio climático.






Solar Sinter, desierto, energía solar y cerámica impresa en 3D


Sol, arena e impresoras 3D. En principio este conjunto de tres términos no parece que tengan mucha relación entre si. Pero un estudiante llamado Markus Kayser de diseño en su ultimo año y como proyecto de fin de carrera.

Se traslado en un viaje a las áridas dunas del desierto del Sahara en el área que afecta Egipto, para desarrollar un proyecto que conjugara estos tres términos con el objetivo de que cristalizara en un prototipo flexible y  autosuficiente. Que a partir de la energía del sol pudiera imprimir vasijas y productos cerámicos utilizando como materia, la arena del desierto por otra parte tan abundante.

Todos estos acontecimientos que sucedían en 2.011, se convirtieron en un fenómeno mediatico que sobrepasaron todas las expectativas, pero que sin embargo con el paso del tiempo languidecio quedando en el olvido. Hasta recientemente que el propio Markus que ha dado a conocer lo que sera el modelo cero que se comercializara a lo largo del año que viene, y que tendrá como principal mercado los asentamientos nómadas del norte de África.

Bautizado con el nombre de Solar Sinter en esta versión definitiva Markus respetando las características de aquel primer prototipo. Ha incorporado algunas mejoras en la tecnología que mejoran su funcionamiento, consiguiendo optimizar sus funcionamiento y rendimiento en un entorno cuyas altas temperaturas suponen un handicap que provoca el deterioro de cualquier aparato electrónico. 

Cocebida como una estación de trabajo modular y de fácil transporte, Solar Sinter pretende ser un sustituto de la alfarería tradicional, usada hasta ahora para cubrir las necesidades domesticas. Convirtiéndolo en una actividad comercial con las que crear puestos de trabajo entre las comunidades de beduino que en columnas se desplazan en busca de la extracción de sal, actividad que debido a la demanda  se ha reducido de manera importante.


Jennifer Llett - Hello/Goodbye, emociones dispares escritas en la pared


Aunque la ilustradora con sede en la ciudad canadiense de Toronto Jennifer ilett. Carece de experiencia alguna en el ámbito del arte urbano. Para su primera experiencia ha aplicado su conocimiento en su campo, consiguiendo unos resultados prometedores.

Utilizando herramientas digitales para su diseño, el díptico  Hello/Goodbye es una intervención urbana en la que ha empleado como materia prima, el musgo que ha sido suministrado por el colectivo Sprint Guerrilla.
 

La intervención que pretende reflexionar sobre las posibilidades de creación artística, que representa la tecnología y los materiales orgánicos. Utiliza como representación simbólica su propia imagen como caricatura. 



Fijada a la pared las lineas onduladas perfilan el símbolo de la paz, completada con un enunciado donde en una parte del plano aparece con los ojos abiertos saludando de forma afables, despidiendo en la continuación de la composición donde ella se despide cerrando los parados.


Las dos composiciones comprenden una paleta de colores verde, gris y blanco. ambos ilustran caras femeninas: 'hola' delinea a una chica hecha de musgo, sosteniendo sus dedos en forma de signo de paz. 


Líneas onduladas pintadas orgánicamente serpentean por toda la escena, interrumpidas por dos bocetos rectangulares. "adiós" es descrito por otra figura femenina, esta vez con los ojos cerrados y la boca ligeramente entreabierta revelando dos dientes delanteros blancos nacarados. la palabra 'no' escrita a mano en el centro de la pieza marca el dibujo, como la niña representada rodeada de varias formas geométricas, hechas de musgo y material blanco. 


El artista conceptual Abraham Poincheval, vive dentro de un oso y lo retransmite en directo


Los osos cuando en sus habitats naturales comienzan a descender las temperturas y las primeras precipitaciones de nieve. 


Se retiran, cobijandose en sus oseras donde hibernan durante el largo y frió invierno, hasta que llega la primavera con sus días cálidos. Emulando a estos plantígrados el artista francés Abraham Poincheval.


Ha realizado una performance interrumpida de trece días con sus respectivas noches. En las que ha vivido en el interior del estomago de un oso pardo que tras fallecer por causas naturales había sido por un taxidermista.


Realizada en el marco de actividades temporales organizadas por Musée de la Chasse et de la Nature. Abraham ha permanecido entre el 1 y el 14 de Abril en el interior del vientre, donde previamente había realizado un acopio de víveres y enseres. 


Retransmitiéndose al resto del mundo a través de una web cam, mediante las que sus visitantes podían participar activamente en esta curiosa experiencia. 


 Llamada Dans la peau de l’ours, su autor ha pretendido explorar sus capacidades físicas y psiquicas. Reproduciendo las condiciones de un entorno natural, en un edificio y utilizando como medio de exhibición herramientas digitales.





Andy Scott - Helix, como se construye la escultura equina mas grande del mundo


Helix es el documento audiovisual que sirve como resumen del trabajo escultural realizado por el artista Andy Scott. Con su recientemente finalizado proyecto Kelpies.

Un monumennto inmersivo inaugurado en Noviembre de 2.013, el conjunto compuesto por dos cabezas de equino realizadas a una escala colosal. Su ubicacación en un paraje en las afueras de la localidad escocesa de Falkirk. 

Los dos bustos fueron ealizados con laminas de acero que cubre un armazón que alcanza una altura de treinta metros pesando mas de 300 toneladas ca uno. Aparte de dar titulo al vídeo grabado en formato time-lapse, Helix hace referencia al parque del que forman las esculturas.


The River Spirit esta emplaza en la rivera del rio que la inspira

Y que esta ubicado en las afueras de la localidad. Una intervención mediante la que se ha recuperado un antiguo canal y su entorno natural, en cuyos terrenos se ha levantado un lugar de ocio dirigido a los habitantes de la comarca.


The Helix que puedes ver pulsando AQUI, es un documento visual que te muestra el proceso de construcción de una pieza tan asombrosa como unica y abrumadora diseñada por el escultor escocés Andy Scott, los Kelpies son un hito del diseño y la ingeniería. Cada Kelpie pesa 300 toneladas (el mismo peso que 350 caballos Clydesdale) y está construido con más de 18.000 piezas. 



Aparte de Helix en el entorno del parque escultórico se pueden contemplar una selección de esculturas de Andy como la, titulada River Spirit representa una figura femenina que parece estar saliendo de una base de árbol con sus manos formando el follaje en forma de cinta. Sin embargo, la cinta representa el río Forth que fluye cerca. 

La estatua también incluye, en el dorso de la mano, palabras del poeta escocés Jim Carruth

Lifeline es un conjunto escultural formado una madre y a un niño. Rinde homenaje a las personas que trabajan en los servicios de emergencia que ponen sus vidas en peligro para ayudar a otros y con la que Andy enriquece el recorrido escultórico con una narrativa mas social y comprometida.

Por su parte la pieza titulada  I Can See for Miles es una escultura inspiradora que representa a un adulto que está aupando a un joven. Simboliza tanto la historia industrial de la comarca. Representa una referencia que resalta la importancia de la industria de la zona incluyendo el carbón, el vidrio y los textiles.

Con mas de diez metros de altura Arria representa la concordia y la comunión con el paisaje

Para finalizar este breve recorrido por lo que se conoce por el ruta de arte publico de Clackmannanshire, nos aborda la pieza titulada Arria, también es nombrada a menudo como el Ángel de la Caldera. Sus brazos forman dos grandes arcos que se inclinan, desde las palmas de sus manos hasta el dobladillo de su vestido. 


Representa el nombre gaélico de Cumbernauld (comar nan allt), que se traduce como el encuentro de las aguas. En Arria también está grabado un poema de Jim Carruth, mientras caminas alrededor de ella, puedes leer el poema llamado Watershed.



ACERCA DE ANDY SCOTT:

Andy Scott nació y creció en Glasgow, Escocia aunque en la actualidad reside en L.A. Su padre era dibujante y su madre, auxiliar de enfermería. Se graduó con honores en la prestigiosa Escuela de Arte de Glasgow en 1986 y obtuvo un diploma de posgrado en 1987.  Estamos ante un artista figurativo escultor figurativo escocés que trabaja a gran escala en acero galvanizado, así como en bronce fundido. Sus obras suelen representar figuras animales.





Soradofarm, la estación como huerto urbano en Japón


Una de las cualidades que define el carácter del pueblo japones es su amor por las plantas y en concreto por sus jardines. Para los que aprovechan cualquier espacio por minusculo que sea para destinarlo al cultivo de las mas exóticas especies de flores que uno se pueda imaginar.

Creada por unos entusiastas de la agricultura urbana y apasionados de la cultura ferroviaria. La iniciativa Soradofarm se ha convertido en un fenómeno social, que a partir de la colonización de las cubiertas de las terminales de ferrocarril. Se ha extendido abarcando buena parte del país.

Para su ultima explotación agrícola han elegido la cubierta de la concurrida estación de Tokio. Proyecto que de inmediato se ha convertido en una plataforma, desde la que transmitir al resto de los ciudadanos un mensaje de compromiso con el medio-ambiente.

Y que describe los beneficios que tiene para la convivencia en el entorno urbano, aprovechar espacios en desuso con el objetivo de cultivar huertos urbanos. En todas y cada una de las cinco fincas agrícolas con las que cuentan hasta ahora Soradofarm. 


Para cuya constitución se ha tenido que tener en cuenta una serie de tramites administrativos, para lo que han contado con el consentimiento de la dirección de las diferentes compañias. Que gestionan los recintos ferroviarios y los recursos necesarios para su funcionamiento. 

Como por el ejemplo el agua, la luz, el servicio de limpieza, la seguridad. Con un presupuesto que a muchos nos parecería ridículo, no superando de media los 100.000 yuanes, poco mas de 900 euros por proyecto y año. 

El perfil de los participantes en cada explotación es muy variado, siendo los voluntarios usuarios de tren los mas numerosos. Que probando por curiosidad, se implican en un alto porcentaje en las labores propias de cada huerto.

Y en las numerosas actividades organizadas a lo largo del año. Y que tienen que ver con la concienciación ecológica, abarcando aspectos como los habitos dietéticos, el auto consumo o la gestión eficaz de los cada vez mas escasos recursos alimentarios. 

 

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