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LKSVDD - God's Loft Story, una iglesia en Ámsterdam convertida en un espacioso loft




Aparentemente por su fachada cualquiera la describiría como una agradable capilla de culto que presta sus servicios espirituales a sus feligreses cada domingo. Construida en 1.928 a las afueras de Amsterdam  esta iglesia dedicada al culto evangelico.  

Recientemente ha experimentado una reforma y ampliación que la ha transformado en un amplio loft. Respetando la estructura exterior del edificio, el estudio LKSVDD ha ejecutado el mejor proyecto de interiorismo del año, siendo merecedor del premio Architectuurprijs Achterhoek  2012. 

En la realización de la intervención se ha tenido especial delicadeza con la identidad del lugar, lo primero que se observa al acceder al interior del loft, es que los arquitectos han conseguido crear diferentes ambientes. Dependiendo de la función a la que vaya destinado cada espacio.

Sin por eso tener que compartimentar con tabiques que solo servirían para defomar la naturaleza estética del edificio. El segundo elemento que llama la atención es el púlpito instalado en la nave central, este modulo rectangular construido en madera.

Al que se accede por una escalera con escalones en rojo, que conducen a la entre planta donde esta el dormitorio principal y un baño. Este modulo divide el espacio entre la cocina y la amplia sala de estar, teniendo en su cara interior los lavabos. En el fondo del edificio donde en su momento estaba el altar de oficios,  se ha dispuesto como biblioteca y espacio de trabajo definiendo el carácter distendido de la residencia. 


La visión rustica de las vigas en el techo, contrastan con la decoración en la que se combina un mobiliario modernista con una decoración en la que predominan las referencias seculares, esta ambigüedad en la planifición del edificio se amortigua con la generosa iluminación natural, que baña las paredes blancas.


En el jardín se ha instalado un rebaño de ovejas de madera, un matiz irónico que rompe la estética sacra del edificio. Completando la intervención en la parcela amurallada se encuentra un contenedor de mercancías donde se guarda el utillaje que se emplea en la conservación del huerto urbano, con el que se abastece de verduras y hortalizas la despensa familiar.


One Day On Earth, como ves tu mundo


La primera cita fue el 10/10/10, la segunda convocatoria fue 11/11/11 y para cerrar tan singular trilogía se ha subrayado en el calendario la fecha del 12/12/12, aparte de presentar una correlación cronológica en la composición de sus guarismos. Estas tres fechas han servido como argumento para la proyecto audiovisual One Day On Earth .

 Una propuesta de carácter global, que valiéndose de las redes sociales han creado una plataforma, a través de la que cualquier profesional o aficionado puede mandar su corto documental para poder ser exhibida y compartida en los canales que tienen abierto en la red.

 A La iniciativa que cuenta con el apoyo de un crisol de organizaciones que trabajan en ámbitos como los derechos humanos, la persevación del medio ambiente o la ayuda al desarrollo. Se puede presentar cualquier obra que cumpla los requisitos establecidos por ODOE.

 Del todo el material que se reune a lo largo del plazo de convocatoria se realiza un documental, que se pone a la  venta en las principales plataformas de distribución de contenidos, tanto en formato físico como digital. También podéis acceder a la totalidad de las referencias mandadas en estas tres ediciones, a través de este mapa interactivo.


Elise Morin - Water Carrier

Después de maravillarnos con su instalación titulada Waste Landscape, con la que reproducía un mar a partir del reciclaje de decenas de miles de carátulas de CD donados por cientos de parisinos. Para su reciente intervención la artista Elisa Morin ha elegido el cauce de un rio. Mas concretamente el tramo de canal de agua artificial conocido Mlýnský Nahon, que cumple la función de drenaje en época de lluvias que se producen en la ciudad de Kosice  en Eslovaquia.

Que mejor escenario en el a través de una manifestación de arte urbano, formular un nuevo alegato advirtiendo de la escasez  de agua potable en el mundo, y de la importancia para el desarrollo de la humanidad. Para recrear este elemento en su estado solido, como unidad simbólica de representación cinco mil tubos de ensayos donados por diferentes laboratorios próximos.

Realizada como parte del programa de actividades de la Noche en Blanco que se celebro en diferentes puntos de la localidad. Los tubos  encajados forman la figura que pretenden evocar los cristales de las gotas de agua. Rellenos de líquidos fluorescentes cuando llegaba la noche se iluminaban como los rótulos de neón. El mensaje implícito de la instalación era advertir del estado de degradación en que se encuentran muchos acuíferos.

Elise Morin es una artista francés que trabaja con materiales de desecho, creando instalaciones establecidas en lugares específicos y luego modificados para conjurar nuevos paisajes en tres dimensiones. Estos proyectos visualmente atractivos tienen un trasfondo ecológico importante. A través de la interacción del sueño, el agua, la luz y el espacio, las creaciones de Elise revelan otra dimensión de los lugares y medios sobre los que trabaja y representa.


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Crean pilas híbridas destinadas a la producción de energía cinética


Energía y movimiento son dos conceptos que pese a complementarse, en términos prácticos este mecanismo productor de energía ha sido muy poco aprovechado. Aunque existen numerosos proyectos que tratan de aprovechar la enorme capacidad de la piezoelectricidad para generar electricidad utilizando la energía que cinéticamente genera un organismo en movimiento.

Recientemente, los investigadores del Georgia Institute of Technology han creado lo que ellos creen es un método más eficiente. Ellos han desarrollado una célula de energía de auto-carga que convierte directamente la energía mecánica en energía química. La célula almacena la potencia hasta que se libera como una corriente eléctrica. 

 Mediante la creación de una célula híbrida generador-almacenamiento, se han eliminado la necesidad de emplear sistemas que utilizan una batería independiente del generador, reduciendo la cantidad de peso y espacio que normalmente se requiere para acomodar dispositivos que generen, almacenen y suministren la energía cinética.

El estudio dirigido por Zhong Lin Wang, profesor regente en la Escuela de Ciencia e Ingeniería de Materiales en el Instituto de Tecnología de Georgia, afirma que el sistema de carga se acumula en ciertos materiales sólidos con características piezoeléctricas, conducen los iones de litio de un lado de la célula cuando la membrana se deforma por el estrés.

Mediante el aprovechamiento de una fuerza de compresión (cinética), tal como un talón del zapato golpeando sobre un material (piezoeléctrico) el pavimento, la célula de genera suficiente corriente para alimentar una pequeña calculadora. 

 Una celda de potencia híbrida del tamaño de una pila botón convencional puede alimentar pequeños dispositivos electrónicos - y podría tener aplicaciones militares para los soldados que podría algún día el equipo de recarga de baterías mientras caminaban.

La célula de potencia consta de un cátodo hecho de litio-óxido de cobalto (LiCoO2) y un ánodo compuesto de dióxido de titanio (TiO2) nanotubos cultivados sobre una película de titanio. Los dos electrodos están separados por una membrana hecha de poli (fluoruro de vinilideno) (PVDF), que genera una carga piezoeléctrica cuando se somete a tensión. 

 Cuando la célula de potencia se comprime mecánicamente, la película de PVDF genera un potencial piezoeléctrico que sirve como una bomba de carga para conducir los iones de litio del lado del cátodo al lado del ánodo. La energía se almacena en el ánodo como el óxido de litio-titanio. 

Hasta el momento, Wang y su equipo de investigación, han construido y probado más de 500 de las células de energía. Wang estima que la celda híbrida será tanto como cinco veces más eficiente en la conversión de energía mecánica en energía química que un generador y una batería por separado. 

 El sistema podría ser utilizado para convertir la energía mecánica que se produce al caminar, de la que generan los neumáticos de un vehículo, a partir de las olas del mar cuando golpean en la costa o de las vibraciones mecánicas producidas por multitud de objetos.

Épica mitológica en el mundo surrealista de la artista Heidi Taillefer



Hay algo del viejo mundo en el trabajo de la artista de Montreal Heidi Taillefer, un aire evocador y romántico, sus pinturas con figuras de la mitología antigua, la religión y la historia. Navegan entre lo clásico y lo figurativo y sus temas arquetípicos. 

Su preocupación por la tecnología y la forma en que está cambiando la perspectiva sobre la existencia humana y la forma en que nos relacionamos. Sus temas son manifestaciones quiméricas que combinan partes corporales de humano y animal.

A lo que añade, bombillas y objetos de anticuario, haciéndolos flotar con tensión anticipatoria en su entorno. En el caso de Heidi Taillefer fusiona la pintura figurativa clásica, y el surrealismo más onirico, a lo que añade elementos de la mitología y las tradiciones populares figurativas que van desde el romanticismo victoriano a la ciencia ficción. 

 Su obra está en consonancia con algunos de los surrealistas del Siglo XX, como Max Ernst y DeChirico. Con estos antecedentes traza el perfil de la condición humana a través de diferentes épocas y culturas, construyendo su propia lente e idioma.

Enfoque que refleja la omnipresencia de los avances tecnológicos en el mundo y de como su influencia, cada día esta más presente en más ámbitos creativos. Nacida en la ciudad canadiense de Montreal, Heidi Taillefer comenzó a dibujar a la edad de tres años, criada en una familia rica. 

Tuvo la fortuna de ser educada en un entorno creativo, donde ella se sentía atraída por lo extraño e inusual. Fascinada por espécimenes de animales extraños. A partir de los diez años tomo lecciones privadas de arte, donde desarrolló habilidades en la pintura de acuarela.

Después de obtener un título en estudios humanísticos por la Universidad McGill en la década de los 90, Taillefer comenzo a realizar numerosos viajes a países en desarrollo. Prestando especial atención a los temas más universales de la condición humana, en el contexto de una sociedad cada más volátil y encaminada hacia un contexto globalizado.



HHD FUN - UP


El estudio de arquitectura HDD_FUN nos propone una sencilla forma de dotar de iluminación exteriores. Up es una instalación creada para la ultima edición del 2012 Beijing Creative Lighting Festival, que se ha celebrado en Agosto teniendo como escenario el Beijing Ditan Park.

 Un parque de los muchos que salpica la capital china, y en que se programan muestras artísticas, como esta curiosa exhibicion al aire libre donde los participantes realizan intervenciones donde el tratamiento de la iluminación en el espacio publico adopta múltiples formas, criterios y formas.

La instalación con la que repetían en esta edición, estaba formada por un conjunto de farolas agrupadas en estructuras de una, dos y tres vainas fabricadas con cañas de bambú, que se arqueban en función de su peso.

 Ancladas a una base circular se conectaban a un generador eléctrico, en el extremo de las varillas colgando efecto de la gravedad diodos LED proporcionan la iluminación precisa dependiendo de la presencia de personas.


Bureau Lada - The Archive


Enclavado en una vaguada rodeado por un bosque de abetos que lo protege y le proporciona la identidad reflejandose en la fachada de espejos, el pabellón The Archive tiene como propósito albergar parte de la producción del colectivo de arte Atelier Malkovich, que tras convocar un concurso de ideas, seleccionaron la propuesta del estudio Bureau Lada, por entender que su diseño se adaptaba a los que ellos habían concebido a partir de su trabajo.

La estructura del  estudio fue creado para proporcionar un lugar único, esta fabricado con madera extraída de varios de los ejemplares que poblaban el terreno donde se asienta la construcción, este armazón alberga una planta circular, proporcionando la luz natural al interior de los corredores. 

Esta dualidad entre lo estético y lo funcional, permite preservar la intimidad del espacio convirtiéndolo en un refugio sereno donde las observaciones y grabaciones de cualquier tipo, se pueden almacenar, en un edificio que pasa desapercibido en el paisaje que lo camufla.

Debido al grado de protección y resistencia frente a las variaciones de temperatura que se registran en la zona, los espejos de grandes dimensiones que cubren la totalidad del edificio, fueron fabricados con un materiales sometidos a una aleación especial,  por lo que presentan un alto grao de resistencia, a la vez permiten un fácil manejo debido a su ligereza

El interior de El Archive es un pasillo espacioso equipado con estantes y arcones donde se almacenan los bocetos de las obras que realizan. Los registros son camuflados por el reflejo fachada , creando un lugar de almacenamiento reservado para el trabajo privado, que no impacta visualmente en el entorno integrando en el.

Pablo Lehmann - The Scribe’s House, la memoria efímera de la arquitectura


Quizás dos años y medio para construir la habitación de un escriba pueda parecer excesivo a cualquiera, pero como una buena historia la instalación del artista argentino Pablo Lehmann, requiere dedicación y algo más de tiempo.

Además de ciertas dosis de disciplina y paciencia. En The Scribe’s House. En la obra con la que Pablo debutara en la próxima edición de la Art Basel de Miami, tan importante es la materia con la que esta creada.

Como la idea general alrededor de lo que gira el planteamiento de la instalación, y lo que por lo tanto desea transmitir al espectador. Que se acerca a la obra no tanto desde una óptica artistica, sino observándola como algo familiar.


La totalidad del espacio del apartamento (diseñado a escala real) está completamente amueblado y decorado con muebles vintages que provienen de reciclaje. Pintado en diferentes tonos neutros además de amarillo y el marrón, con los que consigue crear una atmósfera hipnotica. 

La cama, bañera, cortinas. Así como el resto del mobiliario esta impreso con motivos y y diferentes tipologías con las redacta mensajes. Voces mudas que parecen cobrar vida ante la presencia del visitante, que se puede llegar abrumado ante tal cantidad de texto aparentemente sin sentido.


Lo que Pablo Lehmann hace con el lenguaje The Scribe’s House, es construir una narrativa estética y creativa, quizás tratando de emular lo que hacen los pintores con pigmento. Materiales frágiles a los añade el uso de papel de capas y la tela sintética. 


Para cualquier amante de la literatura, el libro es una fuente inagotable de emociones, recuerdos, efemerides, momentos, historias... Un tesoro valioso que amplia los límites del lenguaje, un mecanismo que revela los universos creados por el poder de las palabras. Para Pablo Lehmann, el libro es a su vez, un generador de imágenes, formas encubiertas e infinitas posibilidades de interpretar la realidad trasladandolo a un contexto artistico. 



Adriana Ronżewska Kotyńska - Audiomurale


La ciudad es una combinación de arquitectura, de la humanidad y el carácter de las gentes que la habitan, de su clima, también la define su discurso estético y por su puesto cada ciudad posee su propia banda sonora. Un paisaje sonoro compuesto por multitud de sonidos discordantes, de ecos que amplifican las paredes, de ondas que se expanden como un big bang en el espacio.

El arquitecto y pintor polaco Adriana Ronżewska Kotyńska, ha querido escenificar esta cualidad de la huella sonora de la ciudad de Elblag en Polonia mediante la intervención de Audiomurale, mediante la realización de diferentes murales realizados en el espacio publico. Tras registrar las conversaciones de los transeúntes y del ruido del fondo. Se reprodujeron a través de un mural a una pared blanca en forma de espectrogramas (es decir, los patrones de ondas sonoras),

Elblag, fue un pueblo muy dañado al final de la Segunda Guerra Mundial que esperó hasta 1980 para experimentar una reconstrucción importante. El proyecto está concebido como una manifestación efímera. El mural requiere una clave que se proporciona en código QR dando acceso a las entrevistas y documentación grabadas a través de un teléfono móvil.

 

NEXT Architects - Melkwegbridge


Ubicado en la localidad holandesa de Purmerend, el nuevo puente de Melkwegbridge es una solución que contempla los diferentes modelos de movilidad peatonal en el espacio publico. Regulando el trafico entre las dos orillas a la vez que facilita la convivencia entre opciones de desplazamiento urbana.

La nueva estructura firmada por el estudio NEXT architects, vertebra el centro histórico, suponiendo un by-pass que comunica la zona vieja con los nuevos desarrollos urbanísticos. El puente cuenta con dos formas de cruzar el canal, ya sea a través del arco que se eleva a una altura de hasta doce metros.

O a pie mediante una pasarela que traza una zeta sobre el cauce del rió. Pese a la pronunciada pendiente que presenta el puente, se recorre con relativa facilidad debido a la escasa distancia que existe entre las dos orillas. 

La intervención en su conjunto forma parte de un plan general más amplio para proporcionar una mayor conectividad en toda la ciudad y este nuevo punto de referencia de la población residente. Purmerend es conocido por tener el mercado de ganado mas importante de Holanda, el llamado koemarkt ("mercado de vaca"). 

Donde el ganado se vende y comercializan durante la mayor parte del año. Suponiendo en términos económicos y productivos la principal actividad, afectando ya sea directa o indirectamente a los casi 80.000 habitantes con los que cuenta la localidad.

La infraestructura cubre la distancia de sesenta y seis metros en su parte mas larga. Su realización  comienzo a gestarse en dos mil siete, finalizando su construcción con el mobiliario y la iluminación con diodos LED de alta eficiencia en los primeros días de Octubre de 2012.

Su objetivo es crear una nueva área con una identidad específica, el puente se convierte de esta forma en algo más que un equipamiento, que ofrece un servicio publico. Pasando a ser una atracción en sí mismo. Dado que el flujo peatonal y el tráfico de bicicletas se separan, facilitando su circulación en ambos sentidos.


Reuben Margolin, escultura en movimiento


Las instalaciones cinéticas del artista Reuben Margolin reproduce patrones de movimiento inspirados en fenómenos de la naturaleza. Realizadas a partir de la observación Ruben traslada a un plano físico utilizando principios mecánicos creando efectos mágicos, que combinan la ilusión y la ciencia.


 Aunque es conocido por sus serie de Wave, intervenciones que se pueden visitar en numerosas instituciones académicas y culturales, concentradas principalmente en los Estados Unidos, en cuya plantificación y ejecución puede llegar a emplear hasta nueve meses. 

 Además cuenta con una interesante selección de retratos realizados en oleo y un hobby que consiste en reciclar piezas de bicicletas, creando curiosos vehículos modificados que posteriormente emplea para transportar los materiales con los que creara sus obras.

Las esculturas accionadas por un sistema de poleas y cuerdas, están realizadas a partir de la recolección de materiales de deshecho como envases de refrescos, botellas o cuentas, aunque el principal recurso que emplea la madera, con los que crea narraciones geométricas sincronizadas a partir de variaciones aritméticas, contextualizando el espacio donde se desarrolla transformando su función.

 Seleccionado como valor emergente en la ultima edición de los premios TED. Los inicios de Ruben en el mundo del arte se produce tras abandonar sus estudios de matemáticas y física en la universidad, e ingresar en la escuela de arte donde encuentra su verdadera vocación. 

Inspirado por el movimiento de una pequeña oruga verde, comenzó a tratar de capturar los movimientos de la naturaleza dotándoles de movimiento a través de la escultora. Ahora, en su estudio en Emeryville, California, hace grandes instalaciones ondulantes de madera y material reciclado.

Charlotte Caron, Ed Fairburn y Diego Beyró, tres retratos de una misma historia


El lenguaje gestual es muy rico proporcionando mucha y variada información sobre la persona, el rostro y sus facciones suele ser lo primero que nos fijamos cuando nos presentan alguien. 

Los ojos, la boca, los pómulos, la nariz y como interactúan representan nuestra tarjeta de presentación en sociedad. Aparte de la impresión estética que proyecta de nosotros sobre los demás, nuestro rostro es como un mapa. 

Que describe nuestras preferencias, gustos, fobias, debilidades ante los demás y ante nosotros mismos. La artista y fotógrafa Charlotte Caron, aplica una tecnica mixta en su serie de retratos, sustituyendo el rostro humano por el de animales con los que se identifica.

Tratando de dar una respuesta a una forma de dualidad humano animal, desafiando al animal que llevamos todos en el interior, y que camuflamos con máscaras de humanidad. Para crear finalmente una ósmosis entre los dos medios, entre el animal y el retrato.
 


Por su parte el ilustrador Ed Fairburn traza las coordenadas de los principales rasgos del rostro humano, empleando como soporte mapas cartográficos que llegan abarcar varios países. Explorando el origen de la identidad múltiples de cada individuo y su vinculo con su entorno.

Entre la infinidad de retratistas, hemos seleccionado a tres que por sus peculiaridades son muestras de la variedad de técnicas que se pueden emplear a la hora de realizar un retrato.

Por ultimo el creativo y publicista argentino Diego Beyró, emplea de soporte el blanco inmaculado de una sabana como lienzo, para crear con el explicito titulo de Orgasmo. Una serie de retratos donde reproduce el momento justo en el que se produce el climax, provocando la liberación de cantidades ingentes de hormonas que nos proporcionan placer.


Las producciones de Diego se caracterizan por la fuerza, el impacto de sus imágenes y la combinación de la artesanía y el uso de las nuevas tecnologías y dispositivos. Tanto en su serie orgasmos, en la que pintó ese instante singular de éxtasis entre sábanas, y en sus vídeos más experimentales, o su trabajo digital, vemos el cuerpo como objeto de estudio a fondo. El cuerpo, como punto de partida, describiendo sentimientos en el ámbito privado.
 


Jamie Scott - Fall, un Otoño de seis meses


La escala cromática que ofrecen la gama de colores del Otoño evoca el cambio de ciclo estacional, finaliza una temporada y marca otra de transición marcada por los rigores del Invierno, que dará pasa a la Primavera  comenzando de nuevo el proceso de la vida. Amarillos pálidos, bermellones, ocres, magentas... Se combinan en una paleta de colores que describe el paisaje de las mayoría de las ciudades. 

Filmado por el creador audiovisual y publicista Jamie Scott en diferentes localización de Central Park de New York. Fall es el fruto del trabajo distribuido en dos sesiones semanales, durante un periodo de seis meses registrando todas las posiciones del paisaje con la cámara y posteriormente montadas en formato timelapse.


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