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Jilly Ballistic, convierte el espacio público en un relato activista


Como espectros del pasado, la artista urbana Jilly Ballistic imprime viejas fotos en blanco y negro, escalándolas a diferentes tamaños dependiendo de la ubicación final donde se van a exhibir, aunque tiene una especial fijación con las instalaciones del metropolitano. 

Esta evocación recurrente pasado recupera parte de la memoria de la ciudad, actualizandola a través del arte urbano. Construyendo un discurso narrativo donde el mobiliario en ocasiones hace alusión a la imagen seleccionada, teniendo un efecto terapéutico sobre el que la observa compartiendo esta dualidad pasado/presente.

Otro de los artificios que utiliza con frecuencia y por el que empieza a ser identificado su trabajo,  consiste en pegar menús informáticos, descontextualizando el mensaje impreso en las vallas de publicidad. Esta forma de contrapublicidad tiene como objetivo desviar la atención del usuario del bombardeo constante de esloganes publicitarios.

Jilly Balística, es una artista callejero cuyo trabajo se puede ver y descubrir en alguna de las muchas estaciones del metropolitano de Nueva York. Donde se ha convertido en un sospechoso habitual. Por lo que en la mayoría de las ocasiónes sus intervenciones parecen estar realizadas de forma urgente y furtiva. 

Está premeditación e inmediatez se traduce en que buena parte de actuaciones, al ser tachadas prácticamente de actos vandalicos operan en el espacio público de forma muy efimera. Realizadas en lugares tan tangibles como los depósitos de residuos o soportes publicitarias, sus creaciones son una forma de establecer una comunicación con la opinión pública.

EL MENSAJE SE OCULTA DETRÁS DE LA MÁSCARA DE GAS
Aunque no rechaza la tecnología porque de hecho ella comenzó a mostrar sus inquietudes creativas en el mundo de la fotografia, relación que se puede percibir en muchos de sus proyectos. Paulatinamente lo fue dejando en un segundo plano.

Segun su palabras este distanciamiento se produjo en el momento en el que la era digital convirtió el acto de tomar fotografías en un hecho inocuo y compulsivo donde la realidad se convertía en una imagen carente de contexto. Rompiendo esa relación momentáneamente. Situación que está cambiando volviendo a obtener esa profundidad perdida. 

Decía el pensador y escritor Mark Fischer - Que el espacio público ha sido consumido y reemplazado por algo similar al "tercer lugar" ejemplificado por los cafés de franquicia. Estos espacios son siniestros solo por el poder que tienen para replicar su mismidad. 

La monotonía del ambiente Starbucks es a la vez reconfortante y extrañamente desorientadora; dentro de esa cápsula, literalmente es imposible olvidar en qué ciudad se está. Lo que he llamado nomadalgia es la sensación de ansiedad que estos ambientes anónimos, más o menos iguales en todo el mundo, provocan; el malestar de viaje producido por el movimiento entre espacios que podrían estar en cualquier lugar. Mi, yo… ¿qué ocurrió con Nuestro Espacio, o con la idea de un espacio público que no es reducible a una sumatoria de preferencias de consumo?

Los mensajes cargados de ironía diluyen el sentido del mensaje original sustiyendolo por otro que lo desvirtúa su enfoque netamente comercial, sustiyondole por otros que aunque aparentemente sin pretensión alguna, pudiendose incluso catalogar como un tanto naif. Si poseen un evidente discurso político y activista.  

Jilly Ballistic, turns public space into an activist narrative.



Like specters of the past, urban artist Jilly Ballistic prints old black and white photos, scaling them to different sizes depending on the final location where they will be exhibited, although she has a special fixation with the installations of the metropolitan. 


This recurrent evocation of the past recovers part of the city's memory, updating it through urban art. Constructing a narrative discourse where the furniture sometimes alludes to the selected image, having a therapeutic effect on the viewer, sharing this duality past/present.


Another of the artifices that he frequently uses and by which his work is beginning to be identified, consists of pasting computer menus, decontextualizing the message printed on the billboards. This form of counter-advertising aims to divert the user's attention from the constant bombardment of advertising slogans.


Jilly Ballistic, is a street artist whose work can be seen and discovered in one of the many stations of the New York subway. Where he has become a regular suspect. So in most of the occasions his interventions seem to be made in an urgent and furtive way. 


This premeditation and immediacy is translated in that a good part of actions, being practically branded as vandalism acts, operate in the public space in a very ephemeral way. Made in tangible places such as waste dumps or advertising media, their creations are a way of establishing a communication with public opinion.


THE MESSAGE HIDES BEHIND THE GAS MASK

Although she does not reject technology because in fact she began to show her creative concerns in the world of photography, a relationship that can be perceived in many of her projects. Gradually she was leaving it in the background.


According to her words, this distancing occurred at the moment when the digital era turned the act of taking photographs into an innocuous and compulsive act where reality became an image devoid of context. Breaking that relationship momentarily. A situation that is changing, returning to obtain that lost depth. 


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The messages loaded with irony dilute the sense of the original message substituting it for another that distorts its purely commercial approach, substituting it for others that although apparently without any pretension, can even be catalogued as somewhat naive. They do have an evident political and activist discourse. 


Harmowind, la solución eólica para los consumidores domésticos

De un tiempo a esta parte se esta observando como los aerogeneradores de eje vertical, se pueden convertir en una alternativa real, sobre todo en el mercado domestico, donde el consumidor que apuesta por la autonomía energética, se tiene que limitar a instalaciones solares, ya sean células fotovoltaicas o termosolares. La razón principal que puede parecer peregrina, es que las turbinas para ser eficientes energeticamente, tienen que alcanzar una altura mínima, lo que dificulta enormemente su instalación en espacios reducidos.

Diseñada por Hailan Li, la turbina eólica Harmowind, que pretende establecer un estándar que se adapte a las condiciones de espacio de una vivienda unifamiliar, cubriendo con garantías la demanda de energía de sus miembros. El proyecto Harmowind es una turbina eólica independiente que hace uso de la turbulencia del viento para generar electricidad. A diferencia de los comunes turbinas de eje horizontal de viento que conocemos, el Harmowind funciona óptimamente pese al pequeño radio de giro que precisa.

Según el creador el primer prototipo de eje axial, instalado en una granja holandesa a pasado el examen con notable, aun estando colocada a una altitud muy baja, los registros de producción de energía, hacen pensar que sus diez metros de altura son suficientes para producir energía aprovechando velocidades de viento muy bajas. Algo que ya hemos podido ver con el modelo McCamley, que operando a velocidades muy bajas conseguía una ratios de generación de energía excelentes.


La diferencia con esta es que la Harmowind adopta una forma mas próxima a la turbina de eje horizontal gracia a su mástil de reducida altura, utilizando una hélice en forma axial, que permite recoger aire independientemente de la dirección que sople el viento. El concepto de aerogenerador reduce la desigualdad de fuerza aerodinámica y el efecto de la sombra que produce la turbina eólica también se minimiza. Las cuchillas se han diseñado para minimizar el efecto centrifugo  durante la rotación.

Hell's Kitchen Farm Project, un huerto urbano encima de una iglesia en New York



A pie de calle el peatón no percibe nada diferente, trafico denso, polución, ciudadanos estresados de camino al trabajo y miles de comercios abriendo sus puertas a la espera de miles de clientes. Nueva York en estado puro.

Pero si ascendemos por encima de los edificios, podemos observar como se esta produciendo una autentica revolución con la proliferacion de cientos de huertos urbanos. Sembrados sobre cubiertas los cuales sumados llegan a abarcar decenas de miles de hectáreas.

Conjunto de explotaciones formadas  por huertos urbanos gestionados en su mayoría por organizaciones sin animo de lucro. Que trabajan con miembros de las comunidades donde desarrollan una diversidad de proyectos vinculados a la agricultura en el ámbito urbano y la autonomía alimentaria.

Iniciativas de carácter civil en las que en ocasiones participa la administración publica, que aplicando sus normas y recurriendo a su logística burocratica. Delimita el rango de activaciones y negocia los plazos de tiempo y regula las condiciones sanitarias de las explotaciones agrícolas.


Incluido en la iniciativa Five Borough Farm, que realiza estudios sobre como mejorar las instalaciones y los métodos de producción en los huertos urbanos de la ciudad. Hell's Kitchen Farm Project, es un iniciativa colectiva que trabaja en programas que fomenta la automia alimentaria de sus miembros.

Para cuyos inicios hay que remontarse a operar en 2.010, a partir de la colaboración de diferentes entidades con los miembros de la comunidad que gestionan el huerto. Diseñado sobre una superficie 1000 metros cuadrados, el equivalente a poco mas de un campo de futbol. Los cultivos que componen el huerto se distribuyen en grandes tanques circulars, conectados a un sistema de riego por goteo.  


Situado entre Authority Bus Terminal y el Lincoln Tunnel, en pleno centro de Manhattan. La iglesia baptista que acoge el Hell's Kitchen Farm Project, tiene como objetivo, la creación de un centro de agricultura urbana donde cultivar verduras y hortalizas.


Contribuyendo a una mayor seguridad alimentaria en el barrio, mientras que proporciona una plataforma para la educación sobre  nutrición y  sostenibilidad ambiental en el entorno urbano.


El proyecto es un esfuerzo por crear un espacio ecológico que represente un espejo donde se puedan mirar iniciativas similares, actuando desde diferentes enfoques para la implementación de un sistema alimentario sostenible en la ciudad de Nueva York. En las huertas se emplean métodos tradicionales de cultivo, adaptadolas para obtener resultados positivos en un entorno urbano, examinando la evolución de las relaciones entre ciudad y sus fuentes de alimentos.
 


Marcos Saboya y Gualter Pupo/aMAZEme, un laberinto de libros



En ocasiones el adentrarse en las historias que se relatan en algunos libros, supone iniciar una experiencia que puede transformar su percepción sobre el mundo con el que te relacionas. En otras ocasiones ese efecto catártico es sustituido por la contrariedad y la desorientacion que te produce el texto que lees. 

Como si las paginas fueran las galerías de un laberinto, que recorres tratando de encontrar una salida. Creada por los artistas Marcos Saboya y Gualter Pupo la instalación titulada aMAZEme, ha precisado de la donación de hasta 250.000 libros, la mayoria usados.

Con los que se han construido las paredes de un laberinto en forma de espiral que ocupa un total de 500 metros cuadrados de superficie. Una extensión de terreno nada desdeñable, y que ha supuesto largos meses de planificación e intenso trabajo. 

Expuesta en Southbank Centre de Londres, la muestra forma parte de los eventos culturales organizados para el London 2012 Festival, pudiéndose visitar hasta el 26 de Agosto. aMAZEme es un intervención inspirada en la cita del escritor Jorge Luis Borges "Siempre me he imaginado que el paraíso será una especie de biblioteca."

Al entrar en la instalación, el público descubre nuevas texturas, imágenes y emociones, quedando hipnotizado por medio de palabras y pensamientos, diseños y patrones. Parece que hay secretos que se esconden en las paredes de la instalación.

Paredes que alcanzan una altura de hasta 2,5 metros de altura. Construidos a partir de miles de libros, que forman un gran laberinto. La construcción del dedalo así como la participación del público han sido filmada por cámaras de vídeo y enviado a aMAZEme. 

Así como a las redes sociales. Desde el comienzo deseaban que la experiencia fuera lo más inmersiva posible. Siendo conducida por una narrativa que combinará el juego y lo ludico. Las pantallas táctiles instaladas buscan información y contenidos en la pantalla, que también se muestra en los monitores situados a lo largo de la instalación. 


 

Gerry Barry/Anillos de agua y fuego cumpliendo con el ciclo Solar


El agua es un elemento clave tanto en términos creativos como conceptuales en la obra de Gerry Barry. Asociada con la pureza y fuente de la vida, Barry a menudo crea piezas sobre el lecho de un río o un lago.

O en las proximidades de algún manantial, dependiendo de las propiedades de los materiales que emplea, para crear formas circulares. A través de los que simboliza el ciclo infinito propio de cualquier criatura que habita en el bosque. 

Cuidadosamente seleccionados los cantos rodados y piedras de diferentes tamaños y calibre se disponen siguiendo la forma curvilenea, más o menos de un circulo. Que siempre orientado hacia el Sol le rinde pleitesia.


Emplazados casi siempre en un las proximidades de la costa. Las mareas inundan de forma lenta pero inexorable las instalaciones, revelando formas caprichosas sobre el terreno. 

Transformando estéticamente la propuesta en un acto espontáneo de renovacion efecto de la interacción con el medio. Las intervenciones en este contexto se mimetizan con el paisaje, completandose un ciclo que se repite una y otra vez.

Provocando que el paisaje circundante se renueve a partir de actuar desde un enfoque creativo. Patrones circulares y valles poco profundos se excavan en el anillo como un molde que posteriormente ser cobijo para algún animalillo. 


Debido a que muchas de sus obras están destinadas a ser efimeras, se las deja a merced de los elementos, en descomposición y envejecimiento de forma natural. Dependiendo de la intensidad con la que sopla el viento, el agua y el sol. 


Al igual que los principios del movimiento de la tierra, las instalaciones están destinadas a convivir con los elementos de la naturaleza, que son en sí una obra siempre cambiante. Las instalaciones Gerry Berry de esta forma cumplen con la ley de armonía que se observa en la naturaleza.

Gerry Barry nació en el pueblo irlandés de Castlegregory. Interesándose por el  Land-Art ya desde su juventud. Ámbito creativo que utiliza para establecer un diálogo no invasivo con su entorno natural. Muchas de sus piezas aun pueden visitarse, aunque en la mayoría de los casos se percibe de forma evidente el desgaste y erosión que produce su relación con su entorno.


Kevin Erickson/Rope Pavilion, un refugio para combatir el frío del crudo invierno


A su paso por localidad de Winnipeg de Canadá, el río Assiniboine se hiela formándose un pista de patinaje, considerada la mas larga del mundo. Esta condición la convierte en un lugar de peregrinación.

Para cerca de cuatro millones de visitantes por temporada que se acercan para disfrutar del patinaje en unas condiciones excelentes. Coincidiendo con la temporada de invierno se celebra un curioso concurso de refugios para alta montaña.

El Warming Huts: An Art + Architecture Competition, en el que participan principalmente estudiantes de escuelas de arquitectura de todo el mundo. En la edición de este año se ha alzádo como ganador el proyecto llamad Rope Pavillion. 

Propuesta firmada por Kevin Erickson antes de se instalado a orillas del rió Assinibone. Fue exhibido en el NEXT LANDMARK Floornature International Contest,  lo que valió el pasaporte para ganar en su categoría por lo que sera exhibido en la XIII Architecture Biennale in Venice que arranca el 29 de Agosto.


Se trata de un edificio que combina materiales simples como la madera. El pabellón crea una forma altamente versátil a pesar de lo limitado de su espacio. Reforzado con sojas de cuerda elaboradas con unmanila, que sirven para sujetar la estructura hecha con abedul.


Construyendo un refugio de apariencia frágil pero sólido en su comportamiento en situaciones adversas, conservando el calor en el interior y soportando las fuertes rachas de viento que se producen en invierno. 

El interior de madera crea una sensación de calidez a través del color y la textura, mientras que su exterior es capaz de acumular varias capas de nieve La cúpula de la cabaña debido a su forma optimiza la retención de calor. Propiedad que bajo la influencia de condiciones climáticas extremas es muy de agradecer.



David Lance - The Future Forms Of Life, el sueño de la forma en un futuro distopico


Las instlaciones cinéticas dotadas de movimiento del artista Theo Jansen tienen algo de cautivador y mágico, para el que las contempla. 


Sus movimientos acompasados poseen el ritmo de una coreografía, en la que cada pieza del autómata representa un gesto que se tiene que producir de forma sincronizada, el cual se repetirá infinitas veces. Basándose en los principios aerodinámicos de Theo, el animador y modelador David Lance.

Ha recreado en escenarios reales extraídos de la capital londinense,  a una criatura que experimenta una metamorfosis orinica, en paisajes urbanos cargados de electricidad. Cuya atmósfera surrealista nos traslada a un mundo interior en el que los elementos que los pueblan nos hipnotizan.  


En el cortometraje titulado The Future Forms of Life El cual podéis ver AQUI. Una fabula post/industrial, en la que el autor reflexiona sobre la conveniencia o no de que algunos sueños se puedan cumplir. Pues su resultados pueden ser realmente desagradables.


En su realización Lance ha utilizado aplicaciones de modelacion como  3Dsmax, Zbrush,  MatchMover o MD2. Consiguiendo un efecto realista que transmite al espectador la sensación de estar participando en  el relato que estás viendo. 

Una mención especial merece la banda sonora que acompaña todas y cada una de las imágenes del corto. Música que es una mezcla de electrónica y étnica que está firmada por Tomas Dobrovolskis.

David Lance es un estudio creativo centrado en la animación arquitectónica. Crea proyectos creativos e imaginativos para clientes que provienen de una variedad de orígenes, incluyendo arquitectura, ingeniería y desarrollo inmobiliario. Con quince años de experiencia en visualización arquitectónica y animaciones, cuentan con una larga experiencia con encargos realizado para clientes de Oriente Medio, Europa y América del Norte.



Cardboard Bike Project, recycled cardboard bike for 10 dollars




Pending patent for its manufacture, the Cardboard Bike is a design that combines craftsmanship and recycling, as basic principles, to offer a customizable product at a ridiculous price. According to its creator Izhar Gafni. 

The whole process of design, manufacture and assembly of the Carboard Bike, does not exceed the 10 dollars budget, having a retail price ranging between 70 and 90 dollars depending on the extras added by the customer. Made with cardboard, its creator was inspired by the documentary about the uses of cardboard that was broadcasted in his place of residence.

The secret for the pressed cardboard to acquire solidity and resistance lies in the resin solution to which the parts of the bike, handlebars, frame, pedals and accessories are subjected, and which is a formula made by Izhar himself, an enthusiastic cyclist. He has created an eco-vehicle, which offers all the guarantees of safety, as it is backed by the enthusiasm and experience as a designer of its author. 

The solidification process ends by adding a layer of pearlescent paint, being able to withstand water and humidity, presenting a long durability. The video shows in more detail each and every one of the steps that make up the manufacture of the Cardboard Bike, a type of product that due to the scarce resources it requires, materials from recycling, thick cardboard and materials easy to find. It could be manufactured in developing countries.


Izhar's bicycles redefine the idea of green transportation in every way, being environmentally friendly from the earliest stages of production and marketing. Izhar Gafni, a resident of Kibbutz Bror Hayil in the Negev (Israel), took the most popular vehicle in the community and decided to turn it into a viable, sustainable and brilliant business idea. 

In addition, those who decide to add a removable motor to their frame instantly turn it into an electric bike, which increases the bike's weight but improves its performance over medium distances.



Cardboard Bike Project, bicicleta de cartón reciclado por 10 dolares

 


Pendiente de la patente para su fabricacion, la Cardboard Bike (Bike de cartón), es un diseño que combina la artesanía y el reciclaje, como elementos principios básicos, para ofrecer un producto personalizable a un precio irrisorio.


Según su creador Izhar Gafni, Todo el proceso de diseño, fabricacion y montaje de la Carboard Bike, no excede los 10 dolares de presupuesto, teniendo un precio de venta al publico que oscila entre los 70 y 90 dolares dependiendo de los extras que le añada el cliente. Realizada con cartón su creador se inspiro en el documental sobre usos del cartón que emitieron en su lugar de residencia.


El secreto para que el cartón prensado adquiera solidez y resistencia, reside en la solución de resina a las que somete a las piezas de la bike, manillar, cuadro, pedales y accesorios, y que es una formula realizada por el propio Izhar, un ciclista entusiasta. 


Que ha creado un eco-vehículo, que ofrece todas las garantias de seguridad, ya que esta avalado por el entusiasmo y la trayectoria como diseñador de su autor. El proceso de solidificacion finaliza añadiendole una capa de pintura nacarada, pudiendo soportar el agua y la humedad, presentando una larga durabilidad. 


En el vídeo mostrado AQUI, se muestra con mas detalle todos y cada uno de los pasos, de los que se compone la fabricacion de la Cardboard Bike,  un tipo de producto que debido a los escasos recursos que precisa, materiales procedentes de reciclaje, cartón piedra de calibres grueso y materiales fáciles de encontrar. Podría ser fabricada en países en vías de desarrollo.


Las bicicletas de  Izhar redefine la idea de transporte ecológico en todos los sentidos, siendo respetuosas con el medio ambiente desde las primeras etapas de la producción y su comercialización. Izhar Gafni, residente en la localidad de kibutz Bror Hayil en el Negev (Israel), tomó el vehículo más popular en la comunidad y decidió convertirlo en una idea empresarial viable, sostenible y brillante. Además, aquellos que deciden añadir un motor extraíble a su cuadro instaneamente la convierten en una bicicleta electrica, lo que incrementa el peso de la bicicleta pero mejora sus prestaciones en las medias distancias.

Heather Ackroyd y Dan Harvey - Face to Face, retratos en verde


La naturaleza y la cultura, el control y el azar se yuxtaponen en la espectacular obra de Ackroyd y Harvey revelando la belleza, la delicadeza y la naturaleza transitoria de la vida orgánica. 


Hacen fotos que exploran la sensibilidad de la luz sobre los retratos emulsionados en los lienzos de césped. El efecto de la fotosíntesis reemplaza el bromuro de plata como fenómeno químico, y la hierba, más o menos verde, dependiendo de si esta mas o menos expuesta a la luz muestra las imágenes. 

La técnica empleada para crear las piezas, consiste en proyectar una imagen sobre una pared oscura de vegetación, las partes correspondientes de la superficie  germinan dependiendo de la cantidad de luz que reciben. 



Energia que reciben del Sol sobre el contorno, más oscura será la pigmentación cuanto menos reciba,  el trabajo  puede permanecer por años o hasta varios meses dependiendo del tiempo de exposición.


La obra de Ackroyd y Harvey combina la escultura, la fotografía, el conocimiento y la ecología. Expuestas principalmente en el espacio público,  el césped como material organico representa el paso del tiempo y su memoria


Entre sus intervenciones mas importantes, esta la de cubrir completamente con las paredes de hierba  una iglesia abandonada de Londres, o las catacumbas situadas debajo del Palacio de Chaillot, en París. En 2012.


The RedBall Project es una intervención nómada y participativa



Es asombroso la capacidad de adaptación que puede puede presentar un simple pelota roja, quioscos, autobuses, callejones, puentes, iglesias... The RedBall Project, es una iniciativa lúdico artística desarrollada por el escultor Kurt Perschke. 

Con la que ha recorrido ciudades del todo el mundo como Abu Dhabi, Toronto, Barcelona, Chicago, Sidney o Londres.  La iniciativa que ha desarrollado a lo largo del ultimo año, la ultima cita con la pelota de goma sera en la sede olímpica de Londres, coincidiendo con la celebración de los juegos olimpicos.


De RedBall supone un catalizador para nuevos encuentros en el día a día. A través de la naturaleza magnética, juguetóna, y carismática de la RedBall. En la superficie, la experiencia parece que lo importante es la pelota como un objeto, pero el verdadero poder de este proyecto es la capacidad de experimentación con los elementos que conviven en el espacio publico.
 

LA PELOTA COMO ARGUMENTO ARQUITECTONICO A TRAVÉS DEL QUE ANALIZAR EL ESPACIO
La persona como sujeto receptor de la experiencia no es por lo tanto simplemente un espectador sino alguien, a quien de alguna manera se le obliga a tomar una posición activa ante lo que está sucediendo ante sus ojos. Lo que provoca que la actividad cobre intensidad convirtiéndose en toda una experiencia, en la que participante en relación a su imaginación ya no es meramente un invitado pasivo que evalúa la intervencion, sino que pasa a formar parte de la narrativa. 

Concebido como un proyecto de carácter nomada, multicultural y ejecutado en términos geografico a escala global, The Red Ball aunque en principio no cuenta con itinerario definido y un calendario de ciudades cerrado. Si se estima como horizonte de finalizacion el 2020, un periodo de tiempo lo suficientemente amplio que permitirá evaluar su grado de aceptación en diferentes lugares del mundo.   



Revierten el envejeciemiento de células cardiacas humanas, activando la telomerasa



El descubrimiento de la relación que existe entre el acortamiento de los   telómeros en la división celular, y el envejecimiento por el efecto de la enzima de la telomerasa. Ha supuesto que se abran nuevas expectativas en el desarrollo de terapias genicas, para el tratamiento de enfermedades consecuencias del envejecimiento celular.

El departamento  de investigación perteneciente al Instituto del Corazon de la Universidad de San Diego, ha conseguido rejuvenecer tejido cardiaco, en pacientes mayores que presentaban insuficiente cardiaca. Utilizando células madres a las que se había practicado una biopsia, con el fin de evaluar su idoneidad.

Las células madre modificadas ayudó a la señalización de la estructura de las células del corazón facilitando la actividad de la telomerasa en la regeneración de los telomeros. Los investigadores modificaron las células madre en el laboratorio añadiendo PIM-1, una proteína que promueve la supervivencia celular y el crecimiento. El estudio firmado por Sadia Mohsin, Ph.D. fue presentado en Basic Cardiovascular de la American Heart Association Ciencias Sesiones Científicas 2012 y publicado en Journal of the American College of Cardiology.

Las células rejuvenecen cuando la actividad de las células madre modificadas mejoran debido a la actividad de la enzima  telomerasa, que evita el desgaste del telómero cromosomico. Los tolmerasa situados en los extremos de los cromosomas facilitan la replicación celular. El envejecimiento y la enfermedad se produce cuando los telómeros se acortan debido a la reducción de presencia de telomerasa. 

Las células humanas que se utilizaron en la investigación fueron probadas unicamente invitro, limitandose al ámbito del laboratorio por razones de seguridad. Los investigadores   entonces ensayaron la técnica en ratones y cerdos, y encontraron que los telómeros crecieron alargamiento, regenerando d-e tejido cardiaco en tan sólo cuatro semanas. 

Hasta ahora las investigaciones realizadas con telomeros habían conseguido ralentizar el proceso de envejecimiento celular, pero gracias a la señalización de PIM-1, se ha conseguido que se incremente la cantidad de telomerasa, revertiendo el proceso de envejecimiento celular orgánico. En este momento sólo existen soluciones farmacologicas, trasplante de corazón o de terapias con células madre con potencial regenerativo limitado, pero PIM-1 la modificación supone un avance significativo para el tratamiento clínico.

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