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Una de las muchas cosas positivas de vivir en la aldea global es la facilidad que hay a la hora de desplazarse, pudiéndose dar los mas inusuales a la vez que afortunados encuentros entre personas de muy diferente procedencia.

Coincidencias en el espacio tiempo que en otras épocas hubieran sido practicamente imposibles, en la actualidad inmersos como estamos en plena era digital, donde existen múltiples formas de generar e intercambiar información.

Información que se produce a un ritmo vertiginoso en un entorno donde la comunicación es instantánea. Permitiendo que proyectos protagonizados por viajeros como ‪Westfalia Digital Nomads‬ puedan prosperar y paradojicamente echar raíces a lo largo del viaje.

LO COMENZO SIENDO UN VIAJE SE HA CONVERTIDO EN UN ESTILO DE VIDA

Esta iniciativa de vida nómada la encarnan por un lado un italiano nacido en Milan que responde al nombre de Armando editor de imagen y diseño de profesión, y de Mel una escritora freelance que tras salir de su Montana natal en USA y recorrer medio mundo.

Acaban cruzando sus destinos en la bohemia ciudad de Praga, donde Armando tras sopesar diferentes opciones decidió adquirír una Volkswagen Westfalia de ocasión de la que se enamoro nada mas verla.

Ya que era modelo que reunía las condiciones idóneas, siendo la que mejor se adapta mejor a sus necesidades habitacionales, presentando un espacio diáfano y versátil lo que les permitia incluir el mobiliario necesario que les garantizara un viaje sin grandes complicaciones.

Además de disponer de un área de trabajo compartido donde poder cumplir con los encargos comprometidos a través de las diferentes plataformas digitales con las que trabajan, lo que les permiten gozar de una economía saneada y disfrutar de su principal objetivo.

UN DOCUMENTAL DE OTROS NOMADAS DIGITALES COMO MANUAL DE INSTRUCCIONES

Que no es otro que viajar y conocer desde una óptica nómada y humana los numerosos lugares que han tenido oportunidad de visitar, desde que en 2012 se pusieron en marcha cruzando el puente de Carlos a orillas del rio Moldava.

Aunque en un primer momento su experiencia se limitaba a ellos dos, al poco tiempo se incorporo a la tripulación de Mork, un nuevo compañero llamado Ziggy Stardog, que además de ser una mascota fiel, se ha convertido en un secundario de lujo que de forma improvisada participa en todos y cada uno de los vídeos, que se emiten todos los Viernes en su canal de Youtube.

Programas que son reproducidos por decenas de miles de seguidores, habiendose convertido con el tiempo en el precursor de un proyecto documental de mayor embergadura, con el que Armando quiere reflejar lo que ha denominado como el nuevo nomadismo digital.

Y que bajo hashtag #VANLIFE, registra las experiencias de otros nómadas que a través de testimonios en primera persona y entrevistas realizadas en un tono informal y próximo. nos ofrecen la oportunidad de conocer experiencias de otros viajeros.

Encuentros en los que se comparte numerosos consejos útiles, dirigidos princpalmente aquellas personas que están sopesando la posibilidad de iniciarse en una vida nómada, o de aquel que decide abandonar una vida sedentaria y llena de comodidades, por otra donde en numerosas ocasiones tendrá que guiarse por su intuición

Planteandoses soluciones que se pueden aplicar en otros muchos ámbitos, pues tanto a nivel individual como colectivo se enfrentan de forma cotidiana a todo tipo de situaciones.

Donde se ponen a prueba habilidades sociales como las de improvisar ante situaciones adversas o la de tratar de comunicarse en otros idiomas, que le permitan solventar con éxito los numerosos desafíos que le pondrán a prueba en su camino hacia la libertas.

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Lo que en principio se iba a limitar a ser una excusa para viajar conociendo la diversidad geográfica y cultural que ofrece Europa, se ha convertido en un proyecto dedocumentación y vida nómada donde gracias a la tecnología pueden explorar las numerosas oportunidades de trabajo que ofrecen al emprendedor el nomadismo digital.

Conocida por sus postales urbanas pintadas sobre un lienzo tan peculiar y particular como son los vasos de solo uso en los que te sirven refrescos o café, lienzos cuyo contorno esférico sirven para representar algunos de los lugares mas emblemáticos de New York.

La artista Gwyneth Leech proviene de una familia de artistas que han crecido viendo generación tras generación, una ciudad que posee la capacidad de absorver cualquier tendencia y transformarla en un rasgo con identidad propia.

Caracteristica que ha incorporado Gwyneth a su ADN artístico especializándose desde muy temprano en pintura urbana, lo que le confiere un conocimento del terreno que pisa que ya quisieran poseer muchos técnicos urbanísticos.

De hecho reside en uno de los distritos mas genuinos y que mejor describen esta carismática ciudad, como es el Midtown Manhattan, situado a cinco minutos del centro y germen de lo que en la actualidad es el corazón financiero de la ciudad.

Ella y sus pinturas se han convertido en testigo de excepción de los diferentes procesos de gentrificación por los que ha pasado la ciudad. Siendo finalmente víctima y testigo en primera persona de uno que debido a su cercanía ha tenido la oportunidad de contemplar y describir, desde el ventanal de su estudio situado en una planta de un edificio de West 39th Street.

LA ARQUITECTURA COMO PAISAJE EMOCIONAL

Viendo el día a día de la construcción desde los cimientos de un rascacielos que en lo que era un solar abandonado, se levantaba cubriendo y ensombreciendo la fachada de su propio edificio.

Historia dramática que sedujo al realizador y activista local Angelo J. Guglielmo, Jr, conocido por haber dirigido en 2012 el trabajo titulado "The Woman Who Wasn't There", producción de 2012 rodada en formato de falso documental, y que estuvo nominada para los premios Emmy del año siguiente.

The Monolith cuenta desde un enfoque donde las emociones se suceden intensamente, la historia de como la arquitectura puede transformar la vida de una persona, a través de la construcción de un edificio en un solar abandonado.

Contándonos la historia de un fraude llevado a cabo por una supuesta víctima de los atentados del 11S, cuyo testimonio falso conmovió a toda una nación llegando a liderar una de las mas importantes asociaciones de afectados.

Y que tras mantener varios encuentros con Gwyneth, traslado su equipo al apartamento de esta, para rodar lo que era una jornada en su labor como artista, desde que se levanta y sirve el desayuno, describiendo la preparación de los materiales de trabajo hasta que cae la noche y finaliza.

COMO CRECER DESDE PERDIDA A TRAVÉS DE LA ARQUITECTURA

Todo desde una óptica cotidiana que coincide con la de los obreros que a escasos metros de su vivienda están levando un bloque, un muro de ladrillo, cemento y acero, que observa impotente como crece produciéndole una sensación de angustia.

Proceso catártico que se metaboliza a través del ejercicio de la pintura y que Angelo recoge a traves de todos y cada uno de los planos que compone The Monolith, que podeis ver AQUI donde Gwineth además y paralelamente nos describe las causas que condujeron a su hermana a suicidarse. Hecho dramático que a lo largo de practicamente todo el metraje flota como una sombra acaparando cada vez mas protagonismo a pesar de su ausencia.

“Looking out on this incredible panorama of Midtown Manhattan. With spires rising into the kind of triangular composition, parts of these buildings were reflected in other buildings and the clouds coming across it was different every single day and through the year. So the light as moved through the seasons, would hit the buildings in different ways so the shadows would change daily.

And that sky. It kind of transcended the confines of the city. It always was full of fresh possibilty.”

"Mirando este increíble panorama del centro de Manhattan. Con espirales que se elevaban en el tipo de composición triangular, partes de estos edificios se reflejaban en otros edificios y las nubes que lo atravesaban eran diferentes cada día y a lo largo del año. Así que la luz que se movía a través de las estaciones, golpeaba los edificios de diferentes maneras para que las sombras cambiaran diariamente.

Y ese cielo. Trascendió los confines de la ciudad. Siempre estaba lleno de nuevas oportunidades."

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Regadas por las aguas del rio Nith la gran mayoria de las haciendas y granjas que hasta hace relativamente poco eran habituales en el Sur de Escocia han desaparecidodo, prefiriendo sus pobladores trasladarse a la proxima ciudad de Dumfries.

Conocida entre otras efemerides por ser la ciudad que alumbro al escritor J. M. Barrie autor de la cerreberima Peter Pan, y que sin duda se inspiro en el paisanaje rural caracterizado por rusticas pero solidas casas alargadas de piedras, de cuya orientación y disposición en el espacio dependia que fueran mas resistentes al viento.

Una caracteristica la de la peculiar climatologia local que habia que tener en cuenta, a la hora de planificar y construir las edificaciones de las explotaciones agricolas, que debido a la paulatina despoblacion han sido abandonadas siendo pasto de la erosion y la ruina.

UNA CASA NUEVA QUE CONSERVA SU HERENCIA RURAL

Tradicionalmente aisladas en la actualidad sus escasos restos apenas se pueden apreciar a no ser que conozcas la historia de la comarca y sepas moverte sobre el terreno. Como en el caso de la arquitecta local Lily Jencks siendo la mejor candidata como para acometer.

El encargo de construir una vivienda segunda residencial para una familia cuyas raices arraigaron en la zona generación tras generación, y que tras emigrar a la capital habian decidido volver a su tierra natal para pasar largas temporadas.

Construida en colaboración con el estudio de arquitectura de Nathanael Dorent, en principio los 180 m2 de superficie que iban a ser construidos desde sus cimientos, pero debido a que la demolición y retirada de escombros encarecia mucho el presupuesto, decidieron conservar parte de la estructura original.

EL PAISAJE Y LA TRADICIÓN COMO CATALIZADOR DE UNA ARQUITECTURA CONTEMPORANEA

El objetivo era conservar el vinculo con sus raices familiares y la composición del paisaje, por lo que el arquitecto acuño un concepto que ha bautizado como palimpsesto de ocupación, con lo que pretende enfatiza el ciclo que discurre desde pasado al presente y viceversa.

Este contraste se aprecia tanto en los materiales, como en la fachada exterior y los acabados del mobiliario, siendo mas acusado si cabe, debido a los materiales y geometrias empleadas en el segundo volumen. Construccion realizada por modulos en la que se han empleando bloques de poliestireno dentro de una estructura de madera enrejillada y recubierta de plástico reforzado con vidrio

Conjunto que visualmente desconcierta al vistante que tiene la sensación de que esta en otro lugar pero que a la vez puede identificarse con lo que esta viendo, percepcion que se acentua debido al tramiento que se hace de la luz natural, que es proyectada desde el exterior hacia el interior a traves de aberturas en el techo, logrando transformar la totalidad de un espacio taciturno y apagado en un espacio lleno de vida.

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Ruins Studio es una residencia rural contemporanea cuya construcción se nutre del paisaje y la memoria, incorporando una selección de materiales que fusiona la tradición y la vanguardia.

Corria el año 2007 cuando los diseñadores holandeses Bart Cardinaal, Nadine Roos, y Eddy Kaijser, pertenecientes a los estudios Studio ID Eddy y HUNK-design respectivamente, deciden poner en marcha el proyecto Flying Grass Carpet.

Propuesta desarrollada a partir de un antecedente socio-cultural como es el diseño y elaboración tradicional de alfombras persas y artesanales. Y un concepto que combina la creatividad y la creación de instalaciones de uso publico destinados al ocio y el esparcimiento, y que tiene como ámbito de gestión un entorno urbano.

Gestionadas como intervenciones enmarcadas en la corriente del Pop-UP, tendencia cuya versatilidad permite que se aplique a múltiples escenarios. Las acciones realizadas a través de Flying Grass Carpet tienen como propósito crear lugares de reunión colectivos caracterizados por si diversidad étnica y cultural.

VOLANDO EN UNA ALFOMBRA MULTI-CULTURAL

Utilizando como aliciente el confort que proporciona las alfombras sintéticas, que realizadas por módulos se ensamblan en el lugar donde van a operar. Cada una de las alfombras reune unos motivos que hacen referencia a la cultural diferente.

Encargadas tanto para entidades privadas como para eventos organizados por diferentes administraciones publicas. En el transporte y logística de cada alfombra pueden llegar a emplearse hasta cincuenta operarios, cifra que supone una fuente de empleo importante y un fuerte impacto económico.

A lo que hay que añadir el periodo de elaboración previo en el que se precisa personal especializado cuyo conocimiento añade valor a su resultado final. Un planteamiento socio-económico donde las herramientas creativas tienen un peso especifico a lo largo del todo tiempo que dura el trabajo. Tanto del diseño como de la fabricación de los diferentes elementos de cada instalación.

GENERANDO RIQUEZA SOCIAL Y ECONÓMICA CREATIVAMENTE

Y donde los vinculos sentimentales de cada alfombra reflejan además del paisaje local del lugar donde va a instalarse, los habitos de la población y su diversidad y la relación que establece con su entorno.

Aunque por principio se aplican criterios que resaltan la complejidad y universalidad de la sociedad globalizada en la que nos relacionamos. En cada diseño se introduce elementos o tonos cuyo propósito es atender a las particularidades de cada lugar, con el objetivo de crear un anclaje emocional con el que identificar a sus usuarios.

Flying Grass Carpet modifica el paisaje urbano y social con el que interactúa en un contexto social caracterizado por el multiculturalismo, a través del que generar sinergias creativas.

Nos dimos cuenta de que debíamos ampliar el rango de patrones que utilizabamos, añade Nadine Roos, cuando comenzamos a recibir propuestas de otras ciudades algunas tan exóticas como Shangai, Tenerife, Estambul o Shenzhen en Hong Kong.

Donde las diferencias culturales y sociales difieren de ciudades europeas como Amsterdam, Berlin, Madrid o Utrecht de forma considerable, por lo que tras documentarnos realizamos un diseño con el que identifique la población local.

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Asomada a la costa Atlántica la ciudad Americana de Richmond aparte de ser la capital del estado de Virginia es conocida por haber sido durante la guerra de secesión, la sede principal desde donde el ejercito que representaba a la parte confederada trataba de combatir al ejercito de la Unión en su imparable avance.

Breve instante de notoriedad política y administrativa del que en la actualidad queda una floreciente comunidad compuesta por alrededor de 225.000 habitantes, que viven principalmente de la actividad financiera y mercantil, habiendose desarrollado durante las ultimas décadas un activo tejido artístico y creativo.

Compuesto por una red de galerías, coleccionistas y colectivos de artistas que han crecido a la par del prestigio de una de las instituciones académicas como es la escuela de arte de la Universidad de la Commonwealth de Virginia, la cual destaca por su programa de arte plásticas.

DE SER CIUDAD FINANCIERA A VIVIR DEL ARTE URBANO

Sinergias que con el tiempo ha propiciado que iniciativas vanguardistas como el festival de arte urbano Richmond Mural Project se convierta en una de las principales convocatorias anuales.

Y que a lo largo de un tiempo relativo corto como es un plazo de cinco años en cuyo transcurso se han celebrado otras tantas ediciones, se han dado cita en sus calles algunos de los principales artistas urbanos del momento.

Convirtiendo a la ciudad sureña en un polo de atracción artística, a la que cada año acuden decenas de miles de personas para contemplar como trabajan los mas destacados grafiteros del momento.

UN ANTECEDENTE FORTUITO QUE ALCANZADO LOS 100 MURALES

Nacido en 2012 a partir del germen de la creación del colectivo Art Whino una comunidad de artistas creada hace ocho años por la artista Shane Pomajambo. Que tras completar una dilatada carrera en New York dirigiendo una veintena de galerías de arte, decide cambiar de aires llevándose con el parte de su catalogo de artistas.

De los que algunos han tenido la oportunidad de participar en Richmond Mural Project, certamen de carácter anual que nació como un encuentro informal en el que participaban principalmente artistas locales.

Y que debido al interés generado en sus primeras ediciones, se ha marcado un objetivo mas ambicioso para el conjunto de la ciudad. Adoptando un enfoque enfoque que esta estrechamente relacionado con la participación de los ciudadanos durante los días que a lo largo del Julio principalmente que dura el festival.

Reuniendo en sus calles algunos de los mas notables y mediaticos artistas urbanos a escala global, y cuya presencia ha servido para que en esta ultima el festival haya alcanzado las 100 intervenciones. Número redondo con los que Shane trata de convertir las calles de Richmond en un gran museo al aire libre.

UNA MUESTRA DONDE PUEDES INTERACTUAR CON LOS ARTISTAS

Alrededor del que se desarrolle una industria turística cuyo polo de atracción es el arte urbano y su amplio abanico de expresiones y manifestaciones callejeras. Un esfuerzo para el que han contado con el apoyo de la administración a través de la oficina Public Art Commission.

Cuya colaboración ha permitido crear un censo de los lugares mas idóneos donde poder intervenir, teniendo en cuenta parámetros como el tamaño, la superficie y calidad de las paredes sobre las que actuar, orientación, ángulos de visión o iluminación.

Además de facilitarle los instrumentos económicos con los que poder traer artistas como Angry Woebots, Aryz, D*Face y su Pop Art de grandes dimensiones o David Flores y sus caricaturas de seres grotescos, EVER y sus murales psico-cosmicos, GAIA y sus manifiestos ecologistas, Inkten + Clogtwo que combinan en su propuesta el cubismo y el arte figurativo.

En otro sentido y mas recientemente se han incorporado obras de Jacob Eveland, Jason Woodside y sus geometrías fragmentadas y coloristas, JAZ y su particular universo donde poblado por animales tanto reales como extraídos de la mitología. O los ya habituales en cualquier evento de estas características que se precie como son Pixel Pincho o ROA, o el mítico Ron English del que se puede contemplar una de sus mas ácidas y corrosivas intervenciones.

En todo caso una pequeña muestra de nombres cuyo trabajo ha conseguido aparte de transformar el paisaje urbano de la ciudad, ampliar su oferta cultural añadiendo valor económico. Con la creación de puestos de trabajo relacionados con procesos creativos y el sector servicios orientados fundamentalmente al sector del turismo.

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Richmond Mural Project y su reto de los 100 murales ha convertido a la ciudad sureña de Richmond en un referente mundial del arte urbano, por el que cada cita atrae mas publico, fenómeno que se extiende el resto del el año atrayendo a miles de visitantes.