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Motoko Ishii - The Last Flowers, representa gráficamente una canción de Radiohead


La música es un lenguaje que al contrario que los idiomas articulados por fonemas y signos. Presenta una estructura gramatical que no exige un aprendizaje previo, siendo un medio de comunicación intuitivo que usa como materia prima el sonido.

The Last Flowers es una cancion cuya autoria esta firmada por el grupo de pop ingles Radiohead, siendo un tema que ha servido como inspiración al estudiante de diseño Motoko Ishii. 

Para crear su particular versión gráfica, en la que ha utilizado la cinta de viejos cassettes como material creativo. A partir del que representar visualmente y  simbólicamente  las estrofas y estribillos que articulan la canción de una de las bandas más iconicas del Brit Pop de la década de los 90's del Siglo pasado.


La instalación que forma parte del proyecto Visual Music. Proyecto singular gestionado por la profesora Olga Mezhibovskaya, que habitualmente imparte sus clases en la Escuela de Arte Visuales de New York. 


La propuesta dual The Last Flover mezcla la tipografía y el reciclaje. Suponiendo una invitación a partir del que sus participantes exploran las posibilidades de representar graficamente diferentes fuentes de sonido y frecuencias. Obteniendo resultados cuando menos sorprendentes,


En este contexto una pared en blanco se convierte en el pentágrama neutro sobre el Motoko transcribe visualmente el texto de The Last Project. Cuyo contenido se vuelve liquido transformando esa pared en un lienzo cuya representacion es la traducción visual de una partitura. 

Esta forma de abordar el diálogo entre diferentes ámbitos creativos, enriquece su significado tanto conceptualmente como estéticamente y narrativamente. Un auricular colgado en un rincón ofrece la posibilidad de escuchar la melodía completando la experiencia.



Chiara Sgaramella - Bosque de palabras para volver a recuperar nuestra armonía natural


Usando tipografías a diferente escala la artista medio ambiental  Chiara Sgaramella utiliza como medio expresivo la corteza rugosa de arboles centenarios o sus anillos concéntricos. Mediante los que establece un interfaz con el que dialoga con su entorno natural.

Las letras recortadas en papel se disponen arbitrariamente provocando un efecto masivo que sugiere en principio confusión y desconcierto en el espectador que se acerca tratando de descifrar mensaje oculto.

Entre las arrugas de los troncos que envueltos en los fonemas y símbolos de puntuación. Su propuesta en este sentido, adquiere un carácter reinvidicativo en un contexto de degradación del medio ambiente. 


Donde los ecos de las voces distorsionan el mensaje produciendo una psicofonia de ruidos mudos. Que te inducen a la contemplacion y la reflexión en un entorno dominado poor la armonía del orden natura. 


Titulada Bosque de palabras, se trata de una instalación efectiva visualmente donde el entorno natural se enriquece como un lenguaje poético. Donde el observador tiene que interpretar el mensaje que trata de transmitirte. 


Usando un código que ya conoce, la materia de un paisaje rural del que se alejado, sustituyendolo por una cartografía de acero y cemento. Nacida en 1982 en Italia, se formo en la Academia de Bellas Artes de Foggia y Lecce. Miembro del colectivo de artistas Cargo. 

Su obra  indaga desde un prisma multidisciplinar la relación entre sujeto y su entorno natural, el cual cada día Le resulta más distante y ajeno. Poniéndole frente a la crisis ecológica actual enraizada en la errónea representación del ser humano como entidad independiente de la naturaleza.






Garnata Type , recorriendo Granada a través de sus rótulos


Utilizando como elementos topográficos los rótulos luminosos y las diferentes formas tipográficas que lo caracterizan. Garnata Type es un proyecto a través del podemos reconocer diferentes localizaciones de la ciudad de Granada, utilizando como referencia visual algo tan cotidiano como los carteles de neón que cuelgan de los comercios. 

En un ejercicio de exploración urbana sus autores han ido recorriendo la ciudad de la Alhambra, fijando su foco atención en las formas de las tipografías con el que se nombran los establecimientos comerciales. A partir de la documentación obtenida han seleccionado un serie de fotografías a través de las que se cuenta parte de su historia social y económica. 

Garnata es un proyecto que tiene como campo de acción el espacio publico que se describe en un mapa, cuya versión digital se puede consultar a través de su pagina. En la que el usuario que accede puede pinchar en una selección de puntos desplegándose una fotografía, en la que tantos los forasteros que desconocen la ciudad como sus residentes pueden reconocerla

Peluquerías, cines, los viejos ultramarinos, mercerías de las que apenas quedan o establecimientos de ocio y hostelería (entre otros muchos), se suceden en un recorrido vital que traza trayectos donde la cartografía de la ciudad se transforma mostrándose desde otra perspectiva. Donde la estética y la memoria conviven expresándose en la retina del expectador formando parte de su bagaje cultural y personal.

 Desarrollado por el diseñador gráfico y contenido multimedia Nano Torres y el diseñador digital y de entorno web Pol Escolar. Garnata Urbano y tipo se nuestro del imaginario colectivo enriqueciendo su identidad en un contexto urbano, donde el estres y la el exceso de elementos visuales que a modo de decoración inundan nuestras ciudades como reclamo de diferente índole distorsiona su percepción.


Anna Garforth, bio graffiti con mensaje ecologista

Tipografías, geometrías o grecas formadas por diferentes patrones, toman forma a través de materiales orgánicos como el musgo o el césped principalmente. Como materiales a través de los que actuar creativa mente dentro del espacio publico.

Donde la diseñadora Anna Garforth con sede en Londres, en cuya ciudad se puede visitar la mayor parte de su obra. Ha demostrado su potencial discursivo y estetico. Aunque hay que subrayar que aparte de materiales de origen organico, en ocasiones añade papel pintado a sus intervenciones.

Las que son el resultado de combinar técnicas de paisajismo y arte urbano. Intervenciones que en todo están realizadas bajo un enfoque casi artesanal. Por lo tanto cada intervención se circunscribe en función de la tipología del paisaje urbano donde va a actuar. 


Aplicando esta metodología consigue que la obra se integre en el contexto del lugar, viéndose como un elemento que limita con lo artístico y la función meramente ornamental en su entorno.


Matas de césped pulcramente troqueladas se incorporan de forma natural en las paredes y muros, creando la impresión de que su presencia tiene origen en las entrañas del hormigon y la arcilla roja de los ladrillos. 


Siendo consecuencia de un fenómeno ajeno a nuestra compresión, que provoca el origen de trazos y figuras que utilizan como lenguaje narrativo el graffiti. Anna aplica un enfoque colonizador y parasitaria en el que experimenta con las posibilidades que ofrece una diversidad de materiales orgánicos como medio. 

A través de las que manifesta ideas e inquietudes de diferente indole. Creando un discurso donde el mensaje y significado de la obra evoluciona con la germinación de los materiales empleados.

Con esta dualidad entre lo conceptual de la obra y su proceso germinal, Anna  tiene por objeto reflejar el mundo y sus infinitas texturas y formas. Donde muchas especies de diferentes plantas y elementos hechos por el ser humano conviven en un ejercicio de simbiosis, construyendo un discurso armonico en el que participan formas naturales y elementos del mobiliario urbano retroalimentandose.   


Jim Power es un artista urbano que ha convertido New York en un mosaico expresivo


Utilizando materiales de reciclaje como vidrio, baldosas, conchas de playa y silicona como material adherente. Jim Power referente del movimiento Hippie y la contra cultura Newyorkina, lleva veinticinco años realizando intervenciones urbanas. 

Mosaicos que reproducen escenas cotidianas o experiencias más personales. Desde que se instalo en el distrito del East Village. Un entorno urbano que destaca por su intensa actividad cultural y ambiente bohemio.

Jim acompañado de su inseparable perro y desde hace un tiempo de un bastón sobre el que se apoya, recorre las calles del barrio donde su presencia y la de su actividad artística que realiza de forma altruista. 

Le han convertido en un personaje entrañable y querido por los miembros de la comunidad con la que se relaciona. Habiendo creado un legado creativo que ya forma parte del ADN del distrito.


Realizadas sobre paredes, o las superficies torneadas de los postes de iluminación urban o elementos del mobiliario publico. Los crisoles de Jim se componen de leyendas e iconos que hacen referencia a la cultura y personajes principalmente estadounidenses.



Con un discurso cuyo enfoque transmite un mensaje que contiene argumentos que hacen especial énfasis en valores humanos y solidarios. Las intervenciones de Jim Power tienen por objetivo concebir el espacio publico desde una perspectiva creativa, lúdica y casual.


Su obra e intensa vida le han convertido ya en poco más o menos que un icono de la gran manzana. Por lo que su biografía ha llamado la atención de diferentes estudios de cine, que han mostrado su interés por trasladar su peculiar historia a un guión cinmatografico.

Con el que se pretende filmar un documental, donde a través de los testimonios del propio Jim y de las motivaciones por las que hace sus murales, nos cuenta su historia. Paralelamente a la evolución de la ciudad donde ha vivido buena parte de su vida. 

Titulado Legendary Mosaico Trail, su producción se encuentra en pleno proceso de financiacion, y en la que se puede participar con una pequeña cuota. Con la que aparte se pretende reconstruir muchas de las piezas que se han deteriorado producto del vandalismo o del abandono.


Mark Drew, nostalgia musical a través del diseño


A pesar de vivir inmersos en plena digital gracias a la que la practica totalidad de los contenidos que produce la industria del entretenimiento, son distribuidos aplicando un algoritmo basados en ceros y unos. Estamos asistiendo a un revival de viejos formatos como el vinilo, un mercado que fundamentalmente  que se nuestra de reediciones míticas de la música contemporánea y que esta experimentado un gran auge.

Este fenómeno retro también tiene su versión artística. Mark Drew con oficina en Tokyo ha querido realizar su particular aportación sumandote a esta corriente vintage, que consiste en utilizar la iconografía Pop para realizar un viaje temporal, que correlacione episodios de nuestra historia actualizando a través de manifestaciones artísticas actuales. 

Mark ha elegido para realizar su homenaje a la música que escuchaba en la década de los 80´s, de la que es un autentico fan, las conocidas como costuras o filetes laterales de loa míticos cassettes de cinta analógica, donde figuraba aparte del nombre del autor y titulo de la obra, por las que el consumidor identificaba la tipografía original, la editora discografica y el numero de serie del producto.

Para eso Mark recurre a diferentes técnicas artísticas a través de las que reproduce en cuadros, diseño web, laminas, murales, instalaciones e incluso camisetas, algunos de sus músicos y grupos favoritos. En general viendo las obras de Mark se tiene la sensación de que la parte gráfica de la música, con la era digital ha perdido su protagonismo, beneficiándose de otras áreas del como el marketing o la promoción. 

Tsang Kin-Wah - Ecce Homo I, un análisis de la prensa y sus segos


Ecce Homo I forma parte de una serie compuesta por tres instalaciones, a través de las que el artista chino Tsang Kin-Wah realiza algo tan inusual como un análisis de los elementos implicados en un proceso judicial. 

Utilizando como medio de expresión diferentes tipografías que se cruzan sobre el plano blanco de unas paredes que dan forma a unas habitaciones desnudas de mobiliario, en las que únicamente hay varios espejos. Los cuales reflejan los conjuntos de letras desordenadas.

Los cuales representan conceptualmente una metáfora de la confusión que a veces tiende a provocar la prensa tanto la tradicional, como la que se ha incorporado debido a los nuevos nichos informativo que ha supuesto la irrupción de la era digital. Suceso que paradojicamente lejos de pluralizar el acceso a los flujos de información enriqueciendo el contexto que se ofrece de la misma, la ha empobrecido.


Realizadas a lo largo de 2011, Tang reflexiona sobre el papel de los entes mediaticos y su influencia en el desarrollo de cualquier tipo de causa jurídica. Al mismo tiempo, trata de representar las emociones del sujeto que está siendo objeto de juicio, y la atmósfera densa y tensa a lo largo de todo el proceso. 

 Exhibida en 2012 en la sede que alberga la programación de Pearl Lam Gallery en Hong Kong. Inspirada en los sucesos  que precipitaron el derrocamiento y posterior juicio sumarísimo que supuso la ejecución del dictador comunista Nicolae Ceausescu, el cual gobernó Rumanía hasta la caída de la Unión Sovietica.


Tomando como fondo documental la casi mitológica frase Ecce Homo, utilizada por Poncio Pilato para sentenciar a Jesús en público antes de la crucifixión, la cual sirvió de inspiración para titular uno de los más manuales marxistas que más se consultan escrito por Nietzsche y que especula sobre el juicio final de Jesús y la filosofía de Nietzsche, los partes de prensa y las imagenes de televisión que se emitían de forma torrencial y en la mayoría de las ocasiones desde una optica sesgada y escasamente rigurosa, del derrocamiento de uno de los dictadores comunistas más déspotas de la antigua CCCP. Critica el papel de la prensa en la actualidad y su deriva idiologica. 

En este proyecto in situ se explora el tema del juicio y, en particular, la complejidad moral a la la hora de describir los hechos que acontecen de forma objetiva. Y hasta qué punto compromete nuestra dignidad como seres humanos. Tsang obliga al visitante a participar en la obra incitandole a la reflexión consciente en calidad de observador, pretende a través de la empatia ponerse en el lugar del otro y cuestionarse sus perjuicios morales.


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