Nomada Q : surrealista

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Compuestos por miles de fotografías equivalentes a otros tantos momentos, los trece collages seleccionados para la serie Diorama Map, son el resultados de los viajes realizados por su autor el artista japones Sohei Nishino en el transcurso de los últimos diez años.

La muestra representa fragmentos del urbanismo realizados a vista de pájaro. La colección que se exhibe actualmente como parte de las actividades de la ultima edición de la feria Pulse Art que se celebra en New York.

Y que congrega a numerosos expositores y galeras de arte tanto de la ciudad como del extranjero. Se presenta en formato fotográfico de grandes dimensiones. Lo que permite al visitante sumergirse en cada uno de los cuadros reparando en cada uno de los miles de detalles que contiene cada obra.

SOHEI HACE FOTOGRAFÍAS QUE MAPEA CONVIRTIENDO EN DIBUJOS A GRAN ESCALA.

Aunque muchas de las fotografías están realizadas en color, ha sido necesario tratarlas en blanco y negro dándoles un aire retro, donde las sombras de los elementos mas significativos de cada ciudad seleccionada para la serie transmite un aire de nostalgia.

Su primer proyecto tuvo como referencia su ciudad natal de Osaka. En 2005, tras vagar por la ciudad durante un mes, disparó más de 150 rollos de película, a lo que añadió tres meses más reconstruyendo las imágenes de calles y edificios.

Empleando como herramientas unas tijeras y pegamento dando forma a la ciudad como la recordaba. Aunque una parte importante de la colección esta compuesta por ciudades localizadas en el sureste asiático, área que su autor Sohei conoce bien también ha tenido tiempo de retratar en su viajes ciudades de otros continentes, como Estambul, Paris, Rio de Janeiro o Jerusalen la única representante del continente africano.

El corto titulado Caldera (la cual podéis ver AQUI) es una animación de 11 minutos que tardo en producirse tres años, los mismos que el padre de su director Evan Viera, comenzo a experimentar frecuentes episodios ezquizoafectivos.

Una alteracio emocional que se caracteriza por padecer una amalgama de estados depresivos y delirantes que precisan de una medicación específica. En este caso Evan que también es autor del guión, nos pone en antecedentes utilizando un lenguaje repleto de símbolos oníricos.

Que sitúa al espectador ante una historia dramática de forma sutil, utilizando un discurso donde la fantasía y unos escenarios surrealistas generan la tension donde su protagonista se debate. Mostrándote el retrato de una joven que debido a la enfermedad está medicada, agobiada por un entorno hostil y afectivamente adverso.

Por lo que en un momento determinado decide renunciar al tratamiento, huyendo de la ciudad gris y lacrimógena que la rechaza. A partir de ese momento su percepción de la realidad la convierte en un ser vulnerable, lo que precipitan los acontecimientos provocando un final trágico.

Estrenada en 2.012 Caldera ha sido galardonada en diferentes festivales como el Prix Ars Electronica, Seattle International Film Festival, Festival de Cine Independiente de Roma o el Festival de Cine de Rockport. Siendo uno de los trabajos mas premiados desde su estreno.

A nivel técnico la cinta destaca por el excelente tratamiento de la iluminación que se ha realizado, lo que le confiere una atmósfera de naturaleza espectral. El metraje que carece de diálogos se apoya en la gran selección de los efectos de sonido, que vertebra una historia donde los silencios cobran un protagonismo esencial para el discurrir de la misma.

Representaciones de animales, seres surrealistas y antigüedades comparten el espacio narrativo con elementos digitales que dota de movimiento a la ultima instalación Mecaniques Discursives, creada por los artistas visuales franceses Jacquet Yannick y Fred Penelle.

A partir de un discurso donde el material exhibido crea un microcosmos, el visitante se convierte en un espectador que interpreta su propia versión en un escenario que se proyecta hacia delante ocupando el resto de la sala.

Mecaniques Discursives es la continuación de Paleodictyon una instalación de caracter especifico fruto de la colaboración con el artista digital Simon Geilfus y el compositor Thomas Vaquié. La obra perfomance digital fue creada para ser proyectada sobre la cubierta del museo francés Centro Pompidou Metz representada en el marco de la celebración de pasado Nuit Blanche en Metz, Francia.

Su proyecto conjunto consistió en crear un reino visual inquietante y decididamente contemporáneo, trascendiendo edades y modas. Desarrollaron un vocabulario sofisticado a la vez que osado y un tanto petutbador, en el que fusionaron el grabado y el arte digital más ecleptico. Se trataba de trabajar con diferentes conceptos de forma que el resultado fuera lo más espontáneo posible.

Sus obras en ocasiones aparte de dramas a medias plantean respuestas inadecuadas a problemas importantes como el aislamiento social las desigualdades sociales. A menudo pinta escenas con figuras que emprenden acciones inútiles y no relacionadas para remediar el problema inspirando humor y sátira, siendo un reflejo de mis preocupaciones generales como artista

Las obras se crearon en su mayoría in situ, adaptándose de forma natural a los sitios, paredes y espacios que las albergaban, y convirtiendo las limitaciones técnicas en una fuerza creativa. Después de haber mostrado su trabajo en más de setenta exposiciones, Fred Penelle y Yannick Jacquet cuyo resultados aparte de lo artístico permitieron crear una biblioteca a partir de la que abordar y estudiar el subconsciente del individuo a través del arte.

Aires industriales y orinicos son constantes en sus trabajos

Paleodictyon cuenta con una aplicación para el smartphone, que facilitan aquellos que la instalen la posibilidad de experimentar la pieza de nuevo, esta vez desde otras perspectivas y puntos de vista.

Mecaniques Discursives es una obra que formo parte del programa del festival de arte audiovisual Mirage de 2013, mezclaba la proyección y grabación de vídeo, es una especie de maquinaria tan mecanica como poética que se reproducia en las paredes a la manera de un cadáver exquisito, tomando como punto de partida el principio de la reacción en cadena.

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En los trabajos y colaboraciones de Jacquet Yannick los caminos están marcados por el deseo de renovar formatos tradicionales enriqueciendo el lenguaje visual utilizando el espacio y la luz como soportes de visualización.

Creada por el estudio Studio Weave la intervención Lullaby factory es una experiencia que va mas allá de lo visual. Adosada a una fachada del Great Ormond Street Hospital, la instalación que ocupa 110 metros y las diez alturas de las que se compone el edificio.

Esta formada por una red de cañerías de cuyos extremos se emiten periódicamente diferentes melodías, compuestas atendiendo a criterios médicos. Como las especialidades o los diagnosticos, así como el material sanitario que emplean en su trabajo.

Los elementos que componen Studio Wave han sido fabricados a partir de la reutilización del mobiliario de la antigua cocina de la institución. En conjunto la composición parece extraída de un relato victoriano, los amplificadores estilo gramófono le da un aire retro años veinte casi surrealista. El color cobrizo de las tuberías, los depósitos y bobinas se entrelazan siguiendo un patrón parecido a un laberinto.

Los arquitectos se inspiraron en las tuberías sucias y sistemas de drenaje que ya cubren la superficie de las paredes de ladrillo. Por lo que en vez de camuflarlas, decidieron añadir a ellos un amplio marco que abarca los diferentes elementos de la instalación.

Las melodías compuestas por Jessica Curry, representan agradables pasajes sonoros que se ejecutan a través de las tuberías emitidos en frecuencias especificas. Que contribuyen a crear una atmósfera relajante y estimulante amenizando el ingreso de los pacientes y su restablecimiento.

Studio Wave transforma un paisaje urbano agreste y gris en en una instalación lúdica, donde intervienen aspectos sensoriales y el entorno arquitectónico en una estrategia terapéutica para beneficio de los pacientes.

Una de las muchas consecuencias de todo conflicto armado es el expolio del patrimonio artístico y cultural del país o comunidad que es invadida. En el caso de la ultima guerra de la Irak.

El latrocinio se perpetro sobre su colección arte antiguo, selección de piezas de incalculable valor albergadas en el Museum of Irak. Se estima que en total se sacaron del país alrededor 15000 piezas, muchas de incalculable valor.

Entre los numerosos tesoros que fueron victimas del saqueo, están piezas como por ejemplo como el Vaso de Warak o la Dama de Warka. Piezas halladas en los yacimientos de los templos dedicados a la deidad sumeria de Inanna imagen venerada en la antigua ciudad Sumeria de Uruk en Irak, emplazamiento arqueológico que es considerado la cuna de la civilizacion.

Recuperadas poco después de sustraerse, son dos muestras de las 7.500 piezas que casi diez años mas tarde han conseguido ser devueltas a las autoridades irakies. Las mayoría de estos restos únicos fueron sacados del país, siendo revendidas finalmente en el mercado negro del arte.

Aunque no se sabe con certeza pues se carecen de evidencias de donde finalmente están todas y cada una de las piezas que fueron sustraidas. Según sugiere las autoridades las miles de piezas no recuradas fueron vendidas a colecciones privadas de países occidentales.

El artista iraki Muayad Muhsin reproduce a través de las series American, Iraqi freedom y Worldwide. Los episodios de esta diáspora cultural y patrimonial. Influenciadas por el surrealismo, las pinturas de Muayad combinan paisajes orinicos, a través de los interpreta los episodios de un conflicto belico.

Representados a través de figuras decapitadas, escenarios donde las heridas de la guerra refleja el desgarro provocado por el conflicto. En este sentido una de las muestras más destacadas de la serie es la que lleva por titulo Picnic, se trata de una critica mordaz y sórdido de aquel período y de como las guerras son producto de decisiones e intereses personales.

Muayad Muhsin nació 19 de abril 1964 en Babilonia en Irak. Fascinado por el color, comienza a dibujar a la edad de cuatro años. Cuando era niño, Muhsin se paraba por el camino entre su casa y la escuela a dibujar los objetos, pájaros y gatos que salían a su encuentro.

Muhsin recibió su educación artística en el Instituto de Arte de Bagdad 1979-1984. Después de terminar sus estudios en el Instituto, Muhsin fue reclutado por el ejército y obligado a luchar en la guerra Irak-Irán 1984-89 y la guerra de Kuwait de 1990-91, periodo que le marco profundamente y que acabo trasladando a su pintura.

Las ilustraciones digitales del creativo visual italiano Corrado Vanelli navegan entre lo barroco de iconos como Caravaggio y el surrealismo más psicoanalitico de autoras como Leónorá Carrington.

Se tratan por lo tanto de pequeñas ventanas abiertas por las que el subconsciente se filtra materializandose en una sustancia expresiva cuya comprensión nos maravilla como espectadores. Que contemplamos sus obras como universos mágicos cuyos parámetros narrativos obedecen antecedentes clásicos y figurativos.

Obras que se nutren de historias y simbología mitológica en muchos casos. En otros lienzos sin embargo se inspira en la realidad más cercana e inmediata, o en hechos históricos que el representa dándole una atmósfera dramática a veces, mientras que en otras ocasiones recurre a la ironía para ofrecernos un relato estético que se alimenta de la ficcion.

Desde pequeño en su pueblo natal Corrado Vanelli desarrollo una afición por el dibujo gracias a las historias que devoraba en la casa familiar. Herencia que posteriormente en su adolescencia provocó que comenzara a mostrar inquietudes por ámbitos como la ilustración o el arte digital.

Los trabajos de Corrado
Vanelli se caracterizan por ser universos poblados por criaturas mitológicas, seres mutantes, o muñecas de mirada enigmática que cobran vida, conviviendo con personajes humanos en escenarios donde la es esencial estimular la imaginación del que las contempla.

Además su interés por la filosofía, o su afición por cultivar bonsáis, son según el referentes que influyen en sus trabajos. Aunque todavía utiliza instrumentos tradicionales como el roting, las nuevas herramientas digitales 2D y 3D han supuesto un descubrimiento, que aparte de facilitar el proceso de diseño de sus trabajos ha enriquecido su particular estilo.

Las fotos en las que participan animales son muy complicadas de realizar, pedirle a un elefante que adopte determinada postura mientras sostiene la mirada es misión practicamente imposible. Lo que suelen hacer los fotógrafos naturalistas es crear las condiciones idóneas.

Con el propósito de modificar sobre el estado de animo del animal o estudiar su comportamiento y escoger aquellos momentos del día en los que se reunen las mejores condiciones para realizar la instantánea. Una de los factores a tener en cuenta en este tipo de trabajos es procurar que nada ni nadie distraiga la atención del animal

Cualquier movimiento o ruido por muy pequeño que sean, puede dar al traste con una plantificación de horas. Estas dificultades se suelen resolver aplicando grandes dosis de paciencia y mucha experiencia ademas de conocimiento El fotógrafo especializado Gregory Colbert, muestra su gran destreza y talento a la de abordar este tipo de situaciones.

Su proyecto Ashes and Snow es un trabajo audiovisual que comprende aparte de las series fotográficas, filmaciones de documentales, y soportes multimedia, cuenta con una voluminosa bibliografia dirigida a una diversidad de lectores. Con los que explora las relaciones de los seres humanos con el reino animal.

Realizando un enfoque donde los místico transciende el lenguaje del encuentro en si, equilibrandolo. Diluyendose las diferencias entre especies, siendo imagenes que transmites mucha fuerza y serenidad.

Para realizar estas magnificas fotografías su autor se traslada a los lugares de origen de los animales, seleccionando sus habitats naturales como el mejor estudio para captar su autencidad. Algunos de los destinos hasta la fecha han sido India, Egipto, Burma, Tonga, Sri Lanka, Namibia, Kenia, la Antártida, las Azores y Borneo. Desde que se organizo la primera exposicion en Arsenal de Venecia, Italia en 2002.

El Museo Nomadic, hogar permanente de Ashes and Snow, debutó en Nueva York (marzo-junio, 2005), después viajó hasta Santa Mónica (enero-mayo, 2006), Tokio (marzo-junio, 2007) y Ciudad de México (enero-abril, 2008). Desde entonces ha sumado 10 millones de visitantes que han podido asistir a una experiencia poetica compartida con el reino animal.

Portada del volumen fotográfico Ashes and Snow principal referencia documental del proyecto

Desde que comenzó a crear su singular obra en 1992, Colbert ha emprendido expediciones fotográficas y de filmación a todos los continentes para retratar a más de cien especies en todo el mundo. Colbert, que llama a los animales "obras maestras vivas de la naturaleza", fotografía y filma tanto animales salvajes como aquellos que han sido habituados al contacto humano en sus entornos nativos.

Finalmente y como colofon se ha rodado un documental dirigido por el dos veces ganador del Oscar Pietro Scalia. Está narrado por Laurence Fishburne (inglés), Ken Watanabe (japonés), Enrique Rocha (español) y Jeanne Moreau (francés). Entre los colaboradores musicales se incluyen a Michael Brook, David Darling o Heiner Goebbels. La película completa fue producida por Djivan Gasparyan, Nusrat Fateh Ali Khan, Lukas Foss y Lisa Gerrard