Nomada Q : simbiosis

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Las miniaturas de animales simbioticas de la artista y escultura koreana residente en Japón Maico Akiba, nos describe los efectos del paso del tiempo y la evolución que implica sobre objetos y organismos vivos.

Idea y preocupación ecológica constante en la trayectoria de la joven artista y sobre la que ya trabajo en las series tituladas 100 YEARS LATER o WALL of 100 YEARS. Conjunto de piezas por reproducciones de animales en las que el paisaje natural incorpora elementos domesticos.

Con los que la artista denuncia la parasitacion del medio natural por parte del ser humano. En Sekai (Mundo) esta preocupación la plasma mediante la reproducción de miniaturas que representan especies animales, algunas extinguidas o pertenecientes a la era prehistórica.

LA GRANDEZA DEL REINO ANIMAL RETRATADA EN MUNDOS EN MINIATURA

Hechas a partir de materiales reciclados, la totalidad de las figuras son producto de nuestra herencia y evolución, mundos que Maico representa en forma de fragmentos que como tejidos adiposos se han adherido a los cuerpos de los animales.

La artista en un alarde de audacia e imaginación convierte la espaldas de una longeva tortuga en un singular ecosistema en movimiento, donde una pareja de enamorados disfruta de un agradable día de pic-nic.

Inspiradas por recuerdos campestres vividos a lo largo de su niñez y adolescencia, se tratan de escenas idílica y lúdicas donde sus protagonistas,un oso panda, un elefante o una tortuga (entre otros) viven ajenos a los problemas medioambientales que padece el planeta tierra.

El proceso de creación de cada figura consiste en crear sets o escenas utilizando como fondo la anatomía de los animales los cuales se pintan con acrílicos. Creando un efecto visual al de un diorama, un mundo accesible pero poco verosímil en el que sus personajes en el fondo dependen de los demás para sobrevivir.

Cada figura nos traslada a nuestra infancia, donde fruto de nuestra imaginación y de la influencia de lecturas juveniles creábamos islas desiertas donde compartiamos mil aventuras con el resto de los animales que la habitaban. En una especie de equilibrio en el que reinaba la armonía entre iguales.

La primera impresión que te causan las extrañas formas que adoptan las figuras de la escultura Jessica Drenk es de asombro y admiración, pero es cuando aprecias el material del que están hechas.

De como de cientos a miles de lapiceros nivelados a diferentes alturas pueden crear una forma estéticamente sugerente. De la minuciosa labor y la increíble dedicación que emplea Jessica en su obra.

Aunque su obra ha cobrado notoriedad por su serie conocida como Implementa, la artista nacida en el estado norte-americano de Montana. En el que creció en contacto con la naturaleza, estableciendo una dilatada experiencia, lo que ha propiciado que experimente con numerosos materiales casi todo recolectados de su entorno mas próximo.

En la serie de instalaciones llamada Cerebral Mapping reproduce los circuitos y conexiones neuronales, utilizando como material tiras de cartón con las que traza intrincadas redes formadas por axones que transmiten su potencial de accion de forma continua.

En Soft Cell, vincula la materia orgánica de las que están formadas las células, con algo tan peregrino como son rollos de papel higiénico. Al transformar objetos cotidianos en formas inspiradas en la naturaleza y sus patrones, examina cómo clasificar el mundo que nos rodea.

Artículos manufacturados, aparecen como objetos naturales, algo funcional se convierte en algo decorativo, un material simple se hace complejo.

En cambio en los restos de los libros fosilizados crean una conexión entre el ser humano y lo natural. En sus instalaciones, combina estos conceptos aparentemente opuestos que se retro-alimentan de forma simbiotica, representando pequeñas colecciones de la historia natural. Su interés en la arqueología, la paleontología, la biología, la botánica y la geología influye no sólo en las formas y las texturas de su escultura, sino en su significado en relación con el paso del tiempo y como nos afecta.

Para la ultima edición del Monumenta los organizadores han seleccionado al artista de origen hindú Anish Kapoor, como en citas precedentes el escenario elegido para albergar la muestra, ha sido el Grand Palais des Champs-Élysées de París.

Un marco que por sus características es el lugar idóneo donde exhibir por sus dimensiones instalaciones como la de Leviathan. La instalación con tan evocador titulo esta inspirado en el libro del filosofo Thomas Hobbes, editado en 1.651 y que se titula de la misma forma.

Se basa en la figura del monstruo marino de Leviathan, que posee connotaciones bíblicas. Tratando de la relación del poder eclesiástico y del control que ejerce el estado sobre la libertad del individuo, aunque como sugiere el autor la relación de su obra tiene escasas similitudes con el texto del libro.

UN SOLO OBJETO, UNA SOLA FORMA, UN SOLO COLOR

Se trata de una instalación de carácter temporal realizada específicamente para esta muestra, se compone de una serie de cuerpos esféricos unidos por membranas. A los que el visitante accede por unas incisiones.

Elaborados con un material flexible como es el PVC, que posee la cualidad dual de ofrecer exteriormente un aspecto de densidad, y en las paredes interiores sin embargo permite que se filtre la luz. Creándose interesantes fenómeno visuales.

Como con anteriores intervenciones el autor emplea la materia para articular un discurso donde lo orgánico representa el eje central de la obra. En la que tan importante es lo representativo de la misma como la presencia activa del espectador que pasa a formar parte integral de la instalación convirtiendo en un elemento inmersivo.

Sin el cual el conjunto carecería de sentido. Su papel como invitado casual, consiste en recorrer y nutrir de tejido con las partículas de su ser el interior de la instalación, produciéndose una retroalimentación que enriquece ambas partes de forma simbioteca.

En total son 13.500 metros cuadrados que ocupan la practica totalidad del recinto, suponiendo una experiencia sensorial para el visitante. Que tiene la oportunidad de realizar una aproximacion al arte de este autor que recientemente ha inaugurado una retrospectiva en la India.

Muestra donde se hace un exhaustivo recorrido de su sugestiva trayectoria. En la jornada de apertura Anish rindió un emotivo homenaje a la figura del desaparecido artista y activista chino Ai WeiWei, deseando su pronta liberación

Hijo de un ingeniero que creció en la ciudad inglesa de Liverpool en las obras del escultor inglés Tony Cragg, se percibe esa influencia industrial heredad de su relación paterna. Constante o deformación profesional que se observa a lo largo de las diferentes etapas creativas, que en conjunto abarcan más de cinco decadas.

Inspiración que ya se observa en sus primeras propuestas como en Stack de 1975, donde empleaba materiales de reciclaje. Así como en las últimas que se pueden contemplar en el museo al aire libre de Skulpturen Park un espacio único creado por el Tony y que se puede visitar en la localidad de Waldfrieden, siendo liberadas de las limitaciones de una galería donde cobra su verdadera dimensión y significado.

Aunque a mí personalmente las que me resultan más sugerentes son las que realiza a lo largo de la década de los 90's del siglo pasado y la primera de este. Piezas pulidas y delicadas como las firmadas al final del siglo pasado como la titulada Auf der Lichtung de 1997 o I'm Alive firmada poco despues.

Obras que en cuantas ocasiones puedes contemplar y apreciar en un acto casi mistico. Y que nutren su dilatada trayectoria en la que por su obra ha obtenido numerosos reconocimientos. Convirtiendo sus citas expositivas en auténticos acontecimientos en la ciudad donde se convoca.

Como en exhibición en la que presentó la serie de esculturas inspiradas en el desierto, esculturas marmoleas, sinuosas que te transportaban a escenarios presididos por las aridez, cobran un nuevo significativo. En un contexto en el que el cambio climatico supone un desafío para nuestra supervivencia.

Sugiriéndote ideas y emociones que ahora revisitadas transcurrido el tiempo, la obra en su conjunto aparte de la citada serie, me transmiten un mensaje sin fisuras, solido, donde la dimensión de la obra en relación al espacio donde es ubicada representa una sincronía perfecta.

Entre una naturaleza que se desborda en las formas por un condicionante biológico y las superficies pulidas de unas esculturas generosas en los volúmenes que se integran en el paisaje, elaboradas en mármol, bronce o madera, y en una primera etapa utilizando materiales de deshecho. Que logran su propósito de mimetizarse en un medio que en principio dependiendo de la pieza le es totalmente ajena materialmente, pero que conceptualmente respeta su identidad logrando una simbiosis plena y armónica.