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Thierry Mandon, surrealismo entre lo público y lo privado



Tomar el almuerzo con la consiguiente siesta, ver tu programa favorito en la televisión, preparar el baño para sumergirte entre las aguas desde las que emergen cientos de miles de pompas de jabón. 


O probarte delante del espejo las últimas prendas que estimas (que de forma más o menos afortunada) marcarán tendencia la próxima temporada. Son en resumidas cuentas y a groso modo actividades que forman parte de nuestro ámbito privado. 


Por lo tanto procuramos como individuos discretos y pudorosos no compartirlas más allá de nuestro círculo más próximo de amistades, y siempre que se puede con las más absoluta discreción posible. Algo que instalados como estamos en plena era de la biotecnología y las telecomunicaciones. 


Donde el valor de un smartphone de última generación, reside en su capacidad y rendimiento multimedia es prácticamente una misión herculea sino imposible perservar nuestra intimidad sin sacrificar una determinante cuota de nuestra vida social. Habiéndose llegado con el paso del tiempo a un acuerdo de mínimos. 


Por el que como individuos celosos de nuestra privacidad renunciamos a parte de nuestra intimidad, a cambio de alimentar nuestra vanidad y ego. Algo que hacemos fundamentalmente a traves de exponernos en las redes sociales en las que no exhibibimos en ocasiones renunciando a nuestro pudor y sin criterio objetivo. 

A modo de cuadro sobre la pared desnuda Thierry nos interroga sobre nuestro concepto de intimidad 

Esta situación se incentiva además si existe la posibilidad de obtener un retorno económico, entonces ya cualquier prejuicio latente sobre nuestro derecho a la intimidad practicamente se diluye, ante la expectativa de obtener más o menos beneficios. 


Plusvalías que en buena parte de las ocasiones son poco más o menos que decepcionantes, no llegando a satisfacer el mas mínimo de nuestros codiciados objetivos de notoriedad. Decepción que lejos de disuadirnos suele alentarnos para que en sucesivas ocasiones, nos abramos en canal ante una audiencia que reclama de forma voraz.


Mas contenido relacionado con la narrativa que hemos ido construyendo y ofreciendo a nuestros cada vez más numerosos seguidores, que nos reclaman, nos sugieren, nos motivan y en muchas de forma caprichosa y arbitraria nos desbordan. 


Cómo si fuera un funambulista el artista Thierry Maldon realiza performances en las que escenifa escenas familiares diluyendo los límites entre lo público y lo privado. 


Creando situaciones en ocasiones que pueden llegar a comprometernos y resultar realmente embarazosas, algo que supone un dasaafio en la mayoría de los casos hasta el extremo que perdemos la noción de la realidad. Ya  que no sólo no tiene consecuencias sobre nuestra esfera privada. 


Sino que lo que conocíamos como realidad hasta hace relativamente poco tiempo se difumina en un marasmo de unos y ceros, elementos básicos a partir de los que se construye la era digital, en la que nosotros como individuos mutamos nuestra identidad. 


Utilizando un lenguaje en síntesis y práctica más profano y cercano a una estética netamente barroca así como austeras en su ejecución. El artista Thierry Mando con sede en la localidad francesa de Ardeche


Las performances de Thierry actúan sobre los sentidos relacionados con la memoria y la esfera de lo privado

Realiza intervenciones utilizando ese espacio digamos neutro que camina furtivamente entre lo exogeno y lo exogeno, como por ejemplo puede ser el muro de carga de un edificio. A través de las que escenifica escena familiares, en las que aplicando técnicas que mezcla el arte urbano y la performance ofrece a los espectadores casuales escenas hogareñas creando un vínculo instantáneo. 


Con el espectador que apenas puede salir de su asombro cuando camina por la calle y tras alzar su mirada contempla a Thierry encamado y leyendo placidamente un libro. Hecho trivial que por si solo no debería llamar la atención de ningún transeúnte. 


Pero que cobra un inusitado interés cuando el contexto en el que se desarrolla la escena se sale de lo habitual y doméstico. Debido a que el que espera a que le encuentre el sueño de Morfeo tendido en un jergon, está suspendido a una considerable altura ajeno a lo que sucede a pocos metros a ras de suelo. 


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Encaramado casi siempre en una cornisa que uno deduce que antaño compartía con otra vivienda contigua. Visión casi surrealista de una persona que recupera (no sin cierta osadía) la memoria de un espacio y su uso. 


Realizadas en un periodo de tiempo que cubren los últimos veinte años, se trata de propuestas donde se cuestiona el concepto de arquetipo en relación a su espacio preasignado, vulnerando este código social muchas veces rigido hasta lo absurdo cuando se debate sobre las mitaciones entre lo público y lo privado. 


Este dilema público/privado se acentúa aún más si cabe en aquellas propuestas donde el espacio pierde su horizontalidad como en inside Outside de 2015 que es sucesora de Tableau Vivant de 2008, donde está dualidad se representa visualmente de forma casi plástica. Cómo casi se tratara de cuadros colgados de una pared expuestos para que cualquiera los pueda admirar. Creando un sustrato donde la ficción se confunde con lo doméstico y viceversa. 





El Estudio Kune explora las posibilidades del espacio desde lo comun


Una de las tendencias mas excitantes a las que tenemos oportunidad de asistir en la actualidad  en terminos de innovación arquitectonica, esta relacionada con el tratamiento de los diferentes elementos que articulan la convivencia dentro del espacio publico.

Como una entidad versátil desde el punto de vista conceptual, cimiento básico a partir del que experimentar con diferentes dinamicas en las que tanto el espacio como sus usuarios se comportan como ejes yuxtapuestos de una misma matriz.

En la que la cooperación y el intercambio de conocimientos en flujos de informacion constantes que se retroalimentan. En un proceso donde lo material se diversifica alimentadose de fuentes ajenas a los modelos tradicionales de construcción.


COOPERAR EN LA GESTIÓN DEL ESPACIO
 
Recurriendo a excedentes cuyo origen esta en el reciclaje, o directamente recuperando materiales elaborados a partir de materia orgánica producida en el ámbito local, una proximidad que contextualiza la actividad constructiva.

Convirtiéndola en algo mas que en un producto fruto de una transacion comercial, en una actividad docente donde los usuarios además adoptan un rol participativo activo en su relación con el medio que habitan.

Y con el que evolucionan obteniendo un beneficio como consumidores en términos de gestión de su tiempo partiendo de una situación ex-nihilo (de la nada) donde los componentes lúdicos juegan un papel central. 

A la hora de contemplar el espacio habitable, receta a las que los componentes del estudio  de arquitectura Kune con sede en Madrid y formado por los arquitectos José Manuel López Ujaque y Francisco García Triviño (Dr. Arquitecto, profesor, Premio SEK de Innovación Educativa). 

Además de la arquitecta  Katerina Psegiannaki (El 2009 junto a Francisco G. Triviño y Fernando Nieto fundadores a su vez de HipoTesis (hipo-tesis.eu), un proyecto editorial online, convertido en una plataforma que ha llevado a cabo importantes proyectos, experimentos y colaboraciones. 


LA COLABORACIÓN COMO UN MODELO ARQUITECTONICO VIVO

Que han añadido el concepto de movilidad pero no solamente como un tramo de espacio recorrido sino como traslado de actividades dentro del mismo espacio sobre el que se actúa consiguiendo un efecto muy interesante. 

Que nos da la opción de repensar sobre la maleabilidad del espacio en si mismo como un agente inhibidor de la conducta permitiendo un sustrato donde el ejercicio de la cooperación entre los miembros del grupo y del mobiliario que usan.

Se convierte en un pilar que contribuye a crear una atmósfera en la que el dialogo es la piedra angular, en proyectos integrales como Together del año 2015  proyecto realizado para localidad de Bruck an der Mur (Austria) y que obtuvo el segundo premio en el certamen Europan 13 Competition.

Inspirado por el ensayo de mismo titulo escrito Richard Sennett en 2012, se trata de un diseño en el que el espacio adopta un papel pragmatico, por lo que todos y cada uno de los elementos tienen un propósito útil desde una óptica calaborativa.

Algo que se trata de aplicar a la percepción que adoptamos respecto a la gestión que como ciudadanos del tiempo, en este caso del uso del tiempo en una situación de espera como la que se da en una parada de autobús.

Titulada Stories in Waiting Year performance urbana realizada en 2017 para el encuentro Medialab Prado Madrid, donde se analiza la modificación en el comportamiento que ha supuesto la aparición de la telefonía móvil en nuestra cotidianidad.

Idea que amplían introduciendo la bicicleta en la intervención Plazabike de 2019, como arquitectura efímera cuya versatilidad le permite recorrer algunos de los nuevos desarrollos urbanísticos que se construyeron en Madrid durante la burbuja inmobiliaria, adoptado una variedad de funciones dependiendo de la ubicación y de la franja horaria del día. 

 
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El estudio de arquitectura Kune (juntos), analiza el uso del espacio habitable aplicando una óptica basada en lo comun, gestionandose a traves de dinámicas donde la cooperación y el consenso entre individuos transforma el entorno que comparten.

Marshmallow Laser Feast - In the Eyes of the Animal, viendo el mundo como si fueras un animal


Cada especie que habita este mundo percibe la realidad en la que convive bajo unos patrones concretos, en función de las caracteristicas y expresión genética que configuran sus sentidos. En este contexto a la hora de orientarnos.

La visión, quizás sea el que mas información de forma inmediata nos proporciona de nuestro entorno más próximo, siendo al primero que recurrimos de manera instintiva, a la hora de necesitar orientarnos. Representando en terminos órganicos una gran complejidad.

Pues se trata de circuito que reúne un conjunto de mecanismos que deben coordinarse de forma muy precisa, para obtener un rendimiento optimo. Obteniendo respuestas ópticas y visuales que producen interpretaciones de los elementos que se presentan entre nuestro campo de visión y la luz.


Y que en su composición tanto en términos biológicos como morfológicos difieren técnicamente de unas especies a otras. Es esta diversidad en la arquitectura visual, es en la que se inspiro el estudio Marshmallow Laser Feast para crear una performance inmersiva en la que los participantes podían experimentar como diferentes especies percibían su entorno.


Realizada con tecnología virtual que te proporciona una visión de 360º. Para la ultima edición del AND festival que tuvo como marco el bosque de Grizelade en Reino Unido. La performance de carácter nómada que lleva por título In the Eyes of the Animal, ha evolucionado incorporando módulos más sofisticados que obedecen a otros sentidos como el del tacto o el sonido.

Añadiendo dispositivos acústicos y táctiles que te permiten obtener una experiencia más aproximada y completa del reino animal. Planteada cómo una actividad que consiste en adoptar el papel de un animal en concreto a través  de su visión. Ha realizado numerosas escalas a lo largo de todo el mundo desde que se puso en marcha en 2016.


Utilizando técnicas de escaneo y fotogrametría en alta definción,   In the Eyes of the Animal tenia como objetivo crear una comprensión de cómo una diversidad de especies de animales procesan la información óptica y así dar a la gente la oportunidad de reflexionar sobre sus propias percepciones visuales.
 

Para lograr ese estadio de cosas y equiparar su flujo de información optico al humano, cada participante se colocaba un dispositivo de realidad virtual. Que reproducía las condiciones visuales de un animal  concreto, pudiendo por un instante percibir lo que nos rodea desde su cosmovision.

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Fra.Biancoshock - 24/7, viviendo en un andamio

La instalación titulada 24/7 interviene sobre el espacio no solamente como objeto o elemento estético. Se comporta como una arquitectura que forma parte del proceso artístico.

Realizada por el artista urbano Fra.Biancoshock, se trata de un estructura construida con andamios. A cada altura se le asigna una función donde Fra además de ejercer su actividad, desarrolla una vida cotidiana exponiéndola al publico en general.

Realizada en el transcurso de la ultima edición del festival Memorie Urbane,  la intervención de carácter efímera. Reflexiona sobre la arquitectura y las formas de habitarla, desde la óptica del creador en un contexto donde la experiencia insitu forma parte de la obra.


La instalación distorsiona irónicamente el concepto de "artista en residencia" y resalta un aspecto "íntimo" de la vida del artista urbano, una vida aparentemente fascinante, itinerante y emocionante que implica sacrificios en las relaciones, amistades y espacios privados. El andamio, fiel compañero del artista urbano, se convierte en un verdadero hogar con todas las necesidades esenciales necesarias para vivir en él. La llamada "residencia artística" consiste en pasar días enteros en un andamio, bajo la lluvia o bajo el sol ardiente, para dejar una contribución artística a una ciudad y su comunidad.


Fra.Biancoshock trabaja desde el compromiso sobre cuestiones que relacionadas con el espacio y sus usos, empleando recursos del entorno de forma creativa.


Biancoshock es un artista público italiano. Que cuenta con una trayectoria de poco mas de diez años después de una experiencia previa en el mundo del graffiti. Este trasfondo le llevó espontáneamente a vivir la ciudad como escenario para sus acciones artísticas. Desde el principio, el artista se expresa principalmente a través de instalaciones urbanas independientes, diferentes entre sí en términos de técnica, materiales y temas, pero unidos por la misma intención: ofrecer un punto de partida para la reflexión, a veces irónica, otras veces provocativamente al transeúnte, tratando de perturbar emocionalmente su rutina diaria.

El primer período se centra en la investigación expresiva y la producción de obras de arte, al artista no le importa el sistema artístico que, en ese momento, no lo reconoce en lo más mínimo. Un día decidió realmente entender quién era y qué estaba haciendo. Al observar su camino, se evidenció que no había una categoría que pudiera incluir tanto su actitud urbana, típica del Arte Urbano, como la modalidad expresiva, cercana al arte más performativo y activista. Por esta razón en 2014 dio vida a Ephemeralism.

Movimiento basado en la producción de obras públicas que, por su propia naturaleza, existen de manera limitada en el espacio físico, pero persisten indefinidamente en el tiempo a través de la documentación fotográfica y video. El recorrido del artista que hoy supera las obras 1,000 realizadas en más de 31 países de todo el mundo perfila paso a paso la dicotomía que caracteriza su arte, su personalidad y, sobre todo, su propa identidad creativa.


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Rafael Lozano-Hemmer - Frequency and Volume


Formado como químico y físico el artista electrónico Rafael Lozano-Hemmer como al le gusta denominarse crea experiencias donde el factor tecnológico responde condicionado por la espontaneidad y características del material orgánico con el que interactúa. Cuerpos que en su relación con el espacio actúan de forma espontánea haciendo una tímida primera aproximación, en la que pese a que conoce la identidad y características tecnologicas del formato y la propuesta que se desarrolla a su obliga, le obliga partiendo de un lenguaje pedagógico aprender una serie de pautas de comunicación.

Frequency and Volume una performance creada en 2.003 y cuya representación itinerante ha tenido oportunidad en diferentes museos y centros culturales de los Estados Unidos y Canada. Reta al usuario a inhibirse interactuando con su propia sombra, con la que traza diferentes muecas y coreografías que son proyectadas sobre una pared de color neutro, cuyos movimientos son registrados por una red de sensores desplegados a lo largo de la pared.

Y que tras ser mapeados por una aplicación informática son ecualizado emitiendose en diferentes frecuencias de sonido. Estas ondas de radio indican su presencia y posición, mientras que su tamaño controla el volumen de la señal sintonizandose en cualquier frecuencia entre 150 kHz y 1,5 GHz, incluyendo el control del tráfico aéreo, FM, AM, onda corta, celular, CB, satélite, sistemas de telecomunicaciones inalámbricas y de radionavegación. Hasta 48 frecuencias se pueden ajustar de forma simultánea, viisualizando el espectro radioeléctrico y conviertendo el cuerpo humano en una antena en una interfaz de emisión.




Lisa Park, capacidad sensitiva y expresión corporal


Utilizando un dispositivo de lecturas de ondas cerebrales EGG, la artista surcoreana Lisa Park traduce mediante un electrodo implantado en su cuero cabelludo las frecuencias Delta, Theta, Alfa, Beta, así como los movimientos oculares.

En sonidos sintetizados por un software de tratamiento espacializado en interpretar la longitud de onda emitidas a nivel subcortical por el cerebro. La perfomance titulada Eunoia (Hermoso pensamiento en griego) es la sucesora de otras experiencias como la sugerente y a la par peturbadora Le violon d'lisa

Donde la artista conceptual transforma su cuerpo en violenchelo en el que la calidad del sonido y su melodía varía dependiendo del área corporal que es interpretada. Siebdo la intervención que completa una trilogía en la que se exploran las capacidades de la tecnología en relación a su interacción con el cuerpo humano.


Titulada a Obsesión es triste pasión. Donde Lisa usa un sensor de frecuencia cardiaca vinculado a la narración de un texto del autor Patrick Suskind titulado Tres historias y una reflexión. Narrada por la propia lisa, la velocidad del tono y la calidad de la dicción que emplea varía en función de la frecuencia de su ritmo cardiaco. 

Inspiradas en el pensamiento El hombre es algo que debe ser superado. ¿Qué ha hecho usted para vencerlo", del filósofo existencialista Friedrich Nietzsche. Lisa plantea la posibilidad de ampliar el potencial del hombre más allá de sus límites corporales utilizando para ello el arte preformativo.


Explorando cuestiones como la vulnerabilidad, el autocontrol y la liberación a las que con frecuencia todos estamos expuestos. Lisa crea metáforas visuals simples que permite ver claramente los efectos de la actividad del cerebro mediante el uso de tecnología y los efectos generados por elementos como el agua el sonido creando coreografias de movimientos elegantes.
 
Con estudio en New York se formo doctorándose en bellas artes y multimedia  en el Art Center College of Design.  Multidisciplinares sus propuestas son una combinación de diferentes técnica como la pintura, la instalación, la fotografía y el vídeo. Su obra explora la integración de la tecnología y el arte.



LuzInterruptus presenta la performance inmersiva Control Radiactivo un alegato contra la amenaza nuclear


Un ejercito formado por cien figuras uniformadas con ropa que protege frente a la radiación nuclear, se sostienen desplegados en un llano. Su interior iluminado lo sostiene un caballete que a modo de espantapajaros indemnes, representan el peligro inherente que supone la mala gestión de la energia nuclear. 

Titulada Control Radiactivo, se trata de la ultima instalación creada por el colectivo de arte avanzado español LuzInterruptus, con motivo de la celebración del Festival Dockville  en la ciudad alemana de Hamburgo.

La instalación se sitúa en un paisaje rural y tiene un efecto inquietante entre los visitantes, que pueden caminar a través de la disposición de los modelos iluminados. Sumergiendose en la formación, que inmóviles permanecen como preguntandose si esto podría ser nuestro futuro, y si debemos acostumbrarnos a un invierno nuclear.

Como en la mayor parte de su producción, el objeto iluminado artificialmente, sirve como lenguaje para articular un discurso narrativo. Donde el propósito es provocar en el visitante una reflexion sobre un tema en concreto. 

En el caso de Control Radiactivo mientras uno se interna entre las figuras que resignadas caminan. El espectador tiene la oportunidad de sopesar sobre las ventajas y desventajas de la utilizacion de la energía nuclear, como modelo para cubrir las necesidades de suministro energético.

Willi Dorner y Lisa Rastl - Bodies in urban spaces, el cuerpo como elemento en la ciudad


En un intento por hacer visible al individuo en el espacio publico el director de arte y coreografo Willi Dorner y la fotógrafa Lisa Rastl, utilizan el cuerpo como elemento integrador del paisaje urbano. 

Transformando la materia orgánica en sustancia que constituye y hace fluir la vida de lo inerte. Este catalizador de ideas explora la relación que existe entre el cuerpo, el espacio y la arquitectura, ofreciendo experiencias en las que el rendimiento del cuerpo  y su movimiento acaba formando del paisaje urbano.

Este proyecto nómada ha tenido escala en diferentes ciudades de países como Austria, Reino Unido, Francia, Noruega, Suecia, Finlandia, España y EEUU. Donde la puesta en escena combina coreografía, escultura e instalación y de fondo, como escenario una diversidad de paisajes urbanos. 


Creando una obra efímera donde el espectador asiste a una experiencia donde el  cuerpo transforma su identidad mediante la adopción de una postura que le mimetiza en el entorno urbano. En un intento por mimetiza se con el paisaje urbano en el que se desarrolla la puesta en escena.


Cuestionando nuestra percepción del movimiento y del entorno urbano, el coreógrafo austriaco Willi Dorner nos ofrece una pieza in situ transformando la relación con los elementos que tenemos con el paisaje urbano.


Este proyecto tan sugerente como inusual que se inicia en 2007 teniendo un recorrido que abarca casi siete años. Participando cientos de bailarines así como practicantes de Parkour en alrededor de noventa coreografias. Contó con la edición de un libro publicado en 2014 escrito por el propio Willi Dorner. 


Mark Jenkins, el espacio publico como un lugar en el que transgredir creativamente



Mark Jenkins es un artista que realiza intervenciones con un marcado acento de denuncia. Activismo creativo cuya precaucion surge  de observar la indiferencia social que se  está extendiendo tanto a nivel institucional como humano.

Un nihilismo, que no estoicismo que el metaboliza a través de formas, que en unas ocasiones se representan en delicadas esculturas que emulan la fragilidad del cristal inmaculado. Las cuales se inspiran en el reino y animal, y en otras se decide por ser más explícito y contudente. 

Optando directamente por intervenir en el espacio publico, para convertirlo en la materia prima a trave de las que contextualizar un conjunto de preocupaciones que le peturban. En este sentido el paisaje urbano lo contempla como una trinchera desde la  que proyectar alegatos de denuncia sobre las mas variadas causas.


Este mensaje recurrente que esta implícito en buena parte de instalaciones que realiza periódicamente en diferentes localizaciones, es  lo que le ha permitido crear una identidad reconocible como uno de los artistas urbanos más influyentes actualmente a nivel global.


Una de los recursos que a los que mas recurre son esculturas de diferente tamaño que modela y posteriormente envuelve en celofan adquiriendo aparienciencia de figuras talladas en vidrio. Los elementos surrealistas se integran en fotomontajes donde combina material gráfico y técnica pictórica.


Una  de las propuestas más contundentes que ha completado hasta el momento, son aquellas performances, en las que recurre a cuerpos tendidos que adoptan diferentes posiciones, que combina con la incorporación de la presencia de personajes que camuflan principalmente la cabeza o directamente adoptan diferentes disfraces, con una actitud en ocasiones activa y en mayoría de pasividad frente al entorno, creando una atmósfera de inacción que transmite una sensacion peturbadora.

En 2008 Jenkins colaboró con Greenpeace en una campaña de sensibilización, la instalación titulada Polares Bears tenía como objetivo llamar la atención sobre el desaparición de los casquetes de hielo del Ártico. Jenkins creó figuras realistas que parecían ser personas sin hogar pero con cabezas de oso polar de felpa.