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Gaza, arte frente al horror y lo irracional de la guerra


Desde que recientemente se anunció el acuerdo por el que se restablecia, al menos parcialmente unas relaciones a nivel diplomático entre las delegaciones de Israel y Arabia Saudi. Un hecho que en principio se podría calificar de acontecimiento sino historico, si de una transcendencia política y estratégica que podría suponer un punto de inflexion.

En la larga sucesión de eventos trágicos acaecidos en un conflicto étnico-religioso y geografico que ya dura demasiadas decadas, y cuyas principales y nefastas consecuencias han sufrido principalmente los miembros de la población civil. Una ciudadanía que tras una sucesión de años.

En cuyo transcurso parecía que se recuperaba en alguna medida la calma suficiente, como para poder garantizar cierto grado de prosperidad. Contempla ahora como en el momento más inesperado ese débil y precario hilillo presidido por una paz muy custionada. Que aunque tensa y pese a todos y casi innumerables episodios que se han sufrido tanto en la comunidad judía como de forma mas acusada en los territorios donde residen la población palestina.


Conatos de violencia activa que han producido un constante goteo de victimas, como de violencia de baja intensidad que han sufrido todos aquellos ciudadanos que residían en las proximidades del llamado "muro de la verguenza". Que finalmente se impuso en un paisaje humano que tan sólo aspira a vivir en paz.

Y que constatan incrédulos y llenos de estupor como ese período de precaria convivencia se ha dinamitado con nocturnidad y alevosia. Declarándose una guerra en la que la practica totalidad de las víctimas pertenecen a aquellos colectivos más vulnerables y por lo tanto más desprotegidos frente a cualquier de violencia, como son los niños y las personas mayores.
Que aunque siempre han vivido instalados en una situación estresante caracterizada por la incertidumbre y la desconfianza hacia el que se considera diferente y ajeno, percibiendose su presencia como un acto de intrusismo que había que evitar. Si habían de alguna forma "normalizar" sus vidas al menos en el terreno de lo cotidiano. Crónica de una muerte anunciada que desde NQ se ha seguido a lo largo de los últimos años.

Haciéndonos eco de algunos proyectos que realizados desde diferentes ámbitos creativos, nos han hecho partícipes de la diversidad de realidades que se viven en ambas comunidades. Propuestas que abarcan una variedad de contextos que tanto desde una perspectiva negativa como positiva afectaba a los miembros de ambas comunidades.


Empezaremos por el proyecto del artista Mohamed Abusal que en 2012 se desplazaba a una estación de servicio de la franja, en cuyo exterior instalaba una marquesina que anunciaba la parada de una  estación de metro por supuesto ficticia. Titulada Metro in Gaza 2012 y de la que podéis ver una muestra AQUI publicada en NQ en 2014. Tuvo una continuación titulada Shambar 2013.

Ambas realizadas aplicando un enfoque similar y que forman parte de una misma narrativa visual y conceptual. Instalaciones, diseños y fotografías, cuyas propuestas fueron elaboradas bajo una ambientación que discurre entre lo distopico, el urbanismo creativo y el deseo de un futuro donde concretar proyectos sobre el terreno que aborden la realidad de una Gaza asediada, que sin embargo sueña con lograr un mínimo desarrollo.


En 2015 publicábamos el fruto de un viaje realizado por el mediático Banksy a la franja de Gaza, un recorrido in-situ sobre el terreno que le permitió ser testigo de los devastadores efectos de la última campaña militar llevada a cabo por efectivos del ejercito israeli un año antes en diferentes localidades autónomas palestina. 

Y que supuso un duro golpe para decenas de familias palestinas que tuvieron que huir precipitadamente de sus hogares, dejando en muchos casos todas sus pertenencias. Además de las decenas de víctimas y de los cuantiosos daños materiales que se valoraron en decenas de millones de dolares.


El artista urbano fue testigo de los daños morales sufridos por el conjunto de sus ciudadanos. Impresiones que reflejo en una serie de intervenciones que podéis ver AQUI, y que se completaron ya de regreso en su estudio, con el montaje de un corto documental titulado Palestina Graffiti Free. Que filmado de forma furtiva registraba algunos de los lugares donde el horror de la guerra convivia con actos más cotidianos que desprendían humanidad.     


Realizado años despues de impartir un cursillo en Israel, el trabajo titulado Holy Land es fruto de la colaboración del celebre director de fotografía Josep Koudeika y uno de sus alumnos. Que tras invitarle a pasar unos días en su casa se embarcan en un proyecto multimedia, en cuyo transcurso realizan un retrato de  lo que se conoce como el "Muro de la verguenza".

Una herida de hormigón construida a lo largo mas de una década por las autoridades israilis. Y que a día de hoy sólo ha servido para aislar a los ciudadanos de las dos comunidades que mayoritariamente ocupan los territorios de Israel y Palestina, alterando aún más si cabe su frágil convivencia.

Un muro de varios metros altura coranado con alambre de espino, cuya opacidad y grosor no solamente no impide que se tenue la violencia y represión en la que viven el conjunto de ciudadanos a la que afecta. Sino que acentúa las diferencias a ambos lados de la verja. El trabajo de un alto contenido emocional supuso cinco años de arduo trabajo que podéis recuperar desde AQUI.


En cuarto y último lugar invitaros a visitar el trabajo que bajo el título de Points of View realizó la artista Zohar Kfir por encargo de la organización no gubernamental BTSELEM, que se dedica prioritariamente a defender y denunciar la violacion de los derechos humanos.

Que sufre de forma cotidiana y administrativa los ciudadanos que viven en los territorios ocupados. Haciendo una labor a través de la que documenta en imágenes el conflicto haciendo especial énfasis en el impacto social que tiene sobre la poblacion en su entorno domestico.

Publicado en NQ en 2014 se trata de un mapa interactivo que todavía está vigente y que podréis consultar a través del siguiente enlace AQUI. Se trata de una experiencia que te permite localizar el lugar concreto en el que se ha producido el incidente y la denuncia. Pudiendo poner nombres y apellidos a un drama que en su ultima version se ha dilatado durante ya demasiado tiempo causando demasiado dolor a unas víctimas que en su inmensa mayoría son inocentes.


Charles Gaines, The American Manifest, tras las raíces de la esclavitud



Los Estados Unidos de América es un gran país cuya historia está presidida por grandes acontecimientos que en mayor o menor medida han influenciado al resto de la humanidad. Entre sus muchas virtudes, quizás la mas sobresaliente sea la diversidad étnica que presenta.


Característica que se pueda percibir inmediatamente sobretodo en los grandes núcleos de población, si visitas alguna de sus ciudades, te percatas como este aspecto domina el paisaje urbano habiendose convertido en una convención demográfica y socio-cultural. Hecho que por una parte es totalmente es una propiedad positiva y deseable, pero que también adolece y presenta algunos reparos y agravios políticos-sociales que han sufrido casi todas las minorías étnicas que comparten ese mismo espacio de convivencia.  En este contexto quizás sean los miembros perteneciente a la comunidad afro-americana los que por ser la comunidad más numerosa.


Y por sus hondas raíces que los vincula a los EE.UU, desde antes de que se constituyó como pais libre y soberano, contribuyendo de forma sobresaliente ya no sólo a su construcción debido a que fueron la principal fuerza de trabajo durante el periodo esclavista. Época en la que su presencia significó un acicate para fortalecer tanto su legado histórico-cultural y el de los E.U.A. Desarrollando unas señas de identidad, así como unos principios y unos valores, un espejo en los que hoy el resto del mundo civilizado se quiere mirar.

Un enorme legado aportado que sin embargo a dia de hoy no ha sido lo suficiente reconocido por algunos sectores de la sociedad estadounidense, que en igual sentido todavía se oponen a que gocen de los mismos derechos fundamentales que el resto de los ciudadanos norte-americanos. Negándose a cuestionar la inmoralidad de episodios tan execrables como el de la exclavitud.

Un período de su historia, en el cual millones de personas fueron privadas de los derechos humanos más básicos, siendo deportados contra su voluntad de África natal. Siendo secuestradas y subastadas como si fueran ganado con el objetivo de que trabajarán en plantaciones en interminables jornadas de trabajo, donde carecían de las mas mínimas condiciones humanitarias. Por lo que perecieron millones de ellos víctimas como consecuencia de vivir bajo un estado presidido por el terror más absoluto.

Período que siglos después de finalizar, tras abolir la esclavitud principalmente en los estados del Sur, sigue causando controversias y litigios juridicos, cuya transcendencia mediática y social. Supone que artistas como Charles Gaines se sinsibilice y solidarice con las víctimas cuya memoria ha llegado hasta nuestros dias, recordándonos que todavía que mucha labor que realizar relacionada con la conciacion social y pedagogía en valores y derechos humanos como la igualdad.

Las raíces invertidas de Roots nos habla de la fragilidad de la memoria y de la importancia de conservar el pasado 

Que impida que haya una involución y que se rompa la frágil resistencia que se proyecta desde diferentes ámbitos, tanto institucionales, como políticos jurídicos y ciudadanos. El refleja esta preocupación y compromiso con la realización de instalaciónes a gran escala, cuya magnitud no reside tanto es sus aspectos estéticos y visuales. Sino en el mensaje simbólico y elocuente que pretende transmitir, cuya visión causa un efecto inmediato en la psique del que la contempla.

Pues Moving Chains, exhibe una narrativa tan diáfana como contundente y honesta en su planteamiento y ejecución, tan alejada del sensacionalismo demagogico de otros proyectos similares, que no profundizan en la problemática del asunto que trata, que se diluyen de forma efímera por pecar de pretenciosas sin proporcionar un contexto creible. En este caso sucede todo lo contrario, ya que para el espectador es casi imposible abstraerse de todas y cada una de las connotaciónes historicos-sociales, llegándose a sentir aturdido y abrumado con el significado opresor de las cadenas que se exponen de forma cruda ante sus ojos.

Que te rebotan entre las sienes cada vez que miras algunas de los 1600 eslabones con las que se han engarzado todas y cada una de las cadenas, que están colgadas dentro de un armazón de madera situado en el exterior de Outlock Hill, que pertenece ni más ni menos que a las instalaciones de Governors Island en New York. Siendo un lugar tan emblemático como cargado de mitología,  por ser un lugar que tiene establecido un vínculo tan estrecho con la tragedia que representa la obra.


El triptico The American Manifest son una serie de instalaciones a través de la que se documentan uno de los periodos más polémicos de los EE.UU, en la que la materia prima es el compromiso con la verdad y la concordia.


Que se ha podido visitar hasta junio de este año. Siendo la segunda de un total de tres experiencias o como ha definido Charles de tres capitulos, con los que puede se considerar que se trata de un triptico, cuya concepción se nutre de un manifiesto creativo y activista titulado The American Manifest. Una experiencia en la que el arte en el espacio público, sirve para describir pasajes historicos que nos trasladan a periodos como el colonialismo y la esclavitud en los Estados Unidos de América. 


Las obras se centran en el histórico fallo de la Corte Suprema del caso presentado por Dred y Harriet Scott. Sentencia que se produjo Hace ciento sesenta y cinco años, fallo histórico por el que la Corte Suprema de los Estados Unidos dictaminó en la causa de Scott v. Sanford, un caso presentado por Dred y Harriet Scott contra el patrimonio de su esclavizado, encarnado por Sanford el cual consideraban que eran de su propiedad. 


Este fallo, que se conocería popularmente como Dred Scott Ruling, estableció que ninguna persona de ascendencia africana, esclavizada o libre, era elegible para la ciudadanía estadounidense y no tenía derecho a demandar por su libertad. El precedente no sería revocado hasta el anuncio de la 14ª Enmienda más de una década después, y ha perdurado como uno de los ejemplos más claros de duplicidad estadounidense. Un letigio que a día de hoy sigue vigente y que persigue que la celebre cita una "tierra de los libres", construida y mantenida sobre la dominación violenta sobre  las minorias raciales, cambie su significado acabando con este agravio actual eliminando la injusticia racial. 

Moving Chains es una instalación inmersiva que te permite ponerte en el lugar de una persona exclavizada


Si en esta segunda entrega se representa la desolación y la impotencia de sentirte despojado de tus derechos más elementales como ser humano. En el primer capítulo titulado Roots (raices), el proyecto tomo una lugar tan emblemático como Duffy Square en el corazón de Times Square con una instalación escultórica que reune siete árboles de la variante American Sweetgum. Pintados y presentados con raíces a la inversa tiene un efecto surrealista que evoca a la fragilidad de la memoria. 


Esta especie también conocida como árboles de goma dulce, son autóctonos del este de los Estados Unidos, se tratan de ejemplares que destacan por sus impresionantes sistemas de raíces que requieren vastos espacios abiertos para crecer. Siendo una de las muchas especies de árboles que han ocupado un lugar destacado en la práctica artistica de Gaines desde mediados de la década de 1970, cuando comenzó a trazar sus formas a través de un sistema de cuadrículas numeradas y codificadas por colores.


El Manifiesto Americano exige que el espectador se enfrente a los fantasmas heredados tras la abolición de la esclavitud. De las que se ha transmitido en ocasiones una visión sesgada y rodeada de una atmósfera brumosa y mitológica que sustentan los cimientos de la nación y persisten hoy en día. 


Un proceso que se convirtió en el centro de su práctica durante décadas a través del que exploró la relación entre el objeto y la subjetividad. Raíces marca tanto una continuación de esta investigación de décadas como la primera incursión de Gaines en el trabajo con árboles directamente en su forma natural.

Para la tercera obra con la que cierra una etapa que se inició hace ocho años el artista recorre miles de kilómetros trasladandose al estado de Ohio. Instalada en múltiples ubicaciones de la ciudad Cincinnati, El Manifiesto Americano se exhibio en lugares como a las riberas del río Ohio en el John G. and Phyllis W. Smale Park, acompañado de un trabajo adicional encargado en específico para la través que se profundiza en los matices geográficos de la expansión colonial. 




El río Ohio ha representado históricamente tanto una ruta hacia la liberación, como la vía del ferrocarril que circulaba entre los estados de los que huían los esclavos y su libertad, así como una ruta utilizada para transportar personas esclavizadas al puerto fluvial de Nueva Orleans. Una sede por lo tanto que era coherente con el espíritu del proyecto, una conexión final entre la lógica de allienante y opresiva de la plantación y de las personas que como propiedad trabajaban alli.



Jen Lewin, la luz del desierto en la vuelta de Burning Man post-era Covid-19


Entre los muchos eventos de los que nos hemos hecho eco a lo largo de todos estos años en NQ, los cuales abarcan una amplia diversidad de ámbitos creativos. El que quizás nos ha entusiasmado por encima de todos los demas, es el que de forma anual se convoca en mitad de uno de los desiertos más inhóspitos de los Estados Unidos


Como es la enorme planicie árida de Black Rock Desert en el estado de Nevada. Donde ocupando una pequeña parte en su interior y desde comienzos del XXI, se celebra el festival de vida alternativa y arte distopico más singular al que tal vez se pueda asistir a lo largo del año en Occidente. Aunque el mayor atractivo reside en sus intervenciones realizadas a gran escala.


Cuyos temas y formas esteticas suelen hacer referencia, ya sean a temas de actualidad (en menor medida), u obedecer a uno de los principios y pilares fundamentales sobre los que se cimentó el festival. Y germino hasta convertirse en una de las citas ineludibles de la temporada y que no es otra que la de explorar nuevas formas de convivencia.


Donde todo aquello que tenga que ver con la diversidad tiene un espacio destacado. Para la última edición celebrada en Agosto del año pasado, y tras, por lo tanto disipar toda la rumorologia que había rodeado a su organizacion. Sugiriendo que tras dos años de parón por causa de la pandemia protagonizada por el Covid-19, quizas se había llegado al final de un ciclo, por lo que se temío por su continuidad.


Dudas acerca de una posible cancelación definitiva que finalmente se disiparon, cuando finalmente se pudieron ver en el horizonte como decenas de miles de asistentes. Se aproximaban raudos para volver a montar sus campamentos efimeros, dispuespuestos a participar en alguna de las muchas actividades que se les ofrece a lo largo de un extenso programa que abarca multitud de propuestas.


Aúnque como ya hemos citado, el casi absoluto protagonista suelen ser las megas instalaciones, que construidas en su práctica totalidad in situ y en paralelo al período de tiempo que dura el festival. Se suelen caracterizar por su gran tamaño, propiedad que suelen compartir muchas de ellas, llegando a ocupar cientos de metros cuadrados de superficie. Además de su capacidad para interactuar con su entorno y sobre todo con sus asistentes a través del movimiento que en mayor o menor medida presentan.

Primera versión The Pool, en pleno funcionamiento en su versión nocturna


Y por último y por encima de todas el tratamiento y la incorporación de un componente luminico sobresaliente, que aparte de dotar de iluminación al recinto, que en otro caso sólo presentaría actividad casi en exclusiva durante las horas de luz diurna. Representa un concepto central en el origen de la elección por parte de los fundadores del festival de este lugar casi místico en esencia.       


En el que la presencia de la luz, independientemente de su fuente de producción, se percibe como un lenguaje en sí mismo transcendental. A través del que se puede articular casi cualquier tipo de mensaje más o menos comprensible, con el que poder establecer una comunicación activa y lo más fluida con los asistentes que son envueltos por los haces de particulas, creando una comunión con el paisaje casi magica.


Se trata al fin y al cabo de toda una arquitectura visual donde la lírica y la poesía se alian para transmitir una idea, o simplemente para contribuir a crear un espacio donde sus participantes puedan llegar a empatizar, creando lazos. Donde los fotones de luz sustituyen en alguna medida, a otros lenguajes más comunes como el verbal o el corporal, y que no por ser más accesibles resultan más asertivos.

Cada proyecto supone una inversión prolongada de tiempo en investigación que se requiere para realizar sus trabajos interactivos: en The Last Ocean se emplearon casi dos años en tratar de descubrir cómo se podían coordinar los diferentes elementos que le dan vida, creada a partir de basura plástica, habia diferentes tipos de plásticos que deben fundirse en diferentes niveles. Hubo mucha investigación y experimentación para obtener algo tan simple como una sola tapa.


En este contexto uno de los estudios cuya presencia se espera como uno de los platos fuertes de la reunión, haciendo mas llevaderas las largas e intensas jornadas que dura el festival. Y que casi su inclusión resulta ineludible, es el que encabeza la artista Jen Lewin. Que ha logrado que a lo largo de casi tres décadas de rodearse de un equipo interdisciplinar, con el que ha creado toda una serie de proyectos (de mayor o menor embergadura).

Crear a partir de conceptos como la luz, la movilidad y la interacción con el espectador, siendo las tres piedras angulares sobre los que basculan. Constituyendo está trinidad de propiedades con los que la artista afincada en Brooklin, ha creado su particular Universo. Donde la psicodelia de colores se puede complementar perfectamente con una narrartiva de luces más tenues, con las que Jen trata de fijar una atención en el espectador presidida por la contemplacion.


O instalaciones como en la última titulada The Last Ocean, donde el tema central sobre el que versa es el medio ambiente y más específicamente el cambio climatico. La instalación pretende describir un océano artificial donde apenas pueden sobrevivir especies como el oso polar (uno de los animales más afectados por las consecuencias de las constantes elevaciones de la temperatura). 

Que situado en el centro se hierge dominante sobre un mar compuesto por "olas" pentagonales ensambladas a partir de las fórmulas aritméticas desarrolladas por el matemático Majorice Rice. Quien pese a su escasa formación en matemáticas tras leer un artículo en la publicación Scienfic Americandescubrio cuatro tipos de teselados pentagonales sobre el plano.

Panorámica general de la instalación titulada The Last Ocean, hecha para The Burning Man

Debate y labor de conciencia medio-ambiental con los que Jen ha adquirido un compromiso con su entorno hasta convertirse poco más o menos que una activista social. Actitud que se ha ido madurando desde que realizara su primer encargo para ser incluida en el marcó del festival. En el que debuta con una pieza más modesta, si se quiere. Titulada Arc Harp, que revisataria con una propuesta actualizada dos años después.


En la primera de 2006 forma parte de la serie Laser Harp, se trata de como ya he citado de Arc Harp una escultura donde la luz de se proyecta a través de sesenta cuerdas diseñadas con el objetivo de que cumpla una función principalmente ludica. Cada una de las cuerdas ligeras en el arpa de arco puede detectar el movimiento, la velocidad y el tempo del usuario. Las cuerdas individuales mezclarán su propia biblioteca de sonidos para crear una profundidad y un tono que complemente la actividad pública y el juego musical aleatorio u organizado.


Su enfoque en su práctica artística es crear obras de arte altamente atractivas y participativas presentando un alto componente de dinámismo en un sentido social y comunicativo. No le interesa hacer un trabajo en el que todos se alineen y se turnen para presionar un botón. Le interesan las obras en las que cien personas pueden jugar dentro de la obra al mismo tiempo, y cada una tiene una experiencia realmente subjetiva.


La segunda participación también consta de una segunda replica, si en la primera de versión de The Pool de 2008, más modesta. Nos sumerge en un mar de luces azuladas, que según su autora nos describe una serie de fenómenos específicos o escenas extraídas de la naturaleza que intenta capturar, reconstruir y revitalizar a través de la tecnología, encontrando inspiración en formas naturales. En la segunda, en gran parte en el lado sintético, fue creada a partir de hileras o plataformas compuestas por luces LED. Pero la inspiración central y de raíz siempre viene de algún instante donde la naturaleza ha estado presente.


                                

En esta última Lewin continúa ofreciéndonos la oportunidad de presenciar fascinantes fenómenos de iluminación natural. En The Super Pool aumenta el diámetro de The Pool y duplica el número de plataformas en la instalacion, la interacción por lo tanto se duplica aumentando de esta manera el número de escenarios. Invitando a cada individuo a moverse alrededor, entre y en las plataformas, observando cómo sus acciones crean estelas de colores vibrantes a través de la escultura. 


El mensaje de Everyone Here Hates You contra la pandemia

 


Con una superficie que es equivalente en extensión a la de de muchos países entre ellos España, el desierto de Chihuahua representa la mayor extensión árida de los Estados Unidos.


Un enorme páramo donde sólo crecen cactus y sobreviven las lagartijas y las mas venenosas serpientes. Compuesto por interminables valles separados por cordilleras, abarca los estados de Nuevo Mexico, Arizona y Texas, así como se extiende al sur del río Pecos.


Cruzando ya la frontera, al otro lado, también le pertenecen alguno de los condados de los Estados mexicanos de Sonora, Durango y Zacatecas. En conjunto, un vasto territorio tan inhóspito como abrumador que debido a sus extremas condiciones climaticas.


Está prácticamente deshabitado, si lo comparamos con realidades geográficas similares en proporciones y escala. Se trata de un lugar cuya lógica propicia que las poblaciones sean exiguas a la vez que las escasas localidades que hay presenten unos patrones demográficos poco diversos.

Uno de los mensajes con los que la comunidad de artistas alertaba a la población 

Donde sus habitantes viven fundamentalte de formalizar negocios comerciales a ambos lados del puesto fronterizo o checkpoint, con los que obtener recursos suficientes con los que subsistir. Salvo alguna excepción como la localidad de Marfa que situada en la parte más septentrional del estado de Texas. Se ha convertido en un lugar de peregrinaje.


Para miles de devotos que cada temporada se acercan al condado de Presidió siguiendo las huellas de artistas plásticos como Donnald Judd, considerado uno de los máximos representantes del arte minimalista y cuyo legado en Marfa.


Se puede visitar en una de las delegaciones que tiene su fundación y que lleva por nombre Chinati en recuerdo de los restos de un fuerte perteneciente al ejército. Herencia que desde el artista falleciera en 1994 ha propiciado.


La instalación lumínica titulada Everyone Here Hates You, pretendía transmitir un mensaje a través del que denunciar la falta de recursos sanitarios con los que evitar la expansión de la pandemia.


Que este polvoriento pueblo de poco más de 2500 vecinos, cuente con varios colectivos de artistas y galerías, las cuales ante la desidia de las autoridades del estado respecto a la amenaza del Sars/2 Covid/19, inhibición cuya consecuencia ha provocado.


Que el estado presente la tasa de contagios más alta del todo el país. Realicen diferentes actuaciones denunciando esta situación y rogando que los turistas tan comunes en otras épocas aplazen su visita, hasta que se reduzca la tasa de contagio.

Una de las  obras minimalista del artista Donald Judd en las afueras de Marfa


Una de las más interesantes fue la que llevaron a cabo los artistas Chris Ramming y Rob Brill, que pertecientes al colectivo Z-Ranch quienes crearon una instalación lumínica con la que denunciar la falta de recursos sanitarios con los que cuenta el estado.


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Titulada Everyone Here Hates You, (todos aquí te odian) fue presentada coincidiendo con las festividades por el día de acción de gracias en los Estados Unidos. Redactada utilizando un tipografía gestionada con tubos de neón, el mensaje fosforescente pretendía enviar un mensaje elocuente, a través del que disuadir a todos aquellos visitantes que podían potencialmente introducir cepas del virus en uno de las localidades más castigadas del condado.


Acción estética cuyo activismo se ha completado a través de la organización de un programa de activadades que basadas en la solidaridad y en la auto/gestión conseguiendo afortunadamente paliar los efectos de la presencia del virus entre sus habitantes.

Magdalena Abakanivicz, un relato artistico que busca recomponer la identidad


En los ultimos años de una larga trayectoria que cubre casi seis decadas la artista polaca Magdalena Abakanivicz, evoluciono hacia un terreno creativo definido por la monumentalidad de unas obras que definitivamente se expresaban a traves de la escultura.


Medio cuyas tecnicas que Magdalena Abakanivicz conocia perfectamente ya que habia cultivado en diferentes etapas a lo largo de su dilatada etapa, pero que este epilogo habia conseguido refinar lo que le permitio perfilar y definir un estilo propio.

Que se nutria de aquellos ingredientes basicos tanto en terminos materiales (donde predominaba el bronce, la madera o el acero inoxidable) como conceptuales, mostrando la artista nacida en 1930 en la localidad polaca de Falenty un compromiso ineludible con lo que habian sido sus principios basados en la democracia y en la diversidad. 


El Agora conjunto historico que se puede visitar en la ciudad de Chicago


Y cuyo origen se pueden situar en los años 50´s y 60´s del Siglo pasado en los que para poder subsistir economicamente en un pais como Polonia, que en aquellos momentos debido a que se encontraba bajo la influencia por momentos inquisitorial de la Union Sovietica, tuvo que renunciar en numerosas ocasiones a expresarse en los terminos que ella deseaba.

Una auto-censura que le produjo una profunda crisis existencial tanto a nivel social como artisticos se reflejo en buena parte de su obra, amputación de la identidad que ya se reflejaba en sus famosos tapices, seleccion de trabajos con los que logro obtener un reconocimiento internacional en la muestra VII Bienal de Sao Paulo. 

  
En la obra escultorica de la artista polaca  Magdalena Abakanivicz, podemos ver reflejadas muchas de las preocupaciones e inquietudes que como individuos nos asaltan en la actualidad y de forma cotidiana.              


Titulados Abakans se trataba de unos tapices tridimensionales biomórficos que se caracterizaban por su composición abstracta y su atmosfera totemica, obras donde se diluia esta identidad de forma dramatica producto de una deriva totalitarista, convirtiendose desde entonces en su principal eje narrativo.

Donde se pueden ver cuerpos fragmentados, sombras desconcertadas que apenas consiguen orientarse en un bruma densa de confusión tropezando una y otra vez o cayendo como el mito de Sisifo colina abajo con su pesada carga, aquella con la que pretende alcanzar la libertad.

Fragmento de uno de sus celebres tapices trimendionales

Figuras segmentadas que como ya he dicho en las ultimas obras recupera, pero con un matiz de forma, la artista de forma elocuente sustituye el dramatismo de la libertad abortada por un regimen dictatorial, por la indiferencia nihilista de un individuo que ha renunciado a ese espacio de libertades y de debate.

Descontrucción de una sociedad inmersa en una epoca vertiginosa cuya lectura precisa describe Magdalena Abakanivicz en el conjunto escultorico titulado Agora,  obra que bien podria representar el oximoron de una vida dedicada al arte. 



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Ya que en todas y cada una de las figuras forjadas en hierro y que con mas de dos metros cincuenta estan instaladas en un parque de la ciudade Chicago desde 2006, bajo el titulo de Agorade las que apenas podemos distinguir sus rasgos, invitandonos a reflexionar respecto un futuro donde tendremos que abordar numerosos retos para los que estamos sobradamente preparados, obteniendo como recompensa cuando alcancemos finalmente la cima y completemos nuestros objetivos cierto grado de libertad.