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Nina Lindgren - Floating City, ciudades de cartón sobre Islas flotantes


La posibilidad de habitar en comunidades flotantes en el espacio, megaciudades interestelares construidas artificialmente para albergar comunidades de cientos de miles de habitantes, con las que colonizar otros universos. 

Es un anhelo y escenario que se ha representado innumerables veces a través de narrativas alimentadas por la ficción y de las que  se nutre el imaginario colectivo. Un mecanismo de evasión al que se ha recurrido infinitas veces para tratar de vislumbrar como seria habitar otros mundos mas allá de nuestra vía láctea.

La artista Nina Lindgren se inspira en la iconografía y diseños de una de las primeras y mas emblemáticas producciones de cine dedicadas al genero de la ciencia ficción como es Metrópolis obra iniciativa de Fritz Linz. Para describirnos su propia versión de los hechos.


Su propia interpretación de lo que sería abordar el colonizar un planeta en principio desconocido, inhóspito y hostil para los seres humanos. Y de como sería la major manera de abordar este desafío desde una perspectiva adaptativa, contemplando este paso evolutivo en la historia de la humanidad desde  una óptica subjetiva.

Realizado con laminas de cartón refrzado, las arquitecturas en las que se basan la ciudad de flotante de Floating City. Sin embargo poco o mejor dicho nada tiene que ver con la imagen futurista que transmiten las películas, siendo por el contrario de formas muy reconocibles e incluso se podrían consideradas cotidianas.


La escultura se expuso por primera vez en una galería de arte de Copenhague en la primavera de 2014. Cuando el evento llegó a su fin, la escultura no aparecía por ninguna parte. Aún no está claro qué ocurrió realmente; si fue robada o simplemente tirada a la basura. Por lo que se volvió a construir. No son visualmente idénticas en los detalles, pero no deja de ser la misma obra de arte: fue reciclada y renació.


Producto de los viajes realizados por Nina, ella se inspiró en estilos como el Brutalismo y su estética sobria y texturas y geometrías contundentes. Conjunto de propiedades que traslado y represento en un volumen producto de la forma arquitectonica que funcionarían como islas autónomas, las cuales podrían permanecer en un mismo sitio por un determinado intervalo de tiempo o  desplazarse en el espacio en busca de un nuevo destino en el que prosperar.



Mmmm - Bus stop, mobiliario urbano cuya estética fomenta el transporte publico


En NQ hemos tenido de hacernos eco de diferentes Proyectos, en los que el espacio publico es el protagonista, donde se conjugan el arte por una parte y la funcionalidad al servicio del usuario por otra. 

Lo que aparte de mejorar sustancialmente el entorno estetico donde opera, fomenta el uso del transporte publico. Además de embellecer el paisaje urbano donde opera de forma lúdica y creativa.

Diseñada por el estudio español Mmmm, la marquesina de diseño unico Bus Stop utiliza la tipografia empleada para formar el termino bus. Cada letra o fonema de alrededor de cuatro metros de altura, representa simbolicamente el servicio que presta.


Convirtiendose en el menjor reclamo y distintivo de cara al usuario, reforzando su presencia en el espacio publico y facilitando su identificación, de cara al publico en general y de los usuarios de transportes colectivos en particular.


Fabricadas con listas de madera y un armazon de acero, Bus Stop cuyo encargo se realizo para la compañia metropolitana de tranporte de la ciudad de Baltimore en Estados Unidos en colaboracion con la oficina de promoción artisctica de la ciudad. 

Se presenta como un equipamiento donde el viajero espera comodamente a que llegue su autobus, a la vez que dinamiza esteticamente su entorno con una escultura de arte que cuenta con una utilidad definida. Las tres letras de BUS son lo suficientemente grandes como para acomodar de dos a cuatro personas. Permitiendo a sus usuarios adoptar diferentes posturas en la marquesina.








Maíz Visual - Dioses de Maíz, Dioses Aztecas se manifiestan a través de holografias en 3D contra las semillas transgenicas


Antes de que el maíz se introdujera como cultivo en Europa añadiéndose como ingrediente a innumerables platos. Hacia ya miles de años que las diferentes culturas meso americanas lo habían  convertido en una piedra angular de su agricultura.

Destinando extensas áreas del actual Mexico, espacio geografico donde la civilización Azteca desarrollo toda una cultura alrededor de su cultivo. Logrando una selección de variedades compuestas por semillas mediante las que conseguían su adaptación a los terrenos mas desfavorables.

Superando los patrones climáticos mas exigentes, lo que les permitía sintetizar poderosas soluciones virales con las que combatir repeler los efectos de algunas plagas de insectos.

En la actualidad todo este conocimiento y bagaje que pertenece a la cultura popular heradado de forma generacional se encuentra en peligro de extinción. No tanto debido a la introducción por razones puramente mercantilistas de variedades de maíz modificadas genéticamente. 


Sino por que se estan eliminando de forma deliverada el resto de las variedades, las cuales son producto de infinidad de mutaciones genéticas producidas a lo largo de miles de años siguiendo un patrón natural. La consecuencia directa es la desaparición de este legado biológico.

Pérdida que tiene un efecto empobrecedor sobre la agricultura que se trabaja en explotaciones cuya escala es más reducida y local. Actividad en proximidad cuya dinámica de trabajo es más elaborada, la cual está siendo sustituida por un modelo de carácter industrial implantado a escala global, cuyo principal objetivo es maximizar sus beneficios económicos.

Para denunciar esta situación el proyecto artístico-cívico Maíz Visual, utiliza elementos que hacen referencia a las raíces culturales y místicas del pueblo Azteca. Representandolo a través de la utilización de técnicas digitales. Combinación con las que articulan un lenguaje accesible por una mayoría de ciudadanos con el que transmiten un mensaje, que expresa lo lúdico a la vez que conciencia sobre esta problematica agro-alimentaria de primera magnitud.

Titulada Dioses de Maíz, se trata de una serie de proyecciones que utiliza como superficie el espacio publico, donde se reproduce efigies de dioses aztecas. Estas holografias de grandes dimensiones en 3D se complentan con rótulos y ducumentación alusiva a la iniciativa, con la que se pretende poner al publico en antecedentes sobre los organismos modificados genéticamente (OMG) y de como nos afecta.


Onishi Yasuaki - Vertical volume


El plástico debido a sus características como material en procesos de manifestación artística, Flexible, resistente, transparente son cualidades que sugieren y ofrecen múltiples oportunidades desde el punto de vista expresivo y visual.

El ateísta japones  Onishi Yasuaki, en cuyos trabajos espaciales suele ser protagonista. Crea instalaciones como la titulada Vertical volume, donde bolsas de plástico muy finas han sido infladas con aire, son expuestas a la corriente producida por potentes ventiladores situados en la base produce una oscilación de los volúmenes en vertical.

El movimiento mecánico se produce de forma constantes cumpliendo ciclos homogeneos, donde el conjunto de volúmenes rebotan desde la superficie interior elevándose todos al unisono hacia el techo y viceversa. Este comportamiento uniformado de las vainas definen el espacio modificando su función original. 

Las cápsulas flotan en el ambiente de forma etérea, donde la frecuencia de sus movimientos  se convierten en una coreografías de movimientos sincronizados, debido a las sinergias aplicadas y la composición traslucida y ligera de los materiales utilizados. Con los que su autor representa una danza compuesta por cuerpos inertes expuestos a una luz cenital. 


Vhils - Guarani Door, puertas de identidad y memoria de las naciones Amazónicas y su legado natural


Alexandro Farto es un artista urbano brasileño, que se ha hecho un hueco y un reconocido prestigio a nivel global. Debido a sus retratos y a su peculiar forma de tallarlo utilizando la superficie de las paredes como material escultórico.

Sensibilizado con las naciones indias del Amazonas, Vhils (su seudonimo artístico). Emprendió recientemente un viaje que le llevo a convivir con la tribu de los Guaranis, comunidad originaria del departamento de Paquirari en Brasil. Cuyos primeros asentamientos se remontan a cientos de años, existiendo numerosos antecedentes en el territorio.

Intensa experiencia que le ha aportado el suficiente material artístico como para conformar una exposición, en la que utiliza un conjunto de puertas elaboradas a partir de maderas extraídas de arboles autóctonos de la region en la que habitan la etnia de los Guaranis.


Formada por un total de 54 puertas, la exhibición que actualmente se puede visitar en Caixa Cultural situada en la localidad de Curitiba. Donde el visitante que se acerque podrá reconocer las trazas características realizadas por la broca del taladro, que habitualmente utiliza como herramienta de trabajo.


Compuesto por motivos que reflejan la cultura y tradiciones de esta etnia milenaria. Así como los rasgos de muchos de sus miembros que posaron para el artista en su entorno natural. Las puertas que sirven como lienzo fueron recogidas por los miembros de la comunidad Araçaí, donde provenientes de la civilización son utilizadas para diferentes usos domésticos. 

Vhils creció en Seixal, un suburbio industrializado situado al otro lado del río desde Lisboa, la capital de Portugal. Siendo testigo de las transformaciones provocadas por el intenso desarrollo urbano que sufrió el país en las décadas finales del siglo XX en diferentes ambitos creativos. Incipiente escena que en terminos urbanos le cautivo y le sedujo hasta el extremo que provoco que desarrollara una tecnica de estucado denominada como Scratching the Surface. Con cuya practica se ha hecho un nombre dentro de la escena urbana a nivel global.






M & C Saatchi - OPERAZIONE #L1F3, un submarino aparece Milán como un accidente surrealista


Cuando al amanecer los ciudadanos de Milan, que recorrían una conocida zona comercial de la capital de la Lombardia. Descubrieron estupefactos como emergía un submarino desde las entrañas del subsuelo. 

No sabían muy bien a que o a quien obedecía. Muchos pensaron que la presencia casi surrealista de aquel batiscafo, que parecía una replica extraída del celebre relato de aventuras 20.000 leguas de viaje submarino de Julio Verne. 

Formaba parte del decorado de una película de ciencia ficción, o de un anuncio de televisión. La escena que se desarrollo en tiempo real formaba parte de la campaña ideada por la agencia M & C Saatchi. 


Para una conocida compañía de seguros. Trataba de transmitir el mensaje teñido de confianza entre sus clientes. De la capacidad de respuesta de la que disponen, aun en las peores circunstancias. 


La campaña OPERAZIONE  #L1F3, cuyo anuncio podéis ver es AQUI, es el resultado de la utilización de las últimas técnicas render y de tratamiento digital CGI, suponiendo un antecedente de lo que ya se conoce como inteligencia artificial. 


Y de como si se actúa desde una óptica conjunta, y aplicando estrategias participativas en las que se aborden dinámicas colectivas. Se puede dar una respuesta satisfactoria a la peor de las situaciones que se pueda provocar e imaginar.


JUMP INTO THE FUTURE:

Although it may seem an incoherence in this year of 2023, this well-known advertising agency has opted for the digital "paper" as a means of disseminating ideas. Putting into circulation the first issue of MAKE CHANGES. Whose first number you can download from HERE In whose pages they want to reflect the changes that are taking place, as a result of the episodes that marked the inflexion point that supposed the Covid-19.

ALSO IN SPANISH:

Aunque parezca una incoherencia en este año de 2023 está conocida agencia de publicidad ha apostado por el "papel" digital como medio de difusión de ideas. Poniendo en circulación el primer número de MAKE CHANGES. Cuyo primer número podéis descargar desde AQUI En cuyas páginas quieren reflejar los cambios cambios que se están produciendo, a raíz de los episodios que marcaron el punto de inflexión que supuso el Covid-19.   




Michael Johansson, el arte compacto del objeto cotidiano




El artista conceptual Michael Johansson emplea como base la superficie de una figura geométrica, en la mayoría de las ocasiones un cubo rectangular y lo rellena de objetos seleccionados y  recogidos del vertedero, organizados en un orden escrupuloso.

Narrativas masivas que se observan en sus instalaciones tanto las realizadas  para exterior como las de interior, nos describe  a una sociedad marcada por el consumo. Realizando una critica implícita al afán que tenemos por acumular cosas,  como en el mal de Diógenes.

Guardamos todo lo que podemos hasta que nos deshacemos de ello, desbordados por espacios limitados y porque necesitamos seguir consumiendo, excitados por  un mercado siempre dispuesto alimentarnos de novedades, que la mayoría de las veces no son mas que sucedáneos,  argumentando un ciclo infinito en el que participamos irreflexivamente.


Obras impactantes visualmente que mantienen un patrón en su ejecucion. Propuestas muy descriptivas a la vez que lúdicas esteticamente, que te invitan a jugar pues poseen una dinámica muy intuitiva, que sugiere que dialogues con sus construcciones más allá de la observacion. Al estudiar el trabajo de Michael Johansson, una cuestión notable es lo bien que funciona su trabajo en diferentes contextos. 


Al igual que las esculturas creadas a partir de objetos cotidianos encajados formando imágenes de cubos u otras formas geométricas, incluso estas obras ofrecen la comodidad de pensar que es posible organizar nuestras vidas de otro modo tan caóticas. 


Incluso si eso es solo una ilusión. Sin embargo, estas esculturas tienen una forma diferente de ligereza debido a su construcción. No se trata de apretar objetos cotidianos. En su lugar, se ofrecen una serie de partes que, cuando se juntan, crean un objeto con identidad propia. Su trabajo es muy flexible.

El método artístico que ha encontrado funciona igual de bien en obras monumentales en espacios públicos, en galerías y en entornos abiertos.  el enfoque correcto lleve a la repetición y al estancamiento. Sin embargo, también puede conducir a habitaciones infinitas que nunca terminan y en las que hay una abundancia de cosas por descubrir y probar. Michael Johansson estudio en la Academia de Bellas Artes de Trondheim. Le quedaba un año de su BFA cuando comenzo a enseñar en la Academia y trabajar en su identidad creativa.



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