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Em Cooper crea animaciones al oleo donde analiza el significado de los sueños



Una de la más negativas consecuencias del anuncio de las medidas para paliar los efectos de la pandemia es que de un día para otro y sin previo aviso, provocó que muchos proyectos creativos se vinieran abajo, se truncaran o en el mejor de los casos se postergaran hasta nueva orden.


Algo que como es evidente en mayor o menor medida podía compromoter, o directamente dar al traste con la carrera de aquell@s autores que por volumen e inversión dependían de que todo siguiera fluyendo como hasta el momento en el que se decreto de confinamiento. Experiencias creativas muy prometedoras como la de la animadora Em Cooper, que tras más de cinco años de intenso trabajo había conseguido sacar adelante un buen puñado de interesantes trabajos.

Los cuales se habían desarrollado en una diversidad de ámbitos pertenecientes al mundo de la comunicación y del entretenimiento mostrando una gran versatilidad pese a su escasa experiencia. Trabajos que iban desde la publicidad institucional como el spot protagonizado por el actor Matt Dammon con el que había logrado, ni más ni menos que su primera nominacion para los prestigiosos premios Emmy de television.

Pasando por el específico género del documental, donde poco antes de que saltarán todas las alarmas había despertado una inusitada expectación con su participación en el título Worlds of Ursula K. Le Guin. Dedicado a la reciente desaparecía autora especializada en sc-fi y ciencia ficción Ursula K. Le Guin, que se había hecho mundialmente famosa por su saga casi interminable de Terramar.

Trabajos donde mostraba todas sus habilidades en su peculiar interpretación de un estilo pictórico tan ortodoxo como clásico como es el de la pintura al oleo. Trazos de pinceladas a los que ella había dotado de vida otorgangandoles el don del movimiento, creando unos efectos visuales por los que conseguia crear atmósferas que navegaban entre las fronteras de lo onírico y lo surrealista.

Instantes llenos de magia con los que había logrado crear un estilo propio reconocible, por el que había logrado hacerse un hueco destacado entre un buen número de nombres que despuntaban al final de la pasada década dentro de su especialidad creativa. Especialidad (el de la animacion) que por otra parte, debido al enorme avance que se había producido por la irrupcion de las nuevas tecnologías y la era digital.   

John Lennon iniciando unos de sus viajes oníricos en busca de inspiración 

Había experimentado un auge que lo había convertido en un campo expresivo y de alto rendimiento creativo, al que se recurría cada con más frecuencia y que se adaptaba a un innumerable cantidad de formatos, protagonismo que perdura hasta dia de hoy. Mundo por lo tanto donde la competencia se incremento de manera exponencial y donde sin embargo se había conseguido que las animaciones al oleo del físico menudo de Em tuvieran un hueco.

Un enorme contraste en muchos sentidos, que lejos de disuadirla en su empeño de conseguir ciertas habilidades y notoriedad, había propiciado que llamara la atencion de cada vez más productoras. Que habían visto y entendido que estilos que se podían valorar como anacrónicos y pasados de moda, o cuando menos desfasados y clasicos, podían ser muy válidos y funcionar de manera muy fluida adaptándose a los estandares de calidad que demandaba el publico.

Y por lo tanto los grandes estudios así como las pequeñas compañías, que supieron ver la sensibilidad y la capacidad narrar historias de Ed. Cualidades que ya dejó entrever en su primer corto producido en 2007, titulado Flown, el cual en apenas poco más de un minuto y cincuenta segundos de imágenes. Un intervalo de tiempo casi ínfimo, pero que sin embargo fue suficiente para narrar una historia.


En su trabajo se observa un interés por usar la pintura para evocar el pensamiento o la experiencia subjetiva. La forma en que las cosas fluyen dentro de la mente de una desde una estado dominado por subconsciente y su naturaleza.


A través de la que lograba que el espectador empatizara con el drama que se estaba desarrollando ante sus ojos. Un emotivo relato en que se nos contaba un episodio de perdida, en este caso el de unos padres que trataban de superar el duelo por su hijo fallecido recientemente. Y con el que ya obtuvo su primer reconocimiento al obtener el primer premio en el Cinecam Film Festival en su edición de 2007.


Un trabajo que se distinguía por su capacidad para conmover llegando a lo más íntimo de la condición humana. Filmacion donde de manera tímida ya incluía algunos dibujos en movimiento como metáfora de la pérdida que habían sufrido esos padres. Práctica que con el paso fue incorporando de forma más notable a sus siguientes rodajes como  Confusión Of Tongues, donde ya de forma más extendida se inspira en la obra y figura del psicoanalista húngaro Sándor Ferenczi, coetáneo de la generación de Freud y muy cercano a sus tesis.

Donde la presencia del oleo domina la mayor parte del metraje de la cinta, siendo un trabajo determinante en su carrera pues es con el, ya decide experimentar abiertamente explorando lenguajes que pueden proporcionar la incorporación de la animación al oleo como discurso narrativo.

Fotograma del documental dedicado a Ursula K. Le Guin y sus continuas transiciones


Práctica en la que profundizará en sus posteriores títulos, entre los que se podrían citar Kiss Of Water o Deej. Producciones minimalistas en sus aspectos técnicos e íntimas en sus sinopsis. Donde sus protagonistas por diferentes circunstancias se ven abocadas a vivir existencias paralelas, tendentes a la introspección y al aislamiento. Siendo en el primer caso en un granja prácticamente abandonada.


Mientras en el segundo esté proceso se desarrolla en un habitacion donde un sujeto ya adulto, todavia padece las consecuencias de un conflicto por el que sus padres al final deciden abandonarle a su suerte a la temprana edad de tres años. Episodios que pese a tratar problemáticas a las que en la mayoría de las ocasiones es muy complejo acercarse Em resuelve desde el punto gráfico, aplicando un tempo y una calidez en las imágenes muy reconocible y comprensible para el espectador.

En principio la idea de John entrando y saliendo del sueño, fluyendo entre la vigilia y la memoria salpicado de momentos fugaces y teñidos de surrealismo, tenía como objetivo sumergirse en la historia de The Beatles. Pero los significados de la animación pronto comenzaron a tomar otras direcciones, abarcando los sentimientos antibélicos de The Beatles y reflexionando sobre nuestro lugar en el mundo.

Como si fuera un masaje a cámara lenta que te permite asimilar de forma casi impercetible el drama por el que el otro está transitando haciendo un ejercicio de empatia que permite ponerte en el lugar del otro. Discurso terapéutico que al final de 2022 y casi de forma sorpresiva continúa tras un parón de cuatro años con su último y más ambicioso proyecto hasta la fecha. Y con el que el que ha podido desplegar todos sus recursos y talento.


Encargado por la editorial que gestiona el legado de nada más ni menos que The Beatles, el video que sirve para acompañar la reedicion del Revolover. Colección de canciones con el que los cuatro de Liverpool dejan atrás definitivamente su etapa más adolescente iniciando un período de transición, que da como resultado una reinvención de la formacion enriqueciendo su musica, así como una transformación estética que influiría en los hábitos de consumo de las siguientes generaciones.




Y de las que se eligió I'm only Sleping, para el que Ed dibujo 1300 fotogramas, coleccion que sirve para ilustrar una canción que contiene magníficas armonías, métodos de grabación experimentales y composición vanguardista. Imágenes a través de las que queria analizar algo tan etéreo como es el espacio entre el sueño y la vigilia, por lo tanto, pintó cada cuadro individualmente en pintura al óleo, un proceso laborioso que tomó muchos meses. Algo que fue gratificante pues la música de The Beatles Le remite a pasajes muy felices de su infancia. Ya que en su hogar, los miembros de su familia solían escuchar esta canción en una cinta en el auto durante su infancia, y la canción en sí evoca un estado fascinante, lánguido y soñador.

Trabajo por el que Em ha obtenido un aluvión de nominaciónes y premios como el Gold en los premios del Creative Círcle 2023 del Reino Unido, Best Animation en los Shark Music Video Awards 2023 y el Premio del Jurado en el Festival Internacional de Animación de Annecy de este año. Recibiendo una nominacion a un Grammy a Mejor Video Musical en la edición de los Premios Grammy de 2024. 


SETH convierte al Distrito 13 de París en un espacio de arte urbano crítico



La mayoría de los turistas que deciden dirigirse hacia los distritos situados en el margen izquierdo del río Senna, suelen tener meridianmente claro que su destino final esta en las proximidades del Distrito 14.


Donde se encuentra Montparnasse, el que quizás sea considerado el barrio más bohemio de la capital francesa. Un lugar donde los noctámbulos y los peregrinos de la noche suelen frecuentar hasta altas e intempestivas horas de la madrugada, cuando los primeros rayos del Sol despuntan al alba y el aroma de los tradicionales y numerosos cafés que hay en la zona abren sus puertas.


Para que tanto los residentes habituales, como los primeros turistas que se dejan ver por sus sinuosas calles, puedan cumplir con el ritual de tomarse el desayuno acompañado de un croissant recién horneado. Por lo que suelen ser el conjunto de calles que conforman el palaciego Distrito 13. Cuyo punto neuralgico lo podríamos situar en la Plaza de Italia, obviado por defecto de casi todas las agendas turisticas.

Algo que a mí juicio supone un craso error, pues aparte de la citada plaza, nos podríamos acercar a visitar el edificio que alberga la biblioteca Francois Miterrand, un majestuoso equipamiento, considerado el mayor del país en su ambito. Donde se podrá consultar el más amplio registro bibliofilo de toda Francia.

O los restos del cauce del Bièvre, uno de los ríos que cruzaban esta zona cuando todavía no se había anexionado añadiéndose como distrito de París, y cuyo cauce fue finalmente cubierto a comienzos del siglo XX. Aunque para dejar constancia de que por allí transcurrió un pequeño afluente. Todavía se conservan una serie de medallones que situados a ras suelo, te permiten seguir parte de su trazado original.

Entre otros muchos alicientes que se encuentran repartidos por aquí y por allá que te permitirán disfrutar de una agradable tarde paseando por sus calles. Podríamos citar que desde unos años a esta parte se han ido incorporado de forma regular una diversidad de muestras relacionadas con el arte urbano y el street art, que estan convirtiendo al distrito 13 en un museo al aire libre.

Una ciudadana de París trata de emular el gesto que observa en el grafitti de SETH

Intervenciones entre las que destaca por su cantidad, su calidad y sobretodo por su característico estilo a las que ha ido realizando de forma más o menos constante el artista conceptual SETH. De cuya obra ya os hemos hablado en NQ, en alguna ocasion y de su manera de percibir y trasladar la inocencia infantil, a un lenguaje y una narrativa netamente urbana utilizando formas muy suaves e incluso naif.

Hasta convertirle en uno de los mayores referentes del arte urbano de la capital parisina, siendo quizás la otra pata de este tamden el mismísimo JR. Autores que curiosamente comparten algunas similitudes en su práctica expresiva, como por ejemplo que los dos muestran una tendencia a  crear retratos a gran escala, donde en mayor o menor medida destaca la expresión humana en su manifestación más natural.

Aunque cabe recordar que Julien Malland tiene sus primeros antecedentes dentro del mundo del arte urbano, no muy lejos de allí en el Distrito 20. Cuyo entorno urbano utilizo como laboratorio en el que poder explorar aquellos parámetros que tras madurar con el paso del tiempo, pasaron a formar de su ideario y praxis urbana. Elementos por otra parte de muy fácil compresión por parte del gran publico.

Los ultimos proyectos de SETH en la capital parisina refuerzan su compromiso con la infancia a través de hacerse eco de los últimos dramas a los que se debe enfrentar.


Y con los que ha desarrollado la habilidad de representar una gran variedad de temas de más o menos calado social, a través de cuyo discurso SETH ha demostrado su compromiso y preocupacion con todo aquello que tenga que ver con la infancia, y todas aquellas vulnerabilidades e indefensiones a las que se enfrentan los niños a lo largo de esta fase de su vida.

Siendo en estas primeras etapas en las que más traumas infantiles se producen. Siendo un tema recurrente y sobre el que gira buena parte de las actuaciones firmadas por SETH. Aunque en el Distrito 13 también se pueden contemplar obras de auténticos iconos del arte urbano como Shepard Fairey (Obey) de la que se puede ver la intervencion, Liberté, égalité, fraternite, situada en 141 boulevard Vincent-Auriol.


O de nuestro admirado D*Face del que se puede ver a la altura del número 155, boulevard Vincent Auriol, un retrato femenino que realizado bajo claras influencias del Pop Art lleva por título Turncoat. Cerca de allí se encuentra la intervención titulada El Castor de artista urbano portugués Bordalo II, que como su nombre indica reproduce la figura de un castor, en homenaje a la gran colonia que hubo en su momento en la zona.

Otra de las versiones de SETH perteneciente a la serie dedicada al Covid-19

Volviendo a las aportaciones realizadas por el artista parisino SETH en el distrito, y como no podía ser de otra forma, se muestra recurrente a tratar de nuevo los problemas que atañen a la infancia conformandose como el tema central de las propuestas. Que se pueden ver en las proximidades de las instalaciones del expacio expositivo de la galería Lavo//matik, cuya programación está dedicada en exclusiva a mostrar artistas de Arte Urbano.

Entre estas voy a comentar dos ellas, las cuales por su significado y sensibilidad merecen especial atencion, la primera que a pesar de que ya la conocía cuando fue realizada por el artista como reaccion al anuncio por parte de las autoridades de confinar a la totalidad de la poblacion. Debido al avance inexorable provocado por el patógeno Sars-Cov2 Covid-19.


Aunque las ideas relacionadas con la infancia plasmadas por SETH en sus murales por defecto suelen presentar un aire optimista, en las últimas realizadas en París aunque trata de reducir su carga dramática no puede abstraerse de la gravedad de los últimos episodios a los que estamos asistiendo.


En realidad se trata de una serie de pequeños murales en los que aparecen sus características figuras infantiles, pero con un matiz todas las representaciones están parcialmente cubiertas con un casco, con el que los niños pretenden protegerse de este enemigo invisible, que es el virus. Y cuyo detonante fue la intervencion del presidente de la República Francesa, por aquella epoca Macron ese mismo Marzo, cuando equiparo la lucha contra el virus con un conflicto bélico cuando afirmó categóricamente "Estamos en gurra".


En la segunda intervencion aún más reciente en este calendario tumultuoso plagado de acontecimientos poco predicibles y hasta cierto punto inesperados. En este caso el tema al que alude SETH, no es otro que la invasión por parte del gobierno de la Federación Rusa, de parte del territorio Ucraniano. Incursiones en la región del Donbass que se produjeron a comienzos del Marzo del año pasado, provocando como primera y más trágica consecuencia la muerte de miles de personas a la vez que el desplazamiento de cientos de miles de ellas. 

Entre los cuales la población infantil sufrió el shock más notable, cuya estimación y consecuencias están aún a día de hoy por valorar. Pero que en sus primeros capítulos supuso el desarraigo desde su lugar de origen, además de estar expuestos a constantes peligros debido a la aparición de mafias, y la ineficaz actuación de las diferentes autoridades involucradas en su vigilancia y proteccion. 

El mural de escuetas dimensiones y desplegando cierto aire patriotico, represententa sobre el lienzo de una tapia blanca situada a la altura de la Rue Buot, a una niña que ondea alegremente una bandera de Ucrania. Con la cara girada hacia el interior la niña en su grácil caminar parece ajena a la verdadera transcendencia de los acontecimentos a los que estamos asistiendo. Peinada con una coleta lleva adherida a la cabeza una diadema de flores que atenúa los simbólico de la razón de la representacion. Dramatismo que sin embargo se simboliza muy bien en la parte inferior del mural, donde los zapatos de la niña de forma marcial y contundente aplasta los tanques enemigos.


Un collage de dibujos y color contra el muro del miedo

El colectivo formado por menores quizás sea el mas vulnerable cuando son expuestos a situaciones de estrés como conflictos armados o catástrofes naturales, pero a la vez su mirada limpia e inocente les permite conextualizar estos acontecimientos adversos pudiéndolos metabolizar a través de patrones creativos.

Pautas que si se aplican desde el conocimientos y la experiencia y un buen asesoramiento psico-emocional, puede arrojar un resultado muy satisfactorio tanto para el niño que al margen de su voluntad ha tenido que vivir experiencias francamente desagradables. Como para el espectador que desde su posición como ciudadano informado puede obtener una visión diferente sobre acontecimientos que debido a su magnitud y distancia les resulta muy complejo de empatizar totalmente con ellos.

UN MURO DE SUEÑOS Y PESADILLAS DONDE TAMBIEN SE OYEN VOCES DE ESPERANZA


Este es el caso de la ultima muestra realizada por el ilustrador Aitor Saraiba y que se pudo visitar a lo largo de buena parte de 2017 teniendo como marco la totalidad del espacio de la nave numero 11 del centro cultural el Matadero en Madrid. Formato a gran escala que permite al espectador tener una relación inmersiva y por lo tanto mas cercana con los acontecimientos tan atroces (en algunos casos) que representan algunos de los dibujos.

Cuyos trazos brotan de la imaginación condicionada por las escenas dramáticas que han vivido los niños participantes, y que acaparan los sentidos del visitantes como si fueran fragmentos de una pesadilla que te acosa acaparando toda tu atención. Fruto de la actividad previa realizada en la que han participado niños refugiados residentes en el barrio madrileño de Arganzuela además del CEPI (Centro de Participación e Integración del Inmigrante), el CEAR (Comisión Española de Ayuda al Refugiado) y Cruz Roja.

DIBUJOS QUE CURAN EMOCIONES A TRAVÉS DE LA EXPRESIÓN ARTISTICA

A lo largo de las diferentes secciones que componen la exposición titulada El Muro de los sueños y las pesadillas se alternan dibujos coloreados con textos y citas alusivas a los diferentes estados emocionales de las escenas representadas, y que sus autores dependiendo de su óptica y posición en relación al conflicto, manifestaban de forma consciente e inmediata o desarrollaban de forma mas pausada y acompañados por personal especializado  donde se organizaron los talleres.

Talleres cuyos antecedentes se remontan a 2.008 cuando Aitor pone en marcha el proyecto Dibujos Curativos por el que su autor ha desarrollado un programa donde a partir de la expresión plástica consigue identificar los traumas provocados por una situación de estrés emocional, consiguiendo exorcizar de alguna el dolor consecuencia de los hechos dramáticos que se han presenciado y reducir las secuelas que de otra forma podrían llegar a engendrar auténticos monstruos

Como novedad para esta ocasión Aitor ha contado con la colaboración del músico Dr. Kurugo que ha compuesto un collage sonoro compuesto por las voces y alocuciones de los propios niños. Característica acústica que refuerza la intensidad y dramatismo de los recuerdos que se describen, inundando el espacio con ecos y voces que se manifiestan actuando como cacofonías de las que resulta imposible abstraerse.


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Elaborada a partir de los 300 dibujos realizados por niños refugiados y en peligro de exclusión social, la muestra titulada El Muro de los sueños y las pesadillas, es un susurro de una secuencia donde la ausencia y el dolor constituyen la realidad de millones de niños de todo el mundo, y sacude la conciencia del espectador provocando un reflexión acerca de la fragilidad de las emociones y su memoria.



Patrick Dougherty - Lucky Seven, reconstruyendo el lugar secreto de Pipi Langstrum




El año pasado fue uno de los mas prolíficos en la ya consolidada trayectoria del artista Estadounidense Patrick Doughertyejercicio que se ha caracterizado por ofrecernos al resto de los mortales la oportunidad de contemplar su obra.


Pues además de atender los encargos contraídos con diferente instituciones de su pais natal, ha realizado una serie de diferentes intervenciones que ha tenido como escenario creativo otros paisajes. Lo que ha supuesto un desafío para este artista pudiendo explorar campos artísticos desconocidos hasta ahora en  su carrera.


Mas concretamente hace poco menos de un año Patrick fue invitado a reformular el universo literario de uno de los personajes que mas ha influenciado durante las ultimas décadas a millones de niños del todo el mundo, como es la televisiva Pipi Langstrum para eso se traslado a localidad sueca de Vimmerby. Donde la creadora del personaje la escritora Astrid Lindgren le dio vida.

Y donde después de su muerte se creo un parque de ocio y recreo familiar en su honor, que además de haberse convertido en un lugar de peregrinación para los muchos fans con los que todavía cuenta la popular serie. Cuenta con una serie de espacios naturales protegidos que son el destino de miles de familias cada fin de semana. 


Apoyada una en la otra las cinco piezas que componen el conjunto monumental siguen los patrones que Patrick Dougherty en la mayoría de sus obras, materiales orgánicos fundamentalmente ramas secas son empleadas para dar forma a arquitecturas efimeras reflejo de su entorno integrándose en el paisaje donde del que con el tiempo formaran parte.

Formado por un conjunto de cinco volumenes, para el diseño y realización de Lucky Seven (Pipi Langstrum), Patrick se inspiro en un lugar conocido como La Llanura de Jarras en Laos un lugar sagrado para los aborígenes de este país asiático que lo habitaron, y cuyas características formas arquitectonicas obedecen según los expertos a túmulos funerarios utilizados por los antiguos pobladores para honrar a sus seres queridos.

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Stories in the Sky, fomentar la lectura a través del juego


La suelta de cometas es en muchas de las grandes favelas que existen en las grandes ciudades de Brasil. Una de las pocas actividades lúdicas a través de la que los niños que allí conviven pueden sociabilizarse.

Esto es debido a la naturaleza de los materiales empleados, en la mayoría de los casos obtenidos de los basureros próximos, y posteriormente reciclados en ingeniosos artilugios voladores. Con los que comparten experiencias y juegos relacionandose con su entorno.

Inspirados por la literatura la asociación de fomento de la lectura Instituto Pró-Livro. Desarrolla proyectos cuyo objetivo es incentivar los habitos de lectura preferentemente a edades tempranas, recurriendo para la elaboración de sus programas a recursos y objetos con los que chavales se relacionen habitualmente.

CULTURA Y EDUCACIÓN EN EL VUELO DE UNA COMETA

Organizada con motivo de la celebración del día internacional del libro el 23 de Abril. Sus responsables invitaron algunos de los mas ilustres escritores en lengua portuguesa. Los que de forma altruista aportaron un párrafo o versos, que tras ser impresos en las cometas, se ondearon al viento en una muestra de arte colectivo.

Diseñadas por los propios niños, los motivos con los que estaba impresa cada cometa se inspiraba en los pasajes redactados por sus autores originales. En una actividad cuyo objetivo y enfoque pasa por inculcar valores en una atmósfera participativa e integradora.

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Stories in the Sky, vincula la educación en valores a los habitos con los que los niños mas desfavorecidos de las favelas se relacionan jugando. Con el objetivo de fomentar la lectura en un ámbito con el que ellos identificar



Li Xiaodong Atelier - Bridge School


Rodeado por densos bosques de bambú la comunidad de Pinghe en China esta compuesta por cinco cantones unidos que en pleno siglo XXI, siguen teniendo una relación con los innumerable afluentes y arroyos de los que bombean el agua con las que riegan sus arrozales y cubren sus necesidades domesticas. Cauces que vertebran y permiten la comunicación entre sus pobladores conectando las diferentes localidades y siendo un importante activo económico en la zona.

Partiendo de esta situación de cohesión social para construir la nueva escuela el estudio de arquitectura Li Xiaodong Atelier decidió que por su simbolismo el lugar mas idóneo para su ubicación, seria la pasarela del puente un lugar de referencia para la mayoría de la comunidad escolar que asiste y de fácil accesibilidad. Una actuación que se completaria con la construcción de un puente de servició en la parte inferior que permitiera el paso al resto de los usuarios.

Aprovechando la base del puente las paredes así como el mobiliario han sido construidos con bambú y maderas extraídas de especies autóctonas. Compuesto por tres secciones destinadas a las aulas, el acceso establecidos en ambos extremos del puente vertebra la vida de la comunidad escolar. Permitiendo impartir una labor docente que les vincula a su patrimonio natural suponiendo su presencia el mínimo impacto en su entorno y un valor educativo añadido.