Nomada Q : humor

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Las intervenciones del artista urbano Levalet están rodeadas por lo general de una atmósfera presidida por la nostalgia, sensación que se refuerza mas si cabe porque este Parisino de adopción.

Aunque nació y creció en la isla caribaña de Guadeloupe, tras invertir tardes enteras en recorrer las calles del centro de Paris. Realiza una selección de aquellos lugares cuyo aire bohemio se adaptan mejor como escenario al concepto de lo que trata de transmitir al publico.

Y es que tras casi seis años residiendo en la ciudad de la luz, se sabe casi de memoria la mayoría de los distritos. Donde suele operar primero haciendo una vista preliminar, y tras trabajar en el estudio sobre la idea original.

Regresar al lugar del "delito" con el motivo central de la intervención ya recortado sobre el papel, sobre el que finalmente pinta con un color neutro, quedando estampado en la pared. Lugares que en ocasiones hay que improvisar porque la primera localizacion no obedece a las condiciones esteticas mas optimas.

LA CIUDAD Y SUS HABITANTES EN BLANCO Y NEGRO

Algo que implica una gran capacidad de observacion, pues no cualquier lugar reune las caracteriticas mas propicias, porque en las obras de Charles (nombre real), el espacio publico y los elementos que lo componen suelen integrarse como elementos narrativos de la intervención.

Siendo por lo tanto el contexto circundante un factor intrinsico a la obra. Se podrían citar muchos ejemplos en los trabajos de Lavalet, en los que la yustaposición de materiales son la tonica principal de la obra, por la que entorno y los elementos expresivos se retroalimentan transformando el significado e incluso la función del lugar en si.

Pero quizás es en la pieza titulada Minotauro donde esta ambiguedad y complementariedad entre el espacio publico y el mensaje explicito de los elementos escogidos de forma deliberada para la ocasión, son mas elocuentes y procaces si cabe.

Por lo que a una fuente presidida por la escultura de una cabeza de un buey, Levelet le añade el torso desnudo de un hombre que sostiene en su regazo un libro otorgándole una interpretación mitológica al conjunto.

LA CALLE COMO MATERIA PRIMA

Papeles tintados en negro sobre blanco donde destaca la expresividad y contundencia de algunas de sus propuestas, donde no deja pie con cabeza aun en aquellas que se caracterizan por su sentido del humor.

O directamente provocando la hilaridad mas incisiva en el espectador, quizás sea por su componente cómico que por momentos recuerda a las técnicas que se emplean para ilustrasr tiras cómicas, como por ejemplo en Abduction, trabajo de 2012. Donde dos tipos encapuchados y mal encarados esperan a que se abran las puertas de un ascensor para que su víctima ajena a lo que sucede en el exterior caiga en sus garras.

El estilo urbano de Levalet se nutre del humor gráfico y de los elementos que hay en el espacio publico, material con el que realiza un retrato la vida cotidiana.

O en uno de sus mas recientes encargos realizado con motivo de la ultima edición del festival de arte urbano celebrado en la ciudad de Orleans, y donde Levalet ha sido el artista protagonista. Pudiendo desplegar todas sus habilidades como uno de los creadores urbanos mas irreverentes del panorama actual, utilizando para ocasión los contenedores donde se depositan las botellas de vidrio para articular una serie de mensajes graficos relacionados con diferentes problematicas sociales.

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Los personajes que crea el ilustrador Lucas Leviatan, son el clásico invitado que no se espera. Pero que nocturnidad y alevosía se acoplan a la mesa para degustar las viandas que con tanto esmero has cocinado.

Realizados en la mayoría de ocasiones como caricaturas en blanco y negro. Lucas lo introduce con toda naturalidad como si fueran polizones en fotografías de época, o formando parte de escenas mas cotidianas.

Con las que en un momento todos y cada uno de nosotros nos podemos sentir identificados. Muestras domesticas en las que estos invitados casuales sin embargo se adaptan como si formarán parte de nuestro grupo de amistades de toda la vida.

Incluso logran arrancar nos una leve sonrisa complice, sobre todo en aquellas ilustraciones. En las que la acción transcurre en situaciones más íntimas, como por ejemplo cuando cepillandote los dientes en el cuarto de baño o te desperezar en la madrugada, dispuesto a emprender otra ardua jornada de trabajo.

Denominadas como Photo Invasion cada foto nos muestra su antagonista en forma de ilustración, creando un fuerte contraste entre la realidad y la ficción protagonizada por caricaturas orondas y con un toque naif.

Se trata de composiciones que utilizando un lenguaje próximo y reconocible, que recuerda a las tiras de humor. Se caracterizan por su fina y sutil ironia, realizados en tonos neutros. El aspecto bonachón de sus personajes transmiten cierto aire de inocencia.

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Parafraseando al oscarizado cineasta y realizador italiano Roberto Benigni autor conocido por filmar la conmovedora película La vida es bella. Cinta que te cuenta la relación paterno-filial ambientada en un campo de concentración durante la segunda guerra mundial.

La animación titulada Life is Beautiful y que podéis ver AQUI. Trata de transmitirnos que aún en las situaciones más complejas se debe mantener el sosiego y tratar de arrancarle una sonrisa a la vida. Un relato que a la vez resulta tan fascinante como un tanto peturbadora que se centra en contarte los días más anodinos de un antiheroe.

El cual no logra escapar de su drama existencial que consiste en que encontrándose acosado por sus circunstancias, entre las que destacan una sucesión de malas decisiones, tanto laborales como afectivas. Decide tomar una decisión drástica sobre su vida cuyo resultado poco tendrá que ver, con las expectativas que se había creado al principio.

Decisión de la que inmediatamente se arrepentirá, cuando de forma surrealista a la vez que cómica se despierta en lo que parece ser una carrera por regresar a la vida en la que el ha adoptado el papel de espermatozoide. Candidatura que finalmente será elegida en un proceso embrionario o viaje cíclico hacia el nirvana.

Dirigida por Ben Brand, la cinta animada titulada Life is Beautiful, que fue estrenada en 2.013. Es la odisea de alguien que busca una segunda oportunidad renunciando a la prisión que representa su cuerpo.

Protagonizada por Anton, un sujeto corriente, un canto rodado que trata de sobrevir en un entorno social cada vez más hostil. Y que ademas hay que añadirle su condición de individuo bajito, lo que le convierte a los ojos de los demás en alguien insignicante.

Rodada con mucho sentido del humor, pese al planteamiento dramático de la situación que le toca vivir a su protagonista y a las limitaciones sociales que se le plantea tanto en su entorno social como personal. El modelo de narración lo acentúa aplicando grandes dosis de comicidad, presididas por los contrastes en las tipologías sociales que se nos muestran de forma caricaturesca.

Que mejor modelos a partir de los que realizar una versión caricaturizada que tus propios compañeros de estudios y profesores. ¿O no?. Como parte de su proyecto fin de ultimo curso de fotografía en el Edinburgh College. El avezado estudiante de fotografía Lee Howell realizo su particular interpretación del cartel cinematográfico de la opera prima del director de cine Quentin Tarantino titulada Trainspotting.

Tratando de imitar la imitar la misma pose el bueno de Lee tras realizar las instantáneas las deformo tratándolas con photoshop. El resultado es la serie titulada Caricature Project for Free Range, en las que desproporciones que presentan las anatomías de sus compañeros recuerdan a las de muchos cuadros del artista mexicano Fernando Botero.

Material gráfico vía Behance

Quien no ha tenido la tentación alguna vez de posar como modelo para algunos numerosos dibujantes callejeros que a cambio de unas monedas, alteran las facciones de tu rostro hasta convertirlo en una caricatura, y que te los encuentras situados en lugares estrategicos de plazas, parques o en época estival con el caballete situado de cara al mar en uno de los muchos paseos marítimos que se inundan de gente tras ocultarse el sol.

El dibujante Tobias Gutmann se ha inspirado en la tecnología del fotomaton, para reinventar la caricatura añadiéndole un matiz irónico. Tomando como modelo la estructura de este estudio fotográfico casual y urbano, del que debido a las nuevas tecnologías su uso y presencia esta siendo relegado.

Tobias ha creado el Face-o-mat, una versión artesanal e informal con la que ha recorrido hasta ahora mas de 40.500 kilómetros. En un viaje vital y artístico por el que ha tenido la oportunidad de recalar en ciudades de los cinco continentes, en una experiencia donde el contacto con lo que es la tarjeta de presentación de toda persona, le ha supuesto un mejor conocimiento no solo de su fisonomía sino de sus diferentes caracteres.

Realizado en cartón, el candidato se siente exponiéndose su rostro a través de una abertura cuadrangular que representa el objetivo de una cámara. Al otro lado Tobias mientras representa sus rasgos sobre una cuartilla de papel donde utilizan una técnica minimalista, emerge lo que según el criterio del autor es su retrato mas cercano y fiel a su aspecto físico.

Mas allá del beneficio económico, Face-o-mat es un proyecto que partiendo de un antecedente tecnológico, realiza una radiografia en clave cómica y en un contexto global de la increíble variedad de razas que humanizan el mundo, convirtiéndolo en un lugar mestizo y en constante transformación.

El artista holandés Harmen de Hoop utiliza el mobiliario urbano dotando le de funcionalidad, de esta forma el poste de una portería de fútbol, sirve de soporte para colgar una papelera, o un socavon en la acera se convierte en un huerto urbano donde cultivar hortalizas.

El anonimato es un aspecto esencial de su obra, ya que tiene consecuencias en la forma en la que se experimenta. Se aleja de su creación, negando así al espectador el marco de referencia del "arte" conceptual. Una de las consecuencias del anonimato es la reacción que puede producir, en la intervención Basketball Court (Baloncesto justiciero) en Amsterdam.

Harmen pintó las líneas de una cancha de baloncesto quedando incompleta debido a las características del lugar. Después de unas semanas el Ayuntamiento "repuso" la canasta que pensaba que faltaba. Más tarde, cuando se percato del equivoco elimino las lineas conservando la canasta.

Las intervenciones de Harmen abordan el problema de la escasez de espacio y la posibilidad de darle múltiples usos para su uso publico, proponiendo una reflexión donde la ironía y lo practico suscitan en el publico un sentimiento de asombro e hilaridad.

¿Alguna vez has pegado la cara a la ventanilla del coche como si de una ventosa se tratara? Experimentando la sensación similar a la que se tiene cuando subes a una montaña rusa. Y según adquieres velocidad inercia de la velocidad.

Produce que la fuerza centrífuga te deforme todos y cada uno de tus rasgos faciales. Efecto el cual tu no eres capaz de percibir sobre los pliegues de la piel de tu rostro, pero que en un instante ha provocado que tu expresión se convierta en una mueca grotesca.

Instante que el fotógrafo lituano Tadao Cern ha tratado de reproducir en su serie titulada Blow Job, efecto similar que ha logrado exponiendo la cara de diferentes modelos. A la fuerza de un ventilador colocado a escasos centímetros de ellos.

El resultado es una serie compuestas por fotografías tamaños carnet, las cuales transmiten una sensación mezcla de estupor y asombro en el que las contempla. A la vez que cierta ironía pues no si destacan por alguna caracteristica, es por su sentido comico.

Aunque no es la primera vez que se embarca en un proyecto compuesto por retratos. Si es la primera vez que de forma que no deja de tener algo osadia, ha creado una nueva colección de retratos en los que empleando un potente ventilador, ha provocado estas sorprendentes contorsiones faciales las imágenes de realizadas en primer plano, a voluntarios que asistían a la semana del diseño de Vilnius Lituania, como visitantes Tadao les dio la oportunidad de participar en esta peculiar serie.

Solemos identificar la practica del Street Art con graffiti, con murales, con stencil y con otras manifestaciones urbanas que tienen el espacio publico como lugar de expresión.

Una de ellas es la que representa OakoaK. El cual contempla el ámbito urbano, como una incubadora creativa que le proporciona los elementos creativos que forman de ese espacio publico.

Para integrarlo como parte de la obra. En este contexto recurre a casi cualquier cosa u objeto que tenga a su alcance. Como por ejemplo una puerta, una boca de riego, un semáforo o el banco de un parque.

Elementos pertenecientes al mobiliario publico o que de forma casual forman parte del paisaje urbano. Convirtiendose de esta forma en vehículos activos que enriquecen su propuesta creativa.

En el caso del autor francés OaKoaK, el resultado son intervenciones donde la ironía y la critica social se combinan. Para crear un discurso narrativo en el cual el espacio publico se convierte en una estrategia creativa.

En la ultima nos muestra a un personaje que imitando al famoso personaje de Guillermo Tell. Como este sostiene una manzana encima de la cabeza, a la que apunta la flecha de un arco que se perfila en la puerta que hay en la derecha de la imagen.

René Maltete fue un fotógrafo, que se distinguió por la ironía que empleaba realizando sus instantáneas, poseía la capacidad de reflejar situaciones marcada por la tragedia, desde una perspectiva amable, pero sin caer en la condescendencia ni en la obscenidad.

Esta forma de positivar la realidad le supuso la critica y el párvulo de los sectores mas reaccionarios de su profesión. De formación autodidacta, comenzó a la temprana edad de dieciséis años ha realizar sus primeras series, resultados de las incursiones urbanas en el Paris de posguerra donde se traslado en busca de trabajo.

Ciudadano comprometida con el tiempo que le toco vivir, milito en la causa proteccionista por el medio ambiente. Además de la fotografía cultivo la poesía que se recogió en varios volúmenes en los que alternaba lirismo y material grafico.

René Maltête, fotógrafo y poeta francés, dejó una huella indeleble en el mundo de la fotografía urbana, debido a su particular forma de fijar su mirada. Capturando situaciones que se caracterizaban por su ironía, en ocasiones esperpentica pero siempre casual. Nacido el 8 de mayo de 1930 en Lamballe (Francia), Maltête empezó a hacer fotos a los 16 años con su primera cámara, una Pontiac 6×9.

Su obra abarca principalmente la decada de los años 50 y 60 del siglo XX. Reflejando a traves de miles de imagenes la esencia de la vida cotidiana en Francia, a menudo con un toque humorístico. En una de sus mas iconicas fotografías titulada Seven Deadly Sins capitals (Los 7 pecados capitales), Maltête captó una escena en la que aparecían monjas frente a un cartel que describía los siete pecados capitales: lujuria, gula, ira, envidia, orgullo, avaricia y pereza. Aunque es difícil precisar qué monja encarna cada pecado, la que lleva el bolso al fondo representa con humor la avaricia.

Las imágenes de René se basan en la incongruencia y la sorpresa: el humor está siempre presente, pero más que una imagen, a menudo hay una dimensión filosófica.

Aunque no es su fotografía más famosa, la de Maltête titulada Canon se reconoce al instante. Juega con la luz y la sombra, una técnica familiar para los que se hacen selfies hoy en día. Su capacidad para captar momentos cotidianos con ingenio y creatividad le distinguen como maestro de la fotografía.