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Robin Rhode, la calle en acción



En las perfomances del artista sudafricano Robin Rhode con sede en Berlin, tan relavante es el medio como los elementos que lo componen. El crea escenas en las que los actores interactúan con los objetos dibujados, adaptandose a las superficies planas donde se produce la acción. 

Es este enfoque el que crea esa sensación de movimiento lo que crea la ilusión en el espectador sugiriéndole la siguiente secuencia, en las que se interpretan escenas cotidianas con toda naturalidad. Enfatizando los gestos que se describen sobre fondos neutros que refuerzan sin efectismos. 

Robin trabaja básicamente con materiales cotidianos como el carbón, la tiza o acuarelas, materiales a los que incorpora objetos con los que interactúa. Caracterizándose por aplicar un enfoque interdisciplinario que reune en una misma obra otras disciplinas como el dibujo, el cine o la fotografía.

Rhode transforma las formas simples en elementos narrativos, interactuando con presencias producto de la imaginación. Esta práctica narrativa se remonta a un ritual de iniciación que se practicaba en las escuelas secundarias de Sudáfrica, que él mismo experimentó. Se trataba de una actividad lúdica por la que los nuevos estudiantes se ven obligados a dibujar e interactuar con su silueta. 

Los murales narrativos de Rhode describen con frecuencia estereotipos cotidianos acerca de las comunidades nativas de Sudáfrica, a través de imágenes extraídas de su entorno mas proximo con la monta cortos de animación digital. 

O trabajos más elaborados, obras que por su complejidad pues se tratan de animaciónes stop-motion. En cuyo muestra una narrativa humorística en la que la gente se relaciona en situaciones informales.

 

The Trashcam Project, fotografías realizadas desde un cubo de basura


Distribuidas en contenedores de basura situados en localizaciones estrategicas de la ciudad alemana de Hamburgo, el proyecto  el fotográfico Proyecto Trashcam. Utiliza una técnica fotográfica conocida como estenopeica, con la que se consigue unas imagenes que se distinguen por su limpieza y nitidez.

Una cámara fotográfica estenopeica sin lente, que consiste en su forma más simple consiste en una caja que no permita la entrada de luz con un agujero en una de sus paredes y la película fotográfica o el papel fotográfico en la pared contraria. 

La serie que captura de forma espontánea escenas cotidianas y panorámicas de la capital de la baja sajonia. Realizado por un equipo de operarios pertenecientes al servicio de limpieza de la ciudad aficionados a la fotografía. Las fotografías las realizaban en las franjas horarias donde las condiciones de luz eran mas propicias.

En general, cuanto más pequeño sea el agujero la imagen tendrá una mejor resolución, ya que el círculo de confusión proyectado será más grande. Sin embargo, si es extremadamente pequeño se puede producir mucha difracción afectando a la nitidez de la imagen. Además, cuando el diámetro de la apertura se aproxima al grosor del material se produce un viñetado cerca de los bordes de la imagen porque menos luz logra llegar a estas áreas. Esto se debe a la sombra producida por la luz que entra a un ángulo diferente a 90 grados.

En el caso del Trashcam Project, el método es bastante sencillo: mediante la perforación de un pequeño agujero en un lado del contenedor de basura, la imagen se proyecta sobre una hoja de papel fotográfico suspendida en el interior. Cada disparo de una duración de alrededor de una hora para cada captura registra una única instantánea que tras ser revelada en laboratorio presenta imagenes que parecen extraídas de otra época.


Kulturepark, antiguo parque de atracciones de la RDA transformado en un museo al aire libre


Construido en plena época de expansion del régimen socialista en la antigua RDA, el parque de atracciones Spreepark Plänterwald cuyas instalaciones situadas en el este de Berlin. Entrando en funcionamiento en 1.969.

Presentado por las autoridades de la antigua administración como alternativa a las propuestas de ocio, que se iban introduciendo de forma clandestina pese a la censura ejercido. El conjunto de sus atracciones estuvieron activaron hasta 1.989, cuando finalmente se trataron de subastar con escaso exito.

Siendo adquiridas finalmente sus poco más de 29 hectáreas y media de superficie por una compañía inexperta. Que tras explotarlo hasta 2.001 se declaro en quiebra debido a su incapacidad para hacer una lectura correcta y sacarle rendimiento.


Por lo que un periodo de explotación se vio obligada a cerrarlo. Entrando en un periodo de desuso por lo que permanecio abandonado mas de una década. Hasta el año 2.012 que fruto de la iniciativa artística ciudadana el decadente parque se rebautiza con el nombre KulturePark

Y deciden poner en marcha un proyecto que a partir de la realización de intervenciones especificas. Pretendía explorar las posibilidades de recuperación de los diferentes elementos que lo conformaban a través del arte.

Promovido por un colectivo de artistas entre los que destaca los artistas locales George Scheer y Stephanie Sherman. La artista argentina Agustina Woodgate y el comisario Anthony Spinello


Desde que se iniciaron actividades a lo largo de 2.012 en Kulturepark han organizado cada temporada un calendario regular de propuestas. La mayor parte de ellas enfocadas a la restauración de una atracciones que en muchos casos se encontraban en un avance estado deterioro.

Aparte se organizan cursillos, representaciones teatrales, exposiciones, charlas y actividades dirigidas a un publico infantil y juvenil, y que tienen como objeto concienciar a sus participantes. 
Sobre la importancia de reutilizar espacios publico abandonados en beneficio de la comunidad y de los vecinos que residen en su entorno.


Flora Borsi - The real life models, retratos actuales de clásicos de la pintura


En la serie titulada The real life models, la fotógrafa húngaro Flora Borsi, nos embarca en un viaje de ida y vuelta. Empleando programas de retoque fotográfico reproduce a través de modelos reales, retratos pictóricos realizados por clásicos como  Rudolf Hausner, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso y Kees van Dongen.

Flora realiza un ejercicio de retroalimentación y restropectiva artística, tratando de imaginar la apariencia que pudieron tener las modelos que en su momento posaron, respetando las características que reunía cada retratada. Su pose, sus gestos y mirada consiguiendo recrear la esencia que inspiraron a sus autores originales.


Flóra Borsi  nacida en 1993, se interesa por las posibiladades que ofrece la fotografia en 2004. Matriculándose en diferentes cursos de retoque y manipulación fotográfica como Photoshop. Tras acabar este periodo formativo trabaja como fotógrafo freelance para publicaciones como Daily Mail, Huffington Post, The Guardian, The Observer o Yahoo.

La esencia de sus fotos visualiza la imperfección física a través de la aplicación de software de retoque fotográfico. Su forma de trabajar presta especial atención a las reglas de la geometría y la armonía del color. Consiguiendo recrear la atmósfera apropiada para cada fotografía.

Jerry Uelsmann y su facisnación por incluir arboles en sus fotografías surrealistas


Entre las numerosas fotografías que componen el porfolio de Jerry Uelsmann, he escogido aquellas en las que la presencia de los arboles como modelos retratados. De alguna manera son los protagonistas del argumentos a partír del que contar una historia.

Realizadas en blanco negro Jerry no tiene la necesidad de utilizar programas de tratamientos de imagenes para crear montajes. En los que los elementos oníricos se entrelazan con la materia vegetal creando una comunión que visualmente resulta poetica.

Nacido en Detroit, y con sede en Florida el reconocido fotógrafo Jerry Uelsmann ha estado manipulando fotos mucho antes, de que debido a la era digital se desarrollaran aplicaciones como Photoshop transformando el mundo de la fotografía. 


Creativos y sugestivas sus trabajos son producto de interpretaciones surrealistas del paisaje. Composiciones que están realizada de forma artesana en su particular cuarto oscuro, en el que ultimamente ha incorporado sin embargo la tecnologia. 

Uelsmann utiliza múltiples puntos negativos y hasta una docena de ampliadoras para crear imágenes compuestas que nos sumergen en pasajes oníricos. En los que la naturaleza tiene una fuerte presencia.


Su singular y personal presentación de imágenes que van más allá de la documentación básica. Da como resultado obras que fascinan a casi cualquiera que se aproxime a ellas. Incluso hoy en día donde debido a la incipiente inteligencia se pueden conseguir todo tipo de imagenes igual o más sorprendentes en unos pocos segundos.


Su inventiva a veces mezcla propuestas narrativas que visualmente resultan simple y llanamente de otro mundo. Tratando temas poblados por motivos visuales opuestos a la perfección que muestra una fotografía de forma habitual. Como si la imperfección formará parte de la historia visual de la fotografia. En un contextos en el que la presencia del ser humano y la naturaleza se convierten en uno fundiéndose, y lo imposible se hace posible en el mundo surrealista de Uelsmann. 




David Emitt Adams - Conversations with History, el culo de una lata oxidada reciclada como paisaje fotografico


En las obras de David Emitt Adams un fotógrafo que experimenta con viejas técnicas fotográficas implementándolas en diferentes objetos. En su ultima serie titulada Conversations with History

Ha elegido como medio expresivo la técnica conocida como colodión húmedo, creando impresiones de paisajes desérticos utilizando como soporte los cubos de las latas de refresco. 

Que se encuentra en sus expediciones, las cuales realiza por las numerosas y extensa áreas desérticas, que componen la mayor parte del estado de Arizona.


En Conversaciones con Historia se compara el pasado y el presente de la fotografía y su relación con los paisajes desérticos del Oeste americano. Adams recoge latas desechadas, algunas datan de la década de 1970, que han sido esparcidas por el desierto. 

Estas latas "extraviadas", oxidadas y corroídas representan la evidencia del paso del tiempo y la presencia de la luz. Los dos componentes principales inherentes a la propia naturaleza de la fotografía, sirviendo como una reliquia donde fijar imágenes en su superficie.  

El colodión húmedo es un procedimiento fotográfico creado en el año 1851 por
Gustave Le Gray, que fue el primero en indicar un procedimiento con este compuesto. Consiguiendo imágenes mediante el revelado con sulfato de protóxido de hierro. 


El proceso de trabajo intensivo produce una imagen negativa en la superficie del metal. El resultado es una obra, un artefacto donde la fotografía vincula el paso del tiempo con el soporte y el lugar de donde fue recuperado.


David nació en la población de Yuma Arizona en 1980, en la que siempre ha residido por lo que es un perfecto conocedor de cada palmo del desierto que ha recorrido en numerosas ocasiones. 

Este conocimiento del terreno y su afición por la fotografía y su historia lo combina creando piezas donde la pátina es la evidencia de lo que en ese lugar pudo haber sucedido en algún momento más o menos reciente. 


Swarte - One Square Meter of Roots, retratos desde la raíz y de supervivencia


Cada una de las obras que forman parte de la colección One Square Meter of Roots del dúo artístico Swarte  con sede en Bucarest (Rumania), hace referencia a una condición humana; la maternidad, el trabajo, la inmigración, el trabajo, la libertad, el misticismo, la educación, el arte...

Cada composición esta completada con un texto descriptivo y su respectiva moraleja. El maquillaje y escenificación utilizado se basa en la documentación aportada tras una ardua investigación que ha abarcado el estudio de mas sesenta tribus del todo el mundo. Lo que supone una enorme cantidad de información que tras ser organizada nos dio como resultado un fresco de la gran diversidad de comunidades que todavía quedan en nuestro sociedad.

Y de la que debido a la inercia y vorágine de ese proceso social-cultural y económico que conocemos como globalizacion permanece en muchos casos ajena y al margen de nuestra cotidianidad, como si fueran antecedentes culturales que ya han desaparecido. Hecho que está muy distante de ser una realidad y que gracias a proyectos como los de la artista visual Corina Olaru y la diseñadora conceptual Manuela Volpescu.

Tenemos la oportunidad de constatar a través de esta serie de retratos donde los gestos reúnen una serie de matices que  a pesar de estar camuflados por la aplicación de un elaborado maquillaje, nos logra transmitir todos y cada una de las inquietudes y antecentes tribales y etnograficos que hay detrás de los miembros de todas y cada una de las comunidades que han inspirado. Esta selección de fotografías donde la plasticidad proyectada por las miradas nos habla de un ancestro comun.



El cual despierta de su silencio al calor del fuego fatuo creativo para invocar la palabra que se eleva y engarza un retrato, donde los términos comunión y memoria sirven para que nosotros como espectadores podamos tomarnos nuestro tiempo y contemplarnos a nosotros mismos. Acto que como es lógico provocará diferentes emociones dependiendo del enfoque del observador.

A través de historias como la de la etnia Jarawa que en diciembre de 2004, padeció un maremoto de tremendas proporciones que sacudió el Océano Índico, causando una gigantesca ola de tsunami que trajo muerte y devastación a las costas de innumerables islas y regiones vecinas. Cientos de miles de personas que habitaban las islas Andaman perdieron la vida tras el tsunami salvándose sólo unos cuantos cientos de miembros pertenecientes a los Jarawa, Onge y Sentineleses. Que habían recibido una revelación por parte de los chamanes de la tribu del desastre inminente y escaparon a las regiones más altas de la isla.


One Square Meter of Roots reúne a más de 70 tribus de todo el mundo que pese a los avatares pudieron sobrevivir y conservarse a lo largo del tiempo. El equilibrio entre emociones y símbolos varía de una obra a otra, ofreciendo reflexión personal e identificación desde y hacia el espectador con el mensaje y la historia de cada obra explicada. 


Basado en preferencias personales, uno puede decidir crear un viaje íntimo fuera de él, o reconstruir todo el proceso de una manera más introspectiva, mientras decide abordarlo junto con los demás o no. De cualquier manera, la resolución final debe convertirse en un compendio de recuerdos y sentimientos, una idea preciada sobre cosas que los individuos, separados o como grupo.

Que reunidos o no desean recordar y convertir en realidades esas asombrosas y por momentos desconcertantes cosas con las que sueñan. El fundamento de toda la visión radica en esta idea de que el recuerdo puede revertir determinados hábitos remitiendonos a un pasado más o menos próximo donde nos sentíamos más satisfechos con nuestro estilo de  vida.  

Este recorrido vital pretende embarcar al espectador en un viaje que hace escala en diferentes aspectos de la actividad humana, para eso las autoras vinculan cada pieza con un símbolo. En el que el lienzo es el propio cuerpo, que es pintado utilizando antiguas técnicas étnicas, a través de la que te describe facetas universales del individuo y su relación con sus congéneres.

Swarte es una iniciativa abierta a la imaginación, transformado imágenes mentales en arte, que sólo puede ser percibido cuando se involucra a los cinco sentidos a la vez. Conectándote con una gran cantidad de ideas, visiones y sueños que es traducido en obras que te conectan con tu yo mas intimo, a la vez que con lo más universal que reside en todos y cada uno de nototr@s
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