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Flora Borsi - The real life models, retratos actuales de clásicos de la pintura


En la serie titulada The real life models, la fotógrafa húngaro Flora Borsi, nos embarca en un viaje de ida y vuelta. Empleando programas de retoque fotográfico reproduce a través de modelos reales, retratos pictóricos realizados por clásicos como  Rudolf Hausner, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso y Kees van Dongen.

Flora realiza un ejercicio de retroalimentación y restropectiva artística, tratando de imaginar la apariencia que pudieron tener las modelos que en su momento posaron, respetando las características que reunía cada retratada. Su pose, sus gestos y mirada consiguiendo recrear la esencia que inspiraron a sus autores originales.


Flóra Borsi  nacida en 1993, se interesa por las posibiladades que ofrece la fotografia en 2004. Matriculándose en diferentes cursos de retoque y manipulación fotográfica como Photoshop. Tras acabar este periodo formativo trabaja como fotógrafo freelance para publicaciones como Daily Mail, Huffington Post, The Guardian, The Observer o Yahoo.

La esencia de sus fotos visualiza la imperfección física a través de la aplicación de software de retoque fotográfico. Su forma de trabajar presta especial atención a las reglas de la geometría y la armonía del color. Consiguiendo recrear la atmósfera apropiada para cada fotografía.

Jerry Uelsmann y su facisnación por incluir arboles en sus fotografías surrealistas


Entre las numerosas fotografías que componen el porfolio de Jerry Uelsmann, he escogido aquellas en las que la presencia de los arboles como modelos retratados. De alguna manera son los protagonistas del argumentos a partír del que contar una historia.

Realizadas en blanco negro Jerry no tiene la necesidad de utilizar programas de tratamientos de imagenes para crear montajes. En los que los elementos oníricos se entrelazan con la materia vegetal creando una comunión que visualmente resulta poetica.

Nacido en Detroit, y con sede en Florida el reconocido fotógrafo Jerry Uelsmann ha estado manipulando fotos mucho antes, de que debido a la era digital se desarrollaran aplicaciones como Photoshop transformando el mundo de la fotografía. 


Creativos y sugestivas sus trabajos son producto de interpretaciones surrealistas del paisaje. Composiciones que están realizada de forma artesana en su particular cuarto oscuro, en el que ultimamente ha incorporado sin embargo la tecnologia. 

Uelsmann utiliza múltiples puntos negativos y hasta una docena de ampliadoras para crear imágenes compuestas que nos sumergen en pasajes oníricos. En los que la naturaleza tiene una fuerte presencia.


Su singular y personal presentación de imágenes que van más allá de la documentación básica. Da como resultado obras que fascinan a casi cualquiera que se aproxime a ellas. Incluso hoy en día donde debido a la incipiente inteligencia se pueden conseguir todo tipo de imagenes igual o más sorprendentes en unos pocos segundos.


Su inventiva a veces mezcla propuestas narrativas que visualmente resultan simple y llanamente de otro mundo. Tratando temas poblados por motivos visuales opuestos a la perfección que muestra una fotografía de forma habitual. Como si la imperfección formará parte de la historia visual de la fotografia. En un contextos en el que la presencia del ser humano y la naturaleza se convierten en uno fundiéndose, y lo imposible se hace posible en el mundo surrealista de Uelsmann. 




David Emitt Adams - Conversations with History, el culo de una lata oxidada reciclada como paisaje fotografico


En las obras de David Emitt Adams un fotógrafo que experimenta con viejas técnicas fotográficas implementándolas en diferentes objetos. En su ultima serie titulada Conversations with History

Ha elegido como medio expresivo la técnica conocida como colodión húmedo, creando impresiones de paisajes desérticos utilizando como soporte los cubos de las latas de refresco. 

Que se encuentra en sus expediciones, las cuales realiza por las numerosas y extensa áreas desérticas, que componen la mayor parte del estado de Arizona.


En Conversaciones con Historia se compara el pasado y el presente de la fotografía y su relación con los paisajes desérticos del Oeste americano. Adams recoge latas desechadas, algunas datan de la década de 1970, que han sido esparcidas por el desierto. 

Estas latas "extraviadas", oxidadas y corroídas representan la evidencia del paso del tiempo y la presencia de la luz. Los dos componentes principales inherentes a la propia naturaleza de la fotografía, sirviendo como una reliquia donde fijar imágenes en su superficie.  

El colodión húmedo es un procedimiento fotográfico creado en el año 1851 por
Gustave Le Gray, que fue el primero en indicar un procedimiento con este compuesto. Consiguiendo imágenes mediante el revelado con sulfato de protóxido de hierro. 


El proceso de trabajo intensivo produce una imagen negativa en la superficie del metal. El resultado es una obra, un artefacto donde la fotografía vincula el paso del tiempo con el soporte y el lugar de donde fue recuperado.


David nació en la población de Yuma Arizona en 1980, en la que siempre ha residido por lo que es un perfecto conocedor de cada palmo del desierto que ha recorrido en numerosas ocasiones. 

Este conocimiento del terreno y su afición por la fotografía y su historia lo combina creando piezas donde la pátina es la evidencia de lo que en ese lugar pudo haber sucedido en algún momento más o menos reciente. 


Swarte - One Square Meter of Roots, retratos desde la raíz y de supervivencia


Cada una de las obras que forman parte de la colección One Square Meter of Roots del dúo artístico Swarte  con sede en Bucarest (Rumania), hace referencia a una condición humana; la maternidad, el trabajo, la inmigración, el trabajo, la libertad, el misticismo, la educación, el arte...

Cada composición esta completada con un texto descriptivo y su respectiva moraleja. El maquillaje y escenificación utilizado se basa en la documentación aportada tras una ardua investigación que ha abarcado el estudio de mas sesenta tribus del todo el mundo. Lo que supone una enorme cantidad de información que tras ser organizada nos dio como resultado un fresco de la gran diversidad de comunidades que todavía quedan en nuestro sociedad.

Y de la que debido a la inercia y vorágine de ese proceso social-cultural y económico que conocemos como globalizacion permanece en muchos casos ajena y al margen de nuestra cotidianidad, como si fueran antecedentes culturales que ya han desaparecido. Hecho que está muy distante de ser una realidad y que gracias a proyectos como los de la artista visual Corina Olaru y la diseñadora conceptual Manuela Volpescu.

Tenemos la oportunidad de constatar a través de esta serie de retratos donde los gestos reúnen una serie de matices que  a pesar de estar camuflados por la aplicación de un elaborado maquillaje, nos logra transmitir todos y cada una de las inquietudes y antecentes tribales y etnograficos que hay detrás de los miembros de todas y cada una de las comunidades que han inspirado. Esta selección de fotografías donde la plasticidad proyectada por las miradas nos habla de un ancestro comun.



El cual despierta de su silencio al calor del fuego fatuo creativo para invocar la palabra que se eleva y engarza un retrato, donde los términos comunión y memoria sirven para que nosotros como espectadores podamos tomarnos nuestro tiempo y contemplarnos a nosotros mismos. Acto que como es lógico provocará diferentes emociones dependiendo del enfoque del observador.

A través de historias como la de la etnia Jarawa que en diciembre de 2004, padeció un maremoto de tremendas proporciones que sacudió el Océano Índico, causando una gigantesca ola de tsunami que trajo muerte y devastación a las costas de innumerables islas y regiones vecinas. Cientos de miles de personas que habitaban las islas Andaman perdieron la vida tras el tsunami salvándose sólo unos cuantos cientos de miembros pertenecientes a los Jarawa, Onge y Sentineleses. Que habían recibido una revelación por parte de los chamanes de la tribu del desastre inminente y escaparon a las regiones más altas de la isla.


One Square Meter of Roots reúne a más de 70 tribus de todo el mundo que pese a los avatares pudieron sobrevivir y conservarse a lo largo del tiempo. El equilibrio entre emociones y símbolos varía de una obra a otra, ofreciendo reflexión personal e identificación desde y hacia el espectador con el mensaje y la historia de cada obra explicada. 


Basado en preferencias personales, uno puede decidir crear un viaje íntimo fuera de él, o reconstruir todo el proceso de una manera más introspectiva, mientras decide abordarlo junto con los demás o no. De cualquier manera, la resolución final debe convertirse en un compendio de recuerdos y sentimientos, una idea preciada sobre cosas que los individuos, separados o como grupo.

Que reunidos o no desean recordar y convertir en realidades esas asombrosas y por momentos desconcertantes cosas con las que sueñan. El fundamento de toda la visión radica en esta idea de que el recuerdo puede revertir determinados hábitos remitiendonos a un pasado más o menos próximo donde nos sentíamos más satisfechos con nuestro estilo de  vida.  

Este recorrido vital pretende embarcar al espectador en un viaje que hace escala en diferentes aspectos de la actividad humana, para eso las autoras vinculan cada pieza con un símbolo. En el que el lienzo es el propio cuerpo, que es pintado utilizando antiguas técnicas étnicas, a través de la que te describe facetas universales del individuo y su relación con sus congéneres.

Swarte es una iniciativa abierta a la imaginación, transformado imágenes mentales en arte, que sólo puede ser percibido cuando se involucra a los cinco sentidos a la vez. Conectándote con una gran cantidad de ideas, visiones y sueños que es traducido en obras que te conectan con tu yo mas intimo, a la vez que con lo más universal que reside en todos y cada uno de nototr@s
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Halil Altindere - Carpet Land


Formado por miles de alfombras persas, la instalación Carpet Land del artista turco Halil Altindere se extiende en una superficie de terreno, donde tradicionalmente hortalizas y que en el momento de extender las alfombras estaba en época de barbecho. 

Aunque en un principio puede parecer un ingenioso montaje fotográfico, para su producción se preciso el apoyo logístico de una grúa y varios operarios de apoyo, que ayudaran a su autor a desplegar todas y cada una  de las alfombras que a modo de collage sustituyendo los elementos del paisaje original camuflando su fisonomía.

Nacido 1971 en la localidad de Mardin en Turquía. Halil es el editor y el redactor en jefe de revista de art-ist Contemporary Art Magazine de Estambul. Habiendo participado en la Bienal de Kwangju, Corea 2002, Bienal de Sao Paulo de 1998 y en la Bienal de Estambul de 1997.  Las primeras obras de Altindere Halil se caracterizan por una resistencia contra los regímenes represivos que representación al Estado turco. 

Sus manipulaciones de documentos oficiales, tales como billetes de banco, sellos y tarjetas de identificación dirigida a ridiculizar y subvertir las normas  oficiales de identificación. Recientemente, sus trabajos muestran un giro visible de las restricciones de la política representativa hacia un empleo que permiten incorporar momentos en la vida cotidiana empleando en su códigos humorísticos de las subculturas propias de su ciudad de residencia Estambul.

Raphael Xavier - No Bicycle Parking


Realizadas a lo largo de un periodo de diez años las 400 fotografías que forman la serie No Bicycle Parking, tienen en común dos cosas, la primera que son bicicletas o lo que queda de ellas y segundo que fueron abandonadas en diferentes localizaciones de la ciudad de Filadelfia en Estados Unidos.

Como su propio autor indica el artista local Raphael Xavier, su motivación en principio era crear una base de datos de bicicletas robadas que fuera consultados por sus legítimos dueños,  esta idea altruista obtuvo una gran recupersión facilitando la devolución de buena parte.

De la serie se ha realizado una selección con la que se ha montado una exposición que se ha podido ver en el Painted Bride Art Center, y con la que Raphael quiere montar una exhibición itinerante, a través de la que se pueda compartir con el gran publico esta experiencia,  mediante la que su autor ha tenido la oportunidad de conocer multitud de historias relacionadas con la bicicleta.

Completando el proyecto No Bicycle Parking, se ha editado un documental de veinte minutos rodado por la novia de Raphael, en el que se describe todo el proceso de creación, además se quiere publicar un libro que recoja  parte del material que ha sido excluido del catalogo de la exhibición.


George Steinmetz, fotografía paisajista desde el parapente


Viajero incansable, invirtió en un viaje por África mas de dos años, el cual completo haciendo autostop. Aventura en la que se embarco recién finalizada la carrera de geofísica por la Universidad de Stanford.

Donde descubre George Steinmetz su pasión por la fotografía. Sus trabajos se caracterizan por realizar grandes panorámicas de las rutas migratorias en altura, para elevarse utiliza un parapente siempre y cuando las condiciones climatológicas son óptimas.

Y dispone del suficiente tiempo, como para realizar unas capturas que destacan por su gran contraste y expresivos colores. Son sus conocimientos sobre geografía adquiridos en su etapa universitaria, lo que le facilita la mejor selección de exteriores en la estación idónea.


Celebres son sus reportajes para publicaciones como Geo o National Geographic, los cuales fueron realizados en expediciones a los desiertos del Gobi y del Sahara. Que pese a que presentan características afines consigue transformarlos en ambientaciones diferentes que parecen extraídas de pasajes de los relatos de Las Mil y Una Noches.

Con mas de veinticinco años de carrera, por sus trabajos ha sido galardonado en dos ocasiones con el premio en ciencia y tecnología que otorga World Press Photo. También ha ganado premios y menciones de  Pictures of the Year, Overseas Press Club y premios de la revista Life Alfred Eisenstadt.

Eligió el parapente como plataforma desde la que fotografiar, porque le ofrece las mejores condiciones de estabilidad en condiciones de calma y una visión de 180º. Prefiriendo las primeras horas de la mañana temprano y las ultimas de la tarde, porque presenta las mejores condiciones de luz. 


Dosnoventa - We were never born, publicidad en bicicleta inspirada por Jack Kerouac


Para su ultima pieza audiovisual el colectivo de diseñadores de bicicletas urbanas Dosnoventa con sede en Barcelona recurren a la literatura, para expresar lo que sienten por la bicicleta como usuarios y como diseñadores. 

El extracto literario seleccionado es un fragmento de una obra del escritor perteneciente a la generación beat Jack Kerouac. Filmado en colaboración con la marca de moda Lacoste L!VE

De la dirección se ha encargado Sergi Castella (que ya realizara su video  DSNV RUN NYC, con el que  compartian su aventura americana). Para la filmación de We were never born, en vez de las calles numeradas de New York, escorgieron diferentes localizaciones donde el paisaje montañoso combinado con la bicicleta.


Creando una atmósfera donde la sensación de espacio y libertad se percibe en cada fotograma de spot, el cual podéis ver en el siguiente enlace pulsando AQUILa producción sirve para promocionar la apertura de su nuevo espacio comercial en el número 5 de la calle Bocabella de la ciudad condal. Donde los clientes podrán adquirir los productos de Dosnoventa además de la linea de moda que ha confeccionado Lacoste en exclusiva para ellos.

Tengo muchas cosas que enseñarte ahora, en caso de que no nos encontremos, sobre el mensaje que me fue transmitido bajo un pino en Carolina del Norte, una fría noche de luna de invierno. Decía que Nunca Nada Aconteció, así que no te preocupes. Es todo como un sueño. Todo es éxtasis, por dentro. Nosotros simplemente no lo sabemos debido a nuestras mentes pensantes. Pero en nuestra verdadera esencia mental se sabe que todo está bien por siempre, por siempre y para siempre. Cierra los ojos, relaja las manos y las puntas de tus nervios, deja de respirar por 3 segundos, escucha el silencio dentro de la ilusión del mundo, y recordarás la lección que olvidaste, que se te enseñó en la inmensa y suave nube Vía Láctea hace mucho tiempo, hace innumerables mundos y ni siquiera del todo: Es todo una Gran Cosa despierta. Yo la llamo la eternidad dorada. Es perfecta. Nunca nacimos realmente, nunca moriremos realmente.

Carta de Jack Kerouac a Edie Parker. Enero de 1952.


Daniel Beltrá, testigo con su cámara de catastrofe provocada por el cambio climatico



Pocos fotógrafos han sabido capturar con una cámara las desvastadoras consecuencias que esta produciendo como consecuencia del cambio climático a través de los innumerables desastres naturales como Daniel Beltrá, sus grandes panorámicas en las que abre el ángulo al máximo captando logra instantáneas.

A través de las que captura de forma estremecedora a la vez que elocuente una realidad que nos atiza desde hace decadas. Fotografía que sólo reparar en ellas y contemplarlas uno instantes pueden ser suficientes para apreciar con multitud de matices las cicatrices que infringe a la naturaleza fenómenos como un tsunami, un incendio o un huracán entre otros. 

Esta forma de enfocar la realidad le ha valido que su trabajo se reconocido con numerosos premios, incluyendo dos premios concedidos por la World Press Photo en las ediciones de 2.005, en la que consiguió el  premio en la categoría Nature stories, repitiendo al año siguiente cuando le otorgaron el premio en la categoría Contemporary Issues, siendo uno de los pocos fotógrafos que ha logrado este prestigioso galardón dos veces consecutiva. 

LA BELLEZA DE UN PAISAJE DESPUES DE UN INCENDIO
Colaborador habitual de la organización conservacionista Greenpeace, Daniel es un apasionado del medio natural, aunque academicamente curso de ingeniero forestal carrera que abandono por la de biología, su pasión por la fotografia hace que finalmente se decante por la actividad de la fotografía contando con  una trayectoria de mas de dos décadas. 

Especializado en tomar fotografias desde grandes alturas, sus conocimientos fotograficos los ha obtenido trabajando con algunos de los mejores reporteros para agencia como EFE. Uno de sus trabajos mas importantantes ha sido el realizado, como motivo del derrame de petróleo producido en 2.011 en la plataforma  petrolifera Deep Water Jackson en Fort Jackson Golfo de México estado de Louisiana y que le valió el ser el ganador en la categoría de Vida Silvestre organizado por Veolia Enviroment.


Daniel usa habitualmente equipos de Canon, utilizando las lentes de distancia focal fija, esto es debido a las condiciones extremas en las que habitualmente, precisa mantener limpios los sensores en esta situaciones con frecuencia muy polvorientos y sucios puede ser todo un reto. La fotografía para el supone una herramienta con la que conciencienciar sobre los graves problemas que nos acucian medioambientalmente, y de como nos afectan a los seres humanos



Surcando una ola de roca en bicicleta

Filmados en lugares tan distantes uno del otro como son Outback de Australia Occidental y un pueblo costero respectivamente. Los últimos trabajos de los especialistas en BMX Danny Campbell y Chris Akrigg coinciden en su elección de la bicicleta como medio para explorar y mostrar diferentes paisajes pero con un nexo su pasión por la bici. 

La  The Wave on Hyden Rock (La Ola en Hyden Rock) es un singular accidente geográfico, esta pared de granito es un fenómeno geológico formado a lo largo de los ultimos 2.700 millones de años, su forma de ola de surf gigante, fue lo que sedujo a los responsables de la productora InfinityList en colaboración con Mercedes-Benz para rodar Wave Rock. La cinta rodada en 3 días de calor abrasador cientos de kilómetros de la ciudad más cercana de Perth.

Por su parte en Trough the mill las localizaciones seleccionada por el colectivo Mongoose, nos traslada a un escenario donde se combinan paisajes rurales y estructuras arquitectónicas abandonadas que Danny utiliza para mostrarnos sus excelentes habilidades para sortearlas con soltura.

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Victoria Campillo - Jardines, el mito del arte contemporáneo y un paisaje ajeno


La artista conceptual Victoria Campillo vincula la identidad de reconocidos artistas plásticos con elementos arquitectónicos. La serie titulada Jardines comienza con su traslado a una zona de payeses en el Baix Llobregat en Cataluña (España).

Una comarca dominada por huertos y explotaciones agricolas, cultivadas con esmero por familias de hortelanos que cosechan sus pequeñas parcelas desde hace años, construyendo sus propias cabañas donde guardan los aperos de labranza. 

Estas tipologías arquitectónicas muy rudimentarias se construyen con materiales de deshecho, manteniendo un nexo común con los parajes del territorio pero difiriendo estéticamente. Por lo que la autora en su recorrido lo asocia a la iconografía de diferentes artistas todos ellos nacidos en el siglo XX. 


Las fotografías asignadas por un epigrafe a un autor determinado adquieren de esta forma una identidad iconica. La serie la compone un centenar de fotografías donde se conjuga las especificaciones propias de la arquitectura local, con la firma de grandes creadores plásticos.


Victoria Campillo nació en Barcelona en 1957 donde todavía trabaja y vive. Empezó a dibujar desde una edad temprana y descubriendo sus habilidades obvias una maestra aconsejó a sus padres promover sus inclinaciones artísticas. 


Durante los últimos veinte años ha estado trabajando sin parar en su proyecto fotográfico, basado en la identidad que viene con los objetos de la cotidianidad y su relación con el Arte. En su trabajo, hablo de arte, citando a otros artistas y es.tableciendo pautas con otros ambitos creativos.




Julie de Waroquier - Mujer surrealista esperando el instante del sueño


La  fotógrafa francésa Julie de Waroquier seduce con su lírica estética captando la figura femenina con su cámara y sobretodo con la sutileza de la perpizcacia de su mirada, cultivada con los muchos años de experiencia profesional. 

En este sentido sus fotografias exploran las aspiraciones y frustraciones  del soñador moderno  fundiendo la realidad con una suerte de psicoanálisis fotográfico. Con este enfoque selecciona lugares comunes donde se producen encuentros fortuitos que tienen como escenarios paisajes humanos volátiles y liquidos.

Ráfagas de imagenes registradas en entornos polivalentes y que se nutren de la ficción, donde el anonimato se convierte en una forma de camuflaje que permite la deshibicion no solamente corpora.  Sino aquello que de forma latente subyace debajo de las sucesivas capas y pliegues que forman el órgano más extenso del cuerpo humano.


Cada imagen está construida alrededor de un símbolo y cada imagen cuenta una historia. Julie también trabaja estos conceptos estructurándolos en conjunto de imagenes como las tituladas Inner worlds (Mundos Internos) o Surreal streets (Calles Surrealistas).


Julie estudio filosofía por la Ecole Normale Supérieure Université Lyon. A los 23 años se enamora de la fotografía por azar, de formación autodidacta desde entonces desarrollada un estilo propio, que le ha permitido publicar en numerosas publicaciones.



En las que se centra de forma esmerada en describir personajes atrapados en una fase del sueño, en estado de sonambulismo o simplemente despertando de una pesadilla. Tomás en las que se percibe un lenguaje visual que por momentos te causan la impresión de que estás viendo el avance en imágenes del próximo estreno de una pelicula. Esto sucede porque cada fotografía cuenta con sus propios elementos y motivos rítmicos que le proporcionan esa sensación de movimiento. artística. Según su sitio web, se inspira en cuentos de hadas, mitos, escritos psicoanalíticos y otros artistas y escritores como Perrault, Magritte y Diderot