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Marcos Franchini, una fábula arquitectonica entre los arboles



Despues de tantear diferentes localizaciones a lo largo de Francia, tanto el arquitecto italiano Marcos Franchini como su homologa francesa Camila Simas acordaron que la region que mas rendimiento ofrecia a la hora de experimentar.


Con una diversidad de tipologias arquitectonicas organicas que permitieran crear espacios habitables cuyo impacto medio-ambiental se redujera a la minima expresión, era la que comprende el departamento del Nueva Aquitania. Mas concretamente la comarca que ha conseguido cierta notoriedad turistica por concentrar la mayor cantidad de Chateaus del pais galo junto a la region del Loira.


En principio puede parecer que la idea de integrar soluciones estructurales modulares compuestas por una aleacion de materiales de origen biodegradable a los que se ha añadido celosias, cuyo objetivo es convertir la idea de habitabilidad en una experiencia inmersiva. Donde el paisaje se convierta en el principal argumento estetico del edificio.


Compartiendo el mismo lugar que los centenares de castillos que entre humedales se reparten por toda la comarca. Casas solariegas que por lo general eran residencias que generalmente pertenecian a un rico hacendado que formaba parte de la aristocracia o la conocida como gentry. Conjunto de edificios con o sin fortificaciones y casi siempre rodeada por un foso que las aislaba y protegia a la vez.

Los cubos desnudos integran el paisaje

Una propuesta cuyo contraste cuando menos puede parecer osada y anacronica a poco que te fijes en las estructuras a partir de las que se levantan el proyecto titulado Treehouse Module, el cual en síntesis han heredado de una forma minimalista (si se quiere,) algunas de las lineas de la arquitectura local. Asi el edifico está inspirado por las ruinas próximas con las que se establece una conexión visual actúando no solo como elemento organizativo sino también como pieza unificadora en términos paisajísticos, permitiendo que la ruina forme parte de la composición y cada volumen funcióna de está como una isla en un archipiélago.


En total el conjunto lo componen cinco modulos que estan conectados por una serie de senderos que comunican las diferentes areas, cada una con una personalidad propia. La razon principal por la que opto a la hora de separar la zona de dormitorios, del resto de las estancias que componen el conjunto. Estaba  relaciónado con una función habitaciónal. 


Presentada en el Verano de 2020, Treehouse Module de los arquitectos Marcos Frachini y Camila Simas es un diseño donde la lirica se manifiesta a traves de los sentidos estableciendo un dialogo continuo con el paisaje. 


Por la que sus residentes estuvieran obligados a transitar por su entorno mas proximo, estableciendo una comunicación natural con todos y cada uno de los elementos que forman parte del bosque que lo rodea. Dando la oportunidad a sus inquilinos de desplegar todos sus sentidos para obtener una convivencia cuya experiencia fuera lo mas completa posible y en comunión permanente con la natualeza.


Constante de transición que se acentua en la unica construccion vertical de Treehouse Module, un volumen compuesto por tres alturas con un apendice situado en uno de los costados. Edificio de aspecto elegante cuya superficie total de 95 metros cuadrados esta rodeado por una escalera exterior por la que se asciende hasta el dormitorio principal.  

Tolmente inmersiv la residencia proyecta el paisaje en su interior

Desde el cual se puede obtener una panoramica de la mayor parte del valle, o al menos de las numerosas copas de pinos y algunos robles que predominan mayoritariamente entre las especies de la flora de la region, y que componen un ecosistema donde su diversidad se ha visto escasemente alterado a lo largo de los siglos.


En este sentido la casa del árbol ideada por ellos es en esencia y por excelencia un refugio suspendido entre los árboles. De hecho, desde la infancia, la casa del árbol encarna el sentimiento de aventura, una oleada de creatividad y reconciliación con la naturaleza. Y el arquitecto es quien puede dar forma a este deseo de paz y serenidad, de sueño, que llevamos desde la infancia. 


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Los arquitectos Camila Simas y Marcos Franchini han ideado una serie de casas en la que los árboles conservan su estatus de dominio en el territotio donde se procede a inervenir. Suponiendo un desafio de adaptación desde una perspectiva arquitectonica.


Marco Franchini, que desde el inicio de su carrera se ha dedicado a explorar las diferentes posibilidades del diseño modular, realizando una aproximación a el concepto de la casa del árbol. Desde una óptica coherente con el entorno natural,  estableciendo un diálogo con las características de territorio, fusionándolo con la versatilidad propias de una casa modular, y cuyo objetivo se encamina a tener el menor impacto posible en la naturaleza circundante.


 





Barbara Licha - Passage, en los márgenes del lenguaje corporal


En las ultimas intervenciones de la artista nacida en Polonia de adopción australiana, país en el cual reside desde 1982 Barbara Licha utiliza materiales maleables con el alambre. Creando esculturas donde el paisaje se convierte en el hilo narrativo y soporte de su obra. 

Como en la mayor parte de su trayectoria Barbara sigue explorando de forma suscinta la complejidad de la condición humana. Presentándola a través de formas en las que el lenguaje corporal.

Se convierte en el componente discursivo de figuras etereas en su concepción que transmiten fragilidad, creando un fuerte contraste con el vació con el que se relacionan y cuyas limitaciones espaciales parecen desear eludir constantemente.


 Su obra influenciada por el expresionismo sobre por el de origen alemán y su enfoque dramatico. Aunque ella se seguidora incondicional del trabajo de escultores más o menos cercanos como el italiano Giacometti, influencia que se percibe en los primeros encuentros que tiene el espectador con su obra.



Concebidas tanto para interior como para exterior, los sujetos encapsulados en cubos de la artista Barbara Licha. Nos hablan de anhelos y deseos no realizados en una sociedad cada vez más vertiginosa y encapsulada.


Donde sus estándares se actualizan atendiendo a criterios sociales contemporáneos. Son obras que por definición exploran los límites tenues entre lo étnico y lo tribal. Que describen visualmente coreografias, que enlazadas ascienden al unisono alcanzando el cielo, y que creativamente se nutre del trabajo de la coreógrafa alemana Pina Bausch cuyo trabajo la ha influenciado en el abordaje de muchas de sus obras otorgandoles una sensación de movimiento. 

OPA Form architects - Tubakuba, refuguio en mitad del bosque noruego



Construido con listas de madera extraídas de los bosque noruegos, Llamado Tubakuba (Cubo), el cual actúa como un dispositivo temporal que te traslada a otra dimensión. Convirtiendo la arquitectura en una experiencia.

En la que un paisaje dominado por extensos bosques de considerar cuyo limite es difícil de establecer con la mirada. O al menos te protege de frió en los crudos días de Invierno. Ofreciendote un lugar acogedor que reune las condiciones mínimas de habitabilidad.

Diseñado OPA Form architects en su construcción y montaje colaboraron los estudiantes de la escuela de arquitectura de Bergen. El pabellon presenta una estética ambivalente, la fachada principal orientada al sur mas oscura domina el paisaje circundante gracias a un ventanal panorámico.


 La parte posterior fabricada en tonos claros presente una gran abertura en forma de embudo, un elemento surrealista por el que que se accede a gatas al interior. Donde el usuario dispone de una habitación acogedora y confortable que cuenta con una superficie de diez metros cuadrados, suficientes para albergar a dos personas.


  Candidata al Premio de la Unión Europea de Arquitectura Contemporánea Mies-van der Rohe 2015. Tubakuba es una cápsula que funciona como refugio en un paisaje climatologicamente extremo y salvaje.


Tubakuba está construido principalmente con madera. La cual reviste de madera tanto el interior como el exterior, creando un ambiente cálido y acogedor. En el caso de la parte exterior se opto por un tipo de madera conocido como alerce quemado, realizado con la técnica tradicional japonesa llamada Shou Sugi Ban. Este método no sólo mejora la estética, sino que también protege contra los hongos.

OPAFORM es una oficina de arquitectura situada en la costa oeste de Noruega. Mas concretamente en la ciudad de Bergen, que se dedica a diseñar espacios cuyo objetivo es operar en entornos naturales. Poniendo eel foco en la investigación constante de métodos de construcción, asi como de los materiales y el proceso de diseño que se adopta. 

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El arquitecto Marco Casagrande anuncia la construcción de la ciudad simbiotica Paracity en Taipei


Presentado en el transcurso de la ultima edición de CAFAM Biennale of the China Central Academy of Fine Art in Beijing 2014. El proyecto Paracity utiliza como señas de identidad el altruismo como modelo constructivo aplicado a una economía de escala.


Construido a partir de cubos huecos de madera se trata de un edificio que se comporta de forma aditiva, desarrollándose arquitectonicamente de forma simbiotica con su entorno. Del que se nutre añadiéndolo como material a su estructura que crece de forma ordenada sumando filas y columnas en altura ocupando el territorio.

 Diseñado por el arquitecto Marco Casagrande,  el edificio de aparente fragilidad finalmente se ha ubicado en la isla en Taipei, donde anidada en una estructura ordenada. Crece vegetación cuya finalidad es crear un ecosistema orgánico que se desarrolle de forma autónoma.

Paracity explora la noción de colonización urbana positiva, actuando sobre el territorio a partir de soluciones rígidas modulares cuyo volumen geométrico y ordenado. Con el paso del tiempo sera metabolizado por su entorno diluyendose su identidad artificial.



El proyecto piloto de Paracity crecerá en una isla agrícola urbana del río Danshui, en la ciudad de Taipei. La isla se encuentra entre los puentes Zhongxing y Zhonxiao y tiene alrededor de 1000 metros de largo y 300 metros de ancho. El "organismo" en crecimiento que la Paracidad se basa en un en tres dimensiones estructura primaria de madera, una rejilla orgánica con módulos espaciales de 6 x 6 x 6 metros construidos con palos de madera laminada transversal CLT. Esta estructura se adapta perfectamente a las áreas de riesgo de inundaciones y tsunamis. Además, la estructura primaria de CLT tiene un alto estándar de rendimiento sísmico, así como de resistencia al fuego. 
Cubos apilados forman terrazas de un urbanismo simbiotico y organico, donde los equipamientos y sus recursos se obtienen por métodos ecológicos.


Como información complementaria se puede adquirir la guitarra AQUI. En cuyas paginas se describe los mecanismos de los que se nutre el modelo de bio-construcción denominado por el propio auto "la forma abierta" que permite contemplar la construcción de una ciudad biourbana. Una ciudad que es construida comio un organismo vivo.  




Sou Fujimoto - Nomad House Series, cubos para reconfigurar el paisaje arquitectonico


Instalados en el jardín de las Tullerias en París, los cubos que forman parte de la escultura modular Nomad House Series, fragmentan un paisaje formado por arboles dándole al conjunto un aire surrealista. 

La instalación que juega con las geometrías parece levitar en el aire pixelando una realidad orgánica. Realizada por el arquitecto Sou Fujimoto de cuyo trabajo en NQ nos consideramos unos incondicionales.


Habiendo rescatados los siguientes proyectos que se pueden ver aquí y aquí.  Para este proyecto Sou aún sin alejarse de la practica arquitectónica si contempla este proyecto como un paréntesis en su trayectoria. En el que explora el rendimiento que puede ofrecer diferentes distribuciones en relación al espacio y al paisaje.

Exhibida en el marco de actividades de la ultima edición de la feria de arte FIAC. Sirve como epilogo de su serie dedicadas a las arquitectura y como se expresa en función de la luz y el paisaje donde actua, y su relación con el vació y el equilibrio visual que describen.



Gordon Bunshaft - Beinecke Rare Book and Manuscript Library


La primera versión del edificio que albergaba los miles de papiros y primeros manuscritos elaborados por disciplinados escribas y que según dicen, ocupaban anaqueles kilométricos en la estoica Biblioteca de Alejandría, que tras muchas erosiones y avatares, conquistas y reconquistas acabo sucumbiendo renunciando a su labor divulgativa y conservadora. Tenia como propósito preservar el conocimiento acumulado a lo largo de la humanidad y su incipiente presencia, legando este bagaje cultural a las futuras generaciones.

Formando parte de las instalaciones de la Universidad de Yale en el estado de Connecticut el edificio en forma de cubo  que acoge la sede la biblioteca Beinecke Rare Book and Manuscript Library, se presenta como un edificio pétreo, solido casi inespugnable. En cuya fachada el visitante apenas puede percibir algún distintivo, emblema o indicativo que induzca a pensar al visitante que su interior se atesora quizás la mayor y mas importante de códices e incunables que se puede visitar en el mundo.


Alojada en uno de los laterales del edificio como una cápsula del tiempo, la estructura anidada donde cuidadosamente dispuestos esperan para su consulta mas de 780.000 volúmenes apenas ocupa la mitad de la superficie del edificio. Con seis plantas de altura, cuatro en superficie y dos ganadas al subsuelo, debido a las sensibles características del material documentado sus instalaciones cuenta con un sofistificado sistema, donde el tratamiento de la iluminación y la humedad a lo que se pueden exponer cada volumen esta controlado, llevando un estricto control que queda registrado en su base de datos, modificando su acceso en función de su estado de conservación.

Diseñada por el arquitecto  Gordon Bunshaft seguidor del movimiento modernista. Fue construida entre 1.960 y 1.963, empleandose en el edificio de aspecto cáustico materiales de rango solemne como es el mármol y el broce combinados con otros de menor entidad como el granito y el vidrio que tamiza la luz de forma tenue. Dos grandes escaleras de mármol ascienden hasta desde el entresuelo permitiendo la movilidad de los usuarios.

El volumen interior que acapara visualmente el centro del edificio que lo protege, está equipado con un sistema de extinción de incendios que utiliza, en lugar de rociadores de agua que puedan herir a las colecciones de libros raros. Una combinación de halón y inergen mucho menos agresivo y que se aplica mediante una red de aspersores, y cuya puesta en funcionamiento en ningún momento afectara a sus dos principales referencias, un ejemplar original de la primera edición impresa de la Biblia de Gutenberg  y el misterioso manuscrito Voynich.



João Onofre - Box Sized Die


Instalada en uno de los distritos de Londres donde por su intensa actividad comercial, laboral y financiero, se puede observar la dinámica mas  febril y el estres que se genera a partir de toda esta actividad de la city. Box Sized Die se convierte en analogía no solamente de la cotaminación acustica, sino en como repercute en nuestro tratamiento del espacio y en como lo utilizamos.

Creada por el artista João Onofre en colaboración con un grupo adscrito al genero de Death Metal Unfathomable Ruination. El cubo que por sus reducidas dimensiones y su carencia de luz, se convierte en una metáfora del mundanal ruido al que estamos sometido, así como a las cada vez mas altas tasas de densidad poblacional de las ciudades que habitamos.

La caja fabricada que permanece la mayor parte del tiempo cerrada con los componentes de la formación en su interior acolchado, se presenta como un ente autónomo emisor de ruido que para los sentidos resulta francamente desagrables. La unidad que reune las características de un estudio de grabacion se convierte caja de resonancia que altera por si sola la convivencia y las relaciones de las personas en el exterior. 

 Y donde sus ocupantes experimentan una sensación claustrofobica que combinada con los decibelios estridentes propios de la música extrema que inteprentan, lo convierten en una situación extenuante.


Romolo Stanco - e-QBO, un cubo solar inmersivo que actúa como un vestigio de memoria


Situado en el centro de un plaza céntrica de Milan, la instalación e-QBO es a ojos del espectador que se aproxima ella. Ya sea de forma deliberada o en otro sentido de forma casual.

Una instalación de arte moderno con la que interactuar en el primer caso, o una atracción puesta en el espacio espacio con un propósito ludico. Diseñada y ejecutada por el artista Remolo Stanco, cuya práctica le podría situar en la vanguardia del arte contemporaneo.

Es cuando te aproximas a una de las caras digitalizada de este cubo monolítico. Cuando comienzas a comprender su naturaleza y función. Te percatas de que de su aparente aspecto sólido formado por sus planchas de acero, emergen diferentes proyecciones digitalidas. 


Imágenes que comparten espacio con células fotovoltaicas, a partir de las que la energía con la que se cubre las necesidades de este. Creada por el diseñador en colaboración con la compañía de telecomunicaciones TRED.


El cubo aparte de su valor estético es un centro de comunicaciones integrado en sus tripas. Cuyo elevado consumo de energía es cubierto de forma autónoma por las placas solares con las que esta envuelto.


Aparte del acumulador fotovoltaico diseñado e integrado en una forma geométrica cubica. La instalacion acaba capturando toda la atención de su entorno. Creando un diálogo con los edificios históricos de la ciudad y su memoria. 

El cubo e-QBO cuenta con una instalación compuesta por diodos LED, que dibujan visuales patrones de luz con los que iluminan el espacio publico creando divertidos mapeados de su entorno. En un sentido poético el cubo e-QBO, se comporta como una isla urbana de acumulación de energía de origen renovable. 

Su constitución solida cobra vía saliendo de su letargo, a través de la actividad interactiva con la que atiende las necesidades de comunicación de sus usuarios, a la vez que contribuye a la riqueza estética de donde esta ubicado.

Numen/For Use - String Prototype, orientandose dentro de un cubo que simula el espacio


Pese a la frenética actividad del estudio de diseño y vanguardia urbana Numen/For Use, y a la contrastada calidad de sus proyectos. Algo que se puede constatar revisando alguno de los proyectos que forman parte de su extenso y variado portfolio.

Hacia mucho que no nos sorprendían, algo que por otro parte y conociendo su trayectoria se nos antoja osado. Pero con su ultima instalación titulada String Prototype, han conseguido de nuevo elevar su listón creativo. Ofreciéndonos participar en una propuesta inmersiva a través de la que podemos poner a prueba nuestras hanilidades espas¡ciales. 

Añadiendo a sus característicos volúmenes inflables. Un andamiaje interior formado por cables rígidos. El cual como usuarios utilizamos para recorrer el espacio interior aislado del interior, tratando de perder el equilibrio ayudándonos de los cordones que están tendidos a modo de guia.


Estos cables que cruzan en ambos sentidos el plano interior permiten recorrer la totalidad del recinto acolchado, que en esta ocasión es un cubo de grandes dimensiones. Por cuyo interior el usuario camina sin la necesidad de apoyarse en las paredes del cubo que las mantiene rígidas. 


Suponiendo una experiencia en la que el usuario explora el espacio prescindiendo de los elementos arquitectónicos con los que habitualmente se relaciona.

Realizada para una exhibición organizada en la ciudad de Viena en Diciembre de 2013, String Prototype propone como en otros muchos proyectos de sus autores. El estudio de los efectos que produce el entorno sobre el individuo y de su capacidad de adaptación tras un periodo de aprendizaje.



Jakob & MacFarlane Architecs - Orange Cube, se presenta el primer edificio con mirador cóncavo del mundo


El color naranja representa en diferentes culturas la neutralidad, pero no una neutralidad pasiva sino activa, que no elude sus responsabilidades y que transforma la realidad en funcion de los deseos y beneficio de la comunidad.



Esta posicion aplicada a la arquitectura se puede aplicar de multiples formas. Dotarla de unos o otros contenidos e interpretarla sugun la sensibilidad del arquitecto que proyecta el edificio, y dependiendo de estos factores y por supuesto otros añadidos se obtendra un resultado mas acorde con la idea inicial o se tendra que modificar para que la estructura armonice con el entorno.   

En el caso del Orange Cube edificio proyectado por el estudio de arquitectura con sede en Paris Jakob & MacFarlane, se trata de un proyecto que se licita en el año 2.005, y que forma parte de un plan de reordenación urbanística que afecta al  puerto de la localidad francesa de Lyon. Que esta experimentando una reconversion de su tejido urbanístico.


Convirtiendo una zona industrial poblada por muelles en desuso que mutilaban la actividad en el centro de la ciudad, en un distrito que se extiende en la periferia contribuyendo a la expansión del área metropolitana de la ciudad. El edificio con vistas al rió Saône  ocupa una superficie de 6.300 metros cuadrados.


Diseñado como un "cubo" ortogonal simple en el cual se extrae una pieza gigante, para responder a las necesidades de luz, ventilación y de paso crear un mirador desde donde se pueda contemplar una postal de la ciudad. El vacío creado, penetra en el edificio de forma horizontal y habilita un acceso a la azotea. El edificio en cuyas instalaciones se desarrollan actividades comerciales y culturales programadas por diferentes entidades de la región, se distribuye en seis alturas.


El ojo central detalle estético, socavon que se abre desde el interior al exterior de una fachada tono butano, cuya perforaciones pixeladas no son un atributo solamente decorativo sino que cumple con una función térmica, proporcionando a las instalaciones la ventilacion y luz natural.


Además de estar construido con criterios sostenibles, cuenta con una instalación de alta eficiencia energética, que produce energía termo frigorífica a través de bombas de calor empleando agua reciclada. Además se ha integrado un sistema por el que se purifica automáticamente el aire circulante en su interior.

Conciliar el pasado de un polígono industrial  con el crecimiento de una ciudad consolidada. de forma equilibrada,  con intervenciones urbanas que obedezcan a parámetros arquitectónicos actuales. Cuyo resultado obedezcan a un desarrollo neutro con el entorno donde se tiene que integrar, reduciendo el impacto en el tejido residencial y social, tanto visualmente como estructuralmente, priorizando valores sociales sin eludir los económicos.



Michael Johansson, crea obras de arte críticas con el consumo aplicando un patrón del juego tetris

Michael Johansson emplea como base la superficie de una figura geométrica. En la mayoría de las ocasiones, un simple cubo rectangular, que posteriormente lo rellena de objetos diversos.

Seleccionados y recogidos del vertedero. Objetos reciclado que tras ser organizados en un orden escrupuloso, se convierten en la materia prima con la que elabora sus instalaciones. 

Piezas de aspecto sólido en la mayoría de los casos, tanto las realizadas  para exterior como las destinadas a ser exhibidas en espacios interiores. Construyendo narrativas pragmáticas y por momentos minimalistas a través de las que nos describe  a una sociedad marcada por el consumo.


Realizando una critica implícita al afán que tenemos por acumular cosas, como en el mal de Diógenes. Conducta toxica por la que se tiende almacenar todo aquello que habitualmente ya no empleamos en nuestra vida cotidiana.

podemos hasta que nos deshacemos de ello. Representaciones que de alguna forman subrayan este tipo de conductas. Por las que Michael crea artefactos pintorescos y de escasa utilidad, piezas que cumplen con la premisa de desbordar los espacios limitados.

Nacido en Trollhättan, Suecia, Johansson estudió en la Academia de Arte de Trondheim, la Kunsthochschule Berlin-Weißensee y el Real Colegio de Arte de Estocolmo, Antes de completar su MFA en Malmö Art Academy en 2005. Incluido dentro de la corriente de artistas como Tony Cragg, Bill Woodrow y Allison Wilding. En su caso crea piezas de Tetris trasladandolo a un espacio fisico. Con las describe arqueologías de la vida cotidiana comprimidas en formas geometricas.


Basura que tras ser reciclada a través de procesos creativos modifica su percepción convirtiéndose en toda una obra. Cuyo diseño pese a no presentar unos estándares estéticos ni muy formales y ortodoxos del el punto de vista estilistico.

Si  te inducen a reflexionar como espectador sujeto sobre diferentes aspectos sociales, ya sea desde una óptica militante y critica. O más comprometida de porque necesitamos seguir consumiendo. 

Excitados por  un mercado siempre dispuesto alimentarnos de novedades. Las cuales en mayoría de las veces no son mas que sucedáneos, argumentando un ciclo infinito en el que participamos irreflexivamente.


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