Nomada Q : arte digital

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Compuestos por miles de fotografías equivalentes a otros tantos momentos, los trece collages seleccionados para la serie Diorama Map, son el resultados de los viajes realizados por su autor el artista japones Sohei Nishino en el transcurso de los últimos diez años.

La muestra representa fragmentos del urbanismo realizados a vista de pájaro. La colección que se exhibe actualmente como parte de las actividades de la ultima edición de la feria Pulse Art que se celebra en New York.

Y que congrega a numerosos expositores y galeras de arte tanto de la ciudad como del extranjero. Se presenta en formato fotográfico de grandes dimensiones. Lo que permite al visitante sumergirse en cada uno de los cuadros reparando en cada uno de los miles de detalles que contiene cada obra.

SOHEI HACE FOTOGRAFÍAS QUE MAPEA CONVIRTIENDO EN DIBUJOS A GRAN ESCALA.

Aunque muchas de las fotografías están realizadas en color, ha sido necesario tratarlas en blanco y negro dándoles un aire retro, donde las sombras de los elementos mas significativos de cada ciudad seleccionada para la serie transmite un aire de nostalgia.

Su primer proyecto tuvo como referencia su ciudad natal de Osaka. En 2005, tras vagar por la ciudad durante un mes, disparó más de 150 rollos de película, a lo que añadió tres meses más reconstruyendo las imágenes de calles y edificios.

Empleando como herramientas unas tijeras y pegamento dando forma a la ciudad como la recordaba. Aunque una parte importante de la colección esta compuesta por ciudades localizadas en el sureste asiático, área que su autor Sohei conoce bien también ha tenido tiempo de retratar en su viajes ciudades de otros continentes, como Estambul, Paris, Rio de Janeiro o Jerusalen la única representante del continente africano.

El artista con sede en Londres Quayola fusiona lenguajes narrativos como la videoinstalación, las geometrías o la música electrónica, con artistas flamencos como Rubens o del renacimiento como Caravaggio.

Con otros mas recientes en el tiempo y contemporáneos entre los que se podría citar a Kandinsky, Paul Klee o Oscar Fischinger. Produciendo artefactos audiovisuales donde el color producto de la mezcla de pigmentos con las que se crearon algunas de las obras, mas la historia del arte.

Se pixelan adoptando un formato gráfico donde se incorpora el sonido realizados con programas de edición digital como banda sonora. La materia en su obra se reinventa como escultura digital a través del tiempo. Dando como resultado una celebración de la materia misma.

La sustancia de todas las cosas físicas describe una articulación dinámica, continuación de un bloque sólido basada en formas primitivas. Una obra maestra que nació como el avant-garde que se ha convertido en un icono clásico universal y ahora se considera el puente desde lo clásico a lo moderno.

Esto provoca sucesos multimodales en la percepción de una obra ya conocida por el publico, que hace una relectura donde la obra se contextualiza como un fenómeno donde el sonido y el movimiento se añaden a lo estético, en una experiencia enriquecedora de una referencia artística conocida.

Las imágenes producidas ceden parte de su exclusividad relacionandose con la acción de la accionn que transcurre al dictado de la melodía interpretada a partir de una partitura digital. El software ofrece un control con más de quinientos parámetros visuales diferentes, así como algoritmos para la creación de cientos de tonalidades diferentes complementando la paleta de colores como herramienta de trabajo.

Cuando vamos caminando por la calle, los peatones no tenemos por costumbre de alzar la vista por lo que nos perdemos una parte importante de lo que nos rodea.

El artista digital Thomas Lamadieu sin embargo utiliza esta perspectiva, para mostrarnos la ciudad desde otro punto de vista. Ofreciéndonos un conjunto de fotografías que nos revela un fragmento a la cual y por lo general no solemos acceder.

Sus fotomontajes redibujan el paisaje de la ciudad, mediante la aplicación de técnicas de fotocomposición digital, por las que yuxtapone fotografías realizadas en tonos tenues con ilustraciones hechas con estilográfica.

Con este contraste entre el blanco y negro de los dibujos sobre escenarios urbanos reales, consigue el efecto de maximizar el campo visual. Unas veces desde una posición cenital y otras de frente.

Thomas contextualiza las estructuras arquitectónicas como si fuera un molde a las que adapta las formas de ilustraciones con las que humaniza el espacio publico, rellenando las con retratos a cuerpo entero de ciudadanos anonimos.

De esta forma el espacio vació adopta un papel activo, cornisas, patios, charcos de agua o la recortada silueta de un skyline se ocupan con volúmenes con figuras planas que rellena el horizonte.

The Web es la instalación del artista Jon Kessler se trata de una experiencia en la que el elemento principal es la tecnología, intervención con la que el autor quiere mostrar hasta que punto influye en nuestros habitos y nuestras relaciones sociales todo lo relacionado con la era digital.

Compuesta por elementos digitales, cinéticos y pantallas de ordenador alojadas dentro de una estructura de madera. En la que Kessler ha montado iPads, iPhones y otros equipos de Apple, mientras que las cámaras de vigilancia giran hacia atrás y adelante sobre soportes rotatorios.

Creando un perímetro supuestamente seguro que sin embargo no puede evitar que se oiga el zumbido silencioso de la maquinaria, que se ve interrumpida por el sonido emblemático de inicio un ordenador de Apple. El cual nos alerta como visitantes de que estamos inmersos en la nueva epifanía del siglo XXI.

En exhibición hasta el 28 de Abril en el Swiss Institute Contemporary Art de New York. Los visitantes también pueden descargar una aplicación para el iPhone, para poder exhibir las imágenes de su teléfono en los monitores.

Monitores de televisión que apilados crean un caleidoscopio de imágenes, en el que los visitantes sin que ellos sean conscientes aparecen formando de una narrativa donde su identidad deja de ser anomima para a ser de dominio publico.

En las obras de Kessler a menudo se trata las relaciones sociales en un contexto contemporáneo, y la influencia de la tecnología y su utilización política desde un punto irónico. Creando un relato crítico a la vez que comprometido en el que recurre a modos de presentación donde utiliza materiales de deshecho.

Convirtiendo la sala en un salón tecnológico de los espejos, el montaje de vídeo en directo y grabado produce un bucle confuso de personas que se observan a sí mismos y de paso a los demás. Mientras que ellos también son vigilados por esas mismas cámaras.

Jon Kessler empezó su trayectoria como becario en el instituto Guggenheim, en 1996 ocupo plaza como profesor en la Escuela de la Universidad de Columbia de las Artes. Esta actividad docente la ha compaginado con su carrera como artista exponiendo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1986), el Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh (1991), y el PS 1 en Nueva York (2005), entre otras.

La sala de espera de cualquier hospital debido a su función asistencial se caracteriza por ser un lugar neutro, donde los pacientes citados suelen pasar largos ratos sumidos en el tedio e incertidumbre, este estado en el caso de los usuarios infantiles se acentúa.

Para paliar esta desagradable situación el Hospital Great Ormond Street para niños, en Londres, encargo al artista visual Jason Bruges una instalación que amenizaran las estancias de los niños que asisten a su sección de pediatría. Con el titulo de Nature trail, su creador quiso desde un principio que su utilidad excediera lo meramente visual y estético.

La instalación que representa al mundo natural, es un mural digitalizado equipado de sensores que ante la interactividad de los peques, reproducen en sus paneles escenas protagonizadas por animales tanto salvajes como domésticos perfectamente reconocibles, lo que provoca el juego y la curiosidad de los niños que de esta forma permanecen distraidos.

Nature trail, está formada por setenta paneles de LED integrados donde se reproducen las escenas en modo gráfico. Los sensores de movimiento detectan la presencia de visitantes y pacientes, la activación de las pantallas muestran las siluetas de los animales en acción en su propio hábitat.

La idea era diseñar e instalar una obra de arte que distrajera a los pacientes hasta ser atendidos por su facultativo. La inspiración vino al obsevar a los pacientes como trataban de abstraerse leyendo o dibujando. De esta forma Jason traslado esta idea, interpretando las paredes del hospital como un lienzo natural.

Representaciones de animales, seres surrealistas y antigüedades comparten el espacio narrativo con elementos digitales que dota de movimiento a la ultima instalación Mecaniques Discursives, creada por los artistas visuales franceses Jacquet Yannick y Fred Penelle.

A partir de un discurso donde el material exhibido crea un microcosmos, el visitante se convierte en un espectador que interpreta su propia versión en un escenario que se proyecta hacia delante ocupando el resto de la sala.

Mecaniques Discursives es la continuación de Paleodictyon una instalación de caracter especifico fruto de la colaboración con el artista digital Simon Geilfus y el compositor Thomas Vaquié. La obra perfomance digital fue creada para ser proyectada sobre la cubierta del museo francés Centro Pompidou Metz representada en el marco de la celebración de pasado Nuit Blanche en Metz, Francia.

Su proyecto conjunto consistió en crear un reino visual inquietante y decididamente contemporáneo, trascendiendo edades y modas. Desarrollaron un vocabulario sofisticado a la vez que osado y un tanto petutbador, en el que fusionaron el grabado y el arte digital más ecleptico. Se trataba de trabajar con diferentes conceptos de forma que el resultado fuera lo más espontáneo posible.

Sus obras en ocasiones aparte de dramas a medias plantean respuestas inadecuadas a problemas importantes como el aislamiento social las desigualdades sociales. A menudo pinta escenas con figuras que emprenden acciones inútiles y no relacionadas para remediar el problema inspirando humor y sátira, siendo un reflejo de mis preocupaciones generales como artista

Las obras se crearon en su mayoría in situ, adaptándose de forma natural a los sitios, paredes y espacios que las albergaban, y convirtiendo las limitaciones técnicas en una fuerza creativa. Después de haber mostrado su trabajo en más de setenta exposiciones, Fred Penelle y Yannick Jacquet cuyo resultados aparte de lo artístico permitieron crear una biblioteca a partir de la que abordar y estudiar el subconsciente del individuo a través del arte.

Aires industriales y orinicos son constantes en sus trabajos

Paleodictyon cuenta con una aplicación para el smartphone, que facilitan aquellos que la instalen la posibilidad de experimentar la pieza de nuevo, esta vez desde otras perspectivas y puntos de vista.

Mecaniques Discursives es una obra que formo parte del programa del festival de arte audiovisual Mirage de 2013, mezclaba la proyección y grabación de vídeo, es una especie de maquinaria tan mecanica como poética que se reproducia en las paredes a la manera de un cadáver exquisito, tomando como punto de partida el principio de la reacción en cadena.

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En los trabajos y colaboraciones de Jacquet Yannick los caminos están marcados por el deseo de renovar formatos tradicionales enriqueciendo el lenguaje visual utilizando el espacio y la luz como soportes de visualización.

¿Que impacto tiene sobre la salud el uso de las atracciones de feria?, partiendo de este planteamiento en teoría poco científico, el joven realizador Till Nowak escribió y produjo el falso documental Centrifuge Brain Project.

El protagonista de esta nusual cinta es un ingeniero llamado Nick Laslowick fundador del The Centrifuge Brain Project o ICR, que con sede en el estado de Florida se dedica a estudiar el efecto que tiene sobre la conducta y la cognición de las personas los parques de atracciones.

La cinta que combina imagenes reales y fragmentos realizados con herramientas digitales, es una seudoparodia de la metodología científica y sus motivaciones. El planteamiento del "experimento visual" consiste en tratar de observar y analizar aquellos parametros.

Implicados en los efectos que provoca el uso de las atracciones de feria sobre el sujeto. Cuestionando cómo su exceso lejos de suponer un beneficio puede perjudicar y provocar efectos negativos afectando de forma notable al usuario.

Centrífugo Brain Project es un proyecto visual que desde la ficción explora el dilema de que la tecnología y el ocio en el como sujetos estamos instalados nos aporte sólo beneficios.

Exhibida a los largo de todo 2.012 Centrifuge Brain Project que podéis ver íntegramente AQUI, ha sido galardonada en festivales de cine como el de San Sebastian, Moscu o Hamburgo. Montado con fragmentos de grabaciones realizadas en diferentes parques de atracciones desde la década de los años 70´s. Cada atracción que se muestra posee unas especificaciones relacionadas con su diseño, suponiendo su experiencia una mejora para el usuario, dependiendo de sus características.

La artista conceptual Victoria Campillo vincula la identidad de reconocidos artistas plásticos con elementos arquitectónicos. La serie titulada Jardines comienza con su traslado a una zona de payeses en el Baix Llobregat en Cataluña (España).

Una comarca dominada por huertos y explotaciones agricolas, cultivadas con esmero por familias de hortelanos que cosechan sus pequeñas parcelas desde hace años, construyendo sus propias cabañas donde guardan los aperos de labranza.

Estas tipologías arquitectónicas muy rudimentarias se construyen con materiales de deshecho, manteniendo un nexo común con los parajes del territorio pero difiriendo estéticamente. Por lo que la autora en su recorrido lo asocia a la iconografía de diferentes artistas todos ellos nacidos en el siglo XX.

Las fotografías asignadas por un epigrafe a un autor determinado adquieren de esta forma una identidad iconica. La serie la compone un centenar de fotografías donde se conjuga las especificaciones propias de la arquitectura local, con la firma de grandes creadores plásticos.

Victoria Campillo nació en Barcelona en 1957 donde todavía trabaja y vive. Empezó a dibujar desde una edad temprana y descubriendo sus habilidades obvias una maestra aconsejó a sus padres promover sus inclinaciones artísticas.

Durante los últimos veinte años ha estado trabajando sin parar en su proyecto fotográfico, basado en la identidad que viene con los objetos de la cotidianidad y su relación con el Arte. En su trabajo, hablo de arte, citando a otros artistas y es.tableciendo pautas con otros ambitos creativos.

La fotógrafa francésa Julie de Waroquier seduce con su lírica estética captando la figura femenina con su cámara y sobretodo con la sutileza de la perpizcacia de su mirada, cultivada con los muchos años de experiencia profesional.

En este sentido sus fotografias exploran las aspiraciones y frustraciones del soñador moderno fundiendo la realidad con una suerte de psicoanálisis fotográfico. Con este enfoque selecciona lugares comunes donde se producen encuentros fortuitos que tienen como escenarios paisajes humanos volátiles y liquidos.

Ráfagas de imagenes registradas en entornos polivalentes y que se nutren de la ficción, donde el anonimato se convierte en una forma de camuflaje que permite la deshibicion no solamente corpora. Sino aquello que de forma latente subyace debajo de las sucesivas capas y pliegues que forman el órgano más extenso del cuerpo humano.

Cada imagen está construida alrededor de un símbolo y cada imagen cuenta una historia. Julie también trabaja estos conceptos estructurándolos en conjunto de imagenes como las tituladas Inner worlds (Mundos Internos) o Surreal streets (Calles Surrealistas).

Julie estudio filosofía por la Ecole Normale Supérieure Université Lyon. A los 23 años se enamora de la fotografía por azar, de formación autodidacta desde entonces desarrollada un estilo propio, que le ha permitido publicar en numerosas publicaciones.

En las que se centra de forma esmerada en describir personajes atrapados en una fase del sueño, en estado de sonambulismo o simplemente despertando de una pesadilla. Tomás en las que se percibe un lenguaje visual que por momentos te causan la impresión de que estás viendo el avance en imágenes del próximo estreno de una pelicula. Esto sucede porque cada fotografía cuenta con sus propios elementos y motivos rítmicos que le proporcionan esa sensación de movimiento. artística. Según su sitio web, se inspira en cuentos de hadas, mitos, escritos psicoanalíticos y otros artistas y escritores como Perrault, Magritte y Diderot

Dirigido y editado por el fotorafo Jeff Morris la ambientación musical esta firmada por Tiny Telephones y la canción "A Dream in Death". Su nuevo trabajo ha sido realizado con 40.000 fotografías It was the light "Se fue la luz" es un trabajo grabado con la técnica del timelapse, en el que nos muestra la ciudad de San Diego en California y su entorno natural. Realizado con una Canon 5D Mark II y nos muestra el increíble contraste que se puede observar en este condado enclavado entre el desierto y a pocas millas del mar.

Gracias a los avances en tecnología óptica concursos como BioScapes Digital Imaging, organizado por la marca de cámaras fotográficas Nikon Olympus se han popularizado contando con participantes, tanto con formación científica como aficionados.

Dividido en dos categorías vídeo y fotografía, Bioscapes que ha cumplido su décimo aniversario siendo el decano de los concursos especializados en fotografía microscopica, ha superado todas las expectativas de participación. Con alrededor de quinientos trabajos presentados de los cinco continentes.

El jurado formado por personal científico han valorado un conjunto de técnica sque incluyen, campo oscuro, contraste de fases, contraste de interferencia diferencial, fluorescencia, contraste de modulación Hoffman, multifotónica, y una variedad de métodos avanzados de fluorescencia cuantitativa.

Con los que se consigue capturas a escala microscopica que de otra forma seria imposible de observar por el ser humano, permitiéndonos acceder a un mundo donde podemos presenciar como funcionan diferentes organismos y tejidos a nivel celular.

Los ganadores en esta edición van desde una imagen en tonos neón del cerebro de una mosca de la fruta a una imagen donde se registra la garra de un cangrejo resaltando el pigmento característico de este crustáceo. Por primera vez en la historia de la competición, el primer premio fue otorgado a una presentación en vídeo.

Realizada por Ralph Grimm, un profesor de secundaria, apuntó con su cámara a un estanque donde unos organismos conocidos como rotíferos, pequeños animales microscopicos que se alimentan de bacterias muertas y algas. En otras palabras limo.

Con el elocuente e irónico titulo de How Much Do I Owe?, (¿Cuanro le debo?) la entidad para la promoción del arte contemporáneo en el espacio publico No Longer Empty, ha organizado una exposición en la que han seleccionado un total de 26 artistas de 15 países, pretende reflexionar sobre las causas y consecuencias del actual periodo de depresión económica y de valores

Para exhibir las obras en sus diferente formatos(instalación, escultura, mural, perfomance, vídeo instalación...), han seleccionado como escenario las instalaciones del antiguo Banco de Manhattan en Long Island en New York. No Longer Empty pretende revitalizar las comunidades a través del arte. Organizando exposiciones en lugares específicos, relacionados con la temática de la actividad o con la comunidad donde se desarrolla.

Inaugurada el 12 de Diciembre del año recién finalizado, se podrá visitar hasta el 13 de Marzo de este año, ubicada en el sótano donde situada la cámara acorazada del banco, símbolo y vehículo de la muestra, cuya función era almacenar el dinero hasta que se traspasaron sus depósitos.

¿Cuánto le debo? echa una mirada no sólo a la infraestructura de las finanzas, sino cómo su arraigo en nuestra cultura y en nuestras interacciones diarias. ¿Cuánto le debo? " Es una pregunta que nos hacemos todos los días, de una forma u otra. Ya sea realizando transacciones comerciales o devolviendo el reembolso de un préstamo, estamos constantemente poniendo un valor monetario a nuestras acciones mas cotidianas.

Recientemente tuvimos la oportunidad de conocer la iniciativa Now and then, organizada por el colectivo Detroiturbex , se trata de un interesante proyecto en el que utilizando la fotografía como medio documental, nos ofrece la posibilidad de conocer el antes y después de Detroit, a través de la realización de unas instantáneas sobrecogedoras donde nos muestran el esplendor y su ruina, producto de la despoblación brutal desde la década de los años 80's del siglo pasado.

Contrastando con imagen calamitosa de la que fue en su tiempo icono de lo que se conoció con la expresión (casi eslogan publicitario) "American way of life", hemos conocido el interesante certamen de arte urbano Dlectricity. Un festival que utiliza la luz como materia prima a través de los que artistas participantes desarrollan sus perfomances, y donde el publico asistente representa un parte sustancial, convirtiéndose en parte activa de una experiencia interactiva.

Realizada expresamente para la muestra Your Text Here (tu texto aquí), instalación de ubicación específica creada por Marcos Zotes. El arquitecto transformó la fachada de una planta de producción de calor de gran tamaño en un tablón de anuncios gigante utilizando como interlocutor los mensajes enviados un mensaje a un sitio web con un móvil.

La instalación tenia como objetivo empoderar a las comunidades locales, proporcionando una herramienta que transforma las voces de los ciudadanos en ideas que se comparten en comunidad utilizando como vaso comunicador el espacio publico.

Zotes quiere crear un lugar visible para que los ciudadanos puedan expresarse en un medio el urbano, saturado donde información la publicitaria ha sustituido el dialogo con los ciudadanos, relegándolo su oponión un segundo plano.

La ciudad está constantemente nos diciendo constantemente qué hacer, qué pensar y cómo actuar. Con un lenguaje visual explícito, una multiplicidad de carteles, señales, imágenes y símbolos invaden nuestros espacios públicos limitando nuestra capacidad de expresión. Your Text Here es un proyecto que desafía esta condición: Los ciudadanos tienen la oportunidad de cambiar su papel como receptores pasivos de información con el fin de llegar a ser los autores.

Mas de mil mensajes de texto anónimos fueron proyectados durante aproximadamente entre 10 y 20 segundos en un bucle continuo hasta finalizar el evento. De esta forma el espacio se convirtió en un lugar para el debate y un catalizador para la interacción social.

Desde que se pusiera el servicio de exploración cartográfica Google Earth, los usuarios hemos tenido la posibilidad de trasladarnos a casi cualquier punto del planeta de tierra a golpe de click, mostrándonos los infinitos matices y perspectivas que puede ofrecer un mismo lugar.

Realizadaa mediante la orientación geoestacional de satélites situados a kilómetros de altura o sobre la superficie, el departamento de fotografía GE recepción cada día cientos de miles de instantáneas, que son catalogadas digitalmente. Suponiendo un índice de consulta visual al que cualquiera puede tener acceso, ofreciendo al usuario un caudal de documentación por el que hacer un análisis de los cambios que ha podido experimentar un lugar, aplicando variables temporales, estacionales, geograficas, medio ambientales, arquitectónicas, climáticas...etc.

Por las que se pueden realizar estudios sobre el estado de evolución de las condiciones cambiantes que presenta un determinado lugar en relación a un intervalo de tiempo o reflejar las secuelas producidas como consecuencia de por ejemplo una catástrofe medio ambiental.

Un día realizando una consulta para un futuro viaje la la artista italiana Elena Radice, se percato de como había fotografías de que presentaban imagenes solapadas, siendo esta particularidad debido a incidencias técnicas en el tratamiento de las fotografías fruto de la casualidad, lo que le proporciono la idea para la realización de la serie Abstract Season Changes.

Radice nunca estuvo tan interesada en el estudio de la geografía pero aquellos contrastes que mostraban las imagenes la fascinaba, para ella representaba la realidad desde diferentes puntos de vista y su relación con el paso del tiempo.

En las cientos de panorámicas recopiladas tras largas jornadas de navegación observando miles de ciudades y paisajes. Elena realizo un álbum compuesto por fotografías en las que apenas en unas pulgadas de terreno se aprecia la transformación de la que ha sido objeto.

El cauce de un rió seco de repente se inunda debido al deshielo producido por el cambio de estación, una linea costera desaparece sumergida por la marea, o barrios enteros de una ciudad se diluyen tras los destrozos producidos por un huracán. Como si alguien hubiera ejecutado un efecto morphing sobre el terreno, un campo baldío se parcela adoptando una geometría especifica por la se modifica la percepción que se tiene de el.