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Enclavado en un paraje lunar que se caracteriza por alternar extensas áreas de tundra donde apenas existe vegetación, con elevaciones de mediana altura formada en su mayoría durante el periodo que abarca el Pleistoceno (unos 2.588 millones de años). El viajero puede encontrar enormes estribaciones perforadas en el subsuelo.

Estos cráteres producto del impacto de meteoritos con el paso de tiempo se han convertido en lagos cuyos habitats debido a sus características singulares representan entornos naturales únicos. Que pese a su aislamiento contienen una increíble variedad de especies que han sobrevivido en condiciones en ocasiones muy adversas.

Debido a la imposibilidad para poder acceder a ellos por medios terrestre. Estos accidentes geograficos han permanecido ocultos hasta mediados del siglo XX, siendo descubiertos en expediciones aéreas o coincidiendo con el inicio de los vuelos comerciales, que al sobrevolarlos eran avistados por casualidad en su ruta de vuelo.

Situado geograficamente en el Parc National des Pingualuit, una reserva natural que pertenece al estado de Quebec en Canadá, cuyos territorios constituyen una península erosionada durante cientos de millones de años debido las mareas que produce la bahía de Hudson.

El cráter Pingualuit, conocido en lengua nativa por la nutrida colonia Inuit como Crystal Eye de (ojos de cristal), debido a lo transparente de su aguas acumuladas a lo largo de millones de años de precipitaciones, que han conformado un entorno natural habitado por pequeños moluscos y una interesante comunidad microbiotica.

Descubierto en 1.943 por la tripulación de las fuerzas armadas de los Estados Unidos, que estando en una misión de exploración en la costa, se desviaron de su rumbo quedando maravillados ante lo que definieron como anillo azul. Explorado en busca de minerales y diamantes por el empresario Frederick W. Chubb.

El cráter Pingualuis tiene un diámetro de casi tres kilómetros y medio de cuerda y una profundidad de mas de 400 metros, lo que le proporciona una elevación sobre el terreno circudante de alrededor de casi 160 metros. Barrera natural que le ha permitido conservar un micro-clima único diferenciado de su entorno exterior.

Las colonias de aves cuando están época de aparearse, antes suelen efectuar largas migraciones. Travesias cuyos prolegómenos pasan por un ritual que se suceden todas las estaciones. Y que consisten en agrupar en colonias los pajaros. Bandadas que llegan a estar formadas por decenas de miles de parejas. Que como parte de su cortejo dibujan en el aire sugerentes patrones de vuelo.

El fotógrafo francés Alain Delorme apostado en diferentes azoteas y en un alarde de paciencia ha capturado estas coreografías, congelando el momento preciso en que el ejercicio ejecutado alcanzaba su máximo momento de sincronización. Ofreciendo un espectáculo natural donde la acción del movimiento y el instinto de los ánades, cristalizan en cabriolas donde la inteligencia colectiva guían las diferentes trayectorias que ejecutan como si fueran consumados bailarines pertenecientes al ballet ruso del Bolshoi.

La serie de fotografías que forman A bird ballet y el vídeo en que lo completa. Combina la poesía visual y la bio-escultura orgánica reproduciendo caprichosas formas en el aire ocupando el espacio antes vació, redimensionando el paisaje con el volumen de las agrupaciones y su vuelo.

Evocar a un país como Ruanda suele responder a connotaciones, cuyos acontecimientos mas conocidos nos hace sentir una mezcla de estupor y vergüenza por nuestra condición de seres humanos.

Pero mas allá de sus diferencias étnicas, producto de un pasado colonial cuya época, se caracterizo por exacerbar las diferencias entre las etnias mayoritaria que lo componen.

Es un país que desea dejar atrás su pasado, para lo que se esta apoyando en la principal riqueza que tiene como país; su gente, su historia y su diversidad y patrimonio natural. Diseñado por el estudio de arquitectura de Sharon Davis con sede en New York.

Quizás a ojos de un extraño parezca inverosímil el hecho de que un arquitecto que trabaja con parámetros occidentales, pueda concebir un edificio cuyas especificaciones estructurales y funciones sociales. Se adapten a la indiosincracia local.

Situado en una parcela en las afueras de Kayonza, un poblado que dista a 150 kilómetros por caminos polvorientos de la capital Kigali. Levantado sobre una parcela rodeada por cactus y vegetación baja, sobre la tierra arcillosa y urbanizados con jardines bordeados por senderos enlosados.

El nuevo y famante Centro de oportunidades para mujeres de Kayonza, es un claro ejemplo de arquitectura producto de las tipologías locales y el empleo de materiales de construcción tradicionales como el adobe o la hoja de palma.

Y otros importados como son los ladrillos o el metal en una mezcolanza que permite, conservar la identidad propia del lugar incorporando nuevos usos foráneos.

Siguiendo un modelo ancestral los pabellones se alinean como las chozas tradicionales de la tribus que han poblado durante miles de años creando un vinculo estético. Que se completa con un diseño cuyas formas están inspiradas por estas comunidades nativas. A los que se han añadido unas instalaciones de energía y tratamiento de agua autónomas que facilitan su operatividad.

El proyecto que es producto de la colaboración de las autoridades locales y la organización no gubernamental Women for Women International. Tiene como propósito promocionar los valores de las mujeres con las que trabaja, mediante el desarrollo de programas acordes con las necesidades planteadas por los miembros de las entidades locales.

Antes de que las grandes vueltas por etapas protagonizaran la temporada de ciclismo. Ya se organizaban pruebas donde se ponía a prueba la destreza y resistencia de sus participantes sobre una bicicleta. Esta pruebas organizadas con escasos medios y de forma aleatoria, se caracterizaban por carecer de apenas normas en el desarrollo de su competición, y por cubrir grandes áreas de territorio llegando abarcar varios países. Ganaba el que habiendo hecho acto de presencia en todas y cada una de las ciudades marcadas como etapa en el recorrido.

Lograba llegar el primero a la recta final donde era agasajado entre multitudes. Salvando las distancias temporales y técnicas los organizadores de la primera Race Transcontinental, han aplicado un modelo similar. En el que cada un los osados participantes, que participaran en su salida de Londres el pasado el 9 de Agosto de 1.914, tras cruzar la mayor parte de territorio tiene que finalizar en Estambul.

El plazo de inscripción cuyo plazo todavía esta vigente tendrá entre sus paticipantes a su actual ganador Kristof Allegaert. Que consiguió completar el mejor recorrido en un tiempo de siete días y casi catorce horas, estableciendo el primer record de la prueba, que tiene como escenario algunos de los paisajes mas abruptamente bellos del viejo continente.

Producido por ERTZUI el corto documental Melons, Trucks and angry Dogs, nos muestra el proceso de organización y algunas de las imagenes mas plásticas sucedidas en el transcurso de los mas de 3.000 kilómetros y los catorce fronterizos, que separan el corazón de la City y la capital de la desembocadura del rió Bosforo.

Hoy vamos a ver como las estructuras arquitectónicas y el mobiliario con las que conviven en el espacio publico, se pueden convertir en el soporte discursivo y en la plataforma. Desde las que los ciudadanos transmiten sus denuncias y deseos de cambio.

La instalación Megaphone realizada por el estudio Moment Factory, proponía utilizar como escaparate una de las zonas mas concurridas de la ciudad canadiense de Toronto. Reinventando el concepto de ágora griego.

Añadiéndole un entorno digital donde los mensajes realizados por sujetos anónimos a través de un altavoz, se proyectara en la fachada del edificio del Kennedy President que alberga la sede de la UQAM.

Mensajes que podian ser leídos desde cualquier punto de la ciudad. Megaphone fue una actuación que combinaba la agitación social y el activismo mediatico, que se realizo en el marco de actividades organizadas por la entidad local Promenade des Artistes.

Se trata de una intervención inspirada en el formato de reunión empleado por las asambleas populares creadas a principios del siglo XX, modelo participativo a partir de las que se vertebro la ciudad en distritos. La instalación interactiva pretendía revivir el espíritu de solidaridad de aquella epoca.

Un megáfono conectado a un interfaz informático registraba las misivas de los ciudadanos que se acercaban, trasladandolas en forma de proyección que tenía como escritorio la fachada principal del edificio. Empleándose en su redacción diferentes tipografías y colores.

Megaphone es una experiencia colectiva a través de la que se dejaban una huella visual que modificaba el paisaje urbano del entorno donde se desarrollaba humanizandolo.

Los diseñadores Étienne Paquette y Alexandre Lupien son los creadores de MF. Un estudio que se dedica con sede en Montreal, que se ha especializado en la creación de propuestas multimedia en entornos interactivos en los espacios públicos. Habiendo realizado intervenciones de carácter global en ciudades del todo el mundo. Trabajos que se caracterizan en su mayoría por su vocación social.

Utilizando como elementos audiovisuales tan elementales como unas cuerdas que a modo de pentágrama interpretan una partitura, o una tela fina de seda que interpreta una coreografía cuyos pasos están marcados por una melodía digitalizada.

El artista Bertrand Lanthiez y compositor crea instalaciones interactivas donde el movimiento del objeto se activa, en una suerte de perfomance inmersiva donde la sincronización del sonido y la iluminación, ofrece una experiencia sensorial donde el expectador pasa a ser un componente mas en su ejecución.

El propósito de su autor era provocar a los sentidos de los participantes para a partir del movimiento de sus cuerpos, creando una melodía hipnótica colectiva que reflejara su estado de animo. Las perfomances que llevaban por titulo Sounds of Threads y Sounds of Threads Experiment fueron realizadas este verano pasado en París y en la capital islandesa Reykjavik. Permitían al espectador formar parte del proceso creativo enriqueciendo su identidad a través de objetos cotidianos y su relación.

El viajero según se acerca a su destino por la desviación que da acceso a las antiguas minas de sal de Turda. Apenas observa indicio de hasta hace muy poco la zona por la que circula y sus alrededores objeto de una intensa actividad minera. Las vagonetas así como útil de los empleados en la extracción de la sal han desaparecido del paisaje, en su lugar la vegetación ha vuelto repoblar el terreno, devolviéndole el aspecto que podría tener hace cerca de 2.000 años, cuando los romanos realizaron las primeras prospecciones en la zona.

Situada geograficamente en la región de Cluj en Rumania. La bóveda central de 125 metros de altura es una cavidad horadada en la piedra, producto de casi trecientos años de actividad de explotación. Y que tras una intensa remodelación en la que se han invertido alrededor de seis millones financiado a partes iguales por la administración loca y los fondos de cohesión europea.

Se ha convertido en las instalaciones que albergan el Museo de la Sal de Turda. Abierto al publico en general. El museo esta concebido como un proyecto turístico a partir del que dar a conocer la historia de la mina de sal, así como las costumbres de los diferentes pueblos que habitaron la zona.

A través de diferentes plataformas situadas en cavidades a los largo del trayecto de descenso que finaliza en la nave central. El visitante tiene oportunidad de realizar un viaje en el tiempo, a través del que conocer de forma cronológica, las técnicas que se emplearon en las diferentes épocas así como en las condiciones en las que los mineros tenían que trabajar. En ocasiones en condiciones cercanas a la exclavitud.

Finalizado el descenso que a la inversa completando la visita se realizara en un moderno ascensor que conecta la gruta con el exterior. Los responsables han distribuido las diferentes secciónes como una plataforma donde se mezclan actividades de ocio y divulgación. Dirigidas a un publico familiar por momentos la identidad y antecedentes del lugar ceden su significado primigenio.

Un anfiteatro fabricado en madera con capacidad para 200 plazas convive con una pista deportiva multiusos, y una cafetería. A la que se acceden por una pasarela que sortea el cauce de un rió artificial, por el que en su momento se transportaban las vagonetas cargadas del mineral, que tras su procesamiento se extraía la sal.

Un pequeño embarcadero desde que el visitante puede explorar algunas de las grutas del antiguo yacimiento minero, completa la amplia oferta de un museo singular. Donde una obra de ingeniería perpetrada sobre la roca durante siglos ha conseguido revalorizar su estructura geológica. Gracias a una reforma arquitectónica mediante la que se ha intervenido en el espacio, adaptandolo a una actividad cultural y turística.

Texas sea quizás uno de los estados que mejor simboliza el estilo de vida americana, geograficamente también es una de las regiones que mas áreas desérticas concentra de los territorios que forman la unión. Debido a estas características geo-ambientales y a los devastadores efectos del cambio climático. Sus escasos bosques están experimentando un fenómeno de desertificación que en un plazo relativamente corto de tiempo puede representar su practica desaparición.

Con el doble objetivo de concienciar a sus ciudadanos sobre las consecuencias de la emisión descontrolada de CO2 por un lado, y de la alarmante perdida de masa forestal. La asociación de mujeres artistas Women & Their Work, han creado la instalación Ghost Tree.

Una instalación efímera mediante la que quieren involucrar a los ciudadanos de Austin realizando un ejercicio de pedagogía civil sobre valores ecológico. Situada en mitad del lago Lady Bird. Ghost Tree dotado con iluminación LED, el ejemplar suspendido sobre el lecho de lago, se presenta como un espectro esquelético en mitad de la noche.

Según datos oficiales se estiman que han perecido 300 millones de ejemplares en la ultima década, como consecuencia de diferentes eventos relacionados con las causas que tienen que ver, con el incremento paulatino de las temperaturas.

La escultura orgánica que se podrá visitar hasta el el 16 de diciembre, es una composición montada a partir de segmentos extraídos de ejemplares trasladados de una finca privada. El árbol que se muestra en su integridad sirve para denunciar el impacto brutal que están sufriendo los ecosistemas de la zona lo que esta provocando la alteración de numerosos habitats.

Quien no ha tenido la tentación alguna vez de posar como modelo para algunos numerosos dibujantes callejeros que a cambio de unas monedas, alteran las facciones de tu rostro hasta convertirlo en una caricatura, y que te los encuentras situados en lugares estrategicos de plazas, parques o en época estival con el caballete situado de cara al mar en uno de los muchos paseos marítimos que se inundan de gente tras ocultarse el sol.

El dibujante Tobias Gutmann se ha inspirado en la tecnología del fotomaton, para reinventar la caricatura añadiéndole un matiz irónico. Tomando como modelo la estructura de este estudio fotográfico casual y urbano, del que debido a las nuevas tecnologías su uso y presencia esta siendo relegado.

Tobias ha creado el Face-o-mat, una versión artesanal e informal con la que ha recorrido hasta ahora mas de 40.500 kilómetros. En un viaje vital y artístico por el que ha tenido la oportunidad de recalar en ciudades de los cinco continentes, en una experiencia donde el contacto con lo que es la tarjeta de presentación de toda persona, le ha supuesto un mejor conocimiento no solo de su fisonomía sino de sus diferentes caracteres.

Realizado en cartón, el candidato se siente exponiéndose su rostro a través de una abertura cuadrangular que representa el objetivo de una cámara. Al otro lado Tobias mientras representa sus rasgos sobre una cuartilla de papel donde utilizan una técnica minimalista, emerge lo que según el criterio del autor es su retrato mas cercano y fiel a su aspecto físico.

Mas allá del beneficio económico, Face-o-mat es un proyecto que partiendo de un antecedente tecnológico, realiza una radiografia en clave cómica y en un contexto global de la increíble variedad de razas que humanizan el mundo, convirtiéndolo en un lugar mestizo y en constante transformación.

Realizada a partir de los parámetros climatológicos que se observan en la isla de Hawai. La instalación titulada Sticky pretende reproducir la sensación térmica que experimenta la hipedérmis de un sujeto cuando es sometida.

A un estrés prolongado debido a un patrón de temperaturas al que no está habituado o extremo, como puede llegar a ser el lacerante clima tropical. Del que se beneficia y que se observa en Buna parte de las islas situadas en el océano Pacifico.

Creada por Hongtao Zho un artista local y profesor de arte de la Escuela de arquitectura de Hawai. Sticky es una instalación de efecto masivo cuya forma esta inspirada en las raíces de una variante de higuera originaria de Hawai.

Con su elección nada gratuita Zhou pretende representar el impacto de la larga lengua del camaleón, cuando en el momento que observa a su presa acciona los músculos del interior de la boca hacia delante en un gesto inmediato capturando a su objetivo.

Realizada con laminas elaboradas con vainas de bambú, Sticky se proyecta en diferentes direcciones acaparando la totalidad del espacio modificando su estructura. Expuesta en la galería Haigo and Irene Shen. Su objetivo es provocar la reflexión sobre las posibilidades de la arquitectura, y su relación con la ecología y la reutilización de materiales.

No es la primera vez que se intenta una tecnología basada en puntos cuánticos en la búsqueda de aplicaciones en el campo de las energías renovables mas concretamente en el de la solar fotovoltaica. Desarrolladas por el departamento de Departamento de Ingeniería Eléctrica y Ciencias de la Computación (EECS) perteneciente al MIT.

Han conseguido fabricar células solares a temperatura ambiente, y cuya tasa de eficiencia presenta una tasa de eficiencia que oscila entre un 30% y un 50%. Lo que supone una reducción de costes relativos a su fabricación aumentando los beneficios debido a su capacidad de captación.

Los paneles de silicio que respresentan la inmensa mayoría de los que a día de hoy están disponibles en el mercado a disposición del consumidor. Requieren para su elaboración de complejos procesos termo-químicos por lo que precisan ser sometidos a elevadas temperaturas para que adquieran sus cualidades fotoconductiva produciendo electrones, lo que eleva significativente sus costes.

Lo que han conseguido el equipo dirigido por el estudiante doctorado Joal Jean, es fabricar células solares a temperatura ambiente. Para eso han utilizado una placa formada por un bosque de nanocables de oxido de zinc, a la que se ha bombardeado con puntos cuánticos.

Debido a la rección producida estos puntos cuánticos son capaces de absorver un rango de luz mas amplio de la longitud de onda. Lo que provoca un aumento en la tasa de eficiencia en la producción de energía de origen solar. Mediante el uso de nanocables de óxido de zinc, han creado una célula solar que es lo suficientemente gruesa como para absorber la luz de manera eficiente, pero también lo suficientemente delgada para ser semiconductora.

El uso de un proceso de crecimiento ascendente con el objetivo de cultivar los nanocables y la infiltración con puntos cuánticos plomo-sulfuro produce un aumento del 50 por ciento en la corriente generada por la celda solar, y un aumento del 35 por ciento en la eficiencia general.

Publicado en la edición en linea de Advanced Materials, en la edición de Mayo de este año. Desde entonces ahora cuando diferentes compañias han mostrado su interés por desarrollar un prototipo basado en puntos cuánticos que se pueda fabricar a escala industrial.

En muchos de los trabajos del fotógrafo digital Caras Lonut se observa dos constantes, por una parte vemos la naturaleza representada mediante diferentes especies, en ocasiones siguiendo patrón crudo y descarnado.

Animales salvajes que son tratados como mascotas acompañados casi siempre por niños, en un viaje donde las atmósferas oníricas nos describe un universo mágico. En el que la naturaleza esta siempre omnipresente.

La otra es su peculiar tratamiento del color, matiz que sin duda logra gracias a la aplicación de una variedad de filtros. Con los que trata cada imagen después del montaje que realiza con el photoshop (del que es un consumado experto).

Con los que consigue que la composición final de cada pieza tenga ese efecto tan tenue que evoca a tardes otoñales que transmiten serenidad e invitan a la meditación. Y que pueden recordar a algunos de los pasajes de los relatos de Edgar Alan Poe.

Nacido en Rumania en Febrero de 1.970, Caras alterna su carrera profesional, en la que ha realizado encargos para numerosas publicaciones. Con su afición por la fotografía digital.

Su imaginación y su trabajo están cautivados por los sueños y por las estaciones de otoño e invierno, a través de las que analiza el lado más oscuro de los deseos de un sujeto y sus sueños.

Ambitos en el que ha utilizado un lenguaje donde el surrealismo comparte espacio y discurso con elementos extraídos del universo natural. Representando paisajes en los que la nostalgia por una infancia que ya no volverá, se difumina entre trazos inspirados por la memoria del sueño y sus huellas impresas en el subconsciente.

No hay mal que por bien no venga, este sabio refrán debió pasar por la cabeza del dueño de una antigua licoreria, cuando el huracán Sandy asolo la ciudad New York en 2.012. Situado en el East Village el local fue parcialmente anegado, inutilizando el mobiliario y la practica totalidad del genero.

Ante este sombrío panorama y con un seguro que apenas le cubria las reformas que precisaba, tenia dos opciones capitular y entregar las llaves al banco o actuar con rapidez y urgencia, evitando perder negocio con el que se ganaba y por el que se había hecho popular en el barrio.

Inspirado por un icono de la cultura local y popular como es Basquiat, el artista urbano RAE residente en el aledaño distrito de Brooklin. Ha redecorado tanto el interior como la fachada exterior en un homenaje al caótico universo representado por la iluminaria pop en sus obras.

Al igual que este el collage realizado por RAE esta compuesto por elementos cercanos al comic, en los que dibujos de caricaturas se alternan con pinturas cubistas y motivos étnicos. Para inaugurar la nueva versión del negocio en cuya nueva etapa se destinara a explotarlo como ultramarinos, han montado una exhibición que debido a su éxito han ampliado hasta diciembre

Titulada Word of Mouth, aparte de la exhibición representada, tanto en las paredes como en el mostrador y en el mobiliario que a penas se pudo salvar tras el paso del tifón. RAE realiza un recorrido por trayectoria mostrando piezas que cubren varias etapas como artista urbano.