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Jon Kessler - The Web, el individuo frente a la tecnologia y su folklore


The Web es la instalación del artista Jon Kessler se trata de una experiencia en la que el elemento principal es la tecnología, intervención con la que el autor quiere mostrar hasta que punto influye en nuestros habitos y nuestras relaciones sociales todo lo relacionado con la era digital. 

Compuesta por elementos digitales, cinéticos y pantallas de ordenador alojadas dentro de una estructura de madera. En la que Kessler ha montado iPads, iPhones y otros equipos de Apple, mientras que las cámaras de vigilancia giran hacia atrás y adelante sobre soportes rotatorios.

Creando un perímetro supuestamente seguro que sin embargo no puede evitar que se oiga el zumbido silencioso de la maquinaria, que se ve interrumpida por el sonido emblemático de inicio un ordenador de Apple. El cual nos alerta como visitantes de que estamos inmersos en la nueva epifanía del siglo XXI.


En exhibición hasta el 28 de Abril en el Swiss Institute Contemporary Art de New York. Los visitantes también pueden descargar una aplicación para el iPhone, para poder exhibir las imágenes de su teléfono en los monitores. 


Monitores de televisión que apilados crean un caleidoscopio de imágenes, en el que los visitantes sin que ellos sean conscientes aparecen formando de una narrativa donde su identidad deja de ser anomima para a ser de dominio publico.


En las obras de Kessler a menudo se trata las relaciones sociales en un contexto contemporáneo, y la influencia de la tecnología y su utilización política desde  un punto irónico. Creando un relato crítico a la vez que comprometido en el que recurre a modos de presentación donde utiliza materiales de deshecho.


Convirtiendo la sala en un salón tecnológico de los espejos, el montaje de vídeo en directo y grabado produce un bucle confuso de personas que se observan a sí mismos y de paso a los demás. Mientras que ellos también son vigilados por esas mismas cámaras.

Jon Kessler empezó su trayectoria como becario en el instituto Guggenheim, en 1996 ocupo plaza como profesor en la Escuela de la Universidad de Columbia de las Artes. Esta actividad docente la ha compaginado con su carrera como artista exponiendo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1986), el Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh (1991), y el PS 1 en Nueva York (2005), entre otras. 


 

Fernanda Canales + Arquitectura 911 - Centro Cultural Elena Garro, una combinación perfecta de arquitecturas restauradas y cultura


Aprovechando la fachada de una casona de estilo colonial construida a principios del siglo XX, los estudios Fernanda Canales y Arquitectura 911 han realizado un proyecto de dotación de equipamientos culturales en Cayoacán un distrito de México D.F., una zona acomodada de la ciudad que cuenta con varios edificios que por su valor arquitectónico, han sido declarados como patrimonio de especial protección.

 Situada en una finca abierta a la calle rodeada de vegetación y setos, la obligación de respetar la integridad de la estructura original del edificio, provoco que se optara por una solución que ocupara parte de la parcela exterior para construir la Centro Cultural Elena Garro.

 Un crean cubo de hormigón define metricamente el edificio ocultando la fachada original en un segundo plano, y permitiendo la visualización de los estantes dedicados a catalogar los 20.000 libros que forman parte del índice de la colección de la biblioteca y los puestos de venta de la librería, mediante una gran cristalera que ocupa la totalidad de la fachada.
MILES DE LIBROS ENTRE ARBOLES CENTENARIOS   

Realizada en una sola planta se ha respetado los arboles centenarios, abriendo oquedades en la cubierta del edificio añadido. Desde el exterior del edificio se percibe como un gran vestíbulo público donde los libros, la vegetación y la fachada de la mansión se exhiben, sirviendo como preámbulo para el resto del programa.

El proyecto se distribuye en tres bloques principales, la parte delantera con una altura de techo de triple es casi un espacio exterior, la casa, destinado a ser una biblioteca, se convierte en un espacio de transición a la parte posterior, donde se sitúan el auditorio, aulas de estudio, servicios, oficinas y aparcamiento. 

Desde el exterior del edificio se percibe como un gran vestíbulo público donde los libros, la vegetación y la fachada de la mansión se exhiben, sirviendo como preámbulo para el resto de las instalaciones a las que se accede por una rampa con una pendiente leve que permite el acceso de todo tipo de publico.
 

Swarte - One Square Meter of Roots, retratos desde la raíz y de supervivencia


Cada una de las obras que forman parte de la colección One Square Meter of Roots del dúo artístico Swarte  con sede en Bucarest (Rumania), hace referencia a una condición humana; la maternidad, el trabajo, la inmigración, el trabajo, la libertad, el misticismo, la educación, el arte...

Cada composición esta completada con un texto descriptivo y su respectiva moraleja. El maquillaje y escenificación utilizado se basa en la documentación aportada tras una ardua investigación que ha abarcado el estudio de mas sesenta tribus del todo el mundo. Lo que supone una enorme cantidad de información que tras ser organizada nos dio como resultado un fresco de la gran diversidad de comunidades que todavía quedan en nuestro sociedad.

Y de la que debido a la inercia y vorágine de ese proceso social-cultural y económico que conocemos como globalizacion permanece en muchos casos ajena y al margen de nuestra cotidianidad, como si fueran antecedentes culturales que ya han desaparecido. Hecho que está muy distante de ser una realidad y que gracias a proyectos como los de la artista visual Corina Olaru y la diseñadora conceptual Manuela Volpescu.

Tenemos la oportunidad de constatar a través de esta serie de retratos donde los gestos reúnen una serie de matices que  a pesar de estar camuflados por la aplicación de un elaborado maquillaje, nos logra transmitir todos y cada una de las inquietudes y antecentes tribales y etnograficos que hay detrás de los miembros de todas y cada una de las comunidades que han inspirado. Esta selección de fotografías donde la plasticidad proyectada por las miradas nos habla de un ancestro comun.



El cual despierta de su silencio al calor del fuego fatuo creativo para invocar la palabra que se eleva y engarza un retrato, donde los términos comunión y memoria sirven para que nosotros como espectadores podamos tomarnos nuestro tiempo y contemplarnos a nosotros mismos. Acto que como es lógico provocará diferentes emociones dependiendo del enfoque del observador.

A través de historias como la de la etnia Jarawa que en diciembre de 2004, padeció un maremoto de tremendas proporciones que sacudió el Océano Índico, causando una gigantesca ola de tsunami que trajo muerte y devastación a las costas de innumerables islas y regiones vecinas. Cientos de miles de personas que habitaban las islas Andaman perdieron la vida tras el tsunami salvándose sólo unos cuantos cientos de miembros pertenecientes a los Jarawa, Onge y Sentineleses. Que habían recibido una revelación por parte de los chamanes de la tribu del desastre inminente y escaparon a las regiones más altas de la isla.


One Square Meter of Roots reúne a más de 70 tribus de todo el mundo que pese a los avatares pudieron sobrevivir y conservarse a lo largo del tiempo. El equilibrio entre emociones y símbolos varía de una obra a otra, ofreciendo reflexión personal e identificación desde y hacia el espectador con el mensaje y la historia de cada obra explicada. 


Basado en preferencias personales, uno puede decidir crear un viaje íntimo fuera de él, o reconstruir todo el proceso de una manera más introspectiva, mientras decide abordarlo junto con los demás o no. De cualquier manera, la resolución final debe convertirse en un compendio de recuerdos y sentimientos, una idea preciada sobre cosas que los individuos, separados o como grupo.

Que reunidos o no desean recordar y convertir en realidades esas asombrosas y por momentos desconcertantes cosas con las que sueñan. El fundamento de toda la visión radica en esta idea de que el recuerdo puede revertir determinados hábitos remitiendonos a un pasado más o menos próximo donde nos sentíamos más satisfechos con nuestro estilo de  vida.  

Este recorrido vital pretende embarcar al espectador en un viaje que hace escala en diferentes aspectos de la actividad humana, para eso las autoras vinculan cada pieza con un símbolo. En el que el lienzo es el propio cuerpo, que es pintado utilizando antiguas técnicas étnicas, a través de la que te describe facetas universales del individuo y su relación con sus congéneres.

Swarte es una iniciativa abierta a la imaginación, transformado imágenes mentales en arte, que sólo puede ser percibido cuando se involucra a los cinco sentidos a la vez. Conectándote con una gran cantidad de ideas, visiones y sueños que es traducido en obras que te conectan con tu yo mas intimo, a la vez que con lo más universal que reside en todos y cada uno de nototr@s.



Jason Bruges, jugando en el hospital


La sala de espera de cualquier hospital debido a su función asistencial se caracteriza por ser un lugar neutro, donde los pacientes citados suelen pasar largos ratos sumidos en el tedio e incertidumbre, este estado en el caso de los usuarios infantiles se acentúa. 

Para paliar esta desagradable situación el  Hospital Great Ormond Street para niños, en Londres, encargo al artista visual Jason Bruges una instalación que amenizaran las estancias de los niños que asisten a su sección de pediatría. Con el titulo de Nature trail, su creador quiso desde un principio que su utilidad excediera lo meramente visual y estético.

La instalación que representa al mundo natural, es un mural digitalizado equipado de sensores que ante la interactividad de los peques, reproducen en sus paneles escenas protagonizadas por animales tanto salvajes como domésticos perfectamente reconocibles, lo que provoca el juego y la curiosidad de los niños que de esta forma permanecen distraidos.

Nature trail, está formada por setenta paneles de LED integrados donde se reproducen las escenas en modo gráfico. Los sensores de movimiento detectan la presencia de visitantes y pacientes, la activación de las pantallas muestran las siluetas de los animales en acción en su propio hábitat.

La idea era diseñar e instalar una obra de arte que distrajera a los pacientes hasta ser atendidos por su facultativo. La inspiración vino al obsevar a los pacientes como trataban de abstraerse leyendo o dibujando. De esta forma Jason traslado esta idea, interpretando las paredes del hospital como un lienzo natural.


David Franck - Metropol Parasol


Metropol Parasol para muchos es el mejor proyecto arquitectónico del año 2012, sin embargo en el polo opuesto se posicionan aquellos que su presencia en el casco antiguo de Sevilla, modifica el paisaje de una ciudad cuyo entramado urbanístico ha experimentado muy pocas variaciones desde su fundación. 

Aparte de las polémicas que ha suscitado lo que es un hecho es que el diseño firmado por el estudio de arquitectura Jürgen Mayer H. , si ha supuesto un icono para la capital hispalense, convirtiéndose en una de las localizaciones mas solicitadas por los cientos de miles de visitantes que cada temporada son atraídos  por los numerosos atractivos que ofrece la ciudad. 

 Realizada por el fotógrafo David Franck la serie dedicada al proceso de su construcción y su integración en la vida social de sus ciudadanos, representa el mejor homenaje gráfico que se le podría realizar. Disparadas desde todos los ángulos imaginables, las fotografías tomadas por David nos muestra la estructura solida de madera que se impone sobre un paisaje donde predominan casas encaladas a dos aguas, compartiendo el espacio publico de forma armónica.

Diego Stocco, la magia del paisaje y sus sonidos


Habitualmente vivimos rodeados de miles de sonidos que identificamos y relacionamos con objetos, actos, momentos, fenómenos, animales... Un lenguaje de sensaciones mediante el que nos comunicamos con nuestro entorno, representan referentes sonoros sin los que nos resultaría mas complicado desenvolvernos en nuestro día a día. 


El compositor y artista sonoros Diego Stocco registra y experimenta con esos efectos sonoros componiendo pequeñas piezas donde la melodía es creada a partir de combinaciones de sonidos extraídos del medio ambiente. En Music From a Tree experimenta con los sonidos de diferentes tipos de hojas al ser expuestas a una aguja de un tocadiscos.

El resultado son una serie de sonidos desconocidos para nuestros oídos, pero que habitualmente nos acompañan cuando vamos caminando entre arboles, aunque debido a nuestras limitaciones auditivas no podamos percibirlos. En Transformed Rain experimenta con las gotas de lluvia, un ritmo tonal débil que me recordó a las percusiones étnicas.


La lluvia golpea sobre tapa metálica de  un cubo de la basura. Ofreciendo una dimensión diferente a través del que se revela  un paisaje sonoro que estimula la imaginación del oyente. Estos son solo dos ejemplos de los numerosos proyectos sonoros con los que cuenta a lo largo de trayectoria, cuya culminación fue la edición en 2.012 de la banda sonora de la película de Chernobyl Diaries, en cuyas composiciones, pequeños artefactos sonoros híbridos, utiliza instrumentos musicales clásicos y efectos sonoros capturados de diferentes objetos relacionados con la celebre central nuclear, a través de los trata de recrear una atmósfera acorde con la temática del film.


Diego Stocco nació en Rovigo, Italia en 1976. Descubrió la música a la edad de 6 años cuando sus padres, con la esperanza de calmarlo, le regalaron su primer teclado electrónico. 


Diego es un compositor, diseñador de efectos sonoros e intérprete, que crea composiciones eclécticas con instrumentos especificos, a partir de las grabaciones registradas en entornos naturales y de las técnicas de grabación experimentales con objetos. Como solista ha participado en la composición de la música de videojuegos, como Sherlock Holmes, Assassins Creed Brotherhood y Revelations Assassins Creed. También ha trabajado como técnico de sonido de la música para numerosos proyectos cinematográficos como Immortal, Takers, Into the Blue, Crank, y series televisivas como Los Tudor y  Luz de Luna. 


Solar-Agri Park, invernaderos solares tras las cenizas de Fukushima


Minamisoma es el nombre de una localidad que salto a los teletipos de todas las agencias de noticias, debido a que fue una de las zonas mas afectadas por los que provoco el tsunamia que asolo la costa este de Japón en 2.011. Situada a poco mas de 15 kilómetros de la central nuclear de Fukishima, sus autoridades fueran las primeras en tomar conciencias de las consecuencias que suponía vivir próximos a una central nuclear. 

Dos años después apenas se perciben señales físicas de la catástrofe, la mayoría de los edificios se han reconstruido, las infraestructuras se han restablecido y buena parte de las familias han vuelto a sus hogares, e incluso se ha reforestado una parte considerable de los bosques arrasados por el maremoto, habiendose recuperado el equilibrio ecológico. Pero una cosa si ha cambiado, el grado de concienciación respecto a los peligros que supone residir al lado de una central nuclear.

Eiju Hangai era un alto ejecutivo de una gran empresa energética relacionada con la gestión de la central nuclear de Fukishima, cuando vio como desaparecía lo que mas quería a raíz del tsunami. Tras renunciar a su puesto en la ejecutiva decidió emprender un proyecto socio-económico basado en las energías renovables y la agricultura urbana, como pilares fundamentales a partir de los que transformar su entorno y tejido social.

El proyecto denominado Solar-Agri Park, representa una iniciativa a largo plazo que a través de la colaboración de los miembros de las comunidades afectadas pretenden desarrollar un nuevo modelo basado en la economía social. El nuevo  Solar-Agri Park, se encuentra a unos 25 kilómetros de Fukushima, formado por más de 2.000 paneles solares y dos invernaderos en los que cultivar agricultura ecológica.

Además de proporcionar energía a los agricultores locales para producir cultivos y hortalizas, los paneles solares también cubrirán la demanda energética de las urbanizaciones próximas a SAP. El proyecto tiene como objetivo acelerar el proceso de recuperación de las comunidades afectadas por el desastre en la zona y ayudar a Fukushima en su esfuerzo por convertirse en completamente autosuficiente en 2040.  

Debido a la contaminación nuclear que presenta el suelo que rodea la planta de Fukushima, no es seguro para cultivar la tierra. Por lo que se ha optado por una solución cubierta, elaboradas con nylon flexible las cúpulas facilitan el aislamiento del exterior a la vez de que no impide su normal crecimiento.

En el interior las bóvedas crean un efecto invernadero mediante el se crea las condiciones idóneas, las cúpulas que poseen un diseño único esferico, este diseño adapta los cultivos que irradia desde el centro a intervalos regulares. Esto significa que los agricultores no tienen que recorrer arriba y abajo para sembrar y cosechar. Un sistema hidropónico asegura el suelo reciba todos los nutrientes que precise,  un sistema por ordenador regula las condiciones climáticas del recinto.

Una importante cadena de supermercados ya ha acordado comprar 64 toneladas de productos cultivados en Solar-Agri Park, que contara con un centro de formación para dar a conocer el funcionamiento de las energías renovables entre los escolares de las comunidades afectadas.

Vinay Pateel - The Tunnel, un túnel de bambú que imita a las olas


Realizado para el segundo Festival de Surf de la India celebrado entre los días 25 y 27 de Enero de 2.013, que tuvo como escenarios las soleadas playas de la localidad de Odisha. El pabellón The Tunnel es un diseño realizado por el artista Vinay Pateel. 

Con residencia en la ciudad de Bangalore ciudad en la que al final decidio ubicar su estudio. Realizada con vainas de bambú cruzadas, su disposición circular representan la forma de una gran ola, que puede recordar alguna de las intervenciones del artista de Land Art Andy Goldsworthy. 

Enclavada en la arena al pasar por debajo de su arco se tiene la sensación de estar cruzando el túnel espumoso trazado por el oleaje del mar.  El cual ruje unas cuantas decenas de metros en dirección al horizonte.

Realizado con cañas de bambú secadas al sol y tratadas con un ungüento con el que se logra que las varas adquieran la flexibilidad, como para que no cedan, están sujetas en los extremos con cuerdas elaboradas con hojas de palma. The Tunnel es una intervención que explora las posibilidades que ofrece el paisaje aplicadas al diseño arquitectónico.
 

E/B Office - Filament Mind


Los usuarios de una biblioteca realizan de consultas sobre los mas peregrinos y variopintos temas, sus archivos tanto físicos como digitalizados son en esencia los predecesores de los buscadores en Internet. A través de términos y etiquetas sirven para catalogar todas y cada una de las referencias que lo componen, ya sean libros, material fonográfico o índices cinematográficos tienen un autor, un titulo y un genero que orienta al usuario sobre el contenido que busca.

Creada por el colectivo artístico E/B Office, la isntalación  Filament Mind se basa en este sistema de catalogación, esta diseñada para visualizar las preguntas colectivas de visitantes de la biblioteca a través de una escultura espacial interactivo y dinámica. 

 Instalada en la Biblioteca del Condado de Teton en Wyoming, Estados Unidos ilumina las  búsquedas con un destello de luz y color a través de haces brillantes de cientos cables de fibra óptica. Siempre que un visitante de la biblioteca pública en cualquier parte del estado realiza una búsqueda en el catálogo de la biblioteca se ilumina uno de los mil cables de fibra óptica que cuelgan.

 Para su montaje se empleo una solución LED y un total de más de cinco kilómetros de cable. Los títulos de las categorías se muestran en texto en las paredes norte y sur del vestíbulo conectados a través cables de fibra óptica con los registros que formulan los usuarios, crean una sinfonía en la que se alternan las etiquetas iluminadas en diferentes colores y las que permanecen en espera.

 
 

Halil Altindere - Carpet Land


Formado por miles de alfombras persas, la instalación Carpet Land del artista turco Halil Altindere se extiende en una superficie de terreno, donde tradicionalmente hortalizas y que en el momento de extender las alfombras estaba en época de barbecho. 

Aunque en un principio puede parecer un ingenioso montaje fotográfico, para su producción se preciso el apoyo logístico de una grúa y varios operarios de apoyo, que ayudaran a su autor a desplegar todas y cada una  de las alfombras que a modo de collage sustituyendo los elementos del paisaje original camuflando su fisonomía.

Nacido 1971 en la localidad de Mardin en Turquía. Halil es el editor y el redactor en jefe de revista de art-ist Contemporary Art Magazine de Estambul. Habiendo participado en la Bienal de Kwangju, Corea 2002, Bienal de Sao Paulo de 1998 y en la Bienal de Estambul de 1997.  Las primeras obras de Altindere Halil se caracterizan por una resistencia contra los regímenes represivos que representación al Estado turco. 

Sus manipulaciones de documentos oficiales, tales como billetes de banco, sellos y tarjetas de identificación dirigida a ridiculizar y subvertir las normas  oficiales de identificación. Recientemente, sus trabajos muestran un giro visible de las restricciones de la política representativa hacia un empleo que permiten incorporar momentos en la vida cotidiana empleando en su códigos humorísticos de las subculturas propias de su ciudad de residencia Estambul.

China exportara CO2 a Marte para hacerlo habitable


Marte pese a presentar una condiciones climatológicas extremadamente desfavorables para albergar vida, reune los elementos necesarios que siendo sometidos a los estímulos artificiales adecuados, podrían propiciar en un plazo de tiempo prudencial un bioclima que garantizara su colonización por parte de los seres humanos.

El planeta rojo como es conocido presenta esta paradoja, enormes concentraciones de agua congeladas en forma de casquetes polares podrían ser derretidos incrementándose las temperaturas, que actualmente presenta grandes oscilaciones debido a su lejanía respecto al sol, lo que propicia una atmósfera muy tenue al retener muy poco el calor.

 En la actualidad existen numerosos proyectos para terraformar Marte, desde construir enormes factorías que cubriera la mayor superficie del planeta, emitiendo gases de efecto invernadero, hasta el bombardeo con armas nucleares, cuyos devastadores efectos sobre la tierra en el caso de Marte en principio provocara el efecto inverso aumentando su índice de temperaturas, primer paso para crear un entorno habitable.

 Anunciado por la Agencia Espacial Nacional de China, su proyecto con el que pretende terraformar el gigante rojo, consiste en transportar gases de efecto invernadero a Marte usando velas solares, pequeños y ligeros transbordadores que pueden viajar grandes distancias usando sólo la energía del sol. 

 La CNSA también está desarrollando planes para construir fábricas marcianas mediante las que generar gases de efecto invernadero adicionales, utilizando herramientas de impresión en 3D y materiales de construcción elaborados con materiales de reciclaje.

China es actualmente el mayor productor mundial de gases de efecto invernadero, siendo las emisiones totales anuales de casi nueve mil millones de toneladas. El plan sin precedentes reducirán en gran medida las emisiones en la Tierra mientras transforma la atmósfera en Marte, creando finalmente un ambiente capaz de sostener la vida. 

Marte posee vastas reservas de agua, los científicos creen que la introducción de gases de efecto invernadero adicionales podrían calentar el planeta , lo que liberación las reservas de agua congeladas formando una atmósfera con una presión comparable a la de la cordillera del Himalaya. 

El suelo y la atmósfera de Marte ya contienen muchos de los elementos necesarios para la vida - la adición de agua líquida y una atmósfera similar a la Tierra en teoría podría permitir a los humanos colonizar el planeta. Dirigida por el ingeniero aeroespacial Sun Laiyan, las primeras remesas con excedentes de C02 con destino a Marte y la tecnología con la que poder transportarla se espera que este operativa para 2.015.

 

Raphael Xavier - No Bicycle Parking


Realizadas a lo largo de un periodo de diez años las 400 fotografías que forman la serie No Bicycle Parking, tienen en común dos cosas, la primera que son bicicletas o lo que queda de ellas y segundo que fueron abandonadas en diferentes localizaciones de la ciudad de Filadelfia en Estados Unidos.

Como su propio autor indica el artista local Raphael Xavier, su motivación en principio era crear una base de datos de bicicletas robadas que fuera consultados por sus legítimos dueños,  esta idea altruista obtuvo una gran recupersión facilitando la devolución de buena parte.

De la serie se ha realizado una selección con la que se ha montado una exposición que se ha podido ver en el Painted Bride Art Center, y con la que Raphael quiere montar una exhibición itinerante, a través de la que se pueda compartir con el gran publico esta experiencia,  mediante la que su autor ha tenido la oportunidad de conocer multitud de historias relacionadas con la bicicleta.

Completando el proyecto No Bicycle Parking, se ha editado un documental de veinte minutos rodado por la novia de Raphael, en el que se describe todo el proceso de creación, además se quiere publicar un libro que recoja  parte del material que ha sido excluido del catalogo de la exhibición.


Fujiwaramuro Architects - House in nada, arquitectura minimalista japonesa, práctica y estimulante


La arquitectura contemporánea japonesa se caracteriza por mantener una proximidad estética con la tradición pero sin perder de vista la modernidad, esto se observa en  el tratamiento y optimización que realizan del espacio. 

Aplicando la verticalidad en sus diseños, esta concepción de la arquitectura les permite crear espacios funcionales y diversificados. Construida en una pequeña parcela de seis metros de ancho por doce fondo de la prefectura de Hyogo, al sur de Japón. 

La nueva vivienda sustituye a una vieja casa construida en adobe que corría el riesgo de derrumbarse. Para la nueva construcción los arquitectos de la oficina Fujiwaramuro Architects optaron por utilizar maderas naturales y derivados, sobre un armazón de acero.


 La residencia consta de un total de tres alturas mas un sótano subterráneo, la fachada de la casa esta parcialmente escondida dejando una entrada amplia, que hace las veces de recibidor y aparcamiento. Siendo un área multifuncional pudiéndose dedicar a  actividades de ocio y tiempo libre.


La distribución de las tres plantas se dividen en el ala derecha y el ala izquierda, en la primera planta se encuentra el garaje y el hall. La casa se vertebra a través de escalera y de un gran tragaluz que cruza en vertical la totalidad de la vivienda, permitiendo la comunicación visual entre las diferentes áreas de la casa.


En la segunda planta se concentra la vida social, la cocina deja paso a la sala de estar, donde una rejilla de madera permite el contacto visual con la entrada principal del edificio. Recorriendo toda la pared de contención, en las que se han fijado baldas solucionan los problemas de almacenamiento.

 En la ultima planta dedicada a los dormitorios nos presentan dos variantes de dormitorio, en el primero vemos una habitación estándar destinada adultos, en la segunda guarda una tipología juvenil donde debido a la altura que presenta la instancia, se introduce una entre planta ganando espacio útil en lo que el arquitecto ha denominado un loft.



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