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Caminando por los callejones entre muestras de arte urbano compuestas por esculturas y murales que transmiten una imagen un tanto trivial y folklorica del complejo museistico. Piezas que ubicadas en los accesos que dan paso a viejos edificios de corte industrial remodelados para albergar muestras de todo tipo y talleres de arte.

Testigos mudos de una época en que en está enorme superficie de 600.000 metros cuadrados situada al norte de Beijing en la que actualidad tienen su estudio una variedad de artistas, así como de artesanos. Nadie pensaría que esta caminando por lo que no hace mucho tiempo fue una de las más áreas industriales más productivas del mundo. Naves industriales que comparten espacio con otros equipamientos donde todavía se conservan muchos elementos con denominación de origen de la Bauhaus.

Detalles que se observan sobre todo en las fachadas, tras las cuales a lo largo del último medio siglo, se ha ido desarollando la mayor incubadora creativa nunca contemplada por el ser humano a lo largo de su historia. Cuesta imaginar que a principios del sigo XX en donde ahora se organizan Exhibiciónes, donde en la actualidad los protagonistas son luminarias del mundo del arte.

Tanto locales como foráneas se producía a destajo en la gran refineria (de la que todavía se puede visitar buena parte de sus instalaciones), todo tipos de gases licuados que posteriormente se distribuían desde la estación de mercancías. En cuyos andenes todavía se encuentran multitud de trenes y locomotoras que se han convertido en uno de los lugares más fotografiados por los cientos de miles de turistas que cada temporada la visitan.

Una de las muchas esculturas que se pueden descubrir en el distrito 798, donde el rojo es omnipresente

Y es que en el flamente 798 District Art, un descomunal espacio donde tiene cabida todo tipo de manifestaciones artisticas, desde las mas formales a las mas vanguardistas. Siendo en su conjunto la máxima representación de la política cultural, de lo que a día de hoy es el mayor sistema institucionalizado y planificado económicamente del mundo.

Todo resulta por momentos abrumador a la vez que pintoresco, lugar inabordable en un solo un día de visita. Conocido hasta la década de los cincuenta como Dashanzi Factory, época en las que las autoridades del gigante chino destinaron parte de las guarniciones militares, actividad que cesó en el transcurso de la década de los años 80's.

Ocupando una superficie equivalente a la que posee muchas grandes ciudades del mundo, 798 District Art en Beijing, es un lugar donde tanto las vanguardias artisticas como el arte urbano, conviven con un legado industrial y social que te permite contemplar como China ha evolucionado hacia el futuro sin renunciar a su identidad.

Cuando Huang Rui uno de los artistas más iconicos que ha dado China, puso en funcionamiento los primeros talleres que ocupados principalmente por artesanos, se convertirían en la simiente de lo que sería, ya entrados la década siguiente. Cuando se constituiría oficialmente como lo que en la actualidad el organismo institucional en términos culturales en desarrollo más grande del mundo.

Al cual periódicamente se le añade pabellones más grandes e innovadores, cuyos contenidos están dedicados exclusvamenta a explorar una nueva tendencia emergente en términos de arte. Algo que es muy de agradecer en un país donde por ejemplo es imposible ver una intervención arte urbano en el espacio público sin permiso expreso de la administración.

Los pabellones de exhibición y las zonas comerciales estan conectadas a través de vías peatonales

Actividad esporádica que se consuma tras completar el trámite administrativo de turno. Y de la que en 798 District Art se pueden contemplar cientos de ellas, mientras te puedes tomar un café o degustar una variedad de platos que te sirven en uno de los muchos establecimientos hosteleros.

Que compartiendo espacio comercial con galerías de arte y tiendas de artesanía representan un modelo socio/económico y cultural, que difícilmente se podria imaginar, que podía ser creado en un país donde cualquier tipo de iniciativa tiene que pasar por el filtro burocrático. Establecido por un gubierno cuya legislación emana de las decisiones y la óptica de un solo partido que representa al pueblo.

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Forma de proceder que se diluye no sólo estéticamente sino socialmente en 798 District Art, donde el visitante puede llegar a experimentar la sensación de que se encuentra dentro del perímetro de un parque temático Occidental, ya que incluso la presencia militar que en otros distritos de la capital China es notable, aqui es prácticamente es inexistente.

Habiendo sido sustituido por un ambiente distendido donde el urbanismo accesible facilita la movilidad de miles de bicicletas, y también porque no decirlo de los numerosos coches de alta gama que se ven estacionados en algunos de los muchos parking con los que cuenta este peculiar distrito. Que pretende convertirse en el buque insignia de la actividad cultural del gigante chino.

Hasta los gestos afectivos más simples realizados en el instante y contexto adecuados suelen ser los detonantes de las mas bellas manifestaciones artisticas. Además en ocasiones estos sencillos a la vez que cotidianos gestos cuando se producen en situaciones extremas.

Cómo puede ser a nivel personal una ruptura sentimental o como consecuencia de un conflicto. Aparte de recibir otro valor se perciben, de otra forma, otorgándoles propiedades casi extraordinarias. Ya sea un sencillo apretón de manos o un caluroso abrazo recibido cuando sobre todo se dán circunstancias digamos anómalas y casi siempre de consideración grave.

Pueden modificar sustancialmente el estado del sujeto que ya sea de forma testimonial o cómo receptor directo de ese gesto o contacto casual. Situacion en la cual la empatia hacia el otro se convierte en una necesidad cuando los factores en tu entorno más próximo se vuelven realmente adversos.

Generando en el individuo la nacesidad de compartirlo con el resto en un intento de comunión a través de algún proceso creativo. Por el que trata de transmitir un sentimiento de fraternidad. Con el que de forma altruista trata de crear conciencia y solidaridad respecto a una causa en concreto.

Tendidas a los pies de la Torre Eiffiel unas manos entrelazadas se extienden como parte del monumento situado al fondo

Nominado en el año 2019 como una de las personas más influyentes por la revista Forbes, el artista autodidacta Saype, experimento en 2012 un momento epifanico cuando en el transcurso de los acontecimientos que se produjeron como consecuencia de lo que ya ha pasado a la historia como la Primavera Arabe.

Fue testigo de cómo una de las muchas enfermeras de las que se manifestaban en las calles de algunas de las ciudades más importantes, desafiaba a las autoridades pidiendo justicia. Escena que se quedó grabada en su retina y que con el tiempo plasmó en diferentes intervenciones en blanco y negro.

Las manos entrelazadas de Beyond Walls que forman parte de un proyecto de arte urbano global, con el que su autor Saype nos quiere trasladar un mensaje donde los perjuicios y los recelos hacia el diferente se diluyen ante el gesto de un abrazo.

Que de forma casi furtiva representaba una sociedad tumultuosa sometida a cambios constantes. Experiencia que le sirvió para acumular conocimientos relacionados con las técnicas del arte urbano. A partir de las que desarrollo la suya propia consistente en aplicar una solución 100% biodegradable.

Con la que comenzo a realizar actuaciones en la que la escala de lo representado aumentaba considerablemente en cada ocasión. Grandes murales que podían realizarse sobre casi cualquier tipo de superficie y con los que Saype se suma a una selecta lista de artistas encabezados por el artista francés JR.

En la ciudad de Estambul las manos sobre el río Bosforo son una metáfora de un puente

De cuya estética es cuando menos participe, afinidad en criterios no sólo estilísticos sino que se observa sobre todo en terminos de activismo y de compromiso social, algo que se percibe más si cabe en el proyecto de más embargadora en el que se ha embarcado hasta el momento.

Proyecto nómada titulado Beyond Walls en el que el símbolo afectivo/emocional a traves del que trata de establecer un nexo con el espectador es la figura formada por dos brazos entrelazados, una imagen cuya trascendencia por su sencillez y connotaciones puede causar un fuerte impacto en el espectador.

Ya sea tendida a los pies de la Torre Effiel, flotando sobre el caudal de rio Bosforo en Estambul o en una parcela de césped en uno de los muchos jardines de Berlín, la unión de las dos manos entrelazadas se convierte un ideal. Donde se tiende un puente por el que tanto la humanidad como la esperanza, en algún momento, al cruzarlo en sentidos opuestos. En algun punto equidistante, de ese puente tendido sobre un río, cuyas aguas se deslizan llevadas por la memoria y el olvido, deben encontrarse en un abrazo.

Todos aquellos que hemos nacido y crecido durante la segunda mitad del Siglo XX (al menos en un país Occidental), lo hemos hecho teniendo como inseparable compañía en sus momentos de ocio y juegos.

Algunos de los muchos personajes surgidos durante ese periodo y que pertenecen al universo de los superheroes. Seres en la mayoría de los casos mutantes que en algún momento de sus anodinas existencias (por las que circunstancias que sean), ya fuera por que sus organismos eran expuestos algún fenómeno sobrenatural.

O porque el individuo afectado incorporaba a su chasis algún súper poder, que le facultaba para realizar cosas extraordinarios y actos heroicos, los cuales causaban asombro y admiración entre la inmensa mayoría de un grueso de ciudadanos, que por multitudes seguían sus aventuras.

Casi siempre gracias a la información, casi siempre una información sesgada, repleta de referencias efectistas que se reducían en la mayoría de los casos, atendiendo a ensanlzar aquellos méritos donde la osadía del protagonista y compromiso con sus semejantes, pudiéndose resumir de forma escueta en el espacio redactado de un titular sensacionalista.

Que se complementaban con entradillas cargadas de testoterona, con los que reforzada los atributos masculinos de unos personajes siempre ficticios, que sin embargo poseían un nexo común con el de pertenecer al género masculino. Condición misogena cuyos rasgos se traducirán al final en el que las conductas que transmitían eran adoptadas, o mejor expresado estimulaban la imaginación de prácticamente solo la mitad de la población.

Esa tendencia sociológica afortunadamente ha variado sustancialmente a lo largo de las dos primeras décadas de este siglo, en el transcurso del que han ido apareciendo (cada vez más propuestas), que han creado (con más o menos acierto.) Un elenco de personajes y narrativas que han respondido satisfaciendo a una demanda por la que cada vez más consumidoras prefirian contenidos e historias, donde la trama era conducidas por miembros del género femenino.

Lámina dedicada a la princesa Laia, heroína de la saga cinematográficas Star Wars

Esto ha sido posible a un buen puñado de ilustradoras que tomando conciencia de este vacío en el mercado, han desarrollado un imaginario en clave femenina que cautiva a miles de fans en todo el mundo. Un elenco de entes creativas que tras vencer los "naturales" perjuicios relacionados con sus supuestas capacidades a la hora de construir personajes cuya feminidad no entrará en conflicto y no fuera por lo tanto incompatible con los estereotipos clásicos del género de superheroes.

Entre las mas destacadas está la ilustradora americana Karen Hallion, que cuenta con un largo currículum de colaboraciones en diferentes proyectos, entre los que merece la pena citar, Star Wars: Women of the Galaxy (Star Wars Character Encyclopedia, Art of Star Wars, SciFi Gifts for Women, album que al igual que en el titulado BBC’s Thirteenth Doctor comic book, de está autora que comenzo su carrera dibujando personajes mezcla de gheisas y una estética Steampunk.

La ilustradora Karen Hallion actualiza desde una óptica feminista una variedad de mitos de la ficción creados en ámbitos creativos como el cine, el cómic o los cuentos para niños.

Centrandose en recrear ambas sagas desde una óptica femenina. Conjunto de proyectos cuya guinda fue el merecido reconocimiento en forma de premio, ya que ha sido galardonada ni más ni menos que con un premio Grammy en su edición de 2018, concedido por el diseño del set del músico y humorista Yankovic titulado “Squeeze Box: The Complete Works Of ‘Weird Al’ Yankovic.” .

Carrera plagada de encargos profesionales que ha complementado con una labor más íntima a la par que activista. Embarcandose en un proyecto titulado She Series Real Women, cuyo enfoque temático versa sobre la mujer, abarcando una amplia diversidad de perspectivas en terminos de genero. Compuesto por decenas de series cuya temática gira alrededor del empoderamiento de la mujer.

Portada de uno de sus álbumes dedicado al Doctor Who

En la última lámina de. Karen publicada en 2020, la autora homenajea a la mujer, seleccionando a nueve personalidades femeninas que a lo largo (principalmente) de los últimos doscientos años han trascendido en un determinado ámbito como por ejemplo Marie Curie (en el ámbito de la ciencia), o activistas de los derechos humanos como la activista afroamericana Rosa Park.

Retratandolas en la mayoría de los casos, adoptando una posición de perfil, a los que Karen, añadido aquel término, que ella considera que mejor define los logros y valores de todas y cada una de las mujeres, donde aparte de la calidad en la composición se aprecia en el tratamiento de los detalles, cuyos motivos hacen referencia a aquellos objetos.

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Que ya fueran utilizados como instrumentos en su esfera laboral, o aquellos que estrictamente se pueden considerar que pertenecen a su parcela más intima, y cuya inclusión en unos retratos, cuyo estilo sobrio tanto en lo figurativo, mostrando un trazo muy formal como en la selección de los colores, que acentúan la magnitud y relevancia de su figura en terminos sociales.

Indican el gran conocimiento que atesora la autora sobre la vida y obra de unas mujeres, cuyos nombres no son mas que archiconocidos. Lo cual invita a profundizar e investigar más en su biografía, algo que sin duda redundará en nuestro beneficio intelectual.

Uno de los debates que más controversia y polémica ha suscitado dentro de la práctica artística a lo largo de los últimos decenios se resume en una pregunta. Tiene el arte como expresión artística que obedecer a parámetros morales que reflejen y describan, ya sea a través de la denuncia de determinados dilemas sociales o eticos?

O simplemente se tiene que limítar a representar los valores de los estándares esteticos de una época en concreto, sus tendencias, corrientes, movimientos y vanguardias que han designado como algo que es estéticamente y legitimamente bello? O lo que es lo mismo la realización de toda obra artistica tiene que obedecer a una serie de criterios o modelos, que desde la antigüedad designan las bases de lo que es bello o no. A estas medidas se las conoce como el número de oro o número phi.

O de forma más común como número aureo. Todo arte, afirma nada más y nada menos que el escritor irlandes Oscar Wilde en el prefacio a El retrato de Dorian Gray, de forma categórica es a la vez superficie y símbolo. A está concisa frase como todas se les puede otorgar el beneficio de la duda, aparte de las múltiples interpretaciones que se pueden hacer de tan escasas palabras.

Pero lo que si creo es que en el camino entre estos dos términos, superficie y símbolo, se pueden tender puentes a partir de los se puedan liberar tensiones, desarrollándose narrativas que consideren esta aparentemente dicotomia no como una antitesis creativa sino como una oportunidad.

Mural titulado Resonance, que forma parte de la muestra permanente en el Rose Park de Boston

Cómo un manantial, una beta expresiva que cojugen en un mismo discurso creativo y estético la belleza y el análisis de lo que sucede en el entorno del artista y de lo que le sensibiliza como individuo y como miembro perteneciente a una comunidad con sus peculiaridades y aspiraciones.

Para el artista Super A esta ambigüedad entre lo estéticamente admirable y la consagración de su mensaje se diluye, cuando sin ningún tipo de artificio afronta la realización de todos y cada uno de sus encargos para exterior.

El artista urbano Super A contempla el espacio publico como un gran escenario hiper/realista, desde el que trasladar un mensaje comprometido a nivel estético y social.

Casi en su mayoría murales de gran formato, en los que combina diferentes motivos, con los que en mayor o menor grado, de forma más o menos implícita, se hace eco de alguna situación, agravio, o causa social que le afecta o con la que se solidariza.

Intervenciones como la hecha en el marcó de la muestra al airé libre permanente que se puede visitar en el The Rose Kennedy Greenway Park en Boston. En la que contribuye con un mural titulado Risonance, en el cual dos pájaros representan la opresión cada vez más acuciante de un sistema donde las libertades individuales cada vez están más cuestionadas.

En el mural Ring around the Rosie Un corro de niños tratan de ahuyentar a la rata portadora de la peste

Realizada en 2020 por el creador que se ha dado a conocer por su inconclusa serie de carituras en las que tanto los superheroes, como otros personajes de cómic son retratados en un tono irónico dismifiticandolos.

Se trata como en muchas otras intervenciones de una obra adscrita a la corriente muy en boga últimamente entre los artistas de arte urbano como Hiper-realismo. Un género que paradójicamente es muy poco dado a la crítica social, pese a su capacidad para representar hasta el más mínimo detalle.

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Aunque en el caso del autor holandés cueste identificar los objetos seleccionados con el tema sobre el que versa el mural , pauta que en ocasiones se rompe, como en el caso del proyecto titulado Ring Around the Rosie, Se trata de un trabajo colaborativo que tuvo como tema central la representación de una efimeride relacionada con la plaga producida por la peste en 1514, asolando la ciudad de Breda en Suiza.

Ocupando el centro de la imagen, una enorme rata emerge, como exponente máximo del caos y la deshumanizacion, en una ciudad en las que los niños morían debido a la escasez de alimentos y la insulubridad que provocó que el virus se propagara rapidamente.

Con ligeros matices que tienen que ver principalmente con el tratamiento de las escalas, las intervenciones del artista conceptual Christo, ha provocado después de su fallecimiento que florecieran una variedad de propuestas artísticas.

Que aplicando su archiconocida técnica consistente en camuflar todo tipo de objetos envolviendolos, aunque principalmente se hizo mundialmente por camuflar con inmensas lonas las cuales podían abarcar miles de metros cuadrados de superficie, las más inverosimiles estructuras arquitectónicas y monumentos.

Actividad por la que en numerosas ocasiones suscitó una polémica que el se resistía a alimentar, siendo las más enconadas aquellas que se posicionan cuestionando a partir de aportar los más variados argumentos, el valor estético de unas actuaciones que podrían acarrear secuelas en los edificios que envuelve.

Argumentos que carecen de fundamento porque las instalaciones de Christo partían de un enfoque efímero del arte, y por lo tanto las customizations camufladas que desarrollo a lo largo de su trayectoria, tenían por objeto uniformar desde una óptica teatral creando diferentes escenarios camuflados.

Edificio envuelto con papel de aluminio en el barrio de Praga en Varsovia

Uno de sus alumnos más aventajados y herederos quizás sea el artista polaco Piotr Janowski, que tras pasar toda su infancia y buena parte de su juventud en la ciudad portuaria Gdanz donde se llega a licenciar en bellas artes.

Se tralada a los Estados Unidos, donde tras residir en varias ciudades se afinca finalmente en una casa de la localidad de Tarpon Springs perteniente al estado de Florida. Casa unfamiliar típica americana, que se convierte en su primera estructura envuelta íntegramente, y con la que el autor tratar de reinvidicar el valor de las cosas y su memoria.

Aunque inmediatamente evocan en la memoria las intervenciones del artista Christo, los edificios envueltos en papel plateado de Piotr Janowski reflexionan sobre aquellas cosas que solemos dejarnos en el olvido a través de convertirlas en monumentos.

Para su segunda intervención conserva la misma sintonia estética, de nuevo en territorio polaco el hijo prodijo actúa sobre un viejo edificio construido en 1870, y que en ese mismo instante está siendo habitado por un techo, persona que se suma a un proyecto que se alarga varios meses.

Dando como resultado la costumizacion que bajo el título de Ząbkowska 9, Take off!, pretende condensar los diferentes periódicos históricos por lo que ha pasado y sus diferentes usos, habiendo sido testigo en el barrio de Praga en Varsovia de las catastróficas consecuencias provocadas por la II Guerra Mundial y del periodo posterior protagonizado por la ocupación por parte de la Union Sovietica.

Locomotora a partir de la que Piotr realizó una de las esculturas más visitadas de Gdanz

Paralelamente a los proyectos a los que podíamos englobar dentro del grupo de obras cuyo nexo es que aparte de recurrir a la técnica de camuflaje, y de los cuales (quizás el más notable sea), el que el artista realiza escogiendo como escenario la estación de ferrocarril de la ciudad que le vio nacer.

Donde escoge una locomotora que abandonada yace en una vía muerta, imagen que causa un fuerte impacto en el artista, simbolizando a su juicio una falta de memoria histórica. Por lo que decide rescatarla convirtiéndola en un monumento con el cual trata de recuperar el vínculo de la comunidad con su pasado.

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Piotr crea una diversidad de obras cuyos rasgos obedecen a diferentes formatos, pero cuyo eje narrativo está guiado, por el concepto de la memoria, o mejor de la facilidad con las que olvidamos las causas por las que estamos en determinado contexto o sometidos a situaciones cuyos desafios se nos antojan difíciles de resolver.

A esta linea de trabajo pertenece una de sus últimas obras. Titulada Don't give up world, la obra cyuo detonante ha sido la actual crisis sanitaria provacada por el Covid/19, nos describe las verdaderas causas detrás de la aparición y expansión del virus, las cuales nos remiten al deterioro que está sufriendo el planeta Tierra.