Sara Golish, diosas de Sol y Luna inspiradas en Africa


Hay algo mas extraordinario que la presencia del Sol colgado sobre nuestras cabezas? Un disco cuyo principal gas el hidrogeno llega a la superficie de la Tierra en forma de fotones de luz tras alcanzar una velocidad cosmica de 300000 kilometros por segundo.


Rayos que golpean constantemente la superficie de nuestro planeta inundando de vida cada rincon del mismo, moldeando todos y cada uno de los paisajes y ecosistemas con los que nos relacionamos, y sin cuya presencia no seriamos viables como especie. Ni nosotros como seres humanos, ni ningun otro ser vivo de los millones que habitan este milagro azul que llamamos hogar.


De hecho existe una amplia bibliografia cientifica que constata un hecho revelador y esclarecedor por momentos, que determina como una sentencia biblica. Que si el Sol iniciara su proceso de colapso, en su camino hacia su conversión como una supernova o enana roja, todo aquello que estamos capacitados para ver, sentir, oler, saborear o tocar.


Comenzaria un camino de no retorno pereciendo poco a poco y sin dilacción, tras tan solo ocho minutos sin recibir el mana solar. Por eso quizas los influjos del astro rey siempre fueron una prioridad entre las civilizaciones mas antiguas, que poblaron Mesopotamia en primer lugar y luego se extendieron con el devenir de los Siglos. 

En Sundust el sol es la divinidad encarnada en mujer


Hasta cubrir todo lugar conocido hasta la fecha. Por eso todas y cada una de estas culturas muchas de ellas consideradas primitivas, exhibian con orgullo y autentico fervor y exaltación espiritual a alguna deidad cuya figura simbolizaba el poder del Sol, teniendo una posición destacada en un panteon donde era flanqueado por entidades de rango menor.


A las que se alababa en fechas tan señaladas como las del soltiscio de Verano con el proposito de que alumbraran unas cosechas generosas que beneficiaran garantizando el sustento de los miembros de diferentes comunidades, y cuya devoción ha servido para que la artista con sede en la ciudad de Toronto, Sara Golish se inspire.


Para crear la serie titula Sundust, una coleccion de retratos cuyos motivos representan a una diversidad de divinidades relacionadas con la veneración al Sol en el continente Africano. Laminas ilustradas que Sara realizo utilizando una escala monocromatica, con la intención de resaltar los colores cobrizos de los abalorios con los que se adornaban.

La mayoría de las divinidades representadas habían sido prácticamente olvidadas


Las series tituladas Sundust y Moondust, trenzan a traves de un relato que combina elementos etnicos, espirituales y ficticios. Una historia ya enterrada en los albores del tiempo, donde la devoción por la mujer tuvo un papel en los primeros antecedentes de asentamientos de los que se tiene constancia.

 

La idea de Sara era rescatar del olvido a esta seleccion de diosas y hechiceras que actuaban como oraculos pronosticando los efectos del clima sobre las cosechas. Un arduo trabajo de documentación que la ocupo buena parte de su tiempo a lo largo de 2014, teniendo como resultado unos semblantes que destacan por su terminado delicado y su expresion meditativa.


Y que ha tenido su continuación en su reverso o antitesis titulada Moondust, serie mas reciente realizada bajo los mismos criterios conceptuales y esteticos. Entidades celestiales relacionadas en este caso con la Luna, cuya feminidad idiolatraban por su fecundidad en rituales en diferentes tradiciones a lo largo de la rivera de rios como el Eufrates.


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Trabajos a traves de los que su autores trata de enfatizar la importancia de la presencia femenina como influencia en las creencias de los primeros asentamientos de los que se tiene constancia en Africa, primeras muestras de un pensamiento donde la actividad mistica en clave femenina tenia por objeto diferentes funciones, aunque principalmente sus ritos se focalizaban en la mejora del rendimiento de los cultivos con los que se nutrian los clanes que se asentaron en la antigua Mesopotamia.


ACERCA DE LA ARTISTA:


Sara Golish es una artista visual consumada residente en Toronto,  destacando en dibujo figurativo, pintura y escultura. Iniciado su camino creativo asistiendo a clases de arte. Durante la secundaria, perfeccionó sus habilidades en el Centro Windsor para las artes creativas, y su pasión la llevó a la Universidad OCAD de Toronto.


Su excepcional dominio del dibujo fue reconocido con el prestigioso Premio Eric Freifeld.


Poco antes de graduarse de la universidad, Sara se destacó en la pintura decorativa, donde su talento adornó diversos espacios con murales y bajorrelieves, dominando estilos tanto tradicionales como contemporáneos. Su portafolio abarca una amplia gama de proyectos, incluyendo diseño de interiores residencial, corporativo y comercial de alta gama en ciudades como Toronto, Nueva York, Los Ángeles, Chicago, Sarasota y Barbados.





Craig Anthony Miller, arte urbano made in Brooklyn


El distrito de Dumbo en Brooklin, New York hasta hace no mucho tiempo concentro buena parte de la actividad industrial entre los puentes de Manhattan y Brooklin que salvan el East River (Rio Este) conectandolo con la gran manzana.


Frenetica actividad economica realizada en las numerosa naves y almacenes que a lo largo de la rivera se han ido reformando convirtiendo en espaciosos lofts, cuyos residentes (principalmente artistas), han conseguido transformar la imagen de un barrio que tradicionalmente se ha considerado gris y aislado, en un lugar caracterizado por la creatividad.


Cambios que ademas ha propiciado que algunas calles como Washington Street se convierta en el lugar donde miles de turistas se apiñan cada jornada, con el unico objetivo de fotografiar una de las postales mas iconicas de la ciudad, como es la del puente de Manhattan que tendido sobre el lecho de rio emerge majestuoso dominando con el fondo de rascacielos elevandose sobre el horizonte.


Y que su acceso por Brooklin nos ofrece ya una pequeña muestra de la intensa y prolifica actividad artistica que se respira nada mas pisar sus calles, con sus numerosos murales. La mayoria intervenciones de Arte Urbano que se realizaron durante el intervalo de tiempo, que abarca los años comprendidos entre 1997 y 2014.

Fragmento de una de las intervenciones de CAM en Dumbo

Que fue el periodo de tiempo durante el que se celebraron las diferentes ediciones de la muestra de arte vanguardista Dumbo Arts Festival, una cita que supuso una plataforma excelente a traves de la que dar a conocer a una diversidad de artistas, que desde los mas variopintos ambitos creativos contribuyeron con sus intervenciones y obras a transformar el espacio publico.


En un lugar de intercambios y conocimientos, donde la transformación de los espacios comunes era un rasgo identitario del barrio. Entre los muchos artistas destacados que se podrian mencionar estaba un incipiente artista plastico oriundo de Brookin llamado Craig Anthony Miller (aunque sus obras la firma con el acronimo de CAM).


Y que tras finalizar su formación y obtener su BFA por la Saint Johns University (institución que se encuentra en el barrio vecino de Queens,) abre su propio estudio en el barrio que le vio crecer. Comenzando una fecunda trayectoria cuyo proposito es trasladar su propia concepción del arte al entorno urbano, creando una cosmologia propia.


Un Universo poblado por una variedad de especies animales, entre los que podrian citar buhos, elefantes, jirafas...(entre otros), que CAM combina en ocasiones deidades de origen Hindu como la diosa Ganesh (representada por la cabeza de un elefante) que forman parte de series como la titulada Rituals of the Urban Yoga. Triptico conceptual realizado en 2015 en la que se reflejan los rasgos principales en los que se podia resumir su credo artistico.


En las intervenciones del artista urbano CAM y que tienen como marco creativo el distrito de Dumbo perteneciente a Brooklin en New York, donde crecio y tiene su estudio, se combinan tecnicas antiguas como el de las vidrieras actualizandolo a traves de la incorporacion de motivos naturales a traves de las que realiza un viaje donde crece como individuo.

 

El arte de CAM usa la técnica de la vidriera con los que representa una naturaleza de fragmentada

Y que se plasman en una obras realizadas a partir de actualizar una tecnica tradicional, casi artesanal como las de las vidrieras que forman del arte sacro que se pueden ver en muchos templos. Sustituyendo los motivos religiosos por representaciones y escenas extraidas de la naturaleza, protagonizadas por criaturas del reino animal.


Cristaleras donde los colores vivos sin embargo acentuan ese sentimiento mistico y manifestación espiritual, que se puede percibir sobre todo contemplando sus murales repartidos a lo largo del barrio de Dumbo. Murales que previamente ha completado en su taller y con las que ha conseguido crear una marca reconocible a lo largo de todo el distrito.


Intervenciones como Owls, Pedro´s Willamsburg, Water Street o Pedro´s Dumbo, que realizadas entre 2006 y 2013 todavia se pueden visitar, aunque alguna apenas se pueda percibir. Murales a los que CAM añade mantras como Always be mindful of your ability to fly (ten siempre en cuenta tu habilidad para volar.) Frases con las que el artista nos transmite un mensaje donde prevalece la esperanza.


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Aunque CAM como otros artistas en su faceta urbana tambien ha protagonizado casos relacionados con procesos judiciales por mal uso de su obra, como en el caso de la demanda que interpuso contra una promotora. Polemico episodio que se suscito como consecuencia de que esta firma supuestamente se apropio de parte de una mural ralizado por CAM en colaboración con miembros del Collective 303. Utilizando fragmentos de su como imagen publicitaria. Demanda que finalmente salió adelante siendo favorable a los intereses del artista. 






Parees Festival 2020, arte urbano con acento Astur

 


Uno de los efectos devastadores de la extensión de la pandemia por Sars-Cov2 o Covid19, ha sido que la práctica totalidad de los festivales de arte urbano que se habian programado para celebrarse a lo largo de 2020.


Han sido directamente suspendidos o en el mejor de los casos han visto como su calendario de actividades se ha visto drasticamente recortado. Lo realmente dramatico es que en muchos casos la incertidumbre a tenor de los acontecimientos parece poner en entredicho la continuidad de muchas de estas citas.


Que con mas o menos frecuencia habian supuesto el escaparate perfecto para que el Street Art, se convirtiera a traves de mecanismos participativos y colaborativos en un fenomeno expresivo contextual a escala global. Una manifestacion cultural que describia muchos de los acontecimientos cotidianos y sociales de los cuales somos testigos y en mayor o menor grado afectados.


Uno de las pocas citas que ha logrado campear el temporal, desarrollando en su totalidad las actividades programadas, además de mantener sus criterios ontogenicos que le dio origen ha sido el organizado por la semana de arte urbano Parees Festivalque tiene como marco de exhibicion y accion la ciudad de Oviedo, capital de Principado de Asturias  en España.
La artista Lucía Ciao realizó un retrato a gran escala de la escritora local Dolores Medio

Y que como en sus precedentes edicciones completo una semana de intenso trabajo (entre los dias 7 y 14 de Septiembre), en cuyo intervalo de tiempo se ejecutaron cuatro propuestas (en esta ocasión todas realizadas por artistas  locales). En las que el eje principal versaba sobre los solidos principios conceptuales sobre los que cimenta la muestra desde su inicio.


La muestra de arte urbano Parees que tiene como escenario la ciudad española de Oviedo, cita que se viene celebrando desde 2017. Y que para la edición de 2019 organizada en un año turbulento dominado por el Covid-19, ha recurrido a los principios participativos sobre el que viene desarrollandose, para ofrecernos una muestra donde se combina las referencias a la memoria y la identidad local. 

Y que no son otros que los recogidos en su manifiesto Procesos Participativos, el cual se articula a partir de poner en valor los lugares comunes, tanto en terminos paisajisticos como sociales, desde una optica predominantemente local aplicando en todo momento estrategias de participación que incidan positivamente en la convivencia.

Como los elementos endemicos del entorno sobre los que actua y a partir de los que teje un relato con los que los los participantes se pueden identificar. En este contexto las intervencion del primero de los artistas invitados, como el muralista especializado en retratar botijos Manolo Mesa. Que tras reunirse en diferentes ocasiones con los vecinos del barrio donde se ubicaba una antigua fabrica de ceramicas, representa un bodegon en homenaje a una actividad que fue un fuerte precursor economico en la zona durante decadas.
Obedeciendo a los principios de la muestra Manolo Mesa se inspiró en la porcelana local

Por su parte la ilustradora y artista urbana Arantxa Recio Parra (Harsa Pati) recurrio a la dilatada trayectoria del cuentista local Emilio Rodriguez Lopez. Conocido como Milio'l del Nido, vida que sirve como vehiculo narrativo para ejecutar un mural de  alrededor de cincuenta metros de largo, a traves de los que se representa algunos de los personajes de este autor que se expresa en un dialecto local denominado Bable.


En el caso del pintor Manu Garcia, su primera participación coincidia con su bautismo como artista urbano, una epifania que aprovecha para ofrecernos el resultado de un trabajo estetico cuyo resultado describe tras documentarse en los archivos municipales. Sobre algunas de las numerosas fiestas populares de las que goza en la ciudad como son las Fiestas del Prao.


Por ultimo la aportación de la tambien ilustradora y street art Lucia Cao, una emotiva intervención dedicada a la escritora oriunda de Oviedo Dolores Medio, el mural es un retrato de grandes dimensiones de una escritora. Para ello su autora aplico una delicado esbozo en escala de grises, con el que pretendia ensalzar la figura y los valores feministas que tanto reivindico Dolores a lo largo de toda su trayectoria y denunciar la censura que en numerosas ocasiones padecio.



New York, un iglú para tomarse un café contra la pandemia

Todas las grandes ciudades (y no tan grandes) arrastran una serie de esterotipos que por regla general suelen traducirse en una serie de pros y contras que tanto les beneficia como les estigmatiza de cara a la opinión pública. 


Cliches que pueden deberse a muchos y variados factores, pero fundamentalmente se deben a que ya sea por pereza, o simplemente desinterés, preferimos quedarnos con los argumentos que de forma preconcebida hemos construido, sesgos que dependiendo del grado de flexibilidad que mostremos, suelen permanecer inamovibles. 


Replicandose como un meme casi de forma indefinida hasta que en un determinado momento y dándose las circunstancias propicias se desmorona como un castillo de naipes. La actual crisis sanitaria ha puesto a prueba la capacidad, no sólo de adaptarse y enfrentarse a desafios muy adversos e imprevisibles, sino de resiliencia de la mayoría  de estas ciudades en los más diversos aspectos


Uno de estos aspectos tiene que ver con el ámbito de la actividad económica, más concretamente con el sector de la hostelería, quizás el que debido a la gran presencia de este tipo de actividad comercial en el espacio público y por lo tanto a los estrechos vínculos que como consumidores hemos establecido a la hora de cubrir nuestras necesidades y tiempo de ocio.

Conocido popularmente como iglús, estos domes o cup ulas han evitado miles de cierres

Hemos podido ser testigos de cómo miles de estos establecimientos pasaban enormes dificultades para sacar su negocio adelante, viéndose muchos de ellos obligados a cerrarlos por insuficiencia de ingresos debido fundamentalmente a las restricciones causadas por el confinamiento impuesto por las autoridades. 


Aunque en principio pueda difícil de creer ha habido pocas iniciativas tan interesantes y estimulantes, que hayan mostrado tanta celeridad en su implantación y tan buenos resultados en su ejecución, como la batería de medidas adoptadas por los hosteleros de New York. 



La gran ciudad de New York ha demostrado su gran versatilidad para adaptarse económicamente, sobrevivir y salir fortalecida en plena pandemia aplicando una fórmula donde el diseño ha sido el gran protagonista. 



Que en un tiempo récord consiguieron repeler las consecuencias negativas de la cuarentena, reduciendo a la minima expresión el impacto producido por la orden prematura emitida por la administración de cesar en su actividad. Medidas que aparte de potenciar  aspectos relacionados con el servicio a domicilio cuidando al máximo la higiene y seguridad de los productos que servían. 


Han apostado por seguir con las prácticas tradicionales de servicio al cliente sacando al exterior sus aforos, estrategia que han adoptado de forma mayoritaria y de forma más o menos acertada, en función fundamentalmente de las características del espacio publico donde operaban, algo que en la mayoría supone un condicionante arbitrario. 

Instalado en la acera o en la calzada los porches de madera han sustituido a las tradicionales terrazas

Requeriendo por lo tanto en la mayoría de las ocasiones de grandes dosis de paciencia, a lo que hay que añadir una capacidad para mover recursos logististicos y financieros, en ocasiones de una embergadura y magnitud considerables. 


Pero cuyos resultados se pueden valorar como muy positivos tanto desde una óptica netamente económica. Como de la incorporación de una variedad de soluciones estructurales exteriores con las que operar pudiendo servir a los clientes. 


Los cuales de forma mayoritaria han mostrado una respuesta positiva ante la diversidad de alternativas planteadas por los empresarios hosteleros, como estrategia ante el desafio que suponía la pandemia y las medidas decretadas de aislamiento debido a la pandemia. 


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Estructuras que van desde las tradicionales sombrillas, las cuales han compartido su protagonismo con otros cerramientos más sofisticados y acogedores, como los cientos de porches que construidos en madera ocupaban la acera y parcialmente la calzada garantizando la higiene y el distanciamiento social. 


A la par que ofrecían una experiencia cuya atención y servicio era en muchos casos equiparables a los que se podía recibir en el interior de locales, solución que se ha complementado con la incorporación de los denominados por el gran público como iglús (por su forma semi esferica), y que no son otra cosa que los ya tradicionales domes o cúpulas. 


Los cuales han proliferado ofreciendo una alternativa auxiliar muy competitiva, debido a  su fácil gestión en el transporte y montaje, además de su excelente comportamiento y óptimo rendimiento como espacio en el ámbito de la hostelería, solución que ha obtenido una gran aceptación tanto por parte de los dueños de los restaurantes y cafeterías. Cómo de los miles de clientes que han percibido en estos volumenes transparentes, un espacio acogedor, a la vez que discreto y ante todo seguro desde el punto de vista sanitario. 


Las plantas como publicó solidario en plena pandemia por Covid

 

Una de los cambios que mas me han llamado la atencion como efecto del periodo de confinamiento producto del decreto de alarma sanitaria debido a la pandemia del Sars Covid-2, fue la transformacion paisajistica que se pudo observar en muchos lugares y rincones, fenómeno de parasitacion vegetal que sobretodo en las grandes ciudades. 

Se trataba de la aparición de incipientes restos de vegetación que en muchos casos (la mayoria) asomaban a través de los alcorques de arboles, pequeñas hendiduras, recovecos o grietas en paredes o tabiques, pero que en otros muchos casos se podrian considerar que la marabunta y la voracidad de las plantas invadian cualquier tipo de superficie  independientemente del material con el que estuviera fabricada. 


Exhibiendo una capacidad de adaptación asombrosa en principio a un medio totalmente ajeno y adverso, a un entorno muy hostil respecto a las propiedades oeganicas de la diversidad de especies que han aflorado en nuestras ciudades en un intervalo de tiempo relativamente breve. 


Si se analiza fríamente se podria pensar que estamos asistiendo a un acto de rebelión por parte del mundo vegetal, que reinvidica por derecho lo que considera legítimamente suyo, un conato de sediccion cuya prolongación en el tiempo será en todo caso efimera.

 

En total asistieron 2000 plantas como publicó representado a la totalidad de las especies de la ciudad

O una alegoría bíblica antesala de lo que nos espera como no nos concieciemos de la importancia de contrarrestar los efectos del cambio climático, pero en el fondo creo que representa un epitome, o si se quiere una reacción concruente vinculada a las mínimas condiciones de habitabilidad que precisa casi cualquier variante perteneciente al reino de vegetal para crecer e incluso transformar las características del paisaje urbano que le rodea. 

Hasta el extremo de que lo que atentaba amenazando su supervivencia, lo convierten en su aliado de tal manera que les acaba  favoreciendo,  un proceso que en bucle lo completan una y mil veces dejando que la naturaleza fluya, una cadencia cuya armonia al final restablece el equilibrio natural.

La gala organizada en el Teatro Liceo de Barcelona con la asistencia como público de plantas que aborraton su aforo, simboliza la solidaridad del mundo del arte con la comunidad del ámbito de la sanidad publica y su dedicación a los demás. 
 

Liberando la tensión, el nudo que les amenaza en forma de polucion, reconciliandolas con su entorno natural. Como lo que sucedió en junio del año pasado en el teatro el Liceo de Barcelona cuando el cuarteto UceLi Quartet, consiguió arrancar una ovación metaforica de las 2292 plantas.

De los diversos tipos de plantas que escuchaban atentamente y con rigurosa discreción, las notas embriagadoras de una bella y concisa pieza del compositor italiano especializado en la composición de libretos para ópera Giacomo Puccini.  Que escribió en enero de 1890 esta breve (algo inusual en su trayectoria) pieza para cuarteto de cuerda en homenaje póstumo. 


 Tras finalizar el concierto las plantas fueron distribuidas entre los facultativos de un hospital local

Al segundo hijo del rey Víctor Manuel II, Amadeo de Saboya, duque de Aosta y rey de España. Titulada Crisantemi en referencia al tipo de plantas que suelen emplearse tradicionalmente cuando se produce una defuncion para honrar al fallecido. 




Finalizada tan singular interpretación el público (no menos singular) a pesar de que no pudo ponerse en pie para aplaudir (por razones obvias) fervorosamente al cuarteto que tan virtuosamente había inundado con tan bella melodia cada rincon de este templo de la música que es el Liceo. 

La iniciativa para la organización de esta velada partio del artista conceptual Eugenio Ampudia, una idea con la que ha querido reconocer el compromiso de la práctica artística con la labor desarrollada por el personal sanitario, por lo que tras finalizar la interpretación se entrego una planta a cada uno de los empleados del Hospital Cinic de la ciudad de Barcelona.