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Uno de los elementos mas reconocibles y con los que la identifican sus millones de visitantes, son sus rótulos de época y sus características tipografías. Y en que en París fue la primera gran ciudad occidental en la que se implantaron a escala masiva.

Coincidiendo con la instalación del alumbrado público. Convirtiéndose estas referencias urbanas en auténticos iconos de cara al turista, utilizándolos como puntos a partir de los que orientarse en una gran capital cuya área metropolitana esta poblada por mas de siete millones de habitantes.

Realizadas con una atmósfera que desprende bohemia con las que su autor la diseñadora y fotógrafa ocasional Louise Fili, logra trasladarnos a periodos protagonizados por Toulouse Lautrec o mas recientes en el tiempo como la Art Deco o la Nouvelle Vague.

En una serie de instantáneas titulada Graphique de la Rue cuya versión editorial se presenta en forma de álbum, donde cada fotografía se acompaña de copiosa documentación donde el lector. Tiene la oportunidad de asomarse a diferentes épocas utilizando como eje narrativo su variado y singular selección de rótulos y su particular forma de integrarlos en el paisaje urbano.

Marquesinas de teatro, rótulos de botica, o accesos de metro Fili pone el foco relacionando las diferentes tipografías y su expresión gráfica en el espacio publico, con el carácter arquitectónico y la identidad de una ciudad

Aunque su cabeza visible es Louise Fili. Cuando se afincado en New York en 1989, incorpora a su firma a Christian Adamsky y Andy Anzollitto. Con los que crea una una identidad creativa en el ámbito del diseño gráfico y la tipografia gracias a su conocimiento e influencia de la conocedora de la cultura visual italiana. Ha recibido medallas de oro y plata de la Society of Illustrators y el New York Art Director's Club, el Premio Grafico de la Feria del Libro de Bolonia y tres nominaciones a los premios James Beard.

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Situada en la localidad catalana de Vallirana a escasos kilómetros de Barcelona, la Cova Bonica a la que se accede por un sendero que mientras desciende ofrece al visitante un muestrario único de la flora de la zona.

Se ha convertido en uno de los yacimiento mas prolíficos del sur de Europa, donde en sus mas reciente campaña de excavaciones se han encontrado restos de un hominido. Este ancestro común una mujer perteneciente al periodo Neolítico, tras someter sus restos a diferentes técnicas de secuenciación genética por técnicos pertenecientes al Instituto de Biología Evolutiva y al Centre for GeoGenetics de Dinamarca.

Han revelado un dato esclarecedor la relación de estos primeros pobladores que se dedicaban a la recolección de frutos y a la caza como medio de subsistencia, con los primeros asentamientos donde se practicaba la agricultura. Y que sirve para describir el proceso por el que el ser humano paso de llevar una vida nomada a constituir los primeros asentamientos hace 8.000 años.

Parajes naturales que en la actualidad se han convertido en rutas que cada fin de semana visitan miles de excursiones que a pie o en bicicleta, conviven con el entorno natural y sus elementos naturales. Como esta gruta que parcialmente ocultada durante miles de años ha pasado a convertirse en un lugar de destino donde finalizan ciclo turistas una de las mas osadas trayectos que se pueden realizar en la comarca.

Teniendo como inicio la propia pedania de Villarina y con una distancia que se divide en diferentes secciones, pasando del piso firme de la carretera a zonas configuradas por senderos y vaguadas hasta completar un trayecto. Cuya señalización guiara a los ciclistas hasta la entrada de la cueva, de la que por razones de seguridad se puede visitar su entrada, un espacio donde la conservación y la actividad cientifica se funden en un habitat que todavia tiene muchos secretos por descubrir.

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Visitable durante buena parte del año la Cova Bonica donde aparte de la actividad científica que se realiza en su yacimiento arqueologico, permite la organización de actividades como visitas o la espeleología que revalorizan la zona.

Formando parte del complejo de instalaciones culturales de las que forma el Museo de Arte de Israel que esta situado en Jerusalen. El nuevo área juvenil aprovecha los elementos naturales existentes en las instalaciones.

Integrándolas en la estructura del edificio como parte dinámica estructural y de uso. Diseñado por los arquitectos locales Ifat Finkelman y Deborah Warschawski, al pabellón al que se accede por una pasarela que completa una ligera pendiente.

Solución que conduce a la sala principal que suspendida a escasos metros del suelo, tiene por columna principal y única, el robusto tronco de un pino centenario. A través del que se puede descender a través de una barra de acero completando un ciclo.

El pino existente se convierte en el detonante de una propuesta cuyo concepto y diseño. Actuando como un resorte emotivo que obedece a la memoria del emplazamiento en donde se construyó el equipamiento educativo, siendo un homenaje a la memoria colectiva.

Con apenas 150 metros de superficie el nuevo parque infantil que ofrece el museo a su visitantes, se nutre de las propiedades de su entorno logrando un equilibrio en un espacio destinado a la realización actividades lúdicas.

Construido integramente con ramas y maderas reutilizadas, el pabellón flotante cuenta con un ventanal panorámico que comunica el interior cálido, con el patio exterior ofreciendo una instantánea de los jardines y edificios adyacentes. Ofreciendo a sus usuarios un espacio acogedor donde refugiarse o simplemente relacionarse a través del juego.

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El best seller mas traducido y leído de la historia de a humanidad ha sido la Biblia en sus diferentes versiones. Su concepción universal y la coincidencia de la invención de la imprenta, con el ultimo ciclo de su expansión le ha conferido este titulo.

Esto podría cambiar gracias al proyecto Drinkable Book, en cuyo desarrollo se ha aplicado las ultimas técnicas de impresión. Creando un libro cuyas paginas permite ser leídas a la vez que ser utilizadas como filtros con las que sus usuarios, poder obtener la suficiente cantidad de agua con la que cubrir sus necesidades básicas. un libro que se lee y bebe

Elaborado a partir de material de reciclaje, sus hojas están impregnadas con un baño de partículas de cobre a escala nanométrica. Esta película al entrar en contacto con los residuos que vienen depositandose en los acuíferos producto de la actividad humana.

Los disuelve logrando un agua cuyas propiedades la convierten en acta para el consumo humano. Con una eficacia en la eliminacion de organismos nocivos para la salud que ronda el 100%, cada pagina impresa en diferentes idiomas contiene material divulgativo sobre los procesos que intervienen en los ciclos del agua.

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Desarrollado por la iniciativa Water Is Life, se trata de un proyecto que trabaja con comunidades radicadas en países de desarrollo, que fusiona la biotecnologia y el arte con un objetivo humanitario.

Se trata de una solución que combina mecanismos creativos y un enfoque social, es un proyecto creado en colaboración entre la ONG Water is Life, la agencia DDB de Nueva York, así como equipos de ingenieros y científicos de las Universidades de Carnegie Mellon y la de Virginia. El libro ha sido impreso en un papel con capacidad de eliminar, gracias a nano partículas de plata, enfermedades como el cólera, la fiebre tifoidea o el E. coli.

Los collages fotográficos realizados por el fotógrafo italiano Andrea Costantin, nos muestra sujetos retratados donde se fusiona lo urbano.

Su arquitectura y los rasgos de sus protagonistas en una nueva epifanía renancestista. Cada fotografía refleja un estado de animo diferente humanizando mediante reacciones emocionales de los lugares y sus características arquitectónicas.

Fotografías que realizan las veces de diagnostico causa y efecto del entorno sobre sus habitantes y de la forma que influye sobre su percepción del mismo.

Andrea Costantini, residente en Washington, nació y creció en Italia, y es conocido principalmente por sus obras de arte surrealistas y sus collages. Sus obras se han exhibido en numerosas exposiciones en Italia y en el extranjero, y se le considera uno de los principales artistas contemporáneos que trabajan en los géneros del realismo fantástico.

Utilizando recursos oníricos los elementos surrealistas definen una ciudad que brota del subconsciente en un deseo por vivir en un lugar diferente, producto de su idealización

Fundador y director ejecutivo de Photographize, una revista internacional de arte y diseño en línea que presenta las obras de fotógrafos, artistas digitales, ilustradores y otros creativos. La revista muestra una variedad de estilos y géneros, incluidos el surrealismo, el arte conceptual y la fotografía de bellas artes. También incluye artículos, entrevistas y tutoriales relacionados con el arte y el diseño. La revista tiene un gran número de seguidores en las redes sociales y es conocida por su contenido de alta calidad y su selección de artistas emergentes y consagrados de todo el mundo.

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Harta de las diputas con su casero por lo que consideraba el pago de un alquiler abusivo, Leonie Müller una mujer independiente y amante de los viajes entren. Decidió abandonar su vivienda habitual y su vida sedentaria.

Y experimentar con alternativas nómadas, en su caso decidió utilizar el magnifico servicios ferroviario de Alemania. Una extensa red que abarca todo el territorio alemán y que por unas tarifas relativamente economistas te permite recorrer todo el país conociendo lugares y relacionandote con sus pobladores, algo que adoptando una forma de vida convencional es practicamente imposible.

Equipada con una mochila y su ordenador personal desde el que actualiza su blog desde el transmite de forma detallada todas y cada una de sus peripecias. Leonie además ha podido constatar como su cuenta de resultados ha mejorado, debido al ahorro de hasta un 40% en relación que ha llevado hasta ahora y que le suponía un perjuicio importante, facturas, tasas, averías que con su nuevo estilo de vida han desaparecido.

Aunque en principio Leonie tan solo ha planificado un año viviendo en tren, que compagina con breves instancias en determinados destinos, no descarta prorrogar la experiencia siempre y cuando lo pueda compaginar con su faceta laboral.

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A punto de finalizar su año sabático ferroviario, Leonie hace un balance muy positivo, según ella sus vivencias al bordo de tren le han supuesto un enriquecimiento a nivel personal. Habiendose dado cuenta de lo vacía que suponía vivir una vía anclada a un mismo lugar.

Aunque se pueden visitar en cualquier época del año solo se puede acceder a su interior en Invierno. Cuando las bajas temperaturas han solidificado el hielo de sus paredes interiores y se puede garantizar la seguridad de sus visitantes.

Situadas al borde del glaciar Svinafellsjokull que forma parte del parque natural de Skaftafell en Islandia. Se trata de una de las muchas grutas horadadas en el hielo a lo largo de miles de años, que salpican la mayor parte de la geografía de la isla.

Siendo su mayor atractivo el contraste de tonos azulados que ofrecen sus techos abovedados. Un espectáculo único de la naturaleza que se produce por un fenómeno de la preusurización, debido a esta falta de oxigeno absorbe el mayor rango de luz visible, creando un efecto cromático único.

Que se muestra en todo su esplendor recién finalizada la época de lluvias. Aunque no destaca por su profundidad, sin embargo su composición geológica única formada por millones de cristales solidificados a partir de los torrentes de agua que se filtran desde el exterior.

Situada concretamente en el Parque Nacional de Vatnajökull. Esta cueva se forma por la interacción dinámica de los glaciares y la actividad volcánica. Sus impresionantes formaciones de hielo incluyen intrincadas esculturas, paredes de hielo y arcos.

Para acceder a su interior hay que recorrer la lengua del Vatnajökull, que resulta ser el mayor glaciar de Europa. Este glaciar también alberga el Hvannadalshnúkur, el pico más alto de Islandia.

Sus deslumbrantes tonos pristinos convierten las arista de sus hielos perpetuos en una experiencia, que solo se puede completar contactando con el personal cualificado que gestiona el parque.

Y que al entrar en contacto con el clima extremo del interior adoptan caprichosas formas. Convirtiéndolo su visita en un museo natural elaborado pacientemente por la naturaleza y que cada nueva temporada ofrece al visitante una selección de piezas únicas y efimeras.

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El Henequén conocido como oro verde es una planta que ya era utilizada por los pobladores de las comunidades Mayas que se asentaron. En los que en la actualidad como Yucatan en México.

Aunque en principio se trataba de un material que debido a sus propiedades de mareabilidad y resistencia era el idóneo para elaborar cuerdas y sojas. Con el paso del tiempo se fueron añadiendo nuevos usos en el sector textil y artesano, donde se los objetos fabricados se han convertido en el reclamo de miles de turistas que lo adquieren como souvenir.

Residente en el municipio de Maxcanú, la artista Amor Muñoz se dio cuenta enseguida de su potencial como soporte enfocado a otros usos mas allá de los tradicionales. Comprobando que podía ser el complemento perfecto donde integrar soluciones energéticas renovables como paneles solares y diodos LED.

El proyecto denominado Yuca-Tech trabaja con las comunidades de artesanos locales en la elaboración de diferentes complementos diseñados ex-profeso, con el objetivo de que se conviertan en elementos útiles desde el punto de vista energético, ofreciendo productos que cumplan una función útil.

Financiado mediante las aportaciones obtenidas a traves de un un proyecto crowfunding. La iniciativa cuenta con la participación de diferentes entidades administrativas regionales, habiendose creado una plataforma cuyo objetivo es extender su actividad al resto de la región.

Yuca-Tech fusiona practicas ancestrales incorporando elementos tecnologicos en su diseño y confección, creando un tejido económico donde se trabaja a partir de procesos artesanales en un contexto social y económico sostenible, donde el respeto por el medio ambiente es una piedra angular del proyecto.

A lo largo de los ultimos diez años Muñoz ha trabajado con la artesanía incorporandole soluciónes tecnológicas. Dando como resultado productos hibridos compuestos por materiales textiles y componentes electrónicos, cambiando circuitos duros por circuitos blandos, transformando el lenguaje rígido de la ingeniería en un lenguaje funcional táctil y flexible. Esta conexión entre tecnología y artesanía la ha llevado a desarrollar varias líneas de trabajo e investigación. El primero trata del trabajo y la tecnodiversidad, generando una serie de proyectos sociales y participativos. Otra línea de trabajo es la Codificación Poética en la que busca conectar nodos como el texto, el textil y el código compuesto ceros y unos. Y la tercera línea de investigación busca relacionar la biología con la tecnología y la artesanía para crear una serie de piezas que especulan sobre futuros e ideas posthumanistas.

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Tendido sobre uno de los numerosos canales que vascula la ciudad de Copenhage. El recién inaugurado puente de Cirkelbroen tiene como objetivo vertebrar la linea de costa dando continuidad al paseo marítimo.

Con un diseño inspirado en la historia y tradición marítima de uno de los puertos mas importantes del mar del Norte. El proyecto encargado en este caso presenta una peculiaridad y que lo diferencia de la practica totalidad de proyectos que presentan similares caracteristicas.

Y es que ha sido realizado por el artista plástico Eliasson Olafur en vez de a un estudio de arquitectura. Por lo que el primer paso fue documentarse antes de emprender el proyecto, sobre la relación de la ciudad de la Sirenita y sus habitantes con el mar.

A pesar de su escaso conocimiento sobre arquitectura el puente presentado por Eliasson Olafur, articula el territorio gracias a su modularidad. Lo que permite la circulación de embarcaciones de calibre pequeño medio por su cauce.

Ya que su estructura cuenta con un sistema de sensores que evalúa las características de las embarcaciones, abriendo parcialmente el puente en función de las dimensiones de las naves que transitan por el cauce del rio.

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Compuesto por cinco plataformas circulares el puente de Cirkelbroen, además de su función de tránsito fluvial, se convierte en un lugar de encuentro, en un espacio publico ganado al mar donde reunirse, pasear o relajarse comtemplando la linea de horizonte que dibuja el mar.

La primera vez que tuve la oportunidad de encontrarme con la fotografías ilustradas del diseñador mexicano Diego Huacuja. Tuve la impresión de que se trataban de caricaturas realizadas in situ, en las que el paisaje urbano servía como decorado a escala real.

Aunque firma con el seudonimo de Deachete. Se trata de historias graficas protagonizadas por personajes representados en blanco y negro, donde sus rasgos faciales se difuminan como su identidad liquida, en una realidad en la causan el asombro de la gente que se cruza con ellos.

Que muestran una expresión que se caracteriza por su estupor. Debido al comportamiento obsceno que exhiben sus personajes, los cuales nos describe una sociedad sórdida donde los valores humanos se han consumido siendo sustituidos por automatismos sociales extraídos de la ficción.

Aunque su línea principal de trabajo es la ilustración y la animación. Desde que estableció su estudio de animación en la Ciudad de México en 2010, ha coqueteado con otros ambitos creativos, trabajos que le ha aportado una experiencia gracias a la que ha desarrollado una identidad propia.

Si renunciar a ciertas dosis de ironía, las tarjetas ilustradas de Diego Huacuja, trazan la cada vez mas tenue entre la realidad y las texturas virtuales. Describiendo los peligros de una sociedad homogenizada por procesos multimedia donde el lenguaje y el argumento se reduce a gestos convencionalismos sociales convirtiéndola en una parodia.

A lo largo de estas casi dos decadas de trayectoria su trabajo galardonado ha sido reconocido individual y colectivamente en el ámbito nacional y festivales internacionales de diseño y animación como Promax BDA, New York Film Festival, Siggraph, Festival de Cine Contemporáneo de México (FICCO, 2008), Animacor, Telly Awards, SXSW Film Design Awards o el Cut Out Fest.

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El estudio español de Selgascano ha sido sin duda uno de los máximos exponentes de la temporada. Sus propuestas sencillas donde la funcionalidad y los materiales en la mayor parte obtenidos a partir de procesos de reciclaje.

Se traducen en diseños y arquitecturas lúdicas donde la actividad del color y el tratamiento de espacios, provocan un efecto inmediato que actúa positivamente sobre el estado de animo de sus usuarios. Formado por volúmenes poligonales fabricados con plástico basado en flúor opaco y translúcido (ETFE) en una variedad de colores.

El pabellón de paredes traslucidas titulado Serpentine pavilion, se comporta como una estructura flexible donde se reorganiza el espacio. En función de criterios como la actividad o la orientación solar, pudiéndose trasladar de forma modular.

Desde el año 2000, la Serpentine Gallery ha encargado un pabellón temporal de verano a un arquitecto destacado cada año. Esta serie presenta el trabajo de un arquitecto o equipo de diseño internacional que no había completado un edificio en Inglaterra en el momento de la invitación a la galería. Cada pabellón está situado en el césped de la galería durante tres meses. El primer Pabellón de Verano fue diseñado por Zaha Hadid en 2000 y desde entonces contó con pesos pesados como, Sejima Kazuyo y Ryue Nishizawa de SANA, Olafur Eliasson y Rem Koolhaas. La última edición en 2019 fue diseñada por el aclamado arquitecto japonés Junya Ishigami.

Instalado en el jardin de la galeria situada en las afueras de la ciudad de Londres, el perfil y la fragilidad del pabellón. Contrasta con el paisaje donde se asienta siendo un dispositivo que por sus cualidades estéticas potencia la actividad social y la participación.

SelgasCano es un estudio de arquitectura formado por los madrileños José Selgas y Lucía Cano. Sus obras en España son el de Plasencia Auditorio y Centro de congresos. En 2015. Su trabajo ha sido expuesto en el MOMA, asi como en el Guggenheim de Nueva York. El estudio ha sido nominado para recibir un Pritzker.

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