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Harta de las diputas con su casero por lo que consideraba el pago de un alquiler abusivo, Leonie Müller una mujer independiente y amante de los viajes entren. Decidió abandonar su vivienda habitual y su vida sedentaria.

Y experimentar con alternativas nómadas, en su caso decidió utilizar el magnifico servicios ferroviario de Alemania. Una extensa red que abarca todo el territorio alemán y que por unas tarifas relativamente economistas te permite recorrer todo el país conociendo lugares y relacionandote con sus pobladores, algo que adoptando una forma de vida convencional es practicamente imposible.

Equipada con una mochila y su ordenador personal desde el que actualiza su blog desde el transmite de forma detallada todas y cada una de sus peripecias. Leonie además ha podido constatar como su cuenta de resultados ha mejorado, debido al ahorro de hasta un 40% en relación que ha llevado hasta ahora y que le suponía un perjuicio importante, facturas, tasas, averías que con su nuevo estilo de vida han desaparecido.

Aunque en principio Leonie tan solo ha planificado un año viviendo en tren, que compagina con breves instancias en determinados destinos, no descarta prorrogar la experiencia siempre y cuando lo pueda compaginar con su faceta laboral.

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A punto de finalizar su año sabático ferroviario, Leonie hace un balance muy positivo, según ella sus vivencias al bordo de tren le han supuesto un enriquecimiento a nivel personal. Habiendose dado cuenta de lo vacía que suponía vivir una vía anclada a un mismo lugar.

Aunque se pueden visitar en cualquier época del año solo se puede acceder a su interior en Invierno. Cuando las bajas temperaturas han solidificado el hielo de sus paredes interiores y se puede garantizar la seguridad de sus visitantes.

Situadas al borde del glaciar Svinafellsjokull que forma parte del parque natural de Skaftafell en Islandia. Se trata de una de las muchas grutas horadadas en el hielo a lo largo de miles de años, que salpican la mayor parte de la geografía de la isla.

Siendo su mayor atractivo el contraste de tonos azulados que ofrecen sus techos abovedados. Un espectáculo único de la naturaleza que se produce por un fenómeno de la preusurización, debido a esta falta de oxigeno absorbe el mayor rango de luz visible, creando un efecto cromático único.

Que se muestra en todo su esplendor recién finalizada la época de lluvias. Aunque no destaca por su profundidad, sin embargo su composición geológica única formada por millones de cristales solidificados a partir de los torrentes de agua que se filtran desde el exterior.

Situada concretamente en el Parque Nacional de Vatnajökull. Esta cueva se forma por la interacción dinámica de los glaciares y la actividad volcánica. Sus impresionantes formaciones de hielo incluyen intrincadas esculturas, paredes de hielo y arcos.

Para acceder a su interior hay que recorrer la lengua del Vatnajökull, que resulta ser el mayor glaciar de Europa. Este glaciar también alberga el Hvannadalshnúkur, el pico más alto de Islandia.

Sus deslumbrantes tonos pristinos convierten las arista de sus hielos perpetuos en una experiencia, que solo se puede completar contactando con el personal cualificado que gestiona el parque.

Y que al entrar en contacto con el clima extremo del interior adoptan caprichosas formas. Convirtiéndolo su visita en un museo natural elaborado pacientemente por la naturaleza y que cada nueva temporada ofrece al visitante una selección de piezas únicas y efimeras.

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El Henequén conocido como oro verde es una planta que ya era utilizada por los pobladores de las comunidades Mayas que se asentaron. En los que en la actualidad como Yucatan en México.

Aunque en principio se trataba de un material que debido a sus propiedades de mareabilidad y resistencia era el idóneo para elaborar cuerdas y sojas. Con el paso del tiempo se fueron añadiendo nuevos usos en el sector textil y artesano, donde se los objetos fabricados se han convertido en el reclamo de miles de turistas que lo adquieren como souvenir.

Residente en el municipio de Maxcanú, la artista Amor Muñoz se dio cuenta enseguida de su potencial como soporte enfocado a otros usos mas allá de los tradicionales. Comprobando que podía ser el complemento perfecto donde integrar soluciones energéticas renovables como paneles solares y diodos LED.

El proyecto denominado Yuca-Tech trabaja con las comunidades de artesanos locales en la elaboración de diferentes complementos diseñados ex-profeso, con el objetivo de que se conviertan en elementos útiles desde el punto de vista energético, ofreciendo productos que cumplan una función útil.

Financiado mediante las aportaciones obtenidas a traves de un un proyecto crowfunding. La iniciativa cuenta con la participación de diferentes entidades administrativas regionales, habiendose creado una plataforma cuyo objetivo es extender su actividad al resto de la región.

Yuca-Tech fusiona practicas ancestrales incorporando elementos tecnologicos en su diseño y confección, creando un tejido económico donde se trabaja a partir de procesos artesanales en un contexto social y económico sostenible, donde el respeto por el medio ambiente es una piedra angular del proyecto.

A lo largo de los ultimos diez años Muñoz ha trabajado con la artesanía incorporandole soluciónes tecnológicas. Dando como resultado productos hibridos compuestos por materiales textiles y componentes electrónicos, cambiando circuitos duros por circuitos blandos, transformando el lenguaje rígido de la ingeniería en un lenguaje funcional táctil y flexible. Esta conexión entre tecnología y artesanía la ha llevado a desarrollar varias líneas de trabajo e investigación. El primero trata del trabajo y la tecnodiversidad, generando una serie de proyectos sociales y participativos. Otra línea de trabajo es la Codificación Poética en la que busca conectar nodos como el texto, el textil y el código compuesto ceros y unos. Y la tercera línea de investigación busca relacionar la biología con la tecnología y la artesanía para crear una serie de piezas que especulan sobre futuros e ideas posthumanistas.

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Tendido sobre uno de los numerosos canales que vascula la ciudad de Copenhage. El recién inaugurado puente de Cirkelbroen tiene como objetivo vertebrar la linea de costa dando continuidad al paseo marítimo.

Con un diseño inspirado en la historia y tradición marítima de uno de los puertos mas importantes del mar del Norte. El proyecto encargado en este caso presenta una peculiaridad y que lo diferencia de la practica totalidad de proyectos que presentan similares caracteristicas.

Y es que ha sido realizado por el artista plástico Eliasson Olafur en vez de a un estudio de arquitectura. Por lo que el primer paso fue documentarse antes de emprender el proyecto, sobre la relación de la ciudad de la Sirenita y sus habitantes con el mar.

A pesar de su escaso conocimiento sobre arquitectura el puente presentado por Eliasson Olafur, articula el territorio gracias a su modularidad. Lo que permite la circulación de embarcaciones de calibre pequeño medio por su cauce.

Ya que su estructura cuenta con un sistema de sensores que evalúa las características de las embarcaciones, abriendo parcialmente el puente en función de las dimensiones de las naves que transitan por el cauce del rio.

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Compuesto por cinco plataformas circulares el puente de Cirkelbroen, además de su función de tránsito fluvial, se convierte en un lugar de encuentro, en un espacio publico ganado al mar donde reunirse, pasear o relajarse comtemplando la linea de horizonte que dibuja el mar.

La primera vez que tuve la oportunidad de encontrarme con la fotografías ilustradas del diseñador mexicano Diego Huacuja. Tuve la impresión de que se trataban de caricaturas realizadas in situ, en las que el paisaje urbano servía como decorado a escala real.

Aunque firma con el seudonimo de Deachete. Se trata de historias graficas protagonizadas por personajes representados en blanco y negro, donde sus rasgos faciales se difuminan como su identidad liquida, en una realidad en la causan el asombro de la gente que se cruza con ellos.

Que muestran una expresión que se caracteriza por su estupor. Debido al comportamiento obsceno que exhiben sus personajes, los cuales nos describe una sociedad sórdida donde los valores humanos se han consumido siendo sustituidos por automatismos sociales extraídos de la ficción.

Aunque su línea principal de trabajo es la ilustración y la animación. Desde que estableció su estudio de animación en la Ciudad de México en 2010, ha coqueteado con otros ambitos creativos, trabajos que le ha aportado una experiencia gracias a la que ha desarrollado una identidad propia.

Si renunciar a ciertas dosis de ironía, las tarjetas ilustradas de Diego Huacuja, trazan la cada vez mas tenue entre la realidad y las texturas virtuales. Describiendo los peligros de una sociedad homogenizada por procesos multimedia donde el lenguaje y el argumento se reduce a gestos convencionalismos sociales convirtiéndola en una parodia.

A lo largo de estas casi dos decadas de trayectoria su trabajo galardonado ha sido reconocido individual y colectivamente en el ámbito nacional y festivales internacionales de diseño y animación como Promax BDA, New York Film Festival, Siggraph, Festival de Cine Contemporáneo de México (FICCO, 2008), Animacor, Telly Awards, SXSW Film Design Awards o el Cut Out Fest.

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El estudio español de Selgascano ha sido sin duda uno de los máximos exponentes de la temporada. Sus propuestas sencillas donde la funcionalidad y los materiales en la mayor parte obtenidos a partir de procesos de reciclaje.

Se traducen en diseños y arquitecturas lúdicas donde la actividad del color y el tratamiento de espacios, provocan un efecto inmediato que actúa positivamente sobre el estado de animo de sus usuarios. Formado por volúmenes poligonales fabricados con plástico basado en flúor opaco y translúcido (ETFE) en una variedad de colores.

El pabellón de paredes traslucidas titulado Serpentine pavilion, se comporta como una estructura flexible donde se reorganiza el espacio. En función de criterios como la actividad o la orientación solar, pudiéndose trasladar de forma modular.

Desde el año 2000, la Serpentine Gallery ha encargado un pabellón temporal de verano a un arquitecto destacado cada año. Esta serie presenta el trabajo de un arquitecto o equipo de diseño internacional que no había completado un edificio en Inglaterra en el momento de la invitación a la galería. Cada pabellón está situado en el césped de la galería durante tres meses. El primer Pabellón de Verano fue diseñado por Zaha Hadid en 2000 y desde entonces contó con pesos pesados como, Sejima Kazuyo y Ryue Nishizawa de SANA, Olafur Eliasson y Rem Koolhaas. La última edición en 2019 fue diseñada por el aclamado arquitecto japonés Junya Ishigami.

Instalado en el jardin de la galeria situada en las afueras de la ciudad de Londres, el perfil y la fragilidad del pabellón. Contrasta con el paisaje donde se asienta siendo un dispositivo que por sus cualidades estéticas potencia la actividad social y la participación.

SelgasCano es un estudio de arquitectura formado por los madrileños José Selgas y Lucía Cano. Sus obras en España son el de Plasencia Auditorio y Centro de congresos. En 2015. Su trabajo ha sido expuesto en el MOMA, asi como en el Guggenheim de Nueva York. El estudio ha sido nominado para recibir un Pritzker.

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Fascinado por las formas arquitectónicas que ejecutan las colonias de hormigas para construir sus hormigueros. El artista Ben Butler ha utilizado 10.000 sticks elaborados a partir de los residuos extraídos de los miles de troncos de álamo que se emplea en la industria maderera.

La instalación que se proyecta tridemensionalmente en el espacio representa las infinitas formas que puede adoptar una estructura. Ben Butler conocido por emplear figuras geométrica en sus instalaciones.

En esta titulada Unbouded (sin limites), se ha decidido por crear un andamiaje de cubos que se sucedes en todas las direcciones. Expuesta en la Rice Gallery

La intervención de carácter especifica pretende transmitir la sensación de movimiento a través de un patrón de crecimiento aparentemente arbitrario. Donde sin embargo la lógica de los cubos repetidos trazan convergiendo en formas donde se equilibra la tensión de sus medidas.

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Unbouded es el resultado simple del estudio de la complejidad de procesos naturales y de parámetros inconscientes que se observan en los diferentes ecosistemas que interactúan en el medio ambiente.

Ben Butler es un escultor y artista que trabaja entre Memphis, Tennessee, y Quoque, Nueva York. Sus esculturas reflejan la sensibilidad de que los objetos no son fijos ni finitos, sino producto o residuo de procesos en curso. Evidencian fuerzas invisibles y señalan la distinción entre lo humano y lo no humano. En el mundo natural, la complejidad inesperada surge de procesos simples y persistentes. Cuando el orden de las cosas no es evidente, la complejidad suele confundirse con el caos. En la prisa por comprender, a menudo pasamos por alto las maravillosas fuerzas invisibles en acción. Su respuesta es jugar con estos límites entre lo simple y lo complejo, y entre lo complejo y lo abrumador.

Lo que comenzo siendo un hobby, tras un largo periodo de preparación se convirtió en un proyecto de innovación medio ambiental. Que contemplaba el espacio público como su banco de pruebas.

Un proyecto cuyo titubeante inicio coincidía con la finalización de los estudios del autor como ingeniero medio ambiental, fundado a continuacion el estudio Andreco. A través de que canalizar todas las ideas que hasta el momento ha materializado.

Practica que ha convertido en todo un estándar a la hora de intervenir sobre su entorno interpretándolo desde una óptica donde la presencia, de una diversidad de formas vegetales. Es el eje principal a partir del que se desarrolla todos y cada uno de los encargos que ha completado.

Andreco incorpora en sus actuaciones urbanas elementos que en muchos casos son producto de procesos parasitarios de vegatación residual de origen urbana, con la que crea murales donde los componentes ecológicos y su simbolismo se convierte en el mensaje subyacente de cada intervención.

En otras intervenciones sin embargo se inspira en hechos históricos que han influido sobre los miembros de la comunidad sobre las que actúa. Formalizando un vinculo entre el resultado visual y los orígenes vernáculos de sus pobladores recurriendo a planteamientos participativos. Que entre otros efectos tienen el de fortalecer la expresión colectiva, tanto de sus miembros a nivel individual, como su percepción y el sentido de comunidad.

En este contexto sus dos iniciativa más representativas hasta la fecha y que definen su compromiso y activismo medio-ambiental son: Por una parte Proyecto de Arte Clima, donde de forma itinerante interviene en el paisaje urbano creando mensajes solidarios con el entorno natural, utilizando vegetación.

Y como complemento a este FLUMEN, proyecto que entra en la especificación. Centrándose en la conservación de los ríos y los humedales y la defensa ambiental. Ambos proyectos se desarrollan en colaboración con centros de investigación, instituciones culturales, universidades, grupos ambientales y comunidades locales.

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Andreco es un artista multidisciplinar y con vocación global, en cuyas propuestas se combinan el activísimo ecológico, la memoria y un afán por imprimir un mensaje donde los valores humanos se convierte en su principal forma de expresión.

Unos sencillos carteles ribeteados avisan a los viajeros incautos de la posibilidad de precipitarse al vació. Al caer por algunas de los cientos de respiraderos que sirven para oxigenar los cientos de kilómetros.

De galerías por las que desde hace mas de un siglo se extrae miles de toneladas de ópalo. Habiendo convertido esta explotación minera situada a poco mas 800 kilómetros al Norte de la ciudad australiana de Adelaida, en el yacimiento mas importante del mundo. Desde que como consecuencia de un acto trivial, un niño que al estar jugando en las proximidades de una cueva hallara trazas del preciado mineral.

Se trata de un territorio inhóspito y árido ha florecido una comunidad en la que conviven los trabajadores que tanto directamente como indirectamente, viven de la extracción del ópalo. Sus pobladores se la han ingeniado para adaptarse a unas condiciones extremas, caracterizada por unas altas temperaturas.

¿Como? aprovechando los recursos disponibles, formados por una red de túneles en desuso. Cavidades a partir de las que han construido no solamente sus viviendas, sino aquellos equipamientos mínimos con los que crear un entorno social donde sus miembros puedan desarrollarse relacionandose entre si.

La ciudad de Coober Pedy de la que estéticamente el visitante solo puede apreciar las chimeneas y las antenas de la televisión, ha evolucionado con el paso del tiempo. Habiendo pasado de ser una comunidad dependiente energeticamente, ha obtener la energía de fuentes renovable como la fotovoltaica, la eólica o la geotermica.

Con mas de setenta pozos Coober Pedy habitables cuenta con hoteles, biblioteca, restaurantes. Habiendose convertido en un punto de atracción turística. Donde sus visitantes pueden experimentar como se vive habitualmente en el subsuelo.

El 1 de febrero de 1915, Wille Hutchison extrajo el primer ópalo en la zona, después de lo cual se estableció la ciudad. Los mineros de ópalo comenzaron a crear los primeros asentamientos alrededor de 1916. En julio de 1975, los aborígenes locales de Coober Pedy adoptaron el nombre Úmoona, que significa "larga vida" y es también su nombre para el Acacia aneura, árbol o mulga, que es abundante en la zona. Desde entonces, el nombre se ha utilizado para varios establecimientos de la ciudad.

Tras finalizar la Primera Guerra Mundial, los soldados que regresaban buscaban empleo en las minas de ópalo, que se estaban expandiendo rápidamente, fenomeno durante el periodo inmediatamente posterior a la Segunda Guerra Mundial. Cuando muchos refugiados, veteranos e inmigrantes de Sur y Europa del Este trabajaron en las minas. En algunos momentos del período de posguerra, hasta el 60% de los mineros de Coober Pedy tenían ascendencia de Europa meridional o oriental. Los aborígenes también fueron empleados en la industria desde la década de 1940.

Conocidas "dugouts", cada casa cueva presenta una distribución estándar compuesta por tres dormitorios con salón, cocina y baño, cada vivienda esta excavada en la roca de la ladera de la colina. Los dugouts permanecen a una temperatura constante, mientras que los edificios de superficie necesitan aire acondicionado, especialmente durante los meses de verano, cuando las temperaturas a menudo superan los 40 ° C (104 ° F) humedad relativa rara vez supera el 20% en los días calurosos.

Coober Pedy en la actualidad vive tanto del turismo como de la industria minera del ópalo para proporcionar a la comunidad empleo. Las atracciones turísticas en Coober Pedy incluyen las minas, el cementerio y las iglesias subterráneas (la Iglesia Ortodoxa Serbia y la Iglesia Católica). Hay varios moteles que ofrecen alojamiento subterráneo, que van desde unas pocas habitaciones hasta un refugio. La comunidad cuenta con una central híbrida de energía solar y eolica, instalación con la que se garantiza la autonomia de la población.

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Que mejor combinación visual para un día de resaca, que descubrir una ciudad filmada en blanco y negro y mostrada a través de los ojos de un skate.

La ultima producción del creativo audiovisual Kristijan Stramic transmite como en ocasiones precedentes una atmósfera donde la poesía adquiere movimiento en una ciudad indeterminada donde el agua le da un barniz onírico.

Titulado Signature el trabajo que tiene como escenario de operaciones Liubliana capital de Eslovenia, representa una guia diferente de una bella y desconocida ciudad

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