Nomada Q

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Ama tu ritmo y ritma tus acciones
bajo su ley, así como tus versos;
eres un universo de universos
y tu alma una fuente de canciones.

La celeste unidad que presupones
hará brotar en ti mundos diversos,
y al resonar tus números dispersos
pitagoriza en tus constelaciones.

Escucha la retórica divina
del pájaro, del aire y la nocturna
irradiación geométrica adivina;

mata la indiferencia taciturna
y engarza perla y perla cristalina
en donde la verdad vuelca su urna.

Creado por estudiantes de la Universidad de Mcgill en Toronto (Canada), el ContemPLAY Pavillion esta situado en el campus del centro de la universidad, esta iniciativa dirigida por los estudiantes, fue una colaboración con FARMM (Fondo para la Investigación de Arquitectura y Mediación Medios de Comunicación), con el propósito de investigar la relación entre el diseño y la fabricación en la era digital. Fabricado con materiales provenientes del la industria maderera local, jugando un papel fundamental en la construcción del pabellón.

El pabellón ocupa una superficie de 8.8m x 6m y una altura total de 3.7m. La estructura en sí se compone de 140 costillas de contrachapado planas unidas con otros 140 nodos metálicos, triangulados en un marcos por 266 tubos de metal. Toda la estructura está revestida con 302 tiras de moiré fijados a las costillas por las juntas de madera contrachapada en total 1208 trapezoidales.

El pabellón esta inspirado en la banda de Moebius, diseñado en tres dimensiones, esta articulado por una estructura de marco espacial, se imagina como un artefacto que se acopla a la escuela en varias escalas. Intencionalmente ambiguo, de lejos el pabellón interactúa con los estudiantes en diferentes maneras, debido a la celosía de moiré que distorsiona el campo visual da la impresión de que está en movimiento.

De cerca, el espacio se convierte en una contemplativa envuelto por la pared, que se transforma en la campana. El diseño fue el resultado de un proceso de diseño de tres meses de colaboración, que dio lugar a la resolución de la forma construida.

Las condiciones del lugar donde se desarrolla la obra de un artista definen su obra, existen multitud de ejemplos en los que el vinculo entre el autor y la ciudad donde desarrolla su obra es tan fuerte, que seria complicado reconocer las características de determinado, prescindiendo de la luz, la arquitectura, las sombras, los olores, colores e incluso el carácter de sus gentes.

El artista de Melbourne (Australia) James Reka de nombre artístico Rekaone, se ha formado artísticamente, desarrollando la mayor parte de su prolífica carrera en las antipodas, donde ha realizado numerosas intervenciones en diferentes ciudades, empezando por su lugar de residencia, desde donde ha proyectado su imagen. Pero siempre anhelando alcanzar el viejo, deseo que se ha cumplido este verano.

Bristol y Londres en (UK) y sobre todo París, donde ha concentrado el grueso de su producción estival. Aplicando la mismas técnicas y el estilo que le caracteriza, Rekaone ha logrado profundizar en la identidad de su trabajo, armonizandolo con el paisaje urbano donde cobra un sentido completo, mostrándose los matices en todo su esplendor.

Sus orígenes se encuentran en los callejones y las líneas metropolitanas en los suburbios de la ciudad, que le vio crecer, donde ha madurado un estilo popular, donde conviven personajes que emergen del imaginario de Reka, y que esta influenciado por el surrealismo, el arte abstracto y la cultura pop. Sus personalidades son similares a los de su contexto metropolitano a menudo decrépito, creando de un diálogo entre el espectador y su entorno a partir de sus murales.

Debido a esto Rekaone ha desarrollado un estilo que surgió de sus habilidades creando logotipo comerciales, con líneas simples pero sorprendentes y formas de color. También tiene una base aportada por el anime y la cultura del juguete. Con el tiempo, los logotipos y símbolos evolucionaron hacia formas más estructuradas, aplicándolo tanto a murales como diseño gráfico y fotografías.

Mucha locura es la mas divina sensatez

Para un ojo sagaz

Mucha sensatez .-es la mas absoluta locura-.

La mayoría

En esto, como en Todo, prevalece

Asiente .-y estarás cuerdo-.

Objeta .-e inmediatamente eres peligroso-.

Y seras encadenado.

La ultima edición de Eurobike en Alemania, pese a la situación anodina de los fabricantes de bicicletas, se aumentado el numero de expositores y visitantes, aunque según sus organizadores donde se ha observado un mayor incremento ha sido en la presentación de prototipos por parte de los estudios de diseño, que se acercan a los stand para mostrar sus ultimas ideas en cuanto al diseño de bicicletas y e-bikes, un apartado el de las bicicletas eléctricas, que como ya es costumbre en las ultimas convocatorias ha concitando buena parte de la atención del publico y los medios acreditados.

El modelo Cannondale Concept Bike, presentado por el estudio Priority Designs destaco por su impactante diseño, y por integrar un innovador sistema modulador que sustituye a los engranajes de la cadena y los piñones de la rueda de la rueda trasera. Regulable de forma dinámica, la conducción de la bici se basa en el concepto CERV, un manillar flexible se mueve de forma dinámica tanto de proa a popa como en vertical de arriba hacia abajo.

La genialidad radica en lograr que el sillin no se desplace en relación al manillar. Este sistema pone al ciclista en una posición óptima según las características d el terreno. El manillar se inclina de forma vertical hacia adelante y hacia abajo cuando el terreno es descendente. Al subir, se inclina hacia arriba y hacia atrás, adoptando una posición más equilibrada del manillar.

Antes de presentar su ultima instalación No-Pain, en el Festival de arte de Edimburgo (Escocia), donde reproduce las instalaciones de una clinica veterinaria clausurada debido a sus malas practicas, donde el artista polaco Kusmi Robertrowski vuelve por sus fueros, realizando una obra a gran escala donde escenifica una localizacion, que en su momento fue reformada, diluyendose parte de su historia. Abre un breve inciso con la intervención Mock-Up of the Demolition Project, siendo prácticamente lo opuesto al proyecto anteriormente mencionado, pero aun así de temática similar.

Un edificio, poco antes de ser demolido, es sometido a un lavado de cara, pintado de blanco, junto con todos los objetos relacionados con la estructura, su aspecto inmaculado a punto de ser derribado, contrasta con los edificio adyacentes, que pese a ser de construcción mas reciente, presentan ya las cicatrices del paso del tiempo. En esencia el resultado es un modelo para la deconstrucción en el lugar donde se construirá un nuevo edificio, borrando cualquier referencia a la antigua edificación, en esencia el blanco simbolizaria el alma de la antigua vivienda.

Conocido por recreaciones meticulosas de escenarios históricos, las instalaciones de Kusmirowski desafían a la noción de lo real. Un híbrido de la imaginación del artista y los recuerdos personales de lugares reales, y de la versión representada en las películas y fotografías, estas obras reunen objetos encontrados con elementos construidos como madera, cartón, pintura y otros materiales como estructuras y objetos diversos, con los que el artista profundiza en las historias del pasado personal y colectivo, hurgando en la memoria del lugar, e interrogándose sobre lo que sucedió.

El prototipo solar diseñado por el arquitecto alemán André Broessel para la firma Rawlemon, adopta la forma esférica del disco solar, en un modelo que imita al astro rey.

Y que según su creador alcanza una eficiencia de radiación solar del 35%. Las células de Spherical Glass Solar están fabricadas con laminas ultrafinas de silicio monocristalino, que permite adaptarse a las esferas.

Las lentes Spherical Glass Solar, emplea tecnología fotovoltaica concentrada, con un sofisticado sistema de seguimiento óptico. Actuando como una lente, la plataforma grande llena de agua el orbe, concentrando la luz del día difusa o luz de la luna en una célula solar con la ayuda de seguimiento óptica.

En ciertas configuraciones, el prototipo puede ser utilizado para la generación de energía solar térmica. Además del modelo estándar destinado para grandes explotaciones. Broessel ha desarrollado una versión móvil del destinado a uso doméstico.

Estos dispositivos no son su primera incursión en la energía fotovoltaica concentrada, pero probablemente es el visualmente mas impresionante.

Si la visión del arquitecto con sede en Barcelona del futuro se hace realidad, el diseño de Spherical Glass Solar, se podría combinar con diferentes materiales, adaptandose a las mas diversas estructuras arquitectónicas, produciendo un efecto decorativo e incluso artístico.

A lo largo de la ultima semana, una de las líneas de tranvía de Helsinki ha estado llevando un cargamento inusual - plantas donadas por los pasajeros para su inclusión en un jardín urbano parque, construido a partir de madera reciclada en un sitio industrial en desuso en la capital finlandesa.

Inspirado en una montaña rusa emblemática de madera construida para los Juegos Olímpicos de 1952 en Helsinki, el tranvía Planta Urban Garden fue comisionado por el Briti Councilsh y diseñado por el estudio de paisajismo londinense Wayward como un "proyecto participativo" que utiliza la red de la ciudad, el transporte local para construir un jardín para disfrute de sus ciudadanos.

Compuesto por cajones de madera alineados a diferentes alturas, el jardín urbano en sí permanecerá en exhibición en Suvilahti, una antigua central eléctrica y fábrica de gas en el noreste de la ciudad, hasta el 16 de septiembre, como parte de World Design Capital de Helsinki 2012.

Invitada por la Papier Biënnale 2012, que se celebra en La Haya (Países Bajos), la artista Alicia Martín, convoco a los ciudadanos de la ciudad, para que aportaran los miles de libros con los que ha realizado la instalación Sculpturen van letters. Una cascada en forma de torrente, que se precipita desde una ventanas del piso superior, del Museo Meermanno, marco que acoge una de las muestras mas singulares del viejo continente, un encuentro en las que sus participantes elaboran sus obras in situ, utilizando como principal material el papel y la celulosa en sus diferentes variantes.

Como en anteriores ocasiones Alicia Martín recurre a un elemento de la naturaleza, para trasladarlo al paisaje urbano. Utilizando los libros como chorros de agua, un artificio que visualmente tiene un gran impacto estético sobre el espectador, para el que el significado de la intervención es facilmente comprensible.

Alicia Martín ha utiliza medios como la fotografía, la escultura, la instalación, el dibujo o más recientemente el vídeo. Una de las constantes que caracteriza su obra es la utilización casi obsesiva del libro como materia prima. La metáfora del tiempo, la ocupación del espacio, la relación del arte contemporáneo con la cultura, la memoria bibliográfica como representación física del conocimiento, o la ética como cuestionamiento de todo aquello que se enseña, son algunos de los elementos que configuran su imaginario.

Fotografias COLLABCUBED

Desde que la tendencia en la realización y exhibición de obras cinematográficas en 3D se pusiera de moda, obligandota a ponerte unas gafas con lentes de colores para poder visionar una producción audiovisual.

Un accesorio que mas enriquecer tu experiencia de visionado, supone una molestia seudotecnologica, mi asistencia a las salas de proyección ha disminuido considerablemente. Habito que podría recuperar si algún visionario aplicara la tecnología, creada por el colectivo de arte multimedia Jonpasang para la instalación Hyper-Matrix.

Encargada por la compañía Hyundai para su pabellón en la ultima edición de la Expo Yeosu 2.012 en Corea. Según la creativa de Jin-Yo Mok, uno de los integrantes de Jonpasang -Bueno ... no es exactamente un salvapantallas, su concepto esta mucho mas cercano a una proyección de 180º-.

Formada por cubos de poliestireno accionados por un motor, conectados a un ordenador, esta instalación cinética reproduce fragmentos de coreografías que incorpora figuras geométricas y objetos.

Hyper-Matrix es una instalaccion que ofrece una experiencia visual completa en 3D, que podría tener un recorrido comercial en salas cinematograficas.

Las superficies tridimensionales rodean a la audiencia, que experimenta ópticamente como los cubos componen una diversidad de figuras geométricas y objetos, la matriz de esta manera se convierte en una superficie de proyección panorámica.

Como parte de la primera restropectiva que se realiza de su obra en el Rockbund Art de Shangai, la artista Paola Pivi, una serie de instalaciones por reproducciones de pieles de oso, que impactan por su realismo, dispuestas superpuestas el gesto amenazante de la cabeza de los oseznos, parecen cobrar vida.

Paola Pivi (n. 1979, Milán, Italia) vive y trabaja en Anchorage, Alaska. Su trabajo ha sido expuesto ampliamente en toda Europa, Oriente Medio, Asia, Australia y Estados Unidos. Pivi recibió el León de Oro en la Bienal de Venecia de 1999. Las Instalaciones de Paola Pivi, así como las esculturas, performances, y fotografías crean asociaciones sorprendentes y enigmáticas, relaciones visuales que amplían nuestra comprensión de la experiencia del arte contemporáneo. Reuniendo referencias sorprendentes de nuestro mundo cotidiano, ha orquestado situaciones inesperadas, donde se mezcla lo cotidiano y lo surrealista, su trabajo en última instancia, nos habla de la expectativa y lo imprevisto. En la práctica Pivi desafía nuestro modo de compromiso mediante la presentación de la inconcebible como real.

La ciudad de Detroit fue durante décadas símbolo del progreso y la prosperidad de la economía estadounidense, sede de muchas de las mas importantes compañias automovilisticas de los Estados Unidos.

Sus años dorados ya han pasado, produciéndose un deterioro económico que ha traído aparejado un abandono del tejido urbanístico. Quedando extensas áreas de la ciudad y sus edificios despoblados.

¿Entonces porque no reutilizar todo este excedente arquitectónico para otros usos?. Según los responsables del colectivo artistico Detroit Collision Works, que han optado finalmente por realizar el encargo de su nuevo espacio multiusos.

Al estudio especializado en construcción modular KOOP.AM. Existen varios handicaps como son las pésimas condiciones que presentan muchas de las estructuras arquitectónicas, ademas están las trabas administrativas y las condiciones económicas.

En este sentido los contenedores de embarque son considerablemente más duraderos que los materiales de construcción y baratos, y lo que más importante el proceso de construcción es aproximadamente un 30%, mas rápido.

Cuando se finalice de la construcción de Detroit Hotel Project en 2.013, contara con un hotel boutique y un espacio de uso mixto para uso comunitario. El edificio pondrá a disposición de sus clientes 36 habitaciones distribuidas en contenedores de transporte, creando un espacio ecléctico, artístico y verdaderamente único hasta ahora en Detroit.

Los diseñadores, ayudados por el Centro de Diseño de Detroit, eligieron el material de construcción modular debido al largo historial de Detroit con la importación y exportación de mercancías. También consideraron que el material era lo suficiente robusto, fácil de transportar, prestándose a múltiples combinaciones.

El objetivo de esta nueva instalación es proporcionar un espacio a sus colaboradores y artistas, en donde poder desarrollar y experimentar en un lugar donde estén las diferencias áreas integradas en un mismo edificio.

Además de ofrecer una estancia acogedora, sin tener que hospedarse en un establecimiento exterior. Además, la comunidad quiere más espacio para reunirse y colaborar, apoyar los programas de tutoría y compartir historias y experiencias.

Utilizando cinta adhesiva convencional de la usamos de forma cotidiana en nuestras casas el artista Aakash Nihalani dibuja una diversidad de formas geométricas. Intervenciones con las que actúa sobre el espacio publico transformando el paisaje urbano y su contexto desde una óptica lúdica e interactiva.

Utilizando sencillos cubos bidimensionales, trazados con cintas de múltiples colores, el polifacetico artista Aakash Nihalani, aborda el espacio publico desde una perspectiva en el su rendimiento a través de procesos creativos

Los cuales se inspiran en las mismas formas a partir de las que se construye en términos urbanisticos el entorno, con el que establece un diálogo estético que se muestra versátil desde un enfoque visual. Invitandote a participar integrándote en el a través de sus propuestas.

Contemplando los lugares comunes como un lienzo en el que diferentes texturas conforman un mosaico que nos muestra su diversidad. Juego de formas que cogen volumen y en el que tu como sujeto no te limitas tan sólo a observar.

Con su ultima serie titulada Long Island, culmina un periplo que se inicia en 2.007 en New York. Ciudad en la que reside desde su infancia cuando se traslado desde la India con su familia. Habiendo pasado la mayor parte en la gran manzana donde se ha formado academicamente.

Sus trabajos intervienen sobre el espacio publico, creando una ilusión óptica en 3D. En las que tanto el entorno donde se realiza como sus habitantes se transforman, reinterpretando el espacio donde se desarrollan y su uso.

Su próximo proyecto en 2013 será un encargo realizado para un proyecto recientemente finalizado del estudio de arquitectura de en el Herzog y Demeuron. Mas concretamente el escenario sera el Parrish Museum en Long Island en New York. Sobre cuyas fachadas actuara ofreciendo una yuxtaposición gráfica del paisaje y su influencia sobre el edificio.