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Utilizando las antiguas técnicas de construcción que ya empleaban los ingenieros romanos para diseñar, los acueductos con los abastecían de agua sus polis. El artista Vincent Ganivet crea instalaciones aplicando estas mismas fórmulas milenarias.

Ecuaciones que se traducen sobre el terreno en equilibrar las fuerzas de tensión y compresión que recibe la materia con la que realiza conjuntos esculturales formados por arcos. Figuras que aparentemente muy frágiles y livianas pero que poseen la propiedad de soportar de cientos de kilos.

Representado como un objeto artistico cuya forma y concepto técnico está extraido de la Arquitectura. Hecha con bloques de hormigón que se apilan trazando una bóveda flexible a la vez que altamente resistente. Esteticamente se convierte en un objeto de un extraordinaria plasticidad.

Al igual que las pelotas de los malabaristas tiradas al aire, los arcos simbolizan las trayectorias de estas bolas que proporción el equilibrio a cada arcada dotándole de cierto movimiento. El material de esta forma se transfigura, descubriendo nuevas y sorprendentes cualidades estéticas.

Vincent nació en 1976 y vive y trabaja en la Ile Saint-Denis, en el norte de París. Su trabajo se centra en lo absurdo y lo efímero, creando sus obras a partir de materiales simples y comunes que normalmente se utilizan para otros propósitos y funciones.

A través de su meticulosa construcción, se las arregla para atribuir a estas materias primas un cierto carácter poético. Su obra cuestiona también la física. Por ejemplo, sus esculturas gigantes de torsión transforman la luz.

Cuando ya se están calentando motores para la próxima edición del evento global PARK(ing) Day. Cita que de carácter anual cuya convocatoria está organizada por una serie de organizaciones y colectivos.

Que desde una diversidad político y social han creado un calendario de actividades en cuyo transcurso se exponen diferentes propuestas y proyectos. Los cuales contemplan el espacio publico, sus elementos y su uso, desde una óptica, en la que se prioriza el compromiso con unos valores que destacan por su solidaridad y su afán comunitario.

En este contexto recuperamos la intervención realizada por el colectivo Stiftung Freizeit en la calle Wrangelstr de Berlin. La idea planteada consiste en instalar en el espacio publico, un recinto cerrado montado con cajas de cartón blancas.

El exterior da la sensacion de solidez, en el interior el visitante se maravilla ante una selección de plantas colocadas en el interior de los huecos, representan un refugio verde, un oasis camuflado tras una muro blanco que pasa desapercibido.

Unas sencillas cajas de cartón blanco se convierten en una zona ajardinada Pop-Up en una zona de la ciuda, cuyo urbanismo carece de apenas espacios verdes en los que poder reunirse.

Herederos de movimientos como el de la Bauhaus y abanderados de iniciativas como la de la economía circular, Stiftung Freizeit fue fundada en Berlín hará un par de años 2010 por Inés Aubert, Markus Blösl y Rubén Jódar. Tres activistas del diseño social que a partir de cuestionar el tratamiento que se hacen de los recursos comunes. Diseñan actuaciones de baja intensidad cuyo propósito es suscitar procesos de reflexión sobre las prioridades y rendimientos sociales de los espacios comunes.

Que haría un astronauta si en su viaje por el cosmos, hiciera escala en el planeta tierra. El planteamiento del ilustrador Tom Colbie, nos muestra alguien de naturaleza curiosa y pacifico en el trato con los nativos. Poniéndole en contextos realmente cómicos donde el sentido del ridículo se diluye.

Apoyado en un narración ácida en la que el personaje central se convierte casi en una caricatura en un paisaje que la percibe por momentos como algo ajeno y desconcertante. Pero que en el por mera curiosidad se esfuerza por tratar, no solamente de comprender sino de incorporar a su vida.

Tom enfoca cada ilustración como si fuera un episodio en la que todos y cada de los elementos que comparten el espacio ilustrado, se comporta como si estuviera dotado de acción y autonomía propia que le faculta para crear su ficción. Dotando al conjunto de una atmosfera cinematográfica.

Esta capacidad para alternar entre lenguajes se puede apreciar en toda su dimensión en el corto de animación titulado Parallel dimension, una primera incursión en un genero cuyo terreno es desconocido para Tom pero que solventa con suficiencia. El corto que podeis ver AQUI esta acompañado de la banda sonora compuesta por la formación de musica electronica Colony con sede en la ciudad italiana de Verona.

Tom Colbie es un ilustrador influenciado por la cultura Pop mas contemporánea de la que se nutre y le sirve como vehículo y detonante inspirador, con la que interpretar su entorno social desde una perspectiva surrealista e irónica.

En este sentido a menudo con astronautas se muestran en una diversidad de entornos imaginativos e inesperados. Sus piezas incluyen títulos como Ceci n’est pas Unstonaute, Close encounters y STUMELLAND. Conjunto de trabajos que para empiezan por el tratamiento del color cuya aplicacion tiene una fuerte presencia, estableciendo un paralismo con diferentes épocas y escenarios.

Tom Dixon es fundador de un afamado estudio de diseño e interiorismo con sede en Londres, que en 2.005 y con vistas a la celebración de los juegos olimpicos que se celebraran en la capital Inglesa este Verano.

Adquirió un viejo deposito de agua, de los que abastecía a la ciudad de Londres y que fueron sustituidos por la red de alcantarillado a lo largo del siglo XIX. Quedando en muchos casos abandonados o como lugares donde almacenar mercancías de dudosa procedencia, hasta su practica desaparición del paisaje urbano de la ciudad.

En este caso el tanque que selecciono Dixon presentaba una capacidad que ronda los 19.000 litros de agua, presentaba estructuralmente un deterioro considerable, tanto interiormente como en su cubierta exterior, la que ha sido sustituida por un armazón de madera que cubre las tres alturas.

De forma cilíndrica el contenedor, al que se accede ascendiendo hasta los seis metros desde el suelo, por una escalera de tres cuerpos. Aunque el proyecto contempla en un futuro cercano la instalación de un ascensor que facilite su acceso.

En su interior se impone su forma curvilínea y el acierto por parte de su diseñador, de proporcionarle una iluminacion acorde con su orientación hacia el rió Támesis, ganando unas vistas extraordinarias tanto de la ribera del rió como de gran parte de la ciudad. Aunque la habitabilidad y comodidad en su interior está condicionada por las paredes curvas. Su interior decorado con un mobiliario sobrio y cálido pensado para facilitar la movilidad sus residentes.

Lo que sorprende es que las limitaciones de superficie no impiden que este apartamento singular cuente con tres dormitorios, una sala de recepción, una cocina, que estan comunicados mediante una escalera de caracol que recorre el interior del deposito, seccionado en tres partes, cada una con una personalidad propia.

En total supone los inquilinos que deseen disfrutar de este lugar único tendrán a su disposición una superficie de 1.500 metros cuadrados (hay que puntualizar que la mayor parte de la propiedad está ocupada por un jardín además de las zonas comunes que comparten con la comunidad en el que se asienta el deposito). En todo caso estamos ante una cifra nada desdeñable teniendo en cuenta las características singulares del inmueble y sus usos precedentes.

Dixon tiene previsto añadir otras dos apéndices a la estructura original, un dormitorio con cocina americana y un baño completo que estaran disponibles para todo aquel que desee pecnoctar en un lugar exclusivo.

Las otras dos habitaciones en los pisos superiores también están disponibles a tasas similares. La idea es ofrecer un establecimiento donde sus moradores encuentren las condiciones para inspirarse y desarrollar su creatividad en un ambiente cálido.

El mito de la medusa desde que los antiguos lo introdujeron como uno de los elementos mas recurrentes utilizados desde el punto de vista narrativo a partir de que construyeron su universo mitologico.

Ha sido una referencia que ha sido utilizada a lo largo de los siglos, Incluyéndose en multitud relatos. Pero no solamente el horror que provocaba su presencia, ha sido tan sólo utilizado en historias escritas, sino que su sombra alargada, o más propiamente sus tentaculos.

Ha sido el argumento que ha servido de hilo conductor que se ha utilizado, ya sea como protagonista de lo que se quiere contar, o como artificio secundario en miles de historias. Adoptando las más variopintas formas y formatos narrativos.

Y es que la leyenda que colocan a Medusa como un monstruo que sedujo a Poseidón y por eso fue desterrada convive con otra versión que nos la sitúa como ejercía como protectora del templo de Atenea. Teniendo un encuentro por el que sedujo a Poseidón demostrando su estatus.

Ademas de otras cualidades como la belleza y la inteligencia, propiedades que la convertían poco más o menos que en divina. Postura que Atenea interpreta como un desafio, indignada por la profanación de su templo y la osadía de Medusa.

Decide finalmente expulsarla, siendo desterrada y al saber que está embarazada la manda asesinar, encargo que ejecuta Perseo. El cual la decapita, como consecuencia del interior emergen serpientes. Una historia en definitiva lo suficientemente seductora, como para que haya sido objeto creativo en ámbitos urbanos como el de Street Art.

Firmado por el artista urbano Ninja1 and Mach505, el mural titulado Medusa anamorph, que aparte de trasladar de forma comprensible actualizandolo. Es un trabajo que posee un sugestivo componente visual al menos de cara al espectador.

El cual dependiendo del ángulo desde donde se situé para observar el mural, obtendrá una experiencia óptica diferente. Esta técnica consigue un efecto en 3D que transforma la imagen, similar a un efecto morphing. De los que viene en muchos programas de animación. Realizada con motivo de la celebración de la ultima edición de Sub Urb Art, para el estudio Truly Design. Finaliza con el siguiente párrafo extraído del Infierno de Dante,

Dante, "Infierno", Canto IX, vv. 51-57 ¿Recuerdas cómo Perseo tenía que mirar a la imagen de la gorgona Medusa reflejada en el escudo espejo que le había dado Atenea para evitar ser convertido en piedra?

Abordado como un falso documental, su realizador el diseñador teórico y artista Tobias Revell nos muestra a traves de diferentes testimonios, las causas por las que Dharavi, la mayor concentracion de nucleos chabolistas de Mumbai en la India, es un foco de delincuencia y miseria.

Siempre desde una óptica en la que prioriza aquellos aspectos humanitarios Tobias analiza en New Mumbai que podéis ver íntegro AQUI, una realidad en la que la precariedad se ha vuelto endemica. Proponiendo una solución basada en el uso de hongos orgánicos solares, y la producción de energía limpia.

Como elementos que faciliten el desarrollo de los miembros de una comunidad, sobre cuyos terrenos, se han generado importantes planes urbanísticos. Con los que desarrollar un área de terreno que abarca millones de metros cuadrados.

Lo que de concretarse significaría la expulsión de la practica totalidad de las familias, que aunque hacinadas, han convertido aquellos cenagalés en algo lo más parecido a un "hogar". Los hongos modificados genéticamente, adoptarian escalas enormes, instalándose en las cubiertas de los edificios, donde generarian energía a partir de procesos térmicos.

Para narrar esta fabula energética Tobias se traslado al distrito de Dharavi, un barrio que experimento un importante crecimiento, durante la Guerra Civil de la India. Siendo inundados con los refugiados que buscaban escapar del conflicto, en el que perecieron millones de personas.

Las autoridades de Mumbai, enfrascadas en la defensa de la ciudad no advirtieron la enorme cantidad de refugiados que se estaba concentrando en lo que hoy es Dharavi. Situación que se agravaría con el paso del tiempo.

Debido a que alguna zonas se convirtieron en centros de distribución de drogas. Entonces partiendo de la iniciativa de los escasos miembros cualificados de la comunidad, crearon las condiciones para desarrollar el proyecto New Mumbai.

Proyecto solidario a través del que se cultivarian hongos solares modificados genéticamente, creando una red eléctrica que cubriría todo el distrito de Dhiravi. Suministrando energía a partir del calor que se condensa en el interior de la carne fibrosa de los hongos.

Lo que provocaría que el "slum" de Dharavi evolucionaria rápidamente hacia una micro-economía basada entorno al cultivo de las setas. Este documental que parte de una ficción, cuenta la historia de algunos de los personajes que participan en el proyecto New Mumbai para que el distrito de Dharavi consiguiera ser autónomo energeticamte, desarrollándose economicamente como comunidad.

Sayaka Ganz realiza esculturas a partir de las replica de osamentas de diferentes especies de animales, como materia prima utiliza principalmente objetos cuyo origen son los deshechos. Que ella misma recoge o que les dona de forma anonima.

Comprometida con la corriente incipiente que apuesta decidamente por la economía de materiales en los procesos creativos. Postura a la que cada dia se suman cada días más gente de diferentes ámbitos artistiticos, así como desde una diversidad de esferas profesionales como por ejemplo la arquitectura, siendo este estamento uno de los primeros.

En diseñar una serie de patrones más o menos accesibles y por lo aplicables sobre el terreno, obteniéndose unos resultados cuando menos muy prometedores. Y que indican el grado de conciencia que se ha ido generando durante las últimas décadas respecto al impacto ecológico que puede tener las manifestaciones artisticas.

Posiciones cuya proyección social y medio-ambiental se ha comprobado que pese a la tenue replica, que ha tenido en una mayoría de las ocasiones en los medios. (Tendencia que últimamente parece que se está revirtiendo). Si ha provocado que cada vez más artistas incorporen a su praxis artisticas, métodos de aprovechamiento de alto rendimiento.

ARTE RECICLADO QUE TRASCIENDE LO MATERIAL, LO DIVINO Y LO TERRENAL

En el caso de Sayaka, un trotamundos que aunque nacio en la localidad japonesa de Yokohama, periodo que compartió con estancias esporadicas en la isla de Hong Kong y Brasil. Donde aprendió buena parte de su oficio. Para finalmente trasladarse a la ciudad norteamericana de Fort Wayne, en el estado de Indiana.

En las piezas de Ganz se observa una notable influencia de manifestaciones espirituales como la fe sintoísta, relación con esta religión cuando el era aún muy joven. Y que en su concepción emana de creencias ancestrales próximas a los ritos animistas. Cuyos seguidores tienen fe en que los objetos y organismos poseen su espíritu propio.

Su práctica se basa en la veneración de los kami, espíritus sobrenaturales que existen en toda la naturaleza. La conexión entre los kami y la naturaleza permite considerar el sintoísmo como una religión animista.

A medida que su lado artístico se cultivo, infundió a su obra estos dogmas, utilizando materiales de reciclaje en sus esculturas. Tras seleccionar los objetos desechados, los utiliza con el propósito de hacer trascender el origen del animal/formas orgánicas en el mismo momento en que se encotraban vivos y en movimiento, otorgándoles de alguna forma la facultad de la resureccion.

Este proceso de recuperación y regeneración tiene en el fondo un enfoque liberador desde el punto de vista artístico. Creando en su conjunto una narrativa a través de sus esculturas cuyo objetivo en esencia es transmitir un mensaje de esperanza frente a los enormes desafíos que nos enfrentamos como humanidad.

El problema que presentan las turbinas de viento en entornos urbanos, es que son menos eficaces debido a los patrones de vientos irregulares e impredecibles que se producen, disminuyendo la eficacia de la tecnología.

Esta constante climatológica impide que pese a su potencial se pueda garantizar un suministro regular por lo que su uso en la ciudad, es sustituido principalmente por la energía solar fotovoltaica y la termoeléctrica. Aunque últimamente se suelen contemplar como alternativas otras fuentes renovables como la geotérmica.

El prototipo instalado por la compañía McCamley en la Universidad de Keele en el Reino Unido, aborda esta limitacion en la tecnología conocida hasta ahora, demostrado que puede se puede empezar a generar energia a bajas velocidades de viento de tan solo 1,8 metros por segundo.

Esto se consigue con la incorporación de un sistema de auto-regulación, que permite a la turbina seguir trabajando, independientemente de la velocidad del viento. La turbina ha sido diseñada para superar muchos de los problemas asociados a la grandes turbinas de eje horizontal de las que se ven en los parques eólicos. Estas turbinas se basan en una velocidad de viento constante, mientras que los de eje vertical McCamley el modelo es capaz de hacer frente a la naturaleza turbulenta y variable de las condiciones de viento racheado que se encuentran frecuentemente en entornos urbanos.

Esto abre un nuevo y floreciente mercado, del que se podrían beneficiar, empresas, comunidades de vecinos, edificios oficiales, instalaciones deportivas, equipamientos culturales, puertos y aeropuertos entre otros, pudiéndose adaptar a cualquier estructura arquitectónica.

La turbina también se sirve en un formato polivalente, pudiéndose montar sobre techo sin un mástil como soporte, reduciendo los costos de instalación y lo que es más sencillo de implementar que las convencionales turbinas, de tres palas de eje horizontal. En el siguiente video AQUI, podeis ver el montaje y funcionamiento de su modelo MT01 Mk2 instalado en la localidad búlgara de Lyaskovets.

La ausencia de las cuchillas de barrido reduce significativamente el ruido y las vibraciones del suelo. Presentada por el Dr. Scott Elliott, anuncio que en los próximos meses, los planes para el desarrollo un un nuevo modelo de alta producción. Mientras tanto, los académicos y estudiantes de la Universidad de Keele están monitoreando el progreso del primer prototipo y su certificación de microgeneración. Si es aceptado, las empresas que opten por instalar el modelo podrán beneficiarse de ayudas estatales.

Jaakko Pernu es un escultor paisajista de origen finlandés, que basa sus trabajos en técnicas en que reutiliza ramas y restos vegetales, que recolecta en los alrededores del emplazamiento de instalación, residuos que tras seleccionarlos.

Realizando monolitos y figuras geométricas, que se inspiran en la fragilidad de un paisaje recortado por formas curvilíneas. Las intervenciones específicas sobre el territorio suelen jugar con algunas contradicciones o antítesis, tales como: la luz combinada con la forma general de los elementos que componen el paisaje donde se pretende integrar.

O en o otro sentido en la estética y contorno ademas de la textura color y textura de la materia orgánica. O incluso en el caso de Jaakko en las sutiles formas traslucidas, las cuales contrastan con una estructura sólida que en conjunto traslada un mensaje de compromiso y comunión con el medio natural.

Sus esculturas a menudo están diseñadas a gran escala, con lo que consigue un impacto visual inmediato debido al gran contraste con el territorio en el que interviene. Método con el que dota a sus obras de arte de una lectura tangible a la vez que lirismo poetico que establece un punto equidistante entre lo espartano y lo creativo del paisaje y su rendimiento narrativo.

ESCULTURAS NATURALES QUE REFLEJAN LA POESÍA DEL PAISAJE

Trabajos brillantes donde las formas geometricas se adaptan como piezas de un puzzle encajando de forma mágica con los picos de los arboles, como si fueran producto de un proceso natural. Jaakko explora la influencia del ser humano en la naturaleza y viceversa en un ciclo sin fin como si de una cinta de Moebius se tratara.

Y donde por encima de cualquier otra consideración prevalece la intuición innata y un respeto por el entorno natural con el que establece un dialogo, a través del que trata crear un lenguaje único y complice. Un lenguaje cuyo dialecto es a la vez es universal y secreto, y que tras el cual hay un trabajo refinado, que explora la influencia del ser humano en la naturaleza y viceversa.

El trabajo de Jaakko está motivado por las experiencias del artista, durante su infancia en Finlandia, donde siempre estaba ayudando a su padre a construir barcos, la manipulación de la madera en formas orgánicas. Esa experiencia con la creación de formas elegantes se refleja en sus esculturas de Land Art de gran tamaño. Siendo el material de trabajo preferido de Pernu las ramas de sauce, que se teje con sus propias manos.

Ganador de uno de los premios que convoca cada anualmente el estudio de arquitectura Fosters+Partners, por su excelencia por su excelencia en la sostenibilidad y la infraestructura medioambiental. The 6th Layer – Explorative Canopy Trail es un proyecto firmado por el estudiante Yi Yvonne Weng perteneciente a la Architectural Association School of Architecture.

Inspirado en las tecnicas que emplean los arácnidos para tejer sus resistentes trampas, la estructura se ha ideado para ser instalada en altura en lugares de difícil acceso, como las espesas selvas del Amazonas en Brasil. Diseñadas para que equipos de investigación puedan realizar estudios sobre el terreno. The 6th Layer también podría tener otros usos en el sector turístico, así como en la vigilancia y conservacion de reservas naturales y parques nacionales.

El concepto de Yvonne Yi Weng incluye malla reticulada en tres densidades, la menos densa de las cuales contienen las barras de metal para el soporte estructural de la base. La capa intermedia tiene una densidad media de modo que las aves despistadas puedan atravesarlas sin sufrir alguno. La capa más densa es suficientemente fuerte para soportar las vías. La lágrima de malla en forma de colgantes baja desde las copas de los árboles a alturas específicas para apoyar la recolección de plantas y muestras.

Debido a las características singulares del diseño, permite la ocupación positiva del territorio, proporcionando un nivel de vigilancia que ayuda a proteger el medio ambiente en peligro de extinción y la población indígena, sin alterar el paisaje donde se ubica, favoreciendo una practica arquitectónica acorde con las características del territorio, pudiendo modificar la composición de los materiales con los que esta fabricada la malla.

Situado en el contexto de la selva amazónica brasileña, el proyecto reconoce la relación recíproca entre el hombre y la selva, tratándola como si fuera una infraestructura natural para trabajar sin alterarlo. El diseño se centra en la creación de una plataforma ultra-ligera, auto-sostenible, siendo un sistema fácil de implementar, que ocupa el espacio en la parte superior de las copas de los árboles. La capa extra de espacio creado se abre a un nuevo territorio que inspira nuevas formas, a través de las percibir, ocupar y vivir el medio natural.