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Jeremy Geddes - Fragilidad espacial, el astronauta que quería ser heroe por un dia


Conocido por su serie de astronautas etéreos, representados en paisajes urbanos donde la ausencia de gravedad les mantiene levitando en la atmósfera. Conjunto de trabajos de atmo esfera renancetista.

Con los que ha llegado ha protagonizar la portada de la prestigiosa publicación de tendencias artísticas contemporaneas y diseño Juxtapoz. Además de servir como argumentos narrativos en numerosas muestras convirtiéndose en un icono. No solamente para su autor.


Influencias que el ha incorporado en algunas de las etapas de su carrera y que les confiere a sus obras una naturaleza que abarca una línea temporal, por la que el espectador, a poco que utilice su perspicacia. Puede contemplar cuadros en los que se observan una variedad de matices.


Con los que Jeremy crea composiciones que trascienden lo terrenal acercándose a lo mistico, está particularidad con la que provoca que lo representado casi se eleve, levitando por un instante. No deja de provocar cierto extasis tras el desconcierto inicial, estado que se diluye entre la tensión y la fragilidad gracias a la presencia de una paloma. Que ya sea como testigo mudo o en grupo añade algún resto de humanidad y movimiento a la obra. 


Que trata de fundir el aura del pasado con un presente-futuro dominado por la era digital y una especie de cyborg mitad ser humano y resto maquina. El cual por si solo representa para bien y para mal al nuevo prometeo, una entidad que es incapaz de procesar tanta información por si sola y que por lo tanto por flotar en una sociedad liquida y cada vez más nihilista.


El artista Jeremy Geddes con estudio en Melbourne Australia, cuya obra navega entre técnicas como el hiperrealismo salpicados con elementos surrealistas. Habiendo heredado algunos de los mejores rasgos de pintores coetaneos.


Escritor ocasional publicado algún relato tan sugerente como esclacedor de cuáles son en síntesis los puntos fundamentales de su credo. Titulada The Mystery Of Eilean Mor. Se trata de un relato iniciatico dirigidos a niños tan luminóso como peturbador. Además ha sido director de arte por cinco años en la industria de los vídeos juegos y dibujante de cómics, experiencia que aplicado en su trayectoria posterior pintor.




El arquitecto Marcos Zotes en Rafmögnuð Náttúra ilumina una iglesia con proyecciones de la naturaleza


Como cada año se celebra a comienzos de febrero el Reykjavik Winter Lights Festival (Festival Invernal de Luces), la cita tiene como escenario la localidad islandesa de Reikiavik. En esta ocasión el tema elegido ha sido "la increíble oscuridad", para el que han organizado actividades de todo tipo, pero con un elemento común, la luz como inspiración. 


El arquitecto Marcos Zotes fundador del estudio MetaCitizen , fue invitado por la organización del festival para participar con una intervención. Propuesta en cuya concepción combina la arquitectura y la iluminación. 

Titulada Rafmögnuð Náttúra, su autor proyecta sobre la iglesia de la localidad, una serie de secuencias mapeadas. Cuya narrativa a la vez que provoca un fuerte contraste con los materiales (principalmente piedra) provoca en el espectador una impactante emoción y asombro ante la maravilla que esta contemplando.


 Inspiradas en los cuatro elementos que segun una diversidad de culturas antiguas conformaban nuestra realidad natural (fuego, agua, viento y tierra). La intención es desafiar la percepción espacial de la audiencia con una instalación que desdibuja los límites entre la danza, el cine y la arquitectura.



En este sentido el público tiene un papel participativo y se convierte en un elemento activo que es capaz de interactuar con la luz proyectada sobre el edificio a través de un controlador midi. El trabajo incluyó una presentación en vivo de la banda islandesa For a Minor Reflection.


Aunque nacido en Madrid en el año 1977 Marcos Zotes ha desarrollado la mayor parte de su corta trayectoria, Reikjavik, Islandia. Ciudad en la que finalizar su anterior proyecto pone en marcha el laboratorio de diseño UNSTABLE, laboratorio de diseño e investigación que explora los aspectos sociales y políticos de la arquitectura en relación con el contexto urbano. A través del uso de la tecnología, la colaboración multidisciplinar y la participación ciudadana sus intervenciones desafian las limitaciones del espacio público urbano y proporcionan oportunidades para el debate, la autonomía y la interacción con el entorno urbano.  




Icy and Sot - Graffiti en Irán en el siglo XXI


El dúo de artistas iranies Icy and Sot, poseen también una interesante vertiente stencil, que no dudan en utilizar hasta en las situaciones más dramaticas. Concienciados con la delicada situación por la que esta pasando su país.


Que reflejan en sus intervenciones, en las que aparte de dejar constancia de las vicisitudes a las que están expuestos ellos y el resto de la ciudadanía, que ve como la comunidad internacional en términos diplomaticas. Adopta medida tras medida cuyo efecto inmediato es su aislamiento. 

Pese a lo delicado de la situación aún existe margen para la mordacidad y la ironía. Aunque en la mayoría de sus obras emplean la plantilla troquelada, también cuentan con graffitis realizados con aerosol, donde se combinan las referencias a la cultura local, con elementos occidentales.


Nacidos ambos en la década de los 90´s, comenzaron su carrera profesional en 2008, habiendo participado en numerosos encuentros de arte urbano, sobre todo en Europa. Donde han causado una grata impresión. 


Su trabajo esta protagonizado por las experiencias de los lugares y las gentes, los cuales muestran despojándolos de los tradicionales esterrotipos. En la mayoría de las ocasiones se limitan a retratarlos en situaciones domesticas.



Saman Oskouei (nacido en 1985) y Sasan Oskouei (nacido en 1991) son artistas multidisciplinarios de Tabriz, Irán, que actualmente residen en Brooklyn, Nueva York. Los hermanos estan enfocados en crear obras con un claro mensaje activista y socio-politico, pero a la vez resilientes y con un tono positivo. Abordan temas humanitarios como el de los refugiados, el capitalismo y las desigualdades que provoca. Si bien la naturaleza de los mensajes que transmiten Saman y Sasan es bastante consistente en toda su obra, las técnicas y los materiales utilizados son tan versátiles como creativos.






El estudio Fran Silvestre Arquitectos presenta Eolica Wind Tower, el nuevo de Valencia



El diseño de la Torre Eólica firmada por el estudio de arquitectura de Fran Silvestre con sede en la ciudad de Valencia en  España, en cuyo extraradio se ha construido. 


Tiene como objetivo crear una referencia  que modifica sus proporciones, dependiendo desde donde se proyecte el sol, revelando un elemento en constante evolución.  El edificio combina la energía renovable que lo convierten en autónomo, sin necesidad de otros recursos.  


Es un edificio polivalente esta destinado a la realización de actividades culturales, contando con salas para conferencias y exposiciones, además de una biblioteca y la zona de hostelería.



Pero sin duda lo mas destacable de su diseño, son el mirador panorámico con el que se puede obtener una vista panorámica de la ciudad y la disposición de la turbina eólica, de eje vertical se disponen en las zonas curvas que unen los núcleos de comunicación. Su diseño también se aprovecha de las posibilidades que sugiere, más que por su construcción como por su forma. Se convierte en un emblema de lo que revela la intensa luz y el viento poderoso para evaluar la visión positiva de una sociedad que siempre ha aprovechado de los elementos que lo rodean.


La presión del viento siempre está atenuado por un núcleo rígido, mientras que la orientación y la forma de la geometría permite que cambie el viento predominante en potencia. 


Tanto las turbinas eólicas y los ascensores panorámicos están cubiertos por una piel calada metálica permeable al viento que le confiere un aspecto monolítico a la estructura. Mientras tanto sus cimientos profundos sobre la base de pilotes, los más característicos de los edificios en altura, permite la incorporación de la energía geotérmica. El volumen presenta amplias superficies en contacto con el exterior. Aquí, las zonas verticales constituyen el soporte para el panel fotovoltaico, aprovechando su constante exposición a la radiación solar. Además, la superficie horizontal del estrado se utiliza en la obtención de energía termoeléctrica.






Collective Greyworld - The Clockwork Forest, una experiencia sensorial en la que una llave te descubre los tesoros sonoros del bosque



Los anillos de un árbol como metáfora del paso del tiempo. Andrew Shoben Adscrito al heterogeneo movimiento del Land Art. Que en el caso de Andrew interpreta desde una óptica en la que añade objetos cotidianos

Construido una narrativa creativa y conceptual por la que el artista explora nuevas formulas de expresión artística, a partir de las que crear un discurso más o menos explícito cuyas trazas surrealistas sean comprensibles y no pasen desapercibidas para el espectador para el que es reconocible ese objeto con el que se relaciona habitualmente.  

Pero sin perder de vista la materia prima, el paisaje como esencia del argumento a partir del que vertebra el argumento sobre el que giran sus intervenciones. Las cuales en buena parte de los casos paradojicamente son efimeras extinguiendose al poco que las condiciones les resulten adversas.

Fundador del Collective Greyworld que agrupa artistas, en torno a citas como la que representa la cita Indaba Conference. Muestra de diseño que se celebro en Surafrica a principios de Febrero del último año, y donde se exhibieron la serie de fotografías correspondientes a la intervención The clockwork forest (el bosque de relojería) que tuvo como marco los mágicos bosques de Grizedale en Inglaterra.


La pieza ajena al medio natural consiste en una enigmática llave que en teoría no se ajusta a ninguna cerradura conocida, pero que resulta interrogativa y sugerente articulando múltiples posibles lecturas. La llave replicada fielmente y de las que han sido adheridas a varios árboles dentro de la zona boscosa. Al girarse emiten una melodía aleatoria relacionada con los sonidos característicos de bosque. 


Provocando la sorpresa inicial en el visitante de parque, que agudiza su atención tratando de darle un sentido a la secuencia arbitraria que producen los sonidos de origen natural y que se convierten en una experiencia sensorial para sus sentidos. 


El trabajo fue encargado por la Comisión Nacional Forestal de Inglaterra y ayuda en la mejora de la interacción entre el visitante y el paisaje del que disfruta. Permitiéndoles obtener una visión inmersiva a través de un mapa sonoro de su entorno, producto de los sonidos orgánicos existentes en el medio natural.

DkCity - dbRevO


Funcional e ingeniosa la propuesta de la compañía DkCity con sede en Taiwan, para adaptar una batería eléctrica a una bicicleta convencional, sin por eso tener que realizar un gran desembolso, y poder de esa forma disponer de E-Bike que facilite los desplazamientos. El dispositivo llamado dvRevO, consiste en dos elementos una rueda de sustitución que se coloca en la parte delantera, a la que se le adaptado una batería un motor de corriente continua y una batería de litio de 24 voltios, que esta conectada a una matriz wireless, desde la que se controla su funcionamiento, y se coloca en el manillar. De esta forma tan sencilla cualquier pude disponer de un E-Bike, con todas las prestaciones  de estas, y la comodidad que supone a la hora de circular. 

Patrick Bremer - Retratos reciclados que exploran aquello que desconocemos


La  personalidad de un individuo es como las múltiples capas de piel de una cebolla, cada pliegue se traduce en un rasgo particular de una persona, conductas que determinan nuestras relaciones tanto en lo afectivo, como en lo intelectual y lo profesional.


Virtudes y defectos que a lo largo de su vida se repiten completando un ciclo en un ejercicio de reciclaje que le enriquece. El artista Patrick Bremer aplica la técnica del collage a sus retratos. Empleando recortes de periódico, crea retratos con múltiples capas de papel reciclado.


En los que cada tira de papel corresponde a un estado emocional experimentado por el sujeto a lo largo de vida. La obra transmite una sensación tanto de la violencia en los trozos gruesos combinados con una meticulosidad que los resultados de los retratos humanos muy detalladas o escenas.




Patrick Bremer nació en Brighton UK en 1982. Estudió pintura en Wimbledon College of Art en Londres. Su trabajo principalmente se centra en la figura y el retrato, al óleo o collage. En 2007 ganó el Premio Fundación DeLazlo por sus retratos en The Mall Galleries de Londres. 


Aunque su retratos destacan fragmentados destacan por su luminosidad en otro contexto pueden recordar pueden recordar, a artistas mas barrocos y crudos como Lucien Freud o Ron Mueck.


Los collages de Bremer se adentran a menudo en el surrealismo. Surgiendo escenarios oníricos que desdibujan los límites entre la realidad y la imaginación. Su obra invita al espectador a adentrarse en estos mundos alternativos y a cuestionar sus propias percepciones.






VJSuave - La Cena, Street Art animado con conciencia ecologica

Ceci Soloaga y Ygor Marotta fundadores del colectivo VJSuave con sede en la ciudad brasileña de Sao Paulo, En cuyas calles han desarrollado la mayor parte de su carrera. Primero participando de una incipiente escena urbana.

De la que estos dos creadores audiovisuales finalmente se especializaron en la creación de pequeñas historias animadas, las cuales están montadas a partir de narrativas urbanas proyectados en la pared. Lugar que contemplan como un lienzo en el reflejar historias, las cuales siguen un patrón donde lo cotidiano y lo próximo son los principales referentes.  

El proyecto que inicio su andadura en 2.010 realizando intervenciones en la calle, que tras mapearlas en stop motion forman parte de campañas de publicidad encargadas por diferentes marcas o simplemente de intervenciones propias.


Que tras documentarlas a pie de calle las  tratan en el estudio las cuelgan en la red. Para su ultima experiencia titulada La cena que podéis ver íntegramente AQUI, han seleccionado un paisaje natural, en el que a través de la representación de figuras de animales.


Con poco más de un minuto de duración La Cena, sin embargo es capaz de sintetizar en esencia los principales mecanismos en los que se basan las interacciones que se observan en la naturaleza y su frágil equilibrio a la vez que su preciso funcionamiento.


Las cuales han sido realizadas  recurriendo a aplicaciones informáticas. Actuaciones que para sus autores simbolizan el ciclo vital que cumple las especies de forman parte de un mismo ecosistema y su compromiso con su entorno natural.






Théo Gosselin, retratando a la generación Carpe Siempre y su euforia


Cada generación tiene sus fotógrafos, aquellos que mas fielmente han sabido capturar las emociones y el espíritu que les ha tocado vivir. La primera generación de este siglo XXI se define por el alto grado de incertidumbre en el que se encuentran.


Desconcierto sobre un futuro incierto que les causa una apatía casi nihilista, que compensan debido a un grado de sobreestimulacion por parte de un entorno mediatico, hiperestimulado (a su vez) por unas campañas de marketing.

Tan sutiles como sofitiscadas como cada vez mas elaboradas a las que les somete continuamente desde el mercado de consumo, la era digital y sus estándares tecnologicos. Diezmando sino anulando directamente su espiritu critico.


El fotógrafo francés Théo Gosselinse centra en sus amigos, sus alrededores socio-afectivos y las personas que experimentan ese  mundo. Hay una hermosa elegancia en cada instante que captura casi de forma furtiva y envuelto en una atmosfera que transmite cierto de grado de nostalgia.


Gosselin es capaz de ofrecerte un analisis social con sus imágenes, que los espectadores a menudo se olviden de la presencia de la cámara y experimenten una respuesta emocional a la comodidad sincera de cada sujeto dentro de la escena de la que son testigos desnudos. 



Como si en fondo fueran conscientes de que la culpa les va alcanzar, no porque liberen su espiritu hedonista. Sino porque no van a tener la capacidad de transformar una realidad que se les escapa, Por lo que las fotografias de Theo son tan juguetónas con los momentos que captura, que transmiten una serie de emociones como la felicidad, la emoción, una quietud cotidiana, y la soledad. Como un tanto tramposas pues no dejas de experimentar, la ingravidez de que los momentos que retrata y su ambiguedad efimera, camuflan una euforia que les consume a sus "protagonistas".




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