Nomada Q

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Descubierto casi por casualidad el estado de Michoacan, es una región que desde que tuve la oportunidad de conocerla por la ciudad de Morelia y su festival de cine me ha cautivado. Asomada al océano Pacífico y situada entre los estado de Jalisco y Guerrero al Sur.

Se hizo mundialmente famoso por ser destino final de una mayores migraciones que se conoce, la que protagoniza las mariposas Monarca. Que tras completar una odisea de más de 4000 kilómetros, desde sus lugares tradicionales de cría en Estados Unidos y Canadá, y sorteando númerosos obstáculos, los cuales han provocado que se reduzca drásticamente su población.

Llegan finalmente tras bordear buena parte de la costa, dejando atrás la península de baja California. A la Reserva de la Biosfera Santuario Mariposa Monarca que está situada en la Sierra de Chincua, más concretamente en las afueras de la localidad de Rosario. Edén natural que se ha convertido en un lugar de estudio donde acuden cientos de biólogos cada temporada, sobre todo coincidiendo con su llegada al bosque en Octubre.

Además de ser un atractivo mas que se suma a la gran cantidad de espacios protegidos con los cuenta toda la region. Pero en esta ocasión nos vamos a desplazar un poco más al Norte de la region, a poco más de 63 kilómetros de la capital del estado ubicada como hemos dicho Morelia. Donde veremos como el paisaje se transforma de forma radical, debido fundamentalmente a una enorme masa de agua que ocupando una superficie que abarca poco más de 260 kilómetros cuadrados.

Contiene ocho islas, de las cuales siete están prácticamente inhabitadas, pero que sin embargo si poseen un interés desde el punto medio-ambiental, como veremos más adelente. Siendo la principal, un peculiar enclave que recibiendo el nombre de Janitzio, cuya superficie está urbanizada en su práctica totalidad convirtiendo todo su territorio en una sucesión de calles. Isla cuyos primeros asentamientos fueron protagonizados por la etnia de los Purepecha que se asentaron en la region, y de cuya presencia todavía se pueden visitar reliquias a lo largo del denominado corredor de la cuenca del lago Pátcuaro.

Pero antes de comenzar nuestro sinuoso recorrido por el islote principal de este singular archipielago, orientar a posibles navegantes que en un futuro quieran ascender hasta arriba de la isla para obtener una vista panoramica del entorno, algo que sin duda merecerá la pena.

Aunque no lo parezca es más alta que la estatua de la libertad de NY

Indicar que el acceso y vía principal al conjunto de islas es por carretera, a través de la carretera secundaria catorce. En total son 55 kilómetros de litoral que están en franco retroceso medio-ambiental, debido a causas relacionadas con el cambio climático como la eutroficacion. Y reducción de la agua embalsada que se puede observar al aproximarnos al embarcadero, donde se aprecia como ha retrocedido uno cuantos metros así como ha descendido su nivel.

Donde tras adquirir los tickets para uno de los númerosos servicios que a lo largo de toda la jornada conectan la placa continental con el muelle principal de Janitzio. Un agradable recorrido que se cubre en poco más de cuarenta minutos, y que habitualmente se ameniza con una banda de musicos. Que a ritmo de corridos o rancheras mexicanas, hacen que el ya de por sí breve viaje pase en un suspiro.

Y si por lo que sea no te resulta suficiente aliciente la banda sonora que te acompaña, siempre puedes fijar la atención en la deslumbrante vegetación (principalmente pinos), donde habitan tlacuaches, tejones, ardillas, conejos y zorras grises. O mirar entre las aguas donde se pueden pescar especies nativas como el famoso pescado blanco o Chirostoma que se encuentra en peligro de extinción, tres tipos de charales (blanco, prieto y pinto), acúmara, tiro, chegua, tirípichos o Skiffia y allotocas; así también como tres especies introducidas, como la lobina negra, la tilapia y la carpa.

La isla de Janitzio en mitad del lago Pátzcuaro en Michoacan se ha convertido en un lugar donde el turismo de masas se combina con la historia de Mexico.

A se me había olvidado la localidad desde la que deberás embarcarcarte en los ferry es Pátzcuaro, saliendo regularmente a lo largo de prácticamente de toda la jornada. En época precolombina era una de los asentamientos principales de la comunidad indígena de los Purépechas. En la actualidad Patzcuaro forma parte de la selecta red de pueblos Mágicos de Mexico.

Entre sus numerosos lugares de interés que se pueden visitar aparte de sus números templos entre los que cabría destacar, el dedicado a Nuestra Señora de Guadalupe, un santuario de estilo neoclásico del siglo XIX y la iglesia del Sagrario. Así como la Casa del Gigante que con su megnifico pórtico, fue construida en el siglo XVII, la fuente del Torito que se localiza en la Plaza Gertrudis Bocanegra o la estatua de Tzintzicha Tangáxoan emplazada a las afueras de la ciudad obra del autor Guillermo Ruiz.

Desde el preciso momento en que desembarcamos en Janitzio, aunque habría que puntualizar que su nombre original proviene de la raíz purépecha Janitsïo o Flor de trigo o maíz. Nuestra principal referencia visual será el monumento que a modo de guía parece vigilarnos desde el punto más alto de la colina que domina la localidad. Y que no es otra cosa que la estatua (que a modo de cristo de Corcovado en Rio de Janeiro), fue levantada en homenaje del héroe nacional que citaré más abajo.

Embarcación tradicional empleada para el día de los muertos de Janitzio

Un monumento singular que desde la lejanía no parece que presente una gran altura, hasta que según te aproximas a ella completando la leve pero constante pendiente del camino que le da acceso, te percatas de su verdadera magnitud. Con su brazo derecho alzado y su puño cerrado, reproduce la figura de José María Morelos y Pavón, un libertador que se levanto contra los colonizadores españoles a principios de siglo XIX, recuperando amplias regiones del sur.

Pero lo que más asombra es lo que uno tiene la oportunidad de descubrir cuando penetra en su interior, jalonado por una escalera de caracol, que pegada a su interior te llevará desde la base hasta un pequeño mirador. Desde el que se puede otear el resto de las islas del lago. Este monumento contiene ademas en su interior una colección de pinturas que describen la biografía del héroe mexicano y sus hazañas.

Una de las fechas más señaladas en su calendario, es el celebre Día de Muertos, festividad que se celebra entre el uno y el dos de Noviembre. Organizandose en sus calles una ofrenda de flores a los difuntos. Una festividad, que recordemos que tiene que ver con la etnia de los Michuaques, que consideraban a los lagos como la puerta de entrada a su cielo 'el inframundo'. Lugar sagrado donde iban las almas de los muertos, conducidos por un perro (una nutria, llamada también el perro del agua), a reencontrarse con la divinidad. Su interpretación mitológica es "Donde están las piedras (de los dioses) a la entrada de donde se hace la negrura".

Recorrer las calles de esta singular ciudad isla, te traslada a otra epoca, a un lugar único en muchos aspectos, cuyos acontecimientos históricos alumbraron el nacimiento de una nacion.

También se le puede por extensión darle la interpretación de "La puerta del cielo" o bien "La entrada al paraíso". Que engalana este pequeño pueblo de alrededor de unos pocos cientos de lugareños que se dedican principalmente a la actividad turística, de la que obtienen el grueso de sus ingresos, al igual que la mayoria de los alrededor de 60000 habitantes con los que cuenta Pátcuaro.

Recorriendo sus estrechas calles, encuentras decenas de puestos donde te venden toda una variedad de artesanias, desde las más tradicionales como los bordados realizados con los más variopintos motivos, hasta los más comunes como los dedicados a la venta de las perturbadoras a la vez que las llamativas Catrinas. Y que no son otra cosa que las mascaras, a cuyo proceso de fabricación puedes asistir in-situ. O los puestecillos donde comprar las famosas Flores de Cempasúchil, que se emplean fundamentalmente para decorar las puertas de las casas o los altares que te asaltan con una sinfonía de olores por sus calles.

Si lo que buscas es degustar su gastronomía, no puedes dejar de probar el pescado blanco, que te lo preparan principalmente a la plancha. U otras delicias locales como los charales, los ucelos o el celebre entre los los lugareños el tamal de ceniza siendo el único que se cocina a la ceniza. Elaboración que no deja de otorgarle un sabor peculiar. Aparte cuentas con pequeños bares donde te sirven todo tipo de bebidas refrescantes algo muy a tener en cuenta si vas en temporada alta.

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Del resto de siete islas, las más relevantes son La Pacanda y la que recibe por nombre la de Yunuén, ambas deshabitadas en la actualidad. En todo caso de esta segunda que significa "Media Luna", ha llegado hasta nuestros días una leyenda cuyo relato nos narra lo siguiente. La leyenda habla de una hermosa princesa llamada Daniela Yunuen que solía habitar la isla. Un día la princesa se entera por medio de sus hermanos que la quieren secuestrar y llevar a casar con el monarca de un pueblo guerrero. La princesa desconsolada busca ayuda en el lago, quien, según la leyenda, la amaba y no podía estar sin ella. Finalmente creen encontrar una solución. Que consiste en que el lago le propone a Hapunda saltar en el centro de él, y que de esta dorma nunca se separarán. Hapunda accede y al caer la noche se sumergió en el centro del lago y salió de nuevo convertida en una garza. Así, según la leyenda, cuando dejen de haber garzas en el lago, éste estará tan triste por perder a su amada, que se secará. Profecia que se está cumpliendo, por lo que el número de la población de garzas también se ha visto afectado, debido a que la cantidad de agua de la que se nutre el lago se ha reducido considerablemente, fenómeno que ha repercutido negativamente afectando a la biodiversidad del lago.

In the work of Gothenburg, Sweden-based artist Alexander Jansson, we can observe the influence of a diversity of genres as distant as literature, cinema or painting itself.

Occasional animator (I recommend watching The Curious Kind by clicking HERE), and aesthetically reminiscent of Tim Burton. Like this short animated film, his digital work shows certain parallels.

These works are characterized by being characterized by misplaced and somewhat disconcerting beings. However, they gather the skills to finally end up finding each other, coinciding in space time in similar places.

In nebulous universes, in which after overcoming a thousand avatars they manage to feel comfortable in the presence of others. Who are sometimes visible and sometimes not, weaving their own destiny with dreams.

The carnivalesque elements that he frequently employs, contribute to create a circus atmosphere, in which the range of taciturn and bohemian colors contribute to create compositions through which he conveys a sensation of intensity. Hypnotizing the observer, who is seduced and invited to explore each work in detail.

Although he is mainly known for his commissions for covers and illustration of special editions. Works that over time he has also created his own creative identity as well as his own style that he called Greenpunk.

The one that consists of applying a mixed technique formed by a collage to which he incorporates elements of his photos, models, drawings and paintings that he mixes in the same illustration. Almost handmade works with which she achieves digital images that stand out for being very natural, works that require a considerable investment of time. Completing them by adding scratches, dust and brushstrokes with which he enhances their formal finish in plastic terms.

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Founder of his own studio called Sleeping House. Among his many works, the illustration of an anthology of works by Robert L. Stevenson, or the new edition of Anne E. Book of a biographical volume on the life of JRR Tolkien.

Entre los muchos eventos de los que nos hemos hecho eco a lo largo de todos estos años en NQ, los cuales abarcan una amplia diversidad de ámbitos creativos. El que quizás nos ha entusiasmado por encima de todos los demas, es el que de forma anual se convoca en mitad de uno de los desiertos más inhóspitos de los Estados Unidos.

Como es la enorme planicie árida de Black Rock Desert en el estado de Nevada. Donde ocupando una pequeña parte en su interior y desde comienzos del XXI, se celebra el festival de vida alternativa y arte distopico más singular al que tal vez se pueda asistir a lo largo del año en Occidente. Aunque el mayor atractivo reside en sus intervenciones realizadas a gran escala.

Cuyos temas y formas esteticas suelen hacer referencia, ya sean a temas de actualidad (en menor medida), u obedecer a uno de los principios y pilares fundamentales sobre los que se cimentó el festival. Y germino hasta convertirse en una de las citas ineludibles de la temporada y que no es otra que la de explorar nuevas formas de convivencia.

Donde todo aquello que tenga que ver con la diversidad tiene un espacio destacado. Para la última edición celebrada en Agosto del año pasado, y tras, por lo tanto disipar toda la rumorologia que había rodeado a su organizacion. Sugiriendo que tras dos años de parón por causa de la pandemia protagonizada por el Covid-19, quizas se había llegado al final de un ciclo, por lo que se temío por su continuidad.

Dudas acerca de una posible cancelación definitiva que finalmente se disiparon, cuando finalmente se pudieron ver en el horizonte como decenas de miles de asistentes. Se aproximaban raudos para volver a montar sus campamentos efimeros, dispuespuestos a participar en alguna de las muchas actividades que se les ofrece a lo largo de un extenso programa que abarca multitud de propuestas.

Aúnque como ya hemos citado, el casi absoluto protagonista suelen ser las megas instalaciones, que construidas en su práctica totalidad in situ y en paralelo al período de tiempo que dura el festival. Se suelen caracterizar por su gran tamaño, propiedad que suelen compartir muchas de ellas, llegando a ocupar cientos de metros cuadrados de superficie. Además de su capacidad para interactuar con su entorno y sobre todo con sus asistentes a través del movimiento que en mayor o menor medida presentan.

Primera versión The Pool, en pleno funcionamiento en su versión nocturna

Y por último y por encima de todas el tratamiento y la incorporación de un componente luminico sobresaliente, que aparte de dotar de iluminación al recinto, que en otro caso sólo presentaría actividad casi en exclusiva durante las horas de luz diurna. Representa un concepto central en el origen de la elección por parte de los fundadores del festival de este lugar casi místico en esencia.

En el que la presencia de la luz, independientemente de su fuente de producción, se percibe como un lenguaje en sí mismo transcendental. A través del que se puede articular casi cualquier tipo de mensaje más o menos comprensible, con el que poder establecer una comunicación activa y lo más fluida con los asistentes que son envueltos por los haces de particulas, creando una comunión con el paisaje casi magica.

Se trata al fin y al cabo de toda una arquitectura visual donde la lírica y la poesía se alian para transmitir una idea, o simplemente para contribuir a crear un espacio donde sus participantes puedan llegar a empatizar, creando lazos. Donde los fotones de luz sustituyen en alguna medida, a otros lenguajes más comunes como el verbal o el corporal, y que no por ser más accesibles resultan más asertivos.

Cada proyecto supone una inversión prolongada de tiempo en investigación que se requiere para realizar sus trabajos interactivos: en The Last Ocean se emplearon casi dos años en tratar de descubrir cómo se podían coordinar los diferentes elementos que le dan vida, creada a partir de basura plástica, habia diferentes tipos de plásticos que deben fundirse en diferentes niveles. Hubo mucha investigación y experimentación para obtener algo tan simple como una sola tapa.

En este contexto uno de los estudios cuya presencia se espera como uno de los platos fuertes de la reunión, haciendo mas llevaderas las largas e intensas jornadas que dura el festival. Y que casi su inclusión resulta ineludible, es el que encabeza la artista Jen Lewin. Que ha logrado que a lo largo de casi tres décadas de rodearse de un equipo interdisciplinar, con el que ha creado toda una serie de proyectos (de mayor o menor embergadura).

Crear a partir de conceptos como la luz, la movilidad y la interacción con el espectador, siendo las tres piedras angulares sobre los que basculan. Constituyendo está trinidad de propiedades con los que la artista afincada en Brooklin, ha creado su particular Universo. Donde la psicodelia de colores se puede complementar perfectamente con una narrartiva de luces más tenues, con las que Jen trata de fijar una atención en el espectador presidida por la contemplacion.

O instalaciones como en la última titulada The Last Ocean, donde el tema central sobre el que versa es el medio ambiente y más específicamente el cambio climatico. La instalación pretende describir un océano artificial donde apenas pueden sobrevivir especies como el oso polar (uno de los animales más afectados por las consecuencias de las constantes elevaciones de la temperatura).

Que situado en el centro se hierge dominante sobre un mar compuesto por "olas" pentagonales ensambladas a partir de las fórmulas aritméticas desarrolladas por el matemático Majorice Rice. Quien pese a su escasa formación en matemáticas tras leer un artículo en la publicación Scienfic American, descubrio cuatro tipos de teselados pentagonales sobre el plano.

Panorámica general de la instalación titulada The Last Ocean, hecha para The Burning Man

Debate y labor de conciencia medio-ambiental con los que Jen ha adquirido un compromiso con su entorno hasta convertirse poco más o menos que una activista social. Actitud que se ha ido madurando desde que realizara su primer encargo para ser incluida en el marcó del festival. En el que debuta con una pieza más modesta, si se quiere. Titulada Arc Harp, que revisataria con una propuesta actualizada dos años después.

En la primera de 2006 forma parte de la serie Laser Harp, se trata de como ya he citado de Arc Harp una escultura donde la luz de se proyecta a través de sesenta cuerdas diseñadas con el objetivo de que cumpla una función principalmente ludica. Cada una de las cuerdas ligeras en el arpa de arco puede detectar el movimiento, la velocidad y el tempo del usuario. Las cuerdas individuales mezclarán su propia biblioteca de sonidos para crear una profundidad y un tono que complemente la actividad pública y el juego musical aleatorio u organizado.

Su enfoque en su práctica artística es crear obras de arte altamente atractivas y participativas presentando un alto componente de dinámismo en un sentido social y comunicativo. No le interesa hacer un trabajo en el que todos se alineen y se turnen para presionar un botón. Le interesan las obras en las que cien personas pueden jugar dentro de la obra al mismo tiempo, y cada una tiene una experiencia realmente subjetiva.

La segunda participación también consta de una segunda replica, si en la primera de versión de The Pool de 2008, más modesta. Nos sumerge en un mar de luces azuladas, que según su autora nos describe una serie de fenómenos específicos o escenas extraídas de la naturaleza que intenta capturar, reconstruir y revitalizar a través de la tecnología, encontrando inspiración en formas naturales. En la segunda, en gran parte en el lado sintético, fue creada a partir de hileras o plataformas compuestas por luces LED. Pero la inspiración central y de raíz siempre viene de algún instante donde la naturaleza ha estado presente.

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En esta última Lewin continúa ofreciéndonos la oportunidad de presenciar fascinantes fenómenos de iluminación natural. En The Super Pool aumenta el diámetro de The Pool y duplica el número de plataformas en la instalacion, la interacción por lo tanto se duplica aumentando de esta manera el número de escenarios. Invitando a cada individuo a moverse alrededor, entre y en las plataformas, observando cómo sus acciones crean estelas de colores vibrantes a través de la escultura.

Existen imágenes que dependiendo del contexto en el que son realizadas o creadas, por si solas. Ya poseen la capacidad de causar tal impacto y magnetismo en el espectador, que a nivel inconsciente modifican la percepción que tiene uno del mundo que les rodea.

Ese efecto muchas veces de magnitud demoledora se observa sobremanera en la afiliación o complicidad deliberada que buscan los medios de comunicación con sus audiencias. Sobre todo en un entorno mediático parásitado por el instrusismo. Donde el valor intrisico del flujo de información que se sirve a los consumidores (muchas veces voraces) por acceder a nuevos contenidos.

Tiene que ver más con el, cómo te transmite determinada noticia o acontecimiento, que con el rigor y veracidad con que se trata el alcance de esa misma noticia. Lo importante es la forma narrativa no el significado de los hechos a partir de los que emana la noticia. Por eso cada vez más se habla de comunicadores en vez de periodistas. Los cuales despliegan todas habilidades para persuadir a sus espectadores.

Siendo lo importante y seductor la estética arquitectonica de la redacción de su noticia, independientemente del grado de objetividad que se aplique a la misma. Se trata de que sea lo suficientemente sugestiva y merece la pena ser leida, escuchada o sobre todo vista. Como para que se le conceda la atención necesaria convirtiendo la labor del periodista en un hecho trivial que suele acabar en un mar de frustraciones y desconcierto que provoca una crisis de identidad en el periodista.

Este mismo fenómeno de búsqueda del impacto se viene observando también desde hace unos años en relación a la práctica artistica. Donde numerosos profetas y gurus artististicos han incorporado a su entorno creativo, algunas de las pautas de este decálogo normativo no escrito. En el cual lo estético en términos de impacto conduce inexorablemente al significado simbólico de la obra que se está fraguando, siendo muchos y muy diversos los ejemplos que se podrían citar.

Pero con un matiz a mi juicio muy relevante y que por lo tanto hay que tomar en consideracion, tomando en este sentido todas las medidas y cautelas necesarias a la hora de juzgar a la ligera a las cualidades de la obra, tan sólo por una desmedida en el significado de la misma, por un supuesto tratamiento pretencioso del mensaje estetico que se trata de trasladar.

El vestir a los árboles con prendas de vestir humas es una técnica recurrente en sus obras

Mensaje cuya lectura casi siempre, por otra parte y en la mayoría de las ocasiones suele acabar formando parte de la esfera de lo privado y lo subjetivo. Pues por lo general en cuanto a la exposición de una obra artistica, suelen desplegarse un sin de interpretaciónes verosímiles con sus consiguientes escenarios. Algo que suele acabar irremediablemente en un collage donde el propósito del artista se diluye en una amalgama de posibles lecturas.

Polivalencia en el criterio del espectador que no implica que el artista esté equivocado a la hora de crear su obra a partir de la aplicación de un concepto impactante visualmente hablando, o al menos que lo haga con alguna pretensión (lo cual sería muy legitimo). Sino en el caso de la praxis artística lo que se valora es el vínculo entre la causa que detona la creación de la obra y su expresión estetica.

A pesar de que puedan haber artistas que si puedan haber escogido como opción conceptual y creativa el marketing visual y mediatico para llamar lo más posible la atencion del publico. Haciendo propuestas pretendidamente grandilocuentes, pero vacías de contexto y significado. Estos creadores representan una minoría dentro de la comunidad según mi percepcion.

Su obra nos transmite el relato de una ciudad como frontera entre nuestro anhelo de libertad y nuestra cruda realidad en un entorno dominado por lo artificial. De una ciudad aturdida por su pasado industrial, en un contexto eminentemente diferente en el que los espacios públicos naturales le son cada vez ajenos.

Siendo muchos más los artistas plásticos los que consiguen tener cierta repercusión entre los miembros de la opinión publica, cuando a pesar de que su propuesta artistica se pueda catalogar de impactante visualmente. En términos estéticos su gestión presenta una coherencia entre su forma, su significado-simbólico y el tema de fondo sobre la que se ha inspirado.

De estos matices te llegas a percatar cuando de forma inesperada puedes acceder a contemplar proyectos como el titulado Ground Operation, una intervención de la que ya hablamos por aquí en su momento, y cuya visión aunque transmite unas altas de impacto visual. Tanto en su gestación intelectual, como en su plasmacion material se percibe una honestidad inusitada entre entre las inquietudes y compromiso de la autora con su entorno.

Y lo contundente del resultado final de la intervención en terminos simbolicos, una intervención donde la sutileza no existe, describiendonos un paisaje herido. Ya sea como causa de algún fenómeno natural o por la presencia y voluntad de ser humano. Impacto, que necesariamente provoca una reflexión en el espectador que es retado por lo que en principio es una simple sutura realizada a un terreno ligeramente elevado.

Lisiere intervención de 2022 en la que aparece la silueta de una casa trazada sobre el suelo

Y es que si por algo se caracterizan los proyectos de la polifacética artista Estelle Chrétien, sobre todo en el ámbito de una especialidad como la del Land Art. Es por no distinguirse precisamente ambigua y políticamente correcta, incluso permitiéndose frivolidades cargadas de ironía como la titulada Dessous, obra minimalista realizada en el marcó de la residencia que tuvo la oportunidad de realizar en 2020 invitada por el Collectif des Possibles.

En ella se ve como una prenda de ropa interior femenina sirve para cubrir las vergüenzas de un árbol que deconcertado se convierte, al menos parcialmente en un maniquí improvisado. Localizado en un claro del bosque, las dos ramas del árbol que vigorosamente orientadas hacia arriba. Adoptan tras ser cubiertas con una prenda tan íntima como son unas mudas femeninas, una imagen totalmente transgresora que nos habla de cómo el ser humano ha parasitado hasta el último lugar de esta planeta.

Las intervenciones de Estelle Chrétien interactuan con el paisaje natural, como si se tratará el espacio público de una ciudad o el ámbito más doméstico. Estableciendo debates sobre los límites entre lo público y lo privado.

No deteniendose ante nada llegando incluso a vulnerar lo más esencial de su entorno natural. Según palabras de la autora en su ánimo no está mantener un discurso tenga por objeto provocar nausea o herir la sensibilidad alguna. Sino a partir del empleo de la utilización de lo que ella denomina materiales "pobres", crear puentes que eviten que dejemos de vivir ajenos a los procesos propios del medio-ambiente, a los que por otra parte les debemos nuestra existencia.

Se trata de mantener una comunicacion perdida con un ancestro y un pasado común, una historia, no redactada por un historiador o estado-nacion. Sino por los cuerpos, sus volomunes y masas, que libremente interactuan respetándose de forma mutua e instintiva, y del tiempo de vida pasado con en estos cuerpos. Imitar estos gestos te pone en contacto secreto con muchos extraños que de otra forma nunca llegarías conocer, pudiendo viajar a través del tiempo y el espacio en toda su plenitud de forma contemplativa y serena.

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En sus últimas obras, destaca una serie compuesta por siete intervenciones y que tuvo como escenario los espacios verdes del Parque Napoleón de la localidad de Thionville. Villa situada a escasos kilómetros de las fronteras de Alemania, Luxemburgo y Alemania. La autora sin abandonar la misma estrategia comunicativa, donde lo visual induce a debatir sobre temas como por ejemplo la domesticación del paisaje.

Obras como la sarcástica Le Pied Au Sec (el pie seco), donde se ve como al tronco de un árbol se le enfunda una bota. Tratando quizás de humanizarlo de forma un tanto ingeniosa y vanal. Va encaminada en este sentido de tratar de moldear el paisaje hasta otorgarle un estereotipo y conducta humana. Representando un absurdo y una aberración natural, siendo la antítesis de todo aquello que conocemos por orden natural.

Throughout the history of mankind, seeds have been preserved in a natural way according to seasonal cycles. In cold periods the seeds were frozen. Germinating in their natural habitats when climatic conditions became warmer.

Using a language that combines lyrical, ethnic and scientific elements, the artist Basia Irland creates in 2009 the Ice Receding/Books project. For this project he was inspired by the observations and documentation provided by members of the Nisqually tribe.

Whose communities live on reservations in the U.S. state of Washington, and the natural processes from which they obtained their seed stocks. These seeds were then used in their crops.

Using ice books to fossilize the seeds, made with large blocks of ice, which are extracted from the plates that are formed in the riverbed where members of the native community usually fish.

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And where thousands of seeds are deposited after being trapped in the ice, just carve the ice giving it the shape of books. In whose frozen interior have been embedded variants of seeds of local species. These are finally distributed in different points of the forest, melting due to the exposure to the sun's rays, and releasing the seeds that will spread in their area of influence, germinating.

That first experience has been replicated in other parts of the world such as Spain, Mexico, England or Iran. Through the use of collective tools, teams formed by biologists, artists, botanists, as well as local farming communities, intervene on the territory using natural methods.

Ice Receding/Books is a multicultural proposal that reflects on how human intervention impacts the environment. And how their active presence has modified the methods of germination.

Altering the landscape on which it acts having as main consequence climate change, and the deterioration of unique habitats. That unfortunately go from being in danger of extinction to disappear for good.

Caminando por una de las principales arterias del barrio Italiano en Santiago de Chile. Unas pocas cuadras situadas no muy alejadas del centro de la ciudad. Un lugar singular que parece pertenecer a otra ciudad, en las que sus calles luminosas y presididas por una gran actividad comercial, estan flanqueadas por edificios que en rara ocasión supera las tres alturas.

Cuyas fincas tienen en el mejor de los casos no más de cien años. Uno como forastero no puede dejar de asombrarse como a principios del siglo XX, por estas mismas calles galonadas de terrazas que te ofrecen los variopintos platos. Tanto pertenecientes a la rica gastronomía local, como una selección de la mejor muestra culinaria global circulaban camiones cargados de mercancias.

Actividad frenética que tenía su punto de concentración comercial en la Avenida Santa Isabel y aledaños. Donde se había instalado una pequeña colonia de inmigrantes italianos que habían abierto numerosos negocios, así como una diversidad de fábricas, que supusieron un revulsivo economico para la mermada economía de la ciudad. De hecho fue tan notable su presencia en diferentes ámbitos productivos.

Que a dia de hoy todavía se conservan parte de las instalaciónes que albergaron la maquinaria con la que se fabricaban anualmente miles de sombreros en la fábrica Girardi. Prenda o accesorio muy común en aquella epoca, primeras décadas del Siglo XX. Que se convirtió en todo un estándar en el vestir, convirtiéndose en un complemento habitual, tanto entre las clases más pudientes, como entre las más desfavorecidas.

De hecho hay muchas posibilidades que tras bajarte en el acceso que tiene el suburbano en Bustamente o en la propia Santa Isabel. En algún momento te toparás con alguna referencia a la febril actividad textil que hubo en la zona durante buena parte de los últimos cien años. Hasta que finalmente le alcanzó el ocaso y un posterior breve letargo, tras cuya finalizacion volvió a florecer.

Primero de forma timida, con la primera apertura de alguna sala y pionera como la mítica Bar de Rene, que tras dejar atrás los últimos estertores de la pandemia ha reabierto sus puertas con una programación de conciertos con la que pretenden rendir un homenaje a su dilitada trayectoria en el barrio. Actividad la cual ha desarrollado a los largo del último cuarto de siglo.

Hasta sumarse al selecto club compuesto por aquellos distritos que a lo lo largo del mundo se han constituido como zonas hipsters. En el caso concreto del barrio Italiano se propuso adoptar este discurso globalizador sin renunciar a sus propias señas de identidad.

Muestra de ukeleles en una de los muchos comercios del barrio de Italia

Por qué no obviemos que sus luces de bohemia vienen de mas atrás en el tiempo, algo que se puede percibir todavía si te fijas en algunas de sus fachadas que todavía conservan su herencia calabresa. Por ejemplo se puede observar esta herencia en lo que fue la fábrica de sombreros, que he citado más arriba y que en la actualidad funciona como un proyecto social y cultural llamado Factoría Italia que busca devolver ese sentido de comunidad al barrio y propiciar espacios de arte y desarrollo economíco desde un enfoque participativo.

O en muchas de las villas pertenecientes a hortelanos que en la actualidad se han reconvertido en comercios dedicados principalmente a la venta de moda urbana confeccionada en muchos casos por los diseñadores en su taller. O en pequeñas tiendas donde se han instalando una numerosa colonia de artesanos y artistas que ofrecen una excelente muestra de lo que es la cultura andina de la zona.

Para aquellos que busquen descubrir buen arte urbano, aunque existen algúnos murales anónimos de excelente calidad. La mayor parte de las intervenciones más sugerentes se encuentran en el distrito de Bellavista (colindante al barrio de Italia), y el más alejado de Brasil, o en el barrio San Miguel. Donde se puso en marcha un proyecto creativo que después de casi cinco año cuenta con más de cuarenta intervenciones.

Aparte de gastronomía y locales donde te sirven todo tipo de cocktails, en el Barrio de Italia se pueden descubrir algunos de los primeros antecedentes de Santiago de Chile.

Aunque los verdaderos atractivos de este pintoresco barrío se encuentran tras recorrer los breves corredores, que desde el exterior te conduce al interior de las casonas. Donde el protagonista son sus patios interiores, en los que ofrecen las más variopintas ofertas comerciales, ya sean en moda, bisuteria y complementos, asi como en mobiliario y decoracion. Pero lo que de verdad llama la atención son sus singularidades comerciales.

Esos pequeños negocios, que más que buscar la rentabilidad se han propuesto crear un proyecto cuyo principal objetivo, es hacerte esbozar una sonrisa y maravillarte. Eso sucede cuando asciende al altillo donde tiene la tienda Oukelele Bakan, que situada a la altura del 1664 de la Avenida de Italia, te dejará anodado con la calidad de sus instrumentos, elaborados de forma artesanal. Añadir para todos aquellos que deseis comprar un ukelele, que ofrecen una amplia gama de sus producto a través de su tienda online.

Entre las tiendas de decoración y mobiliario para el hogar citar Popular Design, que ocupa un amplio espacio donde puedes adquirir entre una amplia variedad de muebles y objetos, con los que embellecer las paredes de tu hogar. Aunque yo recomendaría visitar alguna de las muchas tiendas de antigüedades que dispuestas a lo largo de la Avenida Bustamante, donde en muchos casos te ofrecen sus productos exclusivos a pie de calle.

Fachada del antiguo cine Girardid, edificio Art Deco, situado en la calle Bilbao destinado en la actualidad a fines sociales

Otras de las paradas ineludibles en nuestro recorrido por sus calles está en el Paseo Estación Italia, si se quiere descubrir algunos de las más exclusivas novedades artesanales. Se trata como su nombre indica de un colmado de venta alternativa que ocupa un espacio comercial que estéticamente y arquitectónicamente representa una vieja estación de ferrocarril.

Entre la increíble oferta hostelera, de restauración y de ocio que degustar en el barrio, tanto dirigida a los paladares más informales como a los más sibaritas. Oferta que tanto en interior como sobre todo exterior está repartida por todo el barrio entre las comunas Núñez y Providencia. Los dos puntos geograficos que limitan un distrito singular que ha sabido integrarse como parte dinámica del gran Santiago.

Siendo el lugar donde se reúnen buena parte de la juventud (y no tan joven) de esta ciudad que ha experimentado un crecimiento notable hasta convertirse en una gran urbe. Y la que nos recibe de forma hospitalaria anidada entre montañas mirando a un futuro muy prometedor. Prosperidad que se refleja en este pequeño pero coqueto barrio, que apenas abarca unas cuantas cuadras, pero que rebosa vida por todos y cada uno de sus poros.

El Barrio de Italia seduce por su atmósfera que se caracteriza tanto por su nostalgia y vida nocturna como por su caracter cosmopolita. Situado cerca del centro de Santiago de Chile, se trata de un lugar donde la tradicion se encuentra con la vanguardia más actual.

En términos de movilidad como ya he comentado el suburbano te deja a las puertas, pero aquel que desee puede recorrerlo en bicicleta, pues cuenta con un sevicio de alquiler de bicis y patinetes que te permite desplazarte por el barrio de cómoda y rápida. Aunque debido a las dimensiones del barrio y a lo plano de su urbanismo (presentando escasos desniveles y pendientes) en su recorrido, es muy recomendable hacerlo completando un agradable paseo a pie.

Otro de los alicientes es su rico almanaque de actividades, que se nutre de un amplio calendario de eventos que se celebran a lo largo de todo el año. Convocatorias gestionadas en su mayoría por los propios comerciantes, ya sean las ferias dedicadas a muestras de artesanía o enfocadas a ámbitos más creativos, o las mas lúdicas y desenfadas como una parada de vehículos antiguos.

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Entre estas muchas citas, cabria destacar la serie de eventos dedicados al universo del vino, que bajo la denominación de la Vendimia Fest, se celebran entre las calles de Marín y Caupolican. Toda una fiesta a la que se acercan miles de personas a lo largo de todo un fin de semana. Este año pasado se celebro en abril, pudiendo los miles de asistentes que se acercaron catar de forma gratuita los mejores caldos de la región y comarcas limítrofes como Colchagua, Casablanca y San Antonio. Como apunte recordar que el barrio de Italia también cuenta con algunos monumentos dignos de visitar, como por ejemplo la imponente arquitectura de la Casa Fresia, situada en calle Fresia esquina Salvador. Edificio singular con más de un siglo a sus espaldas, y la de la fachada de la Parroquia San Crescente situada en la calle Santa Isabel esquina Salvador.