Nomada Q : surreal

surreal

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Con 81.000 metros cuadrados de superficie Franconia Sculpture Park, se ha convertido en algo mas que un espacio expositivo de escultura comtemporanea. Fundado en 1.996 por el artista y educador John Hock, el proyecto cuyo origen fue la creación y desarrollo de una comunidad de artistas donde intercambiar, se ha convertido en toda una institución con proyección internacional.

Ubicado cerca de una comarca conocida como Taylors Falls, en la región de St. Croix River Valley de Minnesota. Un paraje dominado por una frondosa vegetación, interminables bosques e idílicos valles, cruzados por cientos de cursos de agua que descienden de las montañas nevadas buena parte del año, y que poblados por una variada flora y fauna.

Aparte de las instalaciones expositivas don hay instaladas mas de cien obras de su colección permanente. Cuentan con un excelente programa de becas, que se inicia a primeros de año y que ofrece diferente convocatorias, este programa formativo dirigido esta dirigido tanto a artistas consagrados, como estudiantes de arte, para poder acceder a una plaza los aspirantes tienen que presentar un proyecto, basado en el pliego de condiciones.

Abierto al publico 365 días al año. Su misión principal es fomentar un ambiente de inspiración para los artistas a ampliar sus habilidades y promover la educación pública de arte tridimensional. La entrada al recinto es de carácter gratuita, ofreciendo un ambiente único para que el público interactúe con los artistas y su trabajo.

Debido a la gran producción y lo heterogeneo de sus propuestas (en este post mostramos solo una pequeña muestra de las obras realizadas las dos ultimas temporadas, salvo alguna excepción), como la que encabeza el primer párrafo, o la titulada Wake firmada por Michael Mcgillis. En la que enormes montones de leña comúnes en el medio oeste, forman una hilera de troncos perfectamente alineados convirtiéndolo en un espectáculo inesperadamente bello.

Una buena parte de las obras son donadas a otras organizaciones, o subastadas para obtener recursos con los que financiar sus actividades. divulgación y la introducción de programas de educación en el arte contemporáneo cuyas becas cuestan entre 3.500 y 5.000 dolares por alumno y curso.

Filmado en diferentes localizaciones de diferente desiertos de situados en los estados norteamericanos de Utah y California. Lugares que pese a su hostilidad paisajistica y sobre todo climatica.

Han sido elegido por el cineasta Jeff Frost como campo de operaciones donde adentrarse, con el objetivo de explorar y encontrar localizaciones en los que recientemente.

Haya habido algún tipo de construcción o pequeño asentamiento, de los tras ser abandonados quede algún tipo de rastro como algún edificios o estructura. Que atestigue que en aquel lugar inhospito.

En algún momento de su historia más o menos próxima hubo vida. Lugares abadonados, los que escenifica con motivos geométricos y con colores hipnóticos. Dando como resultado la vídeo instalación titulad Flawed Symmetry of Prediction.

Grabación que navega entre lo hipnótico y lo surrealista, convirtiendo el paisaje, tanto diurno como nocturno. En una narración mágica donde la presencia humana se percibe pese a su ausencia.

Para su montaje Jeff utilizo la friolera de 40.000 negativos de alta resolución, realizados con su equipo de fotografía compuesto por una cámara Canon. Trabajo en el que invirtió cerca de año y medio.

Tarea ardua y laboriosa que comenzaba cuando ya seleccionado el emplazamiento, colocaba su trípode en una posición fija respecto al objeto, y disparaba en formato timelapse. Creando una experiencia visual de movimiento y magia en mitad en la soledad del desierto. Flawed Symmetry of Prediction, ganó el premio Best in Show en su exhibición de graduación en 2012 y fue un éxito viral cuando se estreno onlíne. Pudiendose ver AQUI.

Realizadas a primera de hora de la mañana, cuando la luz difusa de la madrugada producto de la iluminación artificial y la que emiten las estrellas se diluye en el horizonte.

En las fotografias autoria de Michael Malassaia de 32 años y natural de New Jersey donde reside. Se describen paisajes urbanos cuya atmosfera espectral esta muy distante del bullicio que se observa a lo largo de una jornada ordinaria.

Empleando herramientas analogicas Michael, selecciona una ubicación donde coloca el tripode y comienza a disparar, obteniendo impresiones en escala de grises. Instantáneas en las que la iluminacion y el efecto de quietud son las caractaristicas que definen cada trabajo.

A partir de métodos de medición y captura precisos Michael captura de forma casi artesanal las imágenes, puliendolas posteriormente en el estudio y dotándolas de personalidad propia.

Creando escenas que parecen extraidas de una especie de infra-mundo, donde los unicos rastos de vida vienen precedidos por el resplandor que despide la iluminación artificial que se escapa por las ventanas.

Michael a menudo utiliza múltiples exposiciones y en lugar de trabajos de impresión en tonos de grises pinta las imágenes aplicando ondas de luz a través de múltiples exposiciones.

En la serie Afterlife Massaia vuelve a los barrios y lugares abandonados de su infancia en Nueva Jersey para explorar los temas del aislamiento y la desconexión, sobreexponiendo los negativos para capturar todos los matices de la luz del atardecer.

A continuación, se imprime cada negativo sumegiendolo en una solución de platino y paladio. La imagen resultante contiene un alto contraste entre la oscuridad y la luz, creando una sensación extraña e incandescente.

En ocasiones la frontera entre la publicidad y la manifestación artistica es tan tenue, que resulta dificil diferenciarlas. Robert Rickhoff es un publicista de profesión que obedece a estos parámetros. Combina diferentes tomas realizadas en exteriores, donde aparecen elementos del mobiliario urbano para tras retocarlas con programas de tratamientos de imagenes.

El resultado son composiciones donde el paisaje de la ciudad se altera, con matices surrealistas y dosis de buen humor que a veces puede ser peturbador. Con sede en Alemania, Robert es disciplinado en su forma de elaborar sus encargos publicitarios o en sus proyectos personales, es este tratamiento diario con lo cotidiano lo que influye en su proceso de trabajo, enriqueciendo lo superfluo con lo que se obvia en las relaciones sociales.

Primero busca un concepto o una idea en su entorno mas próximo, que traslada al estudio donde la desarrolla, es una cuestión la de la comunicación importante para el, teniendo que ser lo mas fluida para que quede lo mas clara posible, por eso no utiliza mas de un objeto con el propósito de no manipular el escenario, lo importante es que visualmente se eliminen fricciones en la imagen que puedan desviar la atención del espectador.

Bajo la superficie brillante colorido de fotografías Jan Dunning se esconde un humor sombrío. Jan tiene un profundo interés en las narraciones de mitos y leyendas recreando la misma historia transformadora en sus fotografías. No es casualidad que utilice una cámara oscura para hacer estas obras.

La calidad de ensueño y etéreo de la fotografía estenopeica es una técnica que Jan maneja con sutileza. Usando sus propios recuerdos y ensueños de inspiración, Jan fotografia los complejos modelos vegetales que ha creado para Precarious room.

Su trabajo intuitivo, responde a las ideas que, poco a poco construyen un espacio, jugando con una serie de lentes filtros de luz, experimenta con la pintura y el color del papel de la pared hasta que esté la satisface.

Adosado a la estructura de un puente por el que circula trafico ferroviario desde hace mas de cien años en la periferia, el edificio Archway Studios, es un ejemplo de como optimizar el espacio en el espacio publico, tranformando el paisaje urbano. Firmado por Undercurrent Architects, se trata de una construcción modular en la que se ha empleado acero en bruto, consiguiendo mimetizar estéticamente la fachada del edificio en el entorno.

Debido a las características de la zona donde esta ubicado, su diseño curvo y al estar adherido por un lateral al muro del ferrocarril, las posibilidades de iluminar el interior de las estancias eran muy limitadas, aplicando una solución en vertical, convirtiendo la cubierta del inmueble en una enorme claraboya, este ojo de luz inunda la totalidad del espacio con luz natural, no precisando de la instalación de iluminación artificial.

Dividido en tres alturas su diseño se inspira en las antiguas casas que albergaban a la clase obrera que trabajaba en la industria. Otro aspecto a destacar ha sido la especial atención a la insonorización y control de la vibración, una base de goma permite que la estructura actua con independencia de las superficies circundantes, amortiguando la contaminación acústica producida en la zona.

La pared externa está compuesta de una serie de hojas que sistemáticamente reducen el ruido y la resonancia estructural mientras que proporciona comodidad interna. la capa más externa de seis milímetros está soportado por costillas revestidas de acero y rellenas con aislamiento acústico de fibra de estera. siendo estructuralmente independiente de la construcción de la pared interior.

Penetrar en la ultima instalación realizada por el artista en con sede Los Ángeles Julian Hoeber, supone un desafió para el equilibrio del visitante. La pieza central de su primera exposición en New York en la galería Harris Lieberman, es una estructura independiente basadas en las atracciones gravitational mystery spots, una atracción creada durante la gran depresión, y de la que todavía se puede encontrar muestras en algunas ferias y carreteras estadounidenses.

La inclinación inducida visualmente, crea la ilusión de estar ascendiendo, circunstancia que en algunas personas una sensación de vértigo. La arquitectura de estas habitaciones sin ventanas es que la percepción de que la gravedad se ha invertido, de que los objetos y líquidos van contracorriente, y de que los cuerpos en reposo son producto de una anomalía del terreno o un fenómeno sobrenatural.

El proyecto permitirá una experiencia lúdica del espacio física y la narrativa sensorial, mientras que la apertura de las cuestiones de cómo el significado formulario psicología e ideología en el arte. Instalado en Lindbrook Terraza de la galería es una instalación la experiencia artística y atracción de feria

¿Cuantos arboles hay que plantar para crear un frondoso bosque?, un ingeniero agrónomo te contestaría, que dependiendo de las especies que se utilicen, de las características del terreno, de las condiciones climáticas o del grado de conservación que se aplique. Creado por el estudio de arquitectura holandes DUS, en el año 2.010 para la nueva biblioteca Oosterdokskade de Amsterdam, la instalación Unlimited Urban Woods, creaba la ilusión óptica en el visitante de estar en un tupido bosque compuesto por cientos de ejemplares.

En realidad en el interior del cubo de apenas cinco metros cuadrados de superficie y cuatro metros de altura, solo se encontraba un árbol que se proyectaba replicandose, mediante un juego de espejos que multiplica el único ejemplar por decenas, consiguiendo hacer dudar al visitante sobre las dimensiones y profundidad real de este espejismo arboleo.

Unlimited Urban Woods conseguía construir un monumento mental en el visitante. reflejando en un bosque interminable, esta imagen casi surrealista de un bosque que se clona en imagenes idénticas consiguiendo un efecto de profundidad asombroso.

Invitada por la Papier Biënnale 2012, que se celebra en La Haya (Países Bajos), la artista Alicia Martín, convoco a los ciudadanos de la ciudad, para que aportaran los miles de libros con los que ha realizado la instalación Sculpturen van letters. Una cascada en forma de torrente, que se precipita desde una ventanas del piso superior, del Museo Meermanno, marco que acoge una de las muestras mas singulares del viejo continente, un encuentro en las que sus participantes elaboran sus obras in situ, utilizando como principal material el papel y la celulosa en sus diferentes variantes.

Como en anteriores ocasiones Alicia Martín recurre a un elemento de la naturaleza, para trasladarlo al paisaje urbano. Utilizando los libros como chorros de agua, un artificio que visualmente tiene un gran impacto estético sobre el espectador, para el que el significado de la intervención es facilmente comprensible.

Alicia Martín ha utiliza medios como la fotografía, la escultura, la instalación, el dibujo o más recientemente el vídeo. Una de las constantes que caracteriza su obra es la utilización casi obsesiva del libro como materia prima. La metáfora del tiempo, la ocupación del espacio, la relación del arte contemporáneo con la cultura, la memoria bibliográfica como representación física del conocimiento, o la ética como cuestionamiento de todo aquello que se enseña, son algunos de los elementos que configuran su imaginario.

Fotografias COLLABCUBED

Creadas a lo largo de la primera década del siglo XXI, por la artista japonesa Chiharu Shiota. El triptico de instalaciones compuestas Room of Memory, Flowing Water o House of Windows. Tres actuaciones que guardan cierto paralelismos no solamente en lo estético, sino en lo concentual.

Y como es evidente en lo relativo a la selección de materiales. Pues están realizadas con marcos de ventanas reutilizadas, dispuestas en diferentes estructuras arquitectónicas. Son instalaciones esquemáticas y monumentales representando cierta uniformidad, el otro es la memoria y el olvido.

Producto del sueño, las huellas del pasado de una infancia, donde Shiota fue testigo de excepción del incendio de la casa de sus vecinos. Siendo testigo de como ardía un piano, tragedia que se grabo en su mente todavía inmadura.

Shiota utiliza diferentes medios para dar contenido a su obra y su poder simbólico. Pero en este caso las instalaciones realizadas enteramente de marcos de las ventanas, están hechas en Berlín. Shiota reune estas ventanas para formar una nueva estructura arquitectónica.

Que hace referencia a un acontecimiento histórico, como fue la demolición de edificios que sucedió tras la caída del muro de Berlin en 1989. Estas imágenes, estas ventanas son aberturas por las que las personas que vivían en el antiguo Berlín Oriental miraban al otro lado soñando con una vida diferente en otro tiempo y espacio. Imbuido de los recuerdos de sus antiguos propietarios, que ahora actúan como huellas, cicatrices de lo que sucedió antes.

Que haría un astronauta si en su viaje por el cosmos, hiciera escala en el planeta tierra. El planteamiento del ilustrador Tom Colbie, nos muestra alguien de naturaleza curiosa y pacifico en el trato con los nativos. Poniéndole en contextos realmente cómicos donde el sentido del ridículo se diluye apoyado en un narración donde los elementos cinematográficos, empezando por el tratamiento del color y las marquesinas, en los que se anuncian los estrenos antiguamente, tienen una fuerte presencia, estableciendo un paralismo con diferentes épocas y escenarios.

El fotógrafo Jamie Baldridge se inspira en la revolución industrial para crea una narrativa visual en la que los elementos surrealistas y oníricas, contribuyen a perfilar su identidad creativa como fotografo.

En la obra de Baldridge se observa aparte de sus habilidad y calidad fotopictórica, a través de la que ofrece fragmentos de relatos habitados por personajes intrigantes y de mujeres finamente vestidas. Que viven en sus atalayas como si fueran jaulas de cristal.

Las escenas retratadas en las que a menudo recurre a modelos que representan a sujetos de porte distinguido y mirada distante, que aparecen de forma discreta en ambientes comunes. Ya sea en casa adoptando un rol doméstico o en un entorno urbano.

Baldridge, profesor de fotografía en la Universidad de Louisiana en Lafayette, utiliza su experiencia en la fotografía y la escritura creativa. Para ilustrar una serie de momentos aislados reinterpretando cuentos clásicos de hadas, trasladandandolos a un contexto visual.

Los elementos añadidos del surrealismo de forma sutil, dotan a las escenas más mundanas y cercanas a la realidad de cierta atmósfera lúdica y hedonista. Baldridge atribuye sus técnicas narrativas a sus creaciones fotográficas, y su experiencia literaria.

El trabajo de Baldridge se nutre de ambitos como la literatura, la filosófia e incluso la religion. Con los que crea obras cargadas de simbolismo y de referencias a la psicología y arquetipos jungianos, entre el cuento, el esotérismo y la fábula. A través de los que representa la fragilidad de las relaciones, y una diversidad de estados alterados de conciencia.

Su trabajo ha sido tildado de proyectar una interpretación de la realidad sugerente a la vez que nostálgica y decadente. Fotográfia refinada mezcla de la herencia y tradición sureña y el barroquismo francés. Cocktail de estilos con los que crea composiciones visuales que discurren entre una estetica Steampunk, y grandes dosis de humor negro.

A comienzos de Junio se celebro una nueva edición del festival de arte urbano R.I.P. Arte. Entre las muchas intervenciones que se realizaron por las calles de Fabriano (Italia), de muy alto nivel se contó con la presencia del artista callejero local RUN, que ejecuto un mural de grandes dimensiones, en el que elemento central las manos con sus respectivos dedos se convertían en elementos surrealistas de un rostro suspendido en el vació.

La apertura al publico de la remodelación de la High Line un parque público construido en una línea de transporte ferroviario de mercancías histórica elevado por encima de las calles de West Side de Manhattan. Es propiedad de la ciudad de Nueva York, todo un acontecimiento para los ciudadanos de la gran manzana, que ha supuesto un incremento de la actividad cultural y social de los distritos por donde discurre.

Creado en lo alto de una azotea de uno de los muchos edificios que se asoman a la High Line, los artistas locales Sun Bae, Jordan Betten y Stuart Braunstein, sorprenden a los peatones que transitan a escasos metros, con una colección de esculturas en 2D titulada The High Line Zoo, y que como su propia indica representa a diferentes animales salvajes.

Las figuras realizadas a escala natural poseen la particularidad de estar equipadas con iluminación LED, y un sensor programado para cuando anochece visibilice las figuras sacándolas de las sombras. Realizadas con materiales tan simples como cartón troquelado y rotuladores de diferentes colores, la selección de figuras y el mural que lo completa se podrán visitas durante todo este caluroso verano.