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Lawkena Maciver, letra y color para un mensaje urbano positivista

 

En los últimos años se viene generando un debate instigado desde determinados itsmos un tanto academicos de artistas. Que cuestionan la versatilidad del arte urbano en un contexto donde la herencia local como rendimiento expresivo desde una perspectiva global, tenga margen para describir la realidad. 


Señalando que se trata de una manifestación que estéticamente no deja de ser muy rígida. Cuyos formatos tanto físicos como conceptuales han mostrado escasa capacidad de adaptación a la diversidad de soportes expresivos que se pueden encontrar en la mayoría de las grandes ciudades hoy en día. 


Punto en el que personalmente discrepo contudemente, pues todos los que visitamos NQ con regularidad, hemos constatado lo dinámico que puede ser arte urbano. Tanto en el empleo y desarrollo y evolución de técnicas creativas tradicionales. 


Habiéndose creado un bueno numero de ellas específicamente para aplicar casi exclusivamente en el espacio público, como de tratamiento de ese mismo espacio. Incorporando con el tiempo elementos del mobiliario como parte del discurso narrativo desde el punto de vista expresivo. 

Su bautismo como artista urbana en Miami, donde ya se perciben sus señas de identidad


Si es cierto que si se quiere ser riguroso hay entidades creativas más flexibles que otras, a la ahora de abordar nuevos retos. En este sentido una de las trayectorias que me están resultando más sugestivas es la artista de origen Ugandes. 



Lawkena Maciver que tras trasladarse a Londres finaliza su formación graduandose por la London College of Communication donde estudio diseño e ilustración hasta 2009. Iniciando una carrera que se undamenta en un primera fase dentro del arte formal participando en diferentes muestras (la mayoría colectivas.)

 


En las intervenciones de la artista Lawkena Maciver, se observan la inmediatez de un mensaje cuyo tono positivo a la vez que comprometido y una gama de colores y selección de motivos que son reflejo de sus orígenes africanos. 



Donde ya se perciben algunas de sus virtudes más notables, relacionadas con la exploración de sus raíces étnicas trasladandolas a un contexto global. Obras que destacan por el tratamiento del color, donde los motivos respiran y son reflejo de escenas extraídas de su infancia en África


Decálogo cuyos parámetros tambien configuran su identidad en el terreno de la expresión urbana. Donde en su segunda etapa ha incorporado una mezcla de elementos propios de la cultura Pop, contemporánea y un discurso que contempla otra de sus inquietudes intelectuales.

Los colores ácidos son el contrapunto positivo a unos mensajes comprometidos


Que gira en torno a la idea del mito y su simbologia como representación de la idea del Paraíso en todo el mundo. Reflexión según ella de la que existen multitud de muestras siendo una de las más recurrentes la del Paraíso en relación a la mitología o la religión. 

 

Algo que se puede observar en incipientes intervenciones como la que data de 2013 titulada Remember paradise, que tuvo como escenario una muestra celebrada en Miami, donde utiliza grandes letras mayúsculas impresas sobre un fondo arco iris. 


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Formato a gran escala cuya tónica viene exhibiendo desde entonces aplicandolo a todo tipo de formatos. Donde el uso de las tipo logias a gran escala y una gama de colores ácidos se convierten poco más que menos que un dogma, mediante el cual la autora proyecta sus ideas, en las que los mensajes positivistas se acompañan en ocasiones.


De un lenguaje más comprometido y activista, a través del que se solidariza con determinadas causas como en Be Bad Until You're Good (se malo hasta que seas bueno) realizada en el elitista distrito de Shoreditch en Londres durante 2015, donde reinvidica su origen racial y su condición de mujer. 


O en su última exposición de 2020 titulada The Future Gold organizada por el KK OUTLET de Londres, en la que la artista adopta un mensaje radicalmente optimista en tiempos de gran agitación política. Obras Inspiradas en una filosofía casi mesiánica y a través de la realiza su particular reintepretacion de lo que se puede considerar una estética afro futurista. Una selección de obras donde en todo caso se percibe el característico estilo audaz y directo de la artista.


Art Distllery, arte urbano en plena selva Colombiana


Lo mas común es que los tours dedicados al arte urbano se ofrezcan dentro del espacio dilimitado de un nucleo urbano densamente poblado, principalmente se suelen desarrollar en el ámbito de las grandes ciudades donde han contribuido a crear un identidad multi-cultural.  
  
Pero no siempre tiene por que ser así hoy os voy a mostrar como en lo mas profundo de la selva amazónica colombiana, en un lugar en el que hasta hace no mucho tiempo estaba ocupado por las instalaciones de una vieja destilería, si como lo oyes. 

Clausurada hace un par de décadas su explotación fue fundada por una pequeña comunidad de inmigrantes polacos, que decidieron establecerse a principios del siglo XX entre entre las sierras de Perija y Nevada de Santa Marta en el estado Cesar en Colombia. 



ARTE URBANO Y CONCIENCIA MEDIO AMBIENTAL ENTRE DEPOSITOS DE ALCOHOL

 
Básicamente porque en su entorno mas próximo contaban con las materias primas necesarias. Con las que elaboraban su selección de licores de cuya frenética actividad apenas queda rastro hoy en día.

Salvo los tanques y depósitos de almacenamiento además de algunos alambiques que desperdigados por la finca abandonada. Fueron incorporados por la organización Dictador Art Masters.

Colectivo fundado por los artista colombiano Toxícomano Callejero y el estadounidense Tom Bob a cuyos nombres hay que añadir el del curador Mariusz Waras, que en 2018 organizo la primera convocatoria a la que acudieron artistas de primer nivel.

ARTE URBANO CON FINES ECOLOGICOS EN MITAD DEL AMAZONAS COLOMBIANO


Como Ben Eine y D*Face (UK), , Stinkfish y Erre (Colombia), M-City o Monstfur (Polonia), teniendo su continuación en una segunda edición en febrero del año pasado en la tuvimos la oportunidad de ver insitu el trabajo de creadores.


Que ampliaban la plantilla ya de por si importante de la primera edición con artistas de la talla de Gleo y Chicadania (Colombia), Cranio (Brasil), Nychos y Shue77 (Austria), Faith 47 (Africa del Sur), Daleast (China), TomBobNYC (USA), PixelPancho (Italia), MadC1 (Alemania) o Pez (España). Cuya aportación y colaboracion altruista y desinteresada esta vinculada.


No solamente a contribuir con un proyecto de amibito estrictamente cultural, sino en desarrollar el embrion que paralelamente tiene como objetivo crear un espacio medio-ambiental protegido, donde poner en marcha y aplicar un plan de conservación que permita garantizar a largo  plazo.


La supervivencia de especies endémicas de la zona como el jaguar, un felino muy abundante hasta no hace mucho y que debido a la presencia humana y a la deforestación intensiva producida a lo largo de las ultimas décadas, ha visto como en sus zonas de influencia disminuía drásticamente el numero de individuos. 

Un felino que debido a sus caracteristicas fisicas y sus necesidades territoriales, llegando a cubrir varios kilometros diarios cuando sale de batida en compañia del resto de los miembros de la manada. Precisa de unas condiciones muy concretas que le permitan reproducirse en cautividad.

Para posteriormente reintroducirlo con garantias de supervivencia en su habitat natural, algo que requiere de un arduo trabajo en el que la dedicación y el compromiso no siempre se acompaña de la financiación suficiente, con la que cubrir los gastos de personal especializado y mantenimiento de las instalaciones. 



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Art Distllery es un proyecto que combina la expresión urbana y la conservación medio-ambiental, utilizando los recursos disponibles en su entorno con el objetivo de recuperar la población de diferentes especies en peligro de extinción.





El artista ADNATE retrata al Dalai Lama tras encontrarselo en un viaje en la India.


Encontrarte con un personaje relevante o que cuenta con gran proyección publica siempre supone todo un acontecimiento, hecho que suele acabar convertido en una anécdota o comidilla en cualquier encuentro con los amigos. 
 
Pero existen veces que se dan una serie de coincidencias debido a las que ese encuentro casual que debido a la admiración  que se siente por ese personaje en concreto, puede provocar un shock que desencadene una serie de reacciones (casi siempre positivas), que con el paso del tiempo se acaban plasmando en un acto de gratitud.

Este es el caso del ciudadano Australiano y grafitero ADNATE residente en Melbourne, que en el transcurso de un viaje por el Norte de la India tuvo la inmensa fortuna (palabras textuales) de conocer al máximo representante del budismo el Dalai-Lama, exiliado de Lhasa capital del Tibet, se trata de un reconocido defensor de los derechos humanos cuyas profundas convicciones y valores encarnan la lucha por la independencia de todo un pueblo.


Conflicto que en sus diferentes etapas abarca mas de medio Siglo. Y cuya trayectoria ha servido de inspiración a su autor, que tras mantener una breve conversación con el y regresar a su ciudad natal en Melbourne a comienzos de este año. Escogio una pared enorme de ladrillo rojo donde despues de una semanaa de trabajo completo el retrato del guia Tibetano.

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Utilizando el patrón de colores caracterizados por tonos apasionados el artista urbano ADNATE retrata al Dalai Lama utilizando como lienzo una enorme pared en ladrillo rojo, donde plasma la carismática mirada de uno de los líderes espirituales mas carismáticos y respetados en todo el mundo.

Reskate Arts & Crafts, crean enigmáticos murales fotolumiscentes


Reskate Arts y Crafts es un estudio de diseño con sede en la ciudad Española de Barcelona, que cuenta con un extenso y variado portfolio que comprende diseño gráfico, publicidad, ilustración... Pero que además sus dos miembros fundadores Maria López y Javier de Riba, han enriqueciendo con una vertiente cuya faceta cultivan desde diferentes manifestaciones artísticas.

Abarcando un amplio abanico de propuestas a través de las que exploran y desarrollan nuevas y sorprendentes técnicas visuales cuyos resultados aplican sobre todo en el ámbito urbano, y mediante las que expresan sus inquietudes sobre temas cotidianos con los que cualquiera nos podemos sentir identificados.

Una de estas creativas y dinámicas técnicas consiste en realizar intervenciones en el espacio publico creando elaborados y perspicaces murales aplicando una pintura fotolumiscente, que debido a su composición química permite camuflar motivos graficos. 

Los que revelan sus formas y mensaje en condiciones de escasa iluminación, logrando establecer sorprendentes efectos ópticos y diferentes interpretaciones de una misma obra en diferentes franjas horarias. Con los que consiguen crear una narrativa dual que dependiendo del horario en el que sea contemplado ofrecerá una interpretación diferente.

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Los murales fotolumiscentes realizados  por el dúo artístico Reskate Arts y Crafts, nos describen mensajes duales de forma sutil, que se revelan dependiendo de la franja horaria y de la disponibilidad de luz que haya en el momento en el que se contemplen.



Rone and his Empty series, portraits in an abandoned Art Nouveau theatre

 


In many of the interventions of the urban artist Rone, based in the Australian city of Melbourne, a shared constant can be observed, which links uninhabited places and their architecture with their human facet.


Applying soft tones, he transmits through architectural portraits different emotions that the residents of the buildings experienced at the time and that they had to leave in many cases in a hasty manner due to an accident or an eviction or simply because the economic activity that existed in the vicinity of the house ceased. 

Creating an atmosphere where nostalgia and uncertainty dramatize the whole, managing to transmit in a poetic way the experiences that were lived in that place at a certain time not so long ago. Portraits full of nostalgia and eloquence that serve to fill architectural voids in languishing buildings.

For his latest work entitled Empty, made over two years in different locations in Melbourne, he explores the relationship between beauty and decadence. For this, she represents the faces of different women according to a specific context, a theatre, a single-family house, or for example the old facilities of a spa.

In this case the chosen scenario is the venue that housed, Art Nouveau Lyric Theatre, a majestic building dating from 1920, and that if no one remedies will be irremediably demolished. A space that Rone already knew because he had been exploring it on different occasions previously studying the possibilities it offered. 


Read it in Spanish: Rone y su serie Empty, retratos en un teatro Art Nouveau abandonado 


Finally he decided to undertake an epic transformation that would include not only the main stalls with their seating capacity, but also the rest of the rooms. A building in which the first time he was there he experienced a feeling that overwhelmed him, it had such a cold atmosphere, those high ceilings and the corridors in semi-darkness, that he tried to imagine those frequented by the artists and the public that filled it for seasons.

he set of murals is painted over some original artwork that was only revealed by accident when they decided to clean the wall before painting it. Running along both sides of the space are two rows of hanging art pieces that seem to magically float in the air. On the right side twelve painted portraits, on the left eight photos of Rone's works are displayed in a dramatic context. 

A discreet peephole looking into the black warehouse next door revealed another mural rising from the rubble covered floor. The boards had numerous small holes drilled into it allowing light to pierce the black void. The whole spectacle was impeccable, a true testament to the two thousand people who came during its opening weekend when all the works were sold.


The works of the Empty series in photographic format are part of a traveling exhibition whose first exhibition held in October of last year took place in a disused hangar that was presided over by one of the portraits made on a large scale.

 

Know Hope - Vicariously Speaking


Fruto de la relación epistolar establecida por su autor el artista Know Hope con algunos de los presos, que esperan que se ejecute su sentencia en el corredor de la muerte de la cárcel estatal del estado de Nashville.

La serie de intervenciones realizadas en el marco de actividades de la ultima edición del festival de arte multidisciplinar Oz Art Festival celebrada el año pasado, titulada Vicariously Speaking utiliza los soportes publicitarios como plataformas desde las que transmitir al resto del mundo frases extraídas de las cartas que Know Hope recibe.

Perteneciente al colectivo de artista urbanos This Is Limbo, los proyectos de KH contempla el espacio publico como un lugar común formado por vasos comunicantes, a través de la que construir una red que facilite la comunicación y transmisión de ideas. Que sensibilice sobre determinados temas de alto contenido social y cuyo debate se suele limitar a canales oficiales.

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Trazados con spray negro sobre fondo blanco, de forma informal los soportes publicitarios que habitualmente anuncian productos y comercios locales, los mensajes de los convictos reflejan sus emociones y anhelos. Mostrándose como la antítesis en relación a su contexto y función original.