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Willi Dorner y Lisa Rastl - Bodies in urban spaces, el cuerpo como elemento en la ciudad


En un intento por hacer visible al individuo en el espacio publico el director de arte y coreografo Willi Dorner y la fotógrafa Lisa Rastl, utilizan el cuerpo como elemento integrador del paisaje urbano. 

Transformando la materia orgánica en sustancia que constituye y hace fluir la vida de lo inerte. Este catalizador de ideas explora la relación que existe entre el cuerpo, el espacio y la arquitectura, ofreciendo experiencias en las que el rendimiento del cuerpo  y su movimiento acaba formando del paisaje urbano.

Este proyecto nómada ha tenido escala en diferentes ciudades de países como Austria, Reino Unido, Francia, Noruega, Suecia, Finlandia, España y EEUU. Donde la puesta en escena combina coreografía, escultura e instalación y de fondo, como escenario una diversidad de paisajes urbanos. 


Creando una obra efímera donde el espectador asiste a una experiencia donde el  cuerpo transforma su identidad mediante la adopción de una postura que le mimetiza en el entorno urbano. En un intento por mimetiza se con el paisaje urbano en el que se desarrolla la puesta en escena.


Cuestionando nuestra percepción del movimiento y del entorno urbano, el coreógrafo austriaco Willi Dorner nos ofrece una pieza in situ transformando la relación con los elementos que tenemos con el paisaje urbano.


Este proyecto tan sugerente como inusual que se inicia en 2007 teniendo un recorrido que abarca casi siete años. Participando cientos de bailarines así como practicantes de Parkour en alrededor de noventa coreografias. Contó con la edición de un libro publicado en 2014 escrito por el propio Willi Dorner. 


Mark Jenkins, el espacio publico como un lugar en el que transgredir creativamente



Mark Jenkins es un artista que realiza intervenciones con un marcado acento de denuncia. Activismo creativo cuya precaucion surge  de observar la indiferencia social que se  está extendiendo tanto a nivel institucional como humano.

Un nihilismo, que no estoicismo que el metaboliza a través de formas, que en unas ocasiones se representan en delicadas esculturas que emulan la fragilidad del cristal inmaculado. Las cuales se inspiran en el reino y animal, y en otras se decide por ser más explícito y contudente. 

Optando directamente por intervenir en el espacio publico, para convertirlo en la materia prima a trave de las que contextualizar un conjunto de preocupaciones que le peturban. En este sentido el paisaje urbano lo contempla como una trinchera desde la  que proyectar alegatos de denuncia sobre las mas variadas causas.


Este mensaje recurrente que esta implícito en buena parte de instalaciones que realiza periódicamente en diferentes localizaciones, es  lo que le ha permitido crear una identidad reconocible como uno de los artistas urbanos más influyentes actualmente a nivel global.


Una de los recursos que a los que mas recurre son esculturas de diferente tamaño que modela y posteriormente envuelve en celofan adquiriendo aparienciencia de figuras talladas en vidrio. Los elementos surrealistas se integran en fotomontajes donde combina material gráfico y técnica pictórica.


Una  de las propuestas más contundentes que ha completado hasta el momento, son aquellas performances, en las que recurre a cuerpos tendidos que adoptan diferentes posiciones, que combina con la incorporación de la presencia de personajes que camuflan principalmente la cabeza o directamente adoptan diferentes disfraces, con una actitud en ocasiones activa y en mayoría de pasividad frente al entorno, creando una atmósfera de inacción que transmite una sensacion peturbadora.

En 2008 Jenkins colaboró con Greenpeace en una campaña de sensibilización, la instalación titulada Polares Bears tenía como objetivo llamar la atención sobre el desaparición de los casquetes de hielo del Ártico. Jenkins creó figuras realistas que parecían ser personas sin hogar pero con cabezas de oso polar de felpa. 


Sachiko Abe, la contemplación ante lo inevitable



La artista y creativa Sachiko Abe ha obtenido cierta notoriedad en determinidas círculos artísticos, debido a sus performances inmaculadas. Intervenciones donde ella se convierte en el hilo conductor.

De una narración en la que la atención del espectador no puede dejar de fijar su mirada en el atrezzo o mejor el ajuar de novia, con el que Sachiko deslumbra, acaparando cualquier tipo de espacio con su presencia. 


Aunque ya cuenta con una dilatada trayectoria ha sido de una de sus ultimas propuestas cuando su obra ha alcanzado cierto grado de proyección entre la crítica especializada. Titulada Cut Papers, se trata de un proyecto donde nos invita a la contemplación del propio yo.


A través de la figura de la artista elaborando su propio credo y significado dentro de una economía estética aparentemente simple. Es este espacio escénico de percepción y producción el que se convierte en el foco de la obra. 


Abe de esta forma y en este contexto nos propone un entorno de intervenciones escultóricas a gran escala, en el cual el contraste visual y estetico teje una coreografía en el cual los periodos intensos abordando una dimensión endogena de nuestra personalidad. 


Durante unas seis  horas al día, Sachiko Abe se sienta sobre un colchón blanco en el suelo de papel. Rizos de papel tan finos como los alambres cuelgan del techo y ondulan en pilas en el suelo es como un palacio de hielo.


Influenciada por filósofos como el francés Gilles Deleuze y comprada a menudo como la ecleptica Yoko Ono. Abe nos invita a contemplar la intensidad de las ideas que se acumulan y se difunden en la transformación de una hoja blanca de papel en un medio de comunicación. 


Los inicios de Sachiko en el ámbito artístico resultan tan poco edificantes como a la vez sugerente, pues ella comenzó a cortar papel cuando estuvo ingresada en un hospital mental hace ya catorce años. Esa actividad aparentemente trivial le proporcionaba cierto estado de sosiego sustituyendo su tendencia ha autolesionarse infringiendose sutiles cortes en su piel.


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