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The Battlelines Redrawn, paisajes de guerra


El inexorable paso del tiempo suele ser el responsable de la desaparición de cualquier tipo de huella. Que se haya podido producir debido algún acontecimiento que se haya podido producir en un determinado momento. 

Modificando el territorio y su paisaje. El proyecto The Battlelines Redrawn es una iniciativa en la que participan geógrafos, historiadores y artistas, cuyo propósito es analizar desde diferentes ámbitos. Como afecta sobre el territorio acontecimientos tan trascendentales como la I Primera Guerra Mundial.

Quizás el ultimo gran conflicto armado cuyas operaciones tuvieron como escenarios campos de batalla. Donde debido a la aplicación de la tecnología a la industria militar, se produjo importantes transformaciones directamente sobre el entorno, perdurando en el tiempo hasta la actualidad.


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Es asombroso observar como como las presiones producidas sobre el territorio por la guerra, se integran en el paisaje formando parte de su identidad



Future Library, un bosque de libros centenarios


Como si de una cápsula del tiempo se tratara todos y cada uno de los retoño de abeto que germinan en un claro del bosque Nordmarka situado en las proximidades de la capital Noruega. En un plazo  aproximado de cien años se talaran cumpliendo con su sacrificio con el enunciado de una paradoja, de un mundo donde supuestamente el formato físico del libro ha desaparecido o ha quedado relegado como reliquia conservada en los anaqueles de un museo, se editen hasta cien volúmenes inéditos de otros tantos autores que generosamente hayan realizado la donación de un libro inédito en vida.  

Esta metáfora retrofuturista creada a partir de la iniciativa de la artista britanica   Katie Paterson y que lleva por nombre Future Library, cuenta con una primera referencia. Aportada por la escritora también de origen ingles Margaret Atwood cuya buena de los argumentos sobre los que cimenta su extensa obra, órbita alrededor de la ciencia ficción y el misterio.

Cuando en 2.114 se comiencen a publicar todos y cada uno de los manuscritos donados, se podran a disposición del publico en general. Custodiados en una sala de la Biblioteca Pública Deichmanske, en el momento de ser editados a una prioricidad de un titulo por temporada, sera momento de comprobar si las todas y cada una de las historias que emergen de sus paginas. 

Folios con aire de genero futurista y redactadas una centuria atrás, obedecen a los canones sociales establecidos en esa supuesta sociedad actual, y cuyos autores ya habrán desaparecido al menos físicamente. Pudiendo valorar el grado de aproximación de su legado literario, comparando el futuro imaginado intelectualmente por el escritor con un presente incierto, en una especie de misión arqueologica donde el porvenir ya imaginado pero desconocido permanece vinculado y escondido entre las raíces del bosque.

Ella y Pitr - Anamorphic, marcós a través de los que recuperar la memoria


Como resultado de un viaje a localidad de Saint Etienne. Capital del departamento del Loira situada en el sureste de Francia y conocida por su industria armamentística.

La pareja artística conformada por Ella y Pitr, tras explorar muchos de sus recónditos lugares y descubrir algunos de sus muchos tesoros. Se percataron de que muchos de los edificios de su parque inmobiliario, se encontraban en un estado de conservación y deterioro estructural en muchos casos ruinoso.

Con el propósito de recuperar parte de su memoria y esplendor perdidos, realizaron una serie de intervenciones in-situ, que bajo la denominación sui-generis de Anamorphic (anamórfica). Tenia como propósito abrir mediante un filtro una puerta temporal que mostrara como era el edificio antaño.


Esta técnica utilizada a menudo en el cine creando la ilusión de amplitud en la imagen. La reinventan Ella y Pitr seleccionando un fragmento en el que aplican una combinacion de óptica 3D y composición tradicional, modificando la perspectiva de lo que se percibe.


Dando como resultado una versión actualizada de lo que pudo ser el origen del edificio en el momento de ser construido. Añadiendo elementos que hacen referencia al contexto social de la época, permitiéndonos de forma furtiva mirar a través de un marco, y constatar como vivían en ese mismo lugar nuestros antepasados.


Los artistas completaron este proyecto como parte de una campaña para el Centro Dramático Nacional de St Etienne, eligiendo lugares a los que llaman "partes olvidadas de la ciudad". Creando composiciones qué actuan cómo fragmentos de memoria que tanto subjetivamente como en términos colectivos nos invita a mirarnos a nosotros mismos y los espacios que habitamos.


Los restos de un avión sirven para homenajear a sus victimas


Este año se cumplen los 25 años desde que un avión de la compañía francesa UTA, se precipitara estrellándose contra las dunas del Sahara en la región del Tenere en Niger. Como consecuencia perecieron 170 personas y la totalidad del personal del avión.

Después de mas de dos décadas una delegación de la asociación de victimas tras un arduo trabajo de localización del resto de familiares, (muchos residentes países Africanos). Se trasladaron a la zona cero de la catástrofe, al punto exacto del árido desierto donde el aparato estallo consecuencia de un acto terrorista, con el propósito de rendirles un homenaje. 

En un acto de catarsis colectiva contruyeron un monolito creado por Guillaume Denoix de Saint-Marc, uno de los familiares de una las victimas. La escultura que se puedes observar desde Google earth, se compone de 170 espejos uno por cada uno de los pasajeros que viajaba aquel día en el avión.

Diseminados, los espejos se alterna con piedras formando un circulo que rodea los restos que tras mas de dos décadas todavía se encontraban en el lugar de los hechos. Y de los que sobresale la cola del avión referente visual del conjunto monumental.

Cada una de las víctimas están representados de forma individual a través de los 170 espejos rotos que forman la forma radial del monumento. En el centro un ala de avión en posición vertical que parece brotar de la arena. Una placa adosada al fuselaje de la cola, tallada con cada uno de los nombres de los difuntos, su edad y país de origen completa el emplazamiento.


Maia Urstad - Wall of Sound


Compuesta por filas apiladas formadas por ciento treinta de reproductores estéreo de cassettes la artista Maia Urstad, reproduce un muro de sonido físico en donde utilizando elementos vintage ofrece al expectador una experiencia sensitiva a través de la que evocar sus recuerdos del pasado.

La instalación Wall of Sound explora a través de accidentes tecnologicos aspectos emotivos del individuo, mediante la activación de sus recuerdos. Inspirada por los muros de piedra que forman del paisaje de su país natal Noruega. WOS emite una pieza que combina efectos sonoros, fragmentos de código morse y emisiones vía satélite.

Los equipos estéreos en la instalación tienen una doble función, visual y conceptual. En un nivel auditivo el sonido complementa la instalación estética vinculando su presencia en su contexto. Por otra parte también refleja cuestiones relacionadas con el desarrollo técnico y nuestra cultura de consumo.

Maia Urstad es un artista que trabaja en la intersección del arte visual y de audio. En los años ochenta, su medio artístico migró hacia la experimentación sonora, y desde 1987 ha trabajado con sonido en varios proyectos de arte, instalaciones especificas, teatro y cine. Su trabajo consiste en la integración de sonido en lugares específicos. Proyectos recientes incluyen instalaciones y performances sonoras exteriores e interiores en la que emplea elementos de tecnología de consumo masivo a partir de los que crea propuestas escultóricos sonoras.


House of 33 years, tres casas en una


La arquitectura no son solo aspectos técnicos o funcionales, la presencia de un edificio también el tender vinculos emocionales. El habitarlo, el decorarlo supone establecer una relación con las personas que residen en el con los diferentes elementos que lo componen.

House of 33 years es un proyecto realizado por los arquitectos Megumi Matsubara  trabajó junto Hiroi Ariyama. Encargado por una pareja de ancianos que tras 33 años decide volver a la localidad de Nara en Japon, donde se conocieron de jóvenes.

Deciden trasladar secciones de sus don anteriores residencias ubicadas originalmente en las ciudades de Sendai y Aomori. La casa montada en una parcela adyacente a un templo budista. Parte de un esquema compuesto modular protegido por un pabellón que diferencia el interior del exterior.

Una disposición en capas compuesta por paneles de vidrio y productos de madera, en el interior crean diferentes perspectivas visuales dependiendo  del ángulo dónde te encuentres. La casa consta de varios pabellones y habitaciones fabricadas en madera que sobresalen bajo una gran estructura de acero. La relación entre los elementos individuales define el carácter de la casa como un todo.

La casa de 33 años es una casa de un coleccionista que recoge recuerdos, cuya memoria y futuro existen simultáneamente en el mismo espacio. Al enmarcar vistas a través de diferentes áreas, las imágenes se producen continuamente por el movimiento de los habitantes. Cada imagen se le da su propio espacio superponiendose como múltiples adiciones a la casa para actualizar los recuerdos de la familia.


Mark Drew, nostalgia musical a través del diseño


A pesar de vivir inmersos en plena digital gracias a la que la practica totalidad de los contenidos que produce la industria del entretenimiento, son distribuidos aplicando un algoritmo basados en ceros y unos. Estamos asistiendo a un revival de viejos formatos como el vinilo, un mercado que fundamentalmente  que se nuestra de reediciones míticas de la música contemporánea y que esta experimentado un gran auge.

Este fenómeno retro también tiene su versión artística. Mark Drew con oficina en Tokyo ha querido realizar su particular aportación sumandote a esta corriente vintage, que consiste en utilizar la iconografía Pop para realizar un viaje temporal, que correlacione episodios de nuestra historia actualizando a través de manifestaciones artísticas actuales. 

Mark ha elegido para realizar su homenaje a la música que escuchaba en la década de los 80´s, de la que es un autentico fan, las conocidas como costuras o filetes laterales de loa míticos cassettes de cinta analógica, donde figuraba aparte del nombre del autor y titulo de la obra, por las que el consumidor identificaba la tipografía original, la editora discografica y el numero de serie del producto.

Para eso Mark recurre a diferentes técnicas artísticas a través de las que reproduce en cuadros, diseño web, laminas, murales, instalaciones e incluso camisetas, algunos de sus músicos y grupos favoritos. En general viendo las obras de Mark se tiene la sensación de que la parte gráfica de la música, con la era digital ha perdido su protagonismo, beneficiándose de otras áreas del como el marketing o la promoción. 

Aram Bartholl - DVD Dead Drop, la memoria en el espacio publico y sus rendimiento tecnologico


Una ranura abierta en un muro apenas perceptible para el ojo humano, se convierte en un medio transmisor de información cultural.

El usuario introduce un DVD y al cabo de un momento como por arte de magia la enigmática abertura lo expulsa con contenidos relativos a la programación que en ese momento ofrece el Museum of the Moving Imagedg de New York.

Creada por el artista multimedia Aram Bartholl, la intervención interactiva titulada DVD Dead Drop, permite tanto a los visitantes habituales del museo como a los que por falta de tiempo establecer una relación esporádica con las exposiciones que se ofrecen en el espacio físico. 


El titulo del proyecto de Aram hace referencia a lo efímero de la tecnología actual y a las posibilidades de reutilización en el espacio publico. Disponible las veinticuatro horas, DDD, es la continuación natural de la experiencia titulada Dead Drops.


DVD Dead Drop es una intervención de carácter inmersiva que combina la tecnología y su rendimiento en términos de memoria, con el espacio publico como lugar en el compartir experiencias. 


En la quee Aram utilizaba una memoria USB que distribuida en diferentes de la ciudad de New York, permitia a sus usuarios almacenar e intercambiar archivos con otros usuarios, que participaban en un intercambio colectivo de información.

En las intervenciones de Aram Bartholl se abordan temas tan socialmente relevantes desde el punto de vista tecnologico, como el exceso de vigilancia a la que estamos sometidos, como se gestionan la privacidad de nuestros datos en la era digital y la dependencia tecnológica. Exponiendo y analizando a través de su trabajo las contradicciones y absurdos de nuestra vida digital cotidiana en entornos físicos.




Dibujando la amnesia de Benjaman Kyle


En el año dos mil cuatro un hombre inconsciente fue descubierto detrás de un restaurante de comida rápida en la localidad de Richmond Hill en Georgia. No tenía pertenencias, presentaba un cuadro cutáneo severo por quemaduras de sol.

Y estaba casi ciego por cataratas. El hombre estaba tan exhausto que apenas balbucea unas frases sin sentido, siendo incapaz de presenta acreditación alguna. Ya fuera documental o de memoria sobre su verdadera identidad. 

Después de meses de evaluación continua de los médicos y psicólogos se determinó que sufría de amnesia disociativa. Adoptó el seudónimo Benjaman Kyle y se embarco en la búsqueda de su verdadera identidad suscitando la atención de numerosos medios de comunicación en los Estados Unidos. 

Siendo su historia objeto de rodaje de un cortometraje titulado Finding Benjaman, dirigido por John Wikstrom podeis verlo AQUI. A día de Benjaman es el único ciudadano de los Estados Unidos que oficialmente figura como desaparecido a pesar de que conoce su paradero. 


Un aspecto kafkiano de esta situación es que Benjaman ahora vive completamente en el limbo legal: durante los últimos ocho años le ha sido negada la posibilidad de obtener un nuevo número de la seguridad social, o se le ha impedido abrir una cuenta bancaria o poseer una tarjeta de crédito. 

La administración y la burocracia de estado argumenta que Benjaman ya  dispone de su registro. Pero a pesar de los esfuerzos por reconstruir su identidad a través de la corcondancia de las huellas dactilares, o el análisis de su ADN, no se ha logrado desvelar su origen, no encontrando ningún rastro que haga referencia a su pasado.




Conmovido por su historia, el artista Miguel Endara se puso en contacto con Benjaman, para proponerle la posibilidad de tratar de recuperar sus recuerdos a través de la realización de una serie de retratos hiperrealistas.

Realizado mediante la técnica de punteado, una técnica tediosa que implica una pluma, paciencia y una obscena cantidad de puntos. En el retrato se empleo casi ciento treinta y ocho horas hasta completarse, presentando una tasa de 4,25 puntos por segundo.


La amnesia disociativa, también conocida como amnesia funcional o amnesia psicógena, es un trastorno disociativo caracterizado por una fuerte pérdida de memoria provocada por un episodio intenso de estrés psicológico.


La pieza que mide 20x15 pulgadas, contiene aproximadamente dos millones de puntos. Con este minucioso trabajo el autor aparte de explorar la posibilidad de que Benjaman consiga recordar su verdadero su nombre, recobrando de esta forma sus derechos civiles y jurídicos. 

Pretende obtener recursos económicos con los que poder obtener de la administración la documentación necesaria que habilite el derecho de Benjaman a disponer de una identidad transitoria que le permita desarrollarse e integrarse en la comunidad donde reside.


Chiharu Shiota/Ventanas al pasado, para no perderse en la memoria



Creadas a lo largo de la primera década del siglo XXI, por la artista japonesa Chiharu Shiota. El triptico de instalaciones compuestas  Room of Memory, Flowing Water o House of Windows. Tres actuaciones que guardan cierto paralelismos no solamente en lo estético, sino en lo concentual.

Y como es evidente en lo relativo a la selección de materiales. Pues están realizadas con marcos de ventanas reutilizadas, dispuestas en diferentes estructuras arquitectónicas. Son instalaciones esquemáticas y monumentales representando cierta uniformidad, el otro es la memoria y el olvido.

Producto del sueño, las huellas del pasado de una infancia, donde Shiota fue testigo de excepción del incendio de la casa de sus vecinos. Siendo testigo de como ardía un piano, tragedia que se grabo en su mente todavía inmadura. 

Shiota utiliza diferentes medios para dar contenido a su obra y su poder simbólico. Pero en este caso las instalaciones realizadas enteramente de marcos de las ventanas, están hechas en Berlín. Shiota reune estas ventanas para formar una nueva estructura arquitectónica.

Que hace referencia a un acontecimiento histórico, como fue la demolición de edificios que sucedió tras la caída del muro de Berlin en 1989. Estas imágenes, estas ventanas son aberturas por las que las personas que vivían en el antiguo Berlín Oriental miraban al otro lado soñando con una vida diferente en otro tiempo y espacio. Imbuido de los recuerdos de sus antiguos propietarios, que ahora actúan como huellas, cicatrices de lo que sucedió antes.

Antony Gormley - Domain Field, el cuerpo y su fragilidad como memoria


Creada en 2.003, Domain Field, es una instalación coral creada a partir de la figura de voluntarios, cuyas edades oscilaban entre los dos y ochenta años provenientes de las localidades de Newcastle y Gateshead en el Reino Unido. 

Estos moldes se utilizaron para construir las esculturas formando un dominio individual, por un proceso de soldadura por el que sus diferentes secciones de acero quedaron ensambladas proveniendo cada una de un molde. 

Firmado por el artista Antony Gormley, las 287 figuras que componian la instalación se expusieron en un hangar, donde sus huéspedes teñían que tratar de adivinar cual de ellas correspondía con su cuerpo.

El artista exploraba la noción de percepción corporal subjetiva a través del paso del tiempo, planteándose cuestiones ¿Cómo se construye la memoria? ¿Cuál es la relación entre esa misma memoria y el cuerpo?. Una serie de dilemas cuyo volumen se exponía en figuras sin masa coropral, describiendo la fragilidad de cada individuo.



Peter Zumthor y Louise Bourgeois - Steilneset Memorial, arquitectura y duelo contra la inquisicion


Los noruegos conmemoran cada año la persecución y ejecución durante el siglo XVII, por actos de brujería a 91 personas, la mayoría mujeres residentes en la localidad de Vardo en el Círculo Polar Ártico. 

Para este año la festividad que se celebra en los meses de canícula, han  inaugurado un edificio monumental firmado por el arquitecto Peter Zumthor y el artista de Nueva York Louise Bourgeois recientemente fallecido.

Steilneset Memorial es un conjunto monumental cuyo propósito es rendir memoria a las victimas de aquella tragedia absurda. Situado a las afueras de la ciudad, los visitantes llegan al monumento bordeando una pequeña colina, sobre la cual se encuentra una iglesia y su cementerio digno de postal. 


Más allá, los brazos desplegados de la estructura del memorial se despliegan convirtiendo en el referente de los navegantes que desde el horizonte divisan la costa. Se compone de dos estructuras.

El nombre, la acusación, la confesión, y el destino de cada mujer se imprimen en las secciones de la seda que cuelga debajo de bombillas al lado de cada ventana. Zumthor eligió la ubicación de cada ventana lanzando un dado representado en cada una de las caras del cubo de cristal negro. Método que selló los destinos de tantos. The Damned, The Possessed, y The Beloved.

Un enorme bastidor compuesto por puntales de madera cruzados, soportan el pabellón en forma de oruga que suspendido de cabos enganchados a las traviesas horizontales permanece suspendido en el aire.

Las instalaciones se completan con un pabellón anexo construido en vidrio negro. El volumen sorprendente para un monumento de estas características, alcanzando los 126 metros de largo cruza el plano de la costa. La estructura se sostiene gracias a una resistencia a traccion, forrado con un tejido de fibra de vidrio endurecido, se parece a la lona empleada para construir las embarcaciones locales. 


Los detalles, que incluyen las costuras cosidas a mano, los cables tiran de la tela  estrechando la forma cónica. El marco simple de la estructura, con un techo corrugado sencillo, recuerda el secado de pescado al aire libre. 

Que se inspira en los bastidores que son comunes en la región. Además de una puerta en cada extremo, y de noventa y una ventanas de la estructura, una por cada víctima, cada una iluminada por una sola bombilla. 


Después de la procesión a través de los registros del tribunal, los visitantes entran al pabellón y encuentran un anillo, rodeado por siete espejos gigantes colgados de armaduras metálicas. 

Dentro del recinto, el interior es oscuro y estrecho, todas las superficies pintadas de negro. Los visitantes caminan por una pasarela estrecha,  las paredes de tela se agitan cuando el viento del mar sopla con fuerza. 

Los bulbos, suspendidos de cables negros, elegantemente cubren el techo, crean una atmósfera intima, dando al espacio una sensación extraña, desconcertante. Esta experiencia es dramatizada por Bourgeois, en la instalación ubicada en el pabellón de cristal adyacente. 


Dentro del anillo, se encuentra una sencilla silla de metal con una hoguera. Al igual que la estructura exterior, el pabellón de cristal es también permeable a los elementos. El viento pasa a través de huecos en los paneles de vidrio oscurecido. El pabellón no tiene iluminación, por lo que en la noche las llamas se hacen más visibles a través del cristal oscuro.


Merge Invisible - The Nefelejcs Project, arte urbano para recuperar la memoria de Budapest

Tras realir alguns investigaciones, en los Archivos de la capital húngara de Budapest, relativas al diseño que presentaban los edificios que han sido demolidos en el distrito occctavo de la ciudad.


Pesquisas documentales realizada por los miembros del Colectivo Merge Invisible, llegando a la conclusión de que están siendo sustituidos por nuevas construcciones que desvirtúan su estética alterando el paisaje de uno de los distritos mas antiguos de la ciudad. 


Sus responsables propusieron una iniciativa para que contaron con la participación de los  vecinos de la comunidad, la cual tenía por objetivo, desarrollar actividades a través de las que tratar  de reinvidicar el legado arquitectonico. En en qué habían crecido.


Bautizado con el nombre de The Nefelejcs Project, la primera de estas propuestas ha consistido en completar dos murales a escala real reproduciendo la distribución de las antiguas viviendas. Tras cuatro días de trabajo en los que contaron con el asesoramiento del Ludwig Múzeum.


The Nefelejcs Project es un proyecto en el que recurriendo a dinámicas creativas se recupera a través de participaticion y del compromiso comunitario, la memoria del origen arquitectónico de un barrio de Budapest.


Y muchos botes de pintura vaciados en blanco y negro, el resultado es una placa de rayos X con las que pretenden recuperar aunque de forma puntual y simbólica parte de su legado arquitectónico asi como los usos y la  actividad económica que permitió el crecimiento del distrito.