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Estelle Chrétien, la redimension del paisaje entre lo público y lo privado



Existen imágenes que dependiendo del contexto en el que son realizadas o creadas, por si solas. Ya poseen la capacidad de causar tal impacto y magnetismo en el espectador, que a nivel inconsciente modifican la percepción que tiene uno del mundo que les rodea.


Ese efecto muchas veces de magnitud demoledora se observa sobremanera en la afiliación o complicidad deliberada que buscan los medios de comunicación con sus audiencias. Sobre todo en un entorno mediático parásitado por el instrusismo. Donde el valor intrisico del flujo de información que se sirve a los consumidores (muchas veces voraces) por acceder a nuevos contenidos.

Tiene que ver más con el, cómo te transmite determinada noticia o acontecimiento, que con el rigor y veracidad con que se trata el alcance de esa misma noticia. Lo importante es la forma narrativa no el significado de los hechos a partir de los que emana la noticia. Por eso cada vez más se habla de comunicadores en vez de periodistas. Los cuales despliegan todas habilidades para persuadir a sus espectadores.

Siendo lo importante y seductor la estética arquitectonica de la redacción de su noticia, independientemente del grado de objetividad que se aplique a la misma. Se trata de que sea lo suficientemente sugestiva y merece la pena ser leida, escuchada o sobre todo vista. Como para que se le conceda la atención necesaria convirtiendo la labor del periodista en un hecho trivial que suele acabar en un mar de frustraciones y desconcierto que provoca una crisis de identidad en el periodista.


Este mismo fenómeno de búsqueda del impacto se viene observando también desde hace unos años en relación a la práctica artistica. Donde numerosos profetas y gurus artististicos han incorporado a su entorno creativo, algunas de las pautas de este decálogo normativo no escrito. En el cual lo estético en términos de impacto conduce inexorablemente al significado simbólico de la obra que se está fraguando, siendo muchos y muy diversos los ejemplos que se podrían citar.

Pero con un matiz a mi juicio muy relevante y que por lo tanto hay que tomar en consideracion, tomando en este sentido todas las medidas y cautelas necesarias a la hora de juzgar a la ligera a las cualidades de la obra, tan sólo por una desmedida en el significado de la misma, por un supuesto tratamiento pretencioso del mensaje estetico que se trata de trasladar.

El vestir a los árboles con prendas de vestir humas es una técnica recurrente en sus obras

Mensaje cuya lectura casi siempre, por otra parte y en la mayoría de las ocasiones suele acabar formando parte de la esfera de lo privado y lo subjetivo. Pues por lo general en cuanto a la exposición de una obra artistica, suelen desplegarse un sin de interpretaciónes verosímiles con sus consiguientes escenarios. Algo que suele acabar irremediablemente en un collage donde el propósito del artista se diluye en una amalgama de posibles lecturas.

Polivalencia en el criterio del espectador que no implica que el artista esté equivocado a la hora de crear su obra a partir de la aplicación de un concepto impactante visualmente hablando, o al menos que lo haga con alguna pretensión (lo cual sería muy legitimo). Sino en el caso de la praxis artística lo que se valora es el vínculo entre la causa que detona la creación de la obra y su expresión estetica.


A pesar de que puedan haber artistas que si puedan haber escogido como opción conceptual y creativa el marketing visual y mediatico para llamar lo más posible la atencion del publico. Haciendo propuestas pretendidamente grandilocuentes, pero vacías de contexto y significado. Estos creadores representan una minoría dentro de la comunidad según mi percepcion.

Su obra nos transmite el relato de una ciudad como frontera entre nuestro anhelo de libertad y nuestra cruda realidad en un entorno dominado por lo artificial. De una ciudad aturdida por su pasado industrial, en un contexto eminentemente diferente en el que los espacios públicos naturales le son cada vez ajenos.


Siendo muchos más los artistas plásticos los que consiguen tener cierta repercusión entre los miembros de la opinión publica, cuando a pesar de que su propuesta artistica se pueda catalogar de impactante visualmente. En términos estéticos su gestión presenta una coherencia entre su forma, su significado-simbólico y el tema de fondo sobre la que se ha inspirado.

De estos matices te llegas a percatar cuando de forma inesperada puedes acceder a contemplar proyectos como el titulado Ground Operation, una intervención de la que ya hablamos por aquí en su momento, y cuya visión aunque transmite unas altas de impacto visual. Tanto en su gestación intelectual, como en su plasmacion material se percibe una honestidad inusitada entre entre las inquietudes y compromiso de la autora con su entorno.

Y lo contundente del resultado final de la intervención en terminos simbolicos, una intervención donde la sutileza no existe, describiendonos un paisaje herido. Ya sea como causa de algún fenómeno natural o por la presencia y voluntad de ser humano. Impacto, que necesariamente provoca una reflexión en el espectador que es retado por lo que en principio es una simple sutura realizada a un terreno ligeramente elevado.

Lisiere intervención de 2022 en la que aparece la silueta de una casa trazada sobre el suelo

Y es que si por algo se caracterizan los proyectos de la polifacética artista Estelle Chrétien, sobre todo en el ámbito de una especialidad como la del Land Art. Es por no distinguirse precisamente ambigua y políticamente correcta, incluso permitiéndose frivolidades cargadas de ironía como la titulada Dessous, obra minimalista realizada en el marcó de la residencia que tuvo la oportunidad de realizar en 2020 invitada por el Collectif des Possibles.


En ella se ve como una prenda de ropa interior femenina sirve para cubrir las vergüenzas de un árbol que deconcertado se convierte, al menos parcialmente en un maniquí improvisado. Localizado en un claro del bosque, las dos ramas del árbol que vigorosamente orientadas hacia arriba. Adoptan tras ser cubiertas con una prenda tan íntima como son unas mudas femeninas, una imagen totalmente transgresora que nos habla de cómo el ser humano ha parasitado hasta el último lugar de esta planeta.


Las intervenciones de Estelle Chrétien interactuan con el paisaje natural, como si se tratará el espacio público de una ciudad o el ámbito más doméstico. Estableciendo debates sobre los límites entre lo público y lo privado. 


No deteniendose ante nada llegando incluso a vulnerar lo más esencial de su entorno natural. Según palabras de la autora en su ánimo no está mantener un discurso tenga por objeto provocar nausea o herir la sensibilidad alguna. Sino a partir del empleo de la utilización de lo que ella denomina materiales "pobres", crear puentes que eviten que dejemos de vivir ajenos a los procesos propios del medio-ambiente, a los que por otra parte les debemos nuestra existencia.

Se trata de mantener una comunicacion perdida con un ancestro y un pasado común, una historia, no redactada por un historiador o estado-nacion. Sino por los cuerpos, sus volomunes y masas, que libremente interactuan respetándose de forma mutua e instintiva, y del tiempo de vida pasado con en estos cuerpos. Imitar estos gestos te pone en contacto secreto con muchos extraños que de otra forma nunca llegarías conocer, pudiendo viajar a través del tiempo y el espacio en toda su plenitud de forma contemplativa y serena. 



En sus últimas obras, destaca una serie compuesta por siete intervenciones y que tuvo como escenario los espacios verdes del Parque Napoleón de la localidad de Thionville. Villa situada a escasos kilómetros de las fronteras de Alemania, Luxemburgo y Alemania.  La autora sin abandonar la misma estrategia comunicativa, donde lo visual induce a debatir sobre temas como por ejemplo la domesticación del paisaje. 

Obras como la sarcástica Le Pied Au Sec (el pie seco), donde se ve como al tronco de un árbol se le enfunda una bota. Tratando quizás de humanizarlo de forma un tanto ingeniosa y vanal. Va encaminada en este sentido de tratar de moldear el paisaje hasta otorgarle un estereotipo y conducta humana. Representando un absurdo y una aberración natural, siendo la antítesis de todo aquello que conocemos por orden natural.



Edoardo Tresoldi - Incipit, una escultura frágil en busca de su materia en el paisaje


Compuesta por bloques rectangulares y arcos la instalación titulada Incipit, se eleva sobre dos alturas fundiéndose con la linea del horizonte dominada por el Mar Adriático. 

De carácter monumental su autor el artista Italiano Edoardo Tresoldi recurre como en otras ocasiones al alambre como materia prima para elaborar formas arquitectonicas que permiten relacionarse con el espacio y el paisaje que lo componen. De forma casi liviana casi inocua en relación a su entorno en el cual actúa de forma fragil.


En este caso elementos como el mar y el vaivén de las olas completan con su banda sonora una experiencia multisensorial. En la que el receptor de la obra la observa de forma contemplativa como si estuviera en estado zen,  creando un nexo o comunión con su significado.


En su interior, revoloteando en busca de una salida apenas pueden aletear por falta de espacio unas gaviotas que parecen desear desesperadamente de su jaula de alambre. Edoardo nacido en Milan recurre al uso del alambre y el estudio de la transparencia para realizar esculturas etereas y poeticas.


Realizada para la ultima edición celebrada en 2.015 de la muestra de arte urbano Meeting del Mare, que se celebro en la localidad italiana de Camerota, la instalación explora las posibilidades espaciales que ofrece la arquitectura y su relación con el paisaje


En las que partiendo del concepto Ausencia de la materia, crea una narrativa en la que perfila el espacio explorando la tenue frontera entre la arquitectura y la escultura. En obras en las que lo estetico y simbólico son representaciónes de una proyección mental, un filtro y una forma a través de la cual contar la simbiosis mutua del paisaje y corporal, tanto natural como artificial. 

RELACIONADO: Ben Butler - Unbouded

 

Martin Hill, paisaje circular y su lírica simetrica


Las intervenciones del artista de Land Art Martin Hill actuan sobre el medio, reproduciendo formas geométricas con las que la representa integrando las en un paisaje, que en principio le es ajeno. 

Con mas de veinte años de trayectoria su trabajo es equiparable al de otros artistas de su generación. Una afinidad generacional que le ha servido para forjarse una identidad creativa muy particular y fecunda.

Coetáneos comoPhilippa Jones, con la que ha colaborado en numerosas ocasiones o Gerry Barryanillos, de cuya peculiar forma de interpretar el paisaje sobre el que actua presenta significativas analogías con el trabajo de Martin.


Tanto en términos de los materiales empleados, como en cuanto a la estética y significados de sus obras. A menudo aparevtemente inocuo e inocente, pero que sin embargo y de forma mas o menos explicita denuncia el deterioro medio ambiental en el que estamos instalados.


En las obras obras circulares de Martin Hill, la naturaleza y la materia de la que esta compuesta se adapta a la forma transformando el paisaje, buscando una comunión con el paisaje a través de la practica del Land Art.

Coincidencias que también se observan en lo efímero y aparente fragilidad de sus instalaciones, así como en el aspecto simbólico de cada propuesta. En las que trata de establecer un diálogo con los elementos paisajistica de forma armonica.

Y donde la parte orgánica se proyecta heredando la esencia a través de la materia, explorando el rendimiento de lo expresado y como evoluciona en el territorio sin alterar las leyes de las naturaleza.

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Intervenciones en las que destacan la presencia del aguas en sus diferentes estados y formas. Convirtiendo este preciado elemento en el matiz a través del que crea el contraste con los minerales o los restos de ramajes, con los que Martin traza círculos o discos de luz que destacan por su trazado casi perfectos.  



Huang Yong Ping, la escultura animal como estrategia post-realidad


El artista chino Huang Yong Ping nos muestra su propia visión de la naturaleza rompiendo con los estándares establecidos por los estereotipos que nos ofrecen a través de los documentales o de los reportajes fotográficos que podemos admirar en muchas publicaciones.

Aplicando diferentes técnicas como taxidermia, escultura o mixta. Huang reproduce en piezas a escala real en las que los gestos de sus protagonistas realizadas con un increíble realismo, nos trasladan a un plano donde a pesar del contexto en que se exponen parecen cobrar vida por un instante. 

A través los elementos visuales que conforman las instalaciones de Huang, el espectador experimenta un sentimiento de empatia que le permite identificarse con los animales que contempla desde el instinto y la materia como estrategia de aproximación. 


Huang incorpora diferentes filosofías chinas en sus obras, como el Budismo o el Taoísmo, que combina con experiencias artisticás como Dadaísmo del que se declara heredero habiendo siendo miembro fundador grupo denominado Xiamen Dada. En el que también figuraron artistas coetaneos como Lin Chun o Liu Yiling


Sus trabajos incitar a reflexionar sobre la importancia estética y las posibles interpretaciones de la realidad que el individuo percibe, desde de un determinado contexto. Ya sea socio-cultural, étnico, religioso o politico.


Huang Yong Ping es un conocido artista contemporáneo francés es considerado uno de los más famosos artistas del movimiento Avant-garde. Nació en 1954, Xiamen, China. Huang Yong Ping fue uno de los primeros artistas en considerar que el arte como una estrategia. estudiante autodidacta su obra esta inspirada por artistas como Joseph Beuys y  Marcel Duchamp o  John Cage un teórico de la música americana y filósofo, y, un artista francés que está asociada con dadaísta y surrealista.

Después Masacre de la Plaza de Tiananmen ocurrió mientras Huang estaba en París para la exposición Magos de la Tierra (1989), y decidió no regresar a China. Posteriormente, sus obras cambiaron drásticamente y se centraron de manera prominente en las filosofías taoista y budista. El uso de estas filosofías es un ejemplo de intercambio intercultural y se manifiesta en muchas de sus obras tales como Una historia concisa del arte moderno.





Ugo Rondinone - Human Nature, totems gigantes de piedra en mitad de Manhattan


Las figuras totemicas casi amorficas del escultor suizo Ugo Rondinone, nos trasladan al origen de la civilización. En una manifestación donde se pueden percibir los ecos de ritos ancestrales por los que nuestros antepasados transmitían sus experiencias a sus herederos.

Con estudio en New York, para su ultima exhibición titulada Human Nature organizada por Public Art Fund. El artista escogió una selección de obras donde lo atavico y lo étnico se combinan a través de su significado.

Un simbolismo a través del que analizaba etimologías urbanas como relación de la materia y su evolución técnica. Figuras formadas por bloques de piedras apiladas, se levantan en un entorno compuesto por rascacielos y las sombras que proyectan.


Volúmenes enormes de roca extraídos en bloques apenas tratados, se disponen ocupando el espacio publico como un elemento mas. A pesar de que su presencia contundente son facilmente reconocibles por el peatón, que los percibe como un objeto neutro donde el componente estético es secundario.

El conjunto compuesto por nueve estatuas, hechas a partir de bloques de piedra azul, que fueron trasladadas de una cantera situada en el norte del estado de Penssylvania. Ubicadas en diferentes puntos  en los alrededores del Rockefeller Plaza


Como un bosque de gigantes, las figuras de Human Nature forman puertas de entrada a través de las cuales los visitantes pueden pasar permitiéndonos descubrir nuestro lado más primitivo.


Cada uno de los totem con una media de altura que oscilaba entre los dieciséis y los veinte metros de alto. Se comporta de forma intimidatoria, aunque en otro sentido su actitud contemplativa transmite cierto grado de sosiego. En un es torno dominado por el estres

Material, la impresión 3D que desafía a la gravedad


Hasta ahora los sistemas de impresión en 3D que están apareciendo, no dejan de ser fuegos de artificio que parecen extraídos de una película de ciencia ficción con escasas posibilidades de poder aplicarse en términos productivos. Sin embargo estamos asistiendo probablemente a una revolución que modificara nuestros patrones de consumo. 

Uno de los sectores donde mas interés esta suscitando la tecnología de impresión 3D, es en el sector de la construcción, la posibilidad de trasladar diseños arquitectónicos del plano original al plano físico utilizando robots que empleando innovadores materiales es tentador. Métodos mas eficaces mas limpios y rápidos de edificación ofrecen un amplio abanico de posibilidades por explotar.

Liderados por Petr Novikov y Saša Jokić, un equipo de investigadores del Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña (IAAC) en colaboración con el Joris Laarman Studio en Amsterdam han desarrollado una nueva tecnología de fabricación aditiva denominada como MATAERIALMediante el uso de la tecnología de extrusión es capaz de neutralizar el efecto de la gravedad durante el curso del proceso de impresión.

La máquina es esencialmente un brazo articulado que puede crear objetos tridimensionales en cualquier superficie, independientemente de su grado de  inclinación y  superficie ya sea lisa o irregular. Este método facilita la flexibilidad para crear objetos verdaderamente naturales, haciendo curvas en 3D en lugar de capas de 2D. A diferencia de las capas 2D que depositan capas tan solo en superficies solidas  de forma horizontal, las curvas de 3D pueden seguir líneas de tensión exactas de una forma personalizada. 

El material de aspecto viscoso es expulsado a través de la boquilla situada en uno de los extremos  de la manguera. Los polímeros se acumulan recordando los trazados que se realizan con las mangas pasteleras. En este caso el material no se encuentra ni en estado liquido ni solido, siendo la parte mas difícil de todo este delicado proceso de sedimentación. Porque si se solidifica antes de que salga de la boquilla se interrumpirá la trayectoria, pero si se solidifica después de salir de la boquilla se precipitara a la superficie.

Para solventar este problema, se han usado dos polímeros líquidos termoestables cuyos nombres se mantienen en secreto, en lugar de los plásticos que se utilizan en la actualidad, facilitando que la mezcla, se endurezca de forma rápida. Una reacción química entre los dos componentes del polímero termoendurecible hace que el material se solidifique a medida que sale de la boquilla.

Bautizado como el método de "modelado de objetos anti-gravedad", proporciona el tiempo justo para que el material se solidifique pudiendo proyectar cualquier tipo la estructura en el vació independientemente de la orientación en que se apoye.

Material tecnología de la que se esta tramitando su patente también permite un tratamiento preciso del uso del color con el que se desea imprimir. Jeringas con cían, magenta, amarillo y negro permiten colorear, cambiando las proporciones y la personalización del color. 

Los métodos convencionales de fabricación aditiva se han visto afectados tanto por la gravedad y el entorno de impresión: la creación de objetos 3D en superficies irregulares no horizontales hasta el momento ha sido considerados una quimera. Pero mediante el uso de la tecnología de extrusión que representa Material es posible neutralizar el efecto de la gravedad durante el  proceso de impresión. 
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