Nomada Q : land art

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Desde 2005 llevan colaborando en diferentes proyectos donde los artistas Wade Kavanaugh y Stephen B. Nguyen han desarrollado un lenguaje en el que el resultado en términos estéticos y procedimientos obedecen a parámetros relacionados con aquellos lugares y paisajes que les son familiares.

Utilizando como materia miles de laminas de papel comprimido se trata de una serie de trabajos que podríamos describir como esculturas naturales, ya que tanto las texturas como las delicadas formas empleadas en su ejecución, representan elementos naturales pertenecientes a ecosistemas situadas en franjas geográficas que se caracterizan por su aridez.

Así de esta forma muchos de los tonos transmiten calidez y cierta fragilidad como en la instalación titulada Hubris Atë Nemesis, una obra que aunque esta realizada para interior, pudiéndose visitar como la mayoría de las obras del dúo en las salas del Mass MoCA North Adams, Massachusetts, podría ser perfectamente calificada como una intervención de Land Art.

Paisajes ondulados que se extienden invadiendo la totalidad del espacio

Percepecion que se repite cuando se contemplan otros tantos conjuntos escultoricos como White Stag 2010, en el que la figura central esta protagonizada por una enorme raíz de color blanco que ocupa una de las principales salas del museo, en Rush to Rest los tonos del paisaje se transforman de forma radical adquiriendo una gama de tonos tan oscuros como ásperos en la selección de materiales.

En este caso cortezas de arboles apiladados dibujando el contorno de una cordillera, efecto masivo que se repite en Hubris Atë Nemesis expuesta en el The Center for Maine Contemporary Art (CMCA), donde se reproduce una amenazante ola que se aproxima a una playa desierta en la que aparentemente no sucede nada permaneciendo ajena al drama que se avecina en escasos momentos.

Las instalaciones de los artistas Wade Kavanaugh and Stephen B. Nguyen son reproducciones a escala real que dependiendo del contexto se confunden con la realidad.

Reproducciones de paisajes realizadas en papel que se confunden con la realidad

O en su ultima obra que bautizada con el nombre de Study in Pattern, reproduce la torsión de lo que podrían ser las raíces de un árbol de grandes dimensiones que emerge del interior de la tierra, aunque también podría ser un torbellino y su insaciable voracidad. Instalada en la entrada del Islamic Arts Festival in Sharjah en United Arab Emirates, según los autores se trata de un intento por replicar el paisaje circundante que se observa en la zona.

Hasta conseguir crear un efecto inmersivo a través del que espectador experimenta que se encuentra rodeado por los elementos propios de un paisaje natural, percepción que debido a la gran escala que emplean para realizar cada una de sus intervenciones se refuerza provocando que por un momento pienses que ha desaparecido el edificio que alberga la obra.

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Aunque ya he hecho referencia a la obra de artista paisajista de land art John Grade a través de alguna muestra de su trabajo para interiores, como en el caso de Middle Fork.

Obra que os comente de forma muy suscinta y que representa a través de una escultura orgánica buena parte de las virtudes que caracterizan la trayectoria del artista con sede en la ciudad de Seattle. Y es que en aquel tronco de abeto centenario suspendido de forma etérea reside la esencia de buena parte de la obra de Grade.

Al contrario que en sus intervenciones interdisciplinares realizadas en exteriores, para las que precisa de un importante despliegue logístico de medios, como en SPUR de 2015, para la que se adentra en una cueva y cartografía el interior de una gruta de lava.

Formada por un volcán en un lugar conocido como Craters of the Moon National Monument, situado en Sun Valley en el estado Americano de Alaska, utilizando medios digitales cuyos datos posteriomente utiliza, para crear un armazón en un molde.

FORMAS INSPIRADAS POR LA NATURALEZA Y EL TIEMPO

Que bien podría ser los restos de un paquidermo o de una ballena, de las que hace millones de años surcaban resoplando por estos paisajes quen en la actualidad se muestran nevados, cuando estaban cubierto por las aguas del océano.

Armazón que John deja asentarse integrándose en el entorno que lo acoje mediante un proceso que el denomina descomposición del paisaje, periodo de tiempo en cuyo transcurso la obra se modela adquiriendo la esencia de aquellos elementos del paisaje con el que se relaciona.

Con los que se ha establecido un vinculo cuya huella pasa a formar parte de la génesis de la obra, integrándola como parte de su expresión estética, en la que la influencia de los elementos naturales forman parte de una narración donde la memoria y el paisaje se yuxtaponen.

PAISAJE QUE SE CONVIERTE EN MONUMENTO

Estableciendo un dialogo espacio temporal con la materia, pudiendose contemplar finalmente los restos de un supuesto dinosaurio suspendido pero de cuya superficie original se habían borrado todas las marcas y heridas resultado de la sucesión de estaciones y periodos climáticos.

En los que había estado expuesto a los elementos con los que convivía en su hábitat. Un trayecto de ida y vuelta que a John y su equipo le gusta aplicar con regularidad en la mayoría de sus trabajos, ya sean destinados a exhibiciones en galerías.

O como en el caso tanto de HOST (2008) para cuya elaboración John se traslada a los parajes indómitos de Kaibab National Forest, con el propósito de crear un estructura orgánica con las semillas molidas y la pulpa de arroz que por secciones creaban un circulo, cuyo diámetro rodeaba varios arboles.

La idea era como en su ultima intervención titulada Reservoir servir de suplemento alimenticio a las aves que alli habitan. En este caso una enorme lampara natural formada miles de piezas colgadas de una polea se desliza verticalmente, cuando en época de lluvias el peso de las gotas colman de agua la lampara desciende hasta al suelo, de la cual beben los pajaros y el resto de animales terrestres.

Que debido a la forma cóncava de las piezas de la lampara logran perdurar en el tiempo unas cuantas semanas, hasta que se vuelven a producir precipitaciones, cumpliendose el mismo ciclo una y otra vez en armonía con la naturaleza.

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Las esculturas paisajisticas de John Grade combinan dos sucesos el temporal y sus efectos sobre la materia, y el vital por el que la materia se transforma a través de procesos metabolicos en alimento.

Vistas desde lejos las intervenciones lumínicas sobre el paisaje del artista noruego Rune Guneriussen, transmiten cierto aire bohemio a la vez que un afán por ordenar el territorio sobre el que actúa.

Es esa sensacion de nostalgia, de preocupación por la perdida de una biodiversidad producida por la presencia del ser humano, que ya dificilmente restablecera su equilibrio. Lo que convierte todos y cada uno de los proyectos.

Realizados por este joven creativo en un relato epico donde la luz se proyecta contenida delimitando con un tenue haz que se traza sobre el terreno alumbrando un futuro cuyo mensaje principal esta plagado de incertidumbres.

LA ILUMINACIÓN COMO ACCESORIO DEL PAISAJE

Aunque también trabaja con otro tipo de objetos igual de cotidianos y domésticos como las hileras de teléfonos que se desplegaban cubriendo la totalidad de una pequeña depresión nevada, formando parte de la instalación Connections # 05 de 2008.

O pilas casi infinitas formadas por cientos de libros dispuestos tanto en vertical como horizontal que Rune utiliza como símbolo de conocimiento y protección, acto a través de los que simboliza de forma commovedora y un poco inocente.

La comunión de la naturaleza a través de un armazón donde predomina una lírica condescendiente e hipertextualizada. Es por sus montajes escénicos lumínicos producto de combinar el tratatamiento digital de las fotos que toma y de una estética Land Art.

DE UN ÁRBOL, UN LIBRO Y VICEVERSA

Donde el elemento protagonista son todo tipo de lamparas, flexos, diodos, farolillos, lo que propicia que a lo largo de la primera década de este siglo nada mas finalizar su formación en Londres, donde finalmente se instala.

Que sus escenificaciones para las que destina varias semanas de trabajo, dependiendo de la magnitud y las características de la misma. Se convirtieran en un meme mediatico cultural por el que logra captar la atención de un publico mayoritario.

Quizas atraídos por la capacidad de Rune para representar paisajes donde lo evocador y lo onírico definen un entorno hipnotico, donde el matiz fantástico se incorpora estimulando nuestra imaginación.

Buenas muestras de ello son solo por mencionar dos de las que a mi juicio representan mas fielmente lo que es la esencia de su extensa obra. La primera titulada The heirs motivational speech de 2013, donde un árbol es convertido en un faro en mitad de un paraje rural en mitad de la noche.

Y el decorado realizado para la puesta en escena de la Opera of Idomeneo de Mozart representada en Klagenfurt Stadttheater en 2013 en Austria. Ambientacion dramatizada y que suponía un compendio de sus obras hechas en exterior. Suponiendo un punto de inflexión en su corta pero intensa carrera hasta ese momento, lo que le permitio explorar en entornos interiores, experiencia que posteriormente ha trasladado a sus trabajos en espacios abiertos

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El artista Rune Guneriussen combina la fotografía y la iluminación para crear paisajes oniricos que nos sumerge en un mundo casi mágico, donde la naturaleza es el elemento principal.

En un territorio casi de aspecto lunar, dominado por una interminable planicie arida y erosionada, un ecosistema inhóspito fruto de cientos de erupciones producidas por el ya extinto volcán Roden a lo largo de su historia, el paisaje desértico que hoy en día forma parte de la reserva natural de Painted en el Norte del estado Americano de Arizona pasaría desapercibido.

Sino fuera por que desde mediados de la decada de los años 70´s se ha convertido en la obra de arte al aire libre de mayor embergadura jamas realizada por un ser humano. Y es que todavia día de hoy no se conocen con certeza que motivaciones llevaron a uno de los mayores exponentes del movimiento del Land Art.

Ha sobrevolar a los mandos de su propia avioneta durante mas de 300 horas los escarpados parajes próximos a la localidad de Flagstaff, pequeña población que apenas aparecia en los mapas hasta entonces, situada entre el Rió Bravo y a escasos kilómetros de Oad Creed Canyon y que empezó a ser conocida por ser frecuentada por el controvertido artista Max Ernst.

Pero basandonos en declaraciones del propio James Turrell experimento toda una epifanía creativa al contemplar aquella elevacion de poco mas 1650 metros, de la que emergía de su interior una caldera. Comprendiendo de inmediato que se convertiría en el emplazamiento idóneo.

5 KILOMETROS DE SUPERFICIE CONSAGRADOS A LA CONTEMPLACIÓN DE LA LUZ

Donde construir su particular versión de lo que el considera un observatorio astronómico, a simple vista una instalacción colosal que después de 45 años de intensos trabajos, se estima que a multiplicado por 10 un presupuesto que en principio ascendia a 20 millones de Dolares. Cifra nada desdeñable maxime si tenemos en cuenta que se trata de un proyecto artistico.

Compuesta por una red de 21 puestos de observación conectados por 6 corredores, cubriendo en total una superficie de casi cinco kilómetros cuadrados, convirtiéndose en la máxima expresión en la carrera artistica de este ex-militar de carrera.

Que tras licenciarse se matricula para completar en los años 60´s del Siglo pasado, un grado en psicologia de la percepción, conocimientos a los que añade su vocación artística. Cumulo de cosas a partir de los que desarrolla una trayectoria artistica que se centra principalmente en explorar los efectos de la luz y su relación con la cunducta humana.

Inquietudes que arrancan en el transcurso de su adolescencia donde influenciado por su abuela que residia en la ciudad de Pasadena California, tuvo la oprtunidad de asistir a una de las reuniones de ‘go inside and greet the light’ (entrar y saludar a la luz)

Una de las muchas actividades que se organizaban durante los encuentros de las comunidades de cuáqueros. Y cuya experiencia supuso toda una revelación en la vida de Turrell. Hasta el extremo de que décadas despues se realizo un documental que bajo el mismo titulo cuenta con la narración de la actriz de Judi Dench.

LOS ANTECEDENTES DE UNA OBRA QUE INTERPRETA LA LUZ

Antecedentes que forman la identidad creativa de Turrell y a partir de los inicia una largo peregrinar que culmina en esta magna obra que tras retrasarse en diferentes ocasiones, la ultima en 2015, cuando debido a las falta de fondos la fundación The Dia Art Foundation, convoco a un selecto grupo de visitantes que a cambio de la módica cifra de 5000 Dolares.

Tuvieron la oportunidad de pasar una noche en sus instalaciones y de paso contribuir a un proyecto, que inspirada por el gran astrónomo del Siglo XVI Tycho Brahe pionero de los observatorios a simple vista, de los cuales el Mantar de Jantar del siglo XVIII en Jaipur es quizás el mejor ejemplo.

Y cuya documentación inspiro a Turrell la cual tras estudiarla adaptó teniendo en cuenta las caracteristicas expeciales del cielo del desierto de Arizona, cualidades que difieren de las que observo en un primer antecedente de esta intervención, y que realizada a una escala mucho menor.

Cuando Turrell completó su proyecto Skyspace en el oeste de Inglaterra, en agosto de 1999, algo que los críticos vieron con recelo. Compuesto por un recinto independiente encaramado en la ladera que da al Saint Michael Mount debía proporcionar la plataforma perfecta para ver el eclipse solar, Turrell sin embargo simplemente estaba usando el cielo estrellado como su lienzo particular a partir del que interpretar los destellos de luz de origen interestellar.

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El denominado por muchos como el santuario de la luz, la intervención artistica de Roden Crater firmada por James Turrell, es una puerta astral excavada bajo un crater en el desierto de Arizona consagrado al estudio de la percepción e interaccion de la luz.