Mostrando entradas con la etiqueta installation performance. Mostrar todas las entradas

Allegory - Sheltree


Cada año coincidiendo con las fechas navideñas el Ginebra Light & Trees Festival, una cita en la que presentan proyectos que combinan la iluminación y su relación con la naturaleza en el ámbito urbano, convirtiendo la ciudad Suiza en una exhibición donde el arte en sus múltiples manifestaciones adquieren un carácter lúdico.

Entre la actividades se organiza un concurso informal en el que los ciudadanos deciden cual es la mejor propuesta. En esta edición el proyecto elegido como vencedor, ha sido el presentado por el estudio Allegory y su instalación Sheltree.

Se trata de aprovechar los ejemplares con mayor calibre para adaptandoles una sombrilla que proporciones sombra y protección tanto en los días calurosos como frente a los rigores del invierno. Completando Sheltree integra un sistema de iluminación LED que proporciona luz artificial activándose mediante un sensor cuando se cierne la oscuridad desplegando diferentes colore en función de la estación del años.

Naomi Natale - One Million Bones, una alfombra de un millón de huesos para denunciar los muertos en Africa


El National Mail (Paseo Nacional) en Washington DC, quizás sea el lugar del mundo con mas connotaciones y carga simbólica en términos políticos. Escenario de alocuciones históricas como las realizadas por estadísticas de la talla como Kennedy, Luther King o el mas reciente Barack Obama con su ya celebre "Yes we can". 

Representa por lo tanto el ágora donde se convocar todo tipo de manifestaciones, a través de las que reinvidicar y demandar  sobre una diversidad de causas. Anunciado en 2.011 el proyecto One Million Bones es una propuesta que mezcla el activismo y la expresión artística desde un enfoque colectivo.

Con un fuerte componente social, se trata propuesta gestionada por la artista y activista Naomi Natale, que sensibilizada por los millones de muertes ocurridas como consecuencia de los conflictos y genocidios. Perpetrados principalmente en países africanos con Sudan, Somalia o República del Congo.


Lista a la que se podrían añadir Ruanda o Sierra Leona entre otros muchos. Llevada a cabo el pasado 8 de Junio, los cien metros de ancho con los que cuenta el paseo, se alfombro con un millón de huesos fabricados con diversos materiales. 

Los elementos óseos pertenecientes a diferentes partes del cuerpo tenia un valor economico, precio que oscilaba, dependiendo del material con el que estuviera hecho y de su tamaño. Naomi Natale es una artista que cuenta con una larga trayectoria en una diversidad de ámbitos creativos haciendo desde instalaciones, fotografias, o piezas de arte más formal.


Artífice de The Cradle Project (Proyecto Cuna), una instalación a gran escala con la que pretendía llamar la atención y recaudar fondos para los 48 millones de niños huérfanos que se calcula que existen en el África subsahariana. Naomi ha recibido numerosos premios, incluyendo un TED Principal Fellowship.



One Million Bones es un proyecto que forma parte de la iniciativa El arte de la Revolución, una organización dedicada a aprovechar el poder del arte para inspirar el activísimo. Utilizándola como herramienta con la que atraer y movilizar a las comunidades en torno a un tema específico de justicia social. 

Ofreciendo una forma tangible para que las personas se conecten a través del arte. Esta intervención de efecto masivo y ejecución especifica en el espacio publico, contó con dos experiencias previas realizadas en las ciudades de Alburquerque en el estado de Nuevo México y en New Orleans en 2.011 y 2.012 repectivamente. 

Su realización que contó con la participación de miles de voluntarios, representando a los miembros de las razas y etnias implicadas en los diferentes conflictos a los que pretendía rendir un sentido homenaje solidario. One Million Bones es una instalación de arte que a través de expresiones que se caracterizan por su compromiso social.

Pretende aumentar la conciencia acerca de los genocidios en curso y violaciones de derechos humanos que se siguen produciendo en el mundo de hoy. La pieza visualmente impactante ofrece un millón de estructuras en forma de huesos humanos, realizadas de forma artesanal con materiales como la arcilla, el yeso, elpapel y otros materiales creando un conjunto escultórico que se asemeja a una fosa común simbólica.


Alfredo Omaña - El Jardín Encendido


El Jardín Encendido (ON) es una intervención que combina materiales orgánicos transformando en paisaje interior el hall de la facultad de filosofía  Universidad de León en España, y sonidos extraídos de la naturaleza. 

Teselas de césped alfombra el patio interior de la facultad en relieve la palabra ON(encendido), da la bienvenida a los estudiantes y catedráticos de forma inesperada que recorren las instalaciones tratando de evitar pisar la extensión que ocupa la totalidad de la plaza central.

La intervención realizada por el artista local Alfredo Omaña supone la ocupación de una superficie de 311 metros cuadrados. El artista ha jugado con el factor sorpresa, ya que desde la perspectiva de la instalación el observador solo contempla una extensión de césped, es cuando accede a la planta superior cuando se muestra en relieve el termino ON.

Montado en tres días de intenso trabajo, El jardín encendido forma parte de las actividades de la XIX edicion de la muestras El Hall Transformado, pudiendo ser visitada  hasta finales de mayo/principios de junio siendo la entrada libre.  El jardín encendido pertenece a una serie en la que el autor trabaja desde hace años bautizada como ArtGarden.

Aunque de forma ordenada la extensión de césped natural coloniza el pieza rectangular ofreciendo una doble perspectiva del enunciado, dependiendo de la posición desde donde se situé el observador. La experiencia se completa con una banda sonora compuesta por trinos de diferentes especies de pájaros.

Joe O'Connell y Blessing Hancock - Ballroom Luminoso, esferas que iluminan la herencia Mexicana en Texas


Colgadas del reverso de un puente de acceso a la localidad de San Antonio perteneciente al estado norteamericano de Texas. Seis lamparas esféricas realizadas con deshechos de bicicletas usadas brillan en la oscuridad.

Los engranajes de acero de las bicicletas se alternan con motivos realizados en orfebrería que reproducen simbolos de las numerosas comunidades hispanas, que residen en la zona y se dedican actividades agrícolas.

Hechas por los artistas Joe O'Connell y Blessing Hancock, las esferas luminosas giran proyectando los motivos representados en el techo del puente iluminándolo con diferentes colores emitidos por los diodos LED.


Creando una sensación de movimiento que a la vez va narrando una historia dramatizada relacionada con el acervo cultural hispano, proyectado por una comunidad ascendencia mexicana cada vez más presente en este área de los Estados Unidos.


Titulada Ballroom Luminoso (Salón luminoso). Se trata de una instalación que hace referencias a la cultura prehispánica de la zona muy influenciada por las comunidades de inmigrantes mexicanos. Que se han ido asentado sobre todo en el sur del estado norteamericano.


Tanto en el presente como en el futuro a través del diseño de los medallones decorados con detalle. Las imágenes talladas en estos mismos medallones se basan en la historia de la población agrícola,  de herencia hispana y el movimiento ecologista que se ha desarrollado paralelamente a su presencia.   

Joe O'Connell con formación técnica y el escultor Blessing Hancock, crean instalaciones en donde combinan materiales de deshecho y tecnología a través de las que tratan de interpretar la realidad que les rodea. Cada proyecto que emprenden implica la realización de un estudio previo en el que se explora el significado de la materia relacionandola con el argumento que motiva la escultura y su paisaje humano y natural.

Florian Riviere, jugando con la ciudad desde una óptica participativa y creativa


El artista frances Florian Riviere concibe el espacio publico y el mobiliario que lo puebla como elementos para introducir dinámicas en las que la participación sea la característica principal. 

Con esta prioridad y en este contexto las propuestas de Florián actúan en los lugares comunes transformando un paisaje urbano en desuso y esteril, en un lugar de alto rendimiento social y creativo. En el que sus beneficiarios aportan su granito de arena.

Con el objetivo de crear una diversidad de equipamientos de uso comun, como por ejemplo instalaciones deportivas, espacio didácticos o zonas verdes en las que poder organizar actividades lúdicas en las que el ciudadano participar dándole un nuevo valor a ese espacio publico. 

Experiencias en su mayoria de carácter especifico y efímero exploran las posibilidades funcionales de la calle ampliando sus posibilidades de uso. Proyectos con los que enriquece esos lugares en principio estancos, añadiendoles ciertas dosis de humanidad.
 

La calle de esta forma amplia su status prestandose a la improvisación. El lugar de paso se transforma en un laboratorio de ideas, donde se puede experimentar y ser creativo, contribuyendo a crear mecanismos democráticos a través de los que los miembros participantes deciden cuáles son las medidas que se deben adoptar.

Sus intervenciones localizadas entre la expresión militante y el diseño del espacio público activista, poseen  la particularidad de ser espontáneas.


Florian Riviere se define como "hacker urbano". Estableciéndose desde 2008 a 2012, en la ciudad francés de Estraburgo donde creo colectivo el Créative Democracy. Inspirado por los hackers y la cultura urbana se centra en crear estrategias a través de la que estimular la participación ciudadana. 



Sun K Kwak, cinta adhesiva y cuerpo


Empleando como único material expresivo cinta adhesiva (casi siempre en tono negro), la artista con sede en New York Sun K Kwak, describe sobre las paredes emociones cuyo lenguaje se proyecta a partir de sus gestos corporales. Como medio, la cinta adhesiva negro se desplaza libremente entre dos y tres planos dimensionales. A través de la flexibilidad y la accesibilidad de la cinta ordinaria designa los trazos como una extensión de su cuerpo. 

El proceso representa su esfuerzo por unirme con el medio, ya que se abre paso sin obstáculos a través de diversos espacios visuales y ambientales. Transferido a las líneas negras el dinamismo de múltiples energías generadas entre la idiosincrasia de la arquitectura y su entorno. 

Nacido en Korea, Kwak fue educada formalmente como pintora. Durante su curso de estudios en Nueva York, desarrollo su técnica única de trabajar a mano alzada con cinta adhesiva, dibujando directamente sobre las superficies de los espacios arquitectónicos como escaleras, vestíbulos de los edificios públicos, pequeñas galerías de arte, y las fachadas de los museos donde expone. Sus instalaciones crean espacios y experiencias que se encuentran a medio camino entre el dibujo y la escultura.