Nomada Q : installation

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The interventions and installations of Slovenian artist Matej Andraz Vogrinčič, are characterized by three aspects that can be observed throughout his long career.

The first has to relate to his treatment of space and its relationship with architecture. Because of this approach he almost always selects monumental buildings, many of them in a state of ruin, as scenarios. Whose structure turns them into hosts where objects are hosted, modifying their original identity and uses.

The second is related to the first, and cannot be dissociated from it, and has to do with the massive effect of his proposals and the uniform disposition he uses to place the objects in space. Almost in all cases applying a homogeneous pattern that creates the impression of community and strength through unity.

Whose purpose is to establish a dialogue with it and how we contemplate it according to the criteria and the position we adopt as observers in a flexible environment in constant change. As is undoubtedly all the elements that make up a natural landscape.

CREATING NATURAL PATTERNS FROM OBJECTS

And the third has to do with its nomadic condition and its ability to adapt its aesthetic vision to any type of environment while preserving its essence from the viewer's point of view. Whether in the middle of an Australian desert, among the remains of an abandoned church in England, or in climates as extreme as those experienced in the Siberian tundra.

READ IT IN SPANISH: Matej Andraz Vogrinčič, tranformación y paisaje desde una óptica reciclada

Matej methodically and without altering anything but the accessories of his execution process, completes each installation with reference to elements that he considers to be part of the local culture, acting accordingly on the territory, without altering it and causing the least environmental impact.

For the basic materials he uses are waste materials that after selecting them based on different basic criteria such as shape, color or texture, he catalogs and stores them for possible projects. Whose theme can be included within the current of abstraction.

Matej's works reflect on the possibilities of the landscape and its aesthetic performance, in a context where the presence of human beings subdues it, stripping it of its natural texture.

It is no coincidence that his personal reference in the history of art is Ben Vautier, an Italian-French avant-garde artist whose profile and polemic statements in favor of multi-culturalism and artistic practice beyond the established canons of beauty and academic orthodoxy. They have influenced her artistic practice where aesthetically she seems to be dominated by an ordered chaos.

Compuesta por filas apiladas formadas por ciento treinta de reproductores estéreo de cassettes la artista Maia Urstad, reproduce un muro de sonido físico en donde utilizando elementos vintage ofrece al expectador una experiencia sensitiva a través de la que evocar sus recuerdos del pasado.

La instalación Wall of Sound explora a través de accidentes tecnologicos aspectos emotivos del individuo, mediante la activación de sus recuerdos. Inspirada por los muros de piedra que forman del paisaje de su país natal Noruega. WOS emite una pieza que combina efectos sonoros, fragmentos de código morse y emisiones vía satélite.

Los equipos estéreos en la instalación tienen una doble función, visual y conceptual. En un nivel auditivo el sonido complementa la instalación estética vinculando su presencia en su contexto. Por otra parte también refleja cuestiones relacionadas con el desarrollo técnico y nuestra cultura de consumo.

Maia Urstad es un artista que trabaja en la intersección del arte visual y de audio. En los años ochenta, su medio artístico migró hacia la experimentación sonora, y desde 1987 ha trabajado con sonido en varios proyectos de arte, instalaciones especificas, teatro y cine. Su trabajo consiste en la integración de sonido en lugares específicos. Proyectos recientes incluyen instalaciones y performances sonoras exteriores e interiores en la que emplea elementos de tecnología de consumo masivo a partir de los que crea propuestas escultóricos sonoras.

Otra forma de pasar las vacaciones que cada vez cuenta con mas adeptos, son la contratación de paquetes culturales, en las que el viajero sustituye por ejemplo los días de sol y playa por una agenda donde predominan los festivales, las exposiciones o las exhibiciones de diversa índole.

Teniendo como escenario la calle Catherine en el distrito francés de la ciudad canadiense de Montreal, el festival de nuevas tendencias y arte urbano Aires Libres nos ha ofrecido propuestas tan interesantes como la del diseñador gráfico local Paprika, que ha participado con su instalación titulada Trous de Memoire (lagunas de memoria).

Donde el autor propone un recorrido contextual que combina la destreza de la memoria del usuario y lo lúdico, con el objetivo de que el participante tome conciencia de las limitaciones de la memoria. Para eso establece una serie compuesta por paneles donde juega con la percepción de los sentidos del visitante en relación a su ubicación en el espacio.

El arte cinético presenta en su ejecución una fuerza visual que encandila al espectador, los diferentes elementos que lo componen deben estar diseñados de forma minuciosa, para que en funcionamiento estén perfectamente coordinados.

Las instalaciones realizadas por el artista coreano U-Ram Choe representan escenas de la naturaleza en la que los movimientos elegantes de sus figuras, nos trasladan a mundos oníricos, donde el componente visual se aproxima a una variante del surrealismo que enriquece la acción narrativa.

Choe utiliza diferentes metales, motores, engranajes, incluso las placas de CPU personalizadas para controlar los movimientos precisos de cada escultura. Aunque se ha especializado en intervenciones a gran escala, también cuenta con una amplia muestra de pequeñas piezas donde el gusto por los detalles es destacable desde el punto de vista artístico.

PLASTICIDAD CYBORG DE VUELTA A LOS ORÍGENES DE LA POETICA

Choe que de niño ya mostró querencia por las manifestaciones artísticas, no en vano creció en una familia donde sus progenitores eran escultores. Sin embargo fue su relación con su abuelo con formación científica, la que influyo en su maduración como artista.

Las obras de U-Ram Choe describen con un lenguaje aparentemente corporal y orgánico basado en materiales como acero inoxidable, el latón o el aluminio. El rendimiento físico de la materia y su movimiento, explorando los limites de la morfología evolutiva. Para bautizar a sus creaciones emplea nombres latinos inspirados por las tradiciones lingüísticas de la nomenclatura científica.

Como autómatas complejos las esculturas amorfas expresan de manera refinada a través simulaciones, que respiran con el movimiento evocando la ingravidez de las coreografías acuáticas, o de las exhibiciones de los cortejos rituales ejecutadas por diferentes especies de aves.

Las raíces de un árbol, las paredes interiores de una cueva o la lengua de un glaciar punto de caer al océano son algunos de los sucesos del entorno natural, en los que se inspiran los artistas Wade Kavanaugh y Stephen B. Nguyen con sede en New York, para realizar sus voluminosos conjuntos escultóricos.

Realizada con papel de diferentes colores dependiendo del objeto recreado. Se trata de intervenciones donde el espacio se convierte en el contenedor donde la escultura cobra vida extendiéndose de forma orgánica hasta modificar la identidad del mismo.

Debido a las grande dimensiones y a la mareabilidad del material que se emplea, las estructuras conforman paisajes interiores donde lo surrealista y lo onírico confluyen en una experiencia sensorial que estimula la imaginación del espectador, que siente el impulso de recorrerlas a pesar de que es consciente de que su acción deforma su constitución.

Wade Kavanaugh y Stephen B. Nguyen, han realizado colaboraciones puntuales mientras paralelamente desarrollaban sus carrera en solitario. Iniciada en 2005, han creado una plataforma común definida por un estilo propio donde el tratamiento colectivo, continuamente re-cuestionan fundamentos visuales tales como la memoria, la percepción y la apariencia del paisaje y sus procesos biológicos.

Existen múltiples formas de contar una misma historia, dependiendo del lenguaje narrativo que se emplee para transmitirla ya se visual, escrito o auditivo la percepción y estímulos provocaran una interpretación cuando menos subjetiva que canalizados sensorialmente puede provocar en el receptor una diversidad de emocione casi infinita.

Nacida en San Petersburgo en tiempos de la antigua U.R.S.S, la artista Ekaterina Panikanova con sede actualmente en Roma, fue una artista precoz que a la temprana edad de cinco años ya había participado en su primera exposición colectiva por el Hermitage.

Crea collages a partir de los que desarrolla un metalenguaje visual propio, en el que las historias contenidas en los libros que hacen de lienzos, se extrapolan graficamente mediante grabados o ilustraciones realizados a tinta. Las piezas de Ekaterina logran transmitir una atmósfera bohemia cargada de lirismos, donde el expectador hilvana su propia historia.

Titulada Estructuras espaciales experimentales la exhibición basada en el trabajo del estudio de arquitectura J. Mayer H, ofrecía a los visitantes nuevas perspectivas sobre el enfoque interdisciplinario de su forma de entender el proceso arquitectónico.

La instalación mas representativa era una monumental mural que abarcaba la practica totalidad de las paredes de la sala principal de la Berlinische Galerie de Berlin. Revestidas de alfombras ilustradas con patrones compuestas por números encadenados.

El concepto de espacio se consume en la estricta geometría representada por la serie de números. Produciendo una impresión de parpadeo que transforman el cubo blanco en un escenario lúdico de formas y estructuras, modelos tridimensionales traducen los patrones bidimensionales en formas concretas.

El título "Rapport" cobra un sentido ambiguo. Siendo un término con diferentes significados dependiendo del contexto donde se utilice, en alemán hace referencia a la actividad textil. Por otro lado, en el ámbito militar, el término "Rapport" significa expedición, mientras que en psicología describe una relación humana en la que los implicados transmiten algo a los otros.

Y seguimos en la ciudad de los rascacielos para acercarnos a visitar la ultima instalación por el estudio de arquitectura Toshihiro Oki y que se alzado con el premio Folly Architecture (Arquitectura loca) que otorga la asociación de amigos del Socrates Sculpture Park, donde se exhibe hasta principios de Agosto esta instalación que se combina una estética orgánica y una concepción geométrica en su diseño.

Titulada Tree wood (Arbol de madera), un ejemplar centenario de los muchos que hay diseminados por el perímetro del parque, es literalmente enjaulado en un armazón de madrera que lo proteje y proyecta ofreciendo una imagen ordenada contrapuesta a su naturaleza.

Socrates Sculpture Park era un vertedero junto al río abandonado ilegal hasta 1986, cuando una coalición de artistas y miembros de la comunidad, bajo la dirección del escultor Marcos di Suvero, lo transformó en un estudio abierto y espacio de exposición para artistas y un parque de barrio para los residentes locales.

Hoy en día es un museo al aire libre de renombre internacional contando con un programa de residencia artística, que también sirve como un importante atractivo turístico para la ciudad de Nueva York, ofreciendo una amplia variedad de programas públicos gratuitos cada temporada.

Socrates Sculpture Park es el único sitio al aire libre en el área metropolitana de Nueva York dedicada específicamente al arte, ofreciendo a los artistas la oportunidad de crear y exhibir sus obras a gran escala e instalaciones multimedia en un entorno único que fomenta la interacción entre artistas, obras de arte y su público.

La existencia del parque se basa en la creencia de que la regeneración, revitalización y expresión creativa son esenciales para la supervivencia de la humanidad y el entorno natural con quien convive compartiendo su destino.

El artista con sede en Londres Quayola fusiona lenguajes narrativos como la videoinstalación, las geometrías o la música electrónica, con artistas flamencos como Rubens o del renacimiento como Caravaggio.

Con otros mas recientes en el tiempo y contemporáneos entre los que se podría citar a Kandinsky, Paul Klee o Oscar Fischinger. Produciendo artefactos audiovisuales donde el color producto de la mezcla de pigmentos con las que se crearon algunas de las obras, mas la historia del arte.

Se pixelan adoptando un formato gráfico donde se incorpora el sonido realizados con programas de edición digital como banda sonora. La materia en su obra se reinventa como escultura digital a través del tiempo. Dando como resultado una celebración de la materia misma.

La sustancia de todas las cosas físicas describe una articulación dinámica, continuación de un bloque sólido basada en formas primitivas. Una obra maestra que nació como el avant-garde que se ha convertido en un icono clásico universal y ahora se considera el puente desde lo clásico a lo moderno.

Esto provoca sucesos multimodales en la percepción de una obra ya conocida por el publico, que hace una relectura donde la obra se contextualiza como un fenómeno donde el sonido y el movimiento se añaden a lo estético, en una experiencia enriquecedora de una referencia artística conocida.

Las imágenes producidas ceden parte de su exclusividad relacionandose con la acción de la accionn que transcurre al dictado de la melodía interpretada a partir de una partitura digital. El software ofrece un control con más de quinientos parámetros visuales diferentes, así como algoritmos para la creación de cientos de tonalidades diferentes complementando la paleta de colores como herramienta de trabajo.

La instalación Cycloed-E se crea aparte de la necesidad de acercarse a los mecanismos que producen movimientos ondulatorios generando contra ondas sonoras. Un péndulo compuesto por segmentos articulados horizontalmente. Los segmentos del péndulo se convierten en tubos metálicos equipados con fuentes de sonido y con instrumentos de medición capaces de hacerlos resonar de acuerdo a sus rotaciones.

Una sucesión de movimientos inesperados se hace evidente. El equilibrio en los intercambios de energía entre los segmentos es casi perfecta; las trayectorias son sorprendentemente naturales. Fascinante e hipnótica danza, cicloide-ε delimita el espacio de las órbitas de sonido y crea una pieza cinética cuya obra polifónica, se inspira en «Cosmic ballet» a la que el físico Johannes Kepler se refiere en su "música de las esferas» de 1619.

Creada en 2.010 por el colectivo suizo Cod.Act, la instalación Cycloed-E recibió una Distinction Award en el Ars Electronica 2010, el Gran Premio en el Media Arts Festival 2010 y un premio a mejor instalación audiovisual por parte de CYNEART 2010. El objetivo era crear un sistema musical en relación por una parte con la máquina y su importancia relativa, y en el otro lado con la naturaleza de sus movimientos. La amplitud de los movimientos y su cadencia puede cambiar muy rápidamente, pero sus secuencias siendo siempre armoniosa.

Cod.Act a menudo se inspiran en fenómenos científicos. Sus ideas surgen principalmente de la observación de los fenómenos físicos, mecánicos o químicos. Tratando de captar sus mecanismos para presentarlos al público como eventos espontáneos. Sus performances e instalaciones siempre asocian el sonido y el movimiento llegando a una fusión perfecta entre ellos.

Las piedras con las que se han elaborado las series que forman Pool, al que su creado le añadido el subtitulo The alchemy of blue. Han sido previamente moldeadas por el mar y pulidas por el transcurso del tiempo.

Una combinación de factores que le resultó lo suficiente a Lizzie Buckmaster Dove, asidua a las playas que a lo largo de la costa que baña la población pesquera de Coledale en Nueva Gales del Sur en Australia. Para tras observar como el movimiento cíclico del oleaje.

De alguna forma tallaba la materia pétrea de los cantos rodados hasta reducirlos a fina arena. Una oda oceánica cuya experiencia se completaba cuando percibía su aroma a sal y el azul del mar.

Vestigios de un pasado más o menos que tras recogidas y lavadas ya en el estudio de su casa, aún conservaban parte de sus propiedades. Algo que inspiraba y guio a Lizzie para seleccionar las que reunía las más idóneas de ellas.

Para convertirse en las cuentas con las que posteriormente colgarían de hilos casi invisibles reproduciendo el oleaje que durante millones de años las depositaron en las orillas. Las obras se ofrecen como una especie de homenaje a los ciclos lunares y el poder de la luna para crear las mareas.

La alquimia azul (como la llama ella), no trata de la ruina. Sino de la transformación de la materia y por lo tanto de la energia. Conceptos cientificos que aplicados a la práctica artística adoptan un rol que le aproxima a la abstracción.

Y que en las piezas de representan un material concreto que se convierte en luz y forma. Parece flotar en una atmósfera casi surreal y magica. Producto de esta simbiosis, lo imposible se hace posible y la intimidad de las piezas individuales parecen desbordar la inmensidad del mar y el vasto cielo.

Cuando se edifico el edificio de Les Bains Douches situado en la Rue du Bourg l'Abbé en el tercer distrito de París, sus dueños no sabían a ciencia cierta que hacer con el. Esto sucedía hace 130 años, en la segunda mitad del siglo XIX la ciudad se encontraba en plena expansión urbanística, preparándose para lo que seria sin duda de una de sus épocas de mayor esplendor. Arte, literatura, música formarían parte de lo que se conoció como la Boheme, un periodo deslumbrante en la historia de la ciudad parisina que cubre cerca de cincuenta años.

Mientras los que LBD se convirtió en la mas cotizada casa de baños de la ciudad, punto de reunion donde las elites socio-económicas decidían sobre el futuro de la todavía titubeante república francesa. Pero hay que echar adelante otros cincuenta años para que las instalaciones de la ya veterana casa de baños, compartan actividades de ocio nocturno por las LBD además pasa a ser club nocturno.

Esta modificación en su actividad social le permite recuperar su menoscabado esplendor, convirtiéndole en una referencia en la noche a nivel internacional. Por sus salones pasan nombres tan significados del mundo del espectáculo y la cultura como Proust, Basquiat, Joy Division, Warhol y mas proximos en el tiempo Kate Moss, Mick Jagger o Johnny Depp.

Pero en 2.010 un informe emitido por el departamento de obras publicas y patrimonio del ayuntamiento, refleja una serie de desperfectos estructurales por lo que se decreta el cierre temporal, haciéndolo definitivo en el transcurso de 2.011.

Ahora, antes de que se complete su reforma y reabra sus puertas en 2.014 su dueño en la actualidad Jean-Pierre Marois entregó el edificio a cincuenta artistas plásticos y urbanos seleccionados por la Galería Magda Danysz que han estado trabajando desde enero con el objetivo de convertir un edificio en descomposición en un lienzo donde mediante diferentes disciplinas artísticas.

Aunque debido a su estado esta vedada la entrada al publico, se ha habilitado la siguiente dirección donde además de la biografía y obra aportada por el autor, se puede ser testigo del proceso de elaboración y las motivaciones que están detras de cada intervención.

Cada artista ha contado con una sala y un día de trabajo para desarrollar su propuesta, hasta el 30 de Abril que es cuando finaliza el plazo se podrá seguir el trabajo bajo una modalidad denominada Work in progress, para eso se habilitado una plataforma mediante la que sus usuarios pueden realizar sugerencias a los autores. Debido a su carácter buena parte de la muestra desaparecerá en la reforma del edificio, conservandose las mas valoradas por los usuarios.

Empleando como único material expresivo cinta adhesiva (casi siempre en tono negro), la artista con sede en New York Sun K Kwak, describe sobre las paredes emociones cuyo lenguaje se proyecta a partir de sus gestos corporales. Como medio, la cinta adhesiva negro se desplaza libremente entre dos y tres planos dimensionales. A través de la flexibilidad y la accesibilidad de la cinta ordinaria designa los trazos como una extensión de su cuerpo.

El proceso representa su esfuerzo por unirme con el medio, ya que se abre paso sin obstáculos a través de diversos espacios visuales y ambientales. Transferido a las líneas negras el dinamismo de múltiples energías generadas entre la idiosincrasia de la arquitectura y su entorno.

Nacido en Korea, Kwak fue educada formalmente como pintora. Durante su curso de estudios en Nueva York, desarrollo su técnica única de trabajar a mano alzada con cinta adhesiva, dibujando directamente sobre las superficies de los espacios arquitectónicos como escaleras, vestíbulos de los edificios públicos, pequeñas galerías de arte, y las fachadas de los museos donde expone. Sus instalaciones crean espacios y experiencias que se encuentran a medio camino entre el dibujo y la escultura.