Nomada Q : fragmentos

fragmentos

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Hasta finalizados los juegos paralimpicos de Londres 2.012, surcara las aguas del rió Tyne, la versión en escala reducida de los barcos de vapor, que surcaban el rió Mississippi predominantemente en el siglo XIX. Producto de una propuesta interdisciplinar desarrollada por el grupo de música experimental Owl Project, Ed Carter (productor y principal impulsor del proyecto), en estrecha colaboración con el arquitecto Nicky Kirk, además de una amplia gama de especialistas, incluyendo ingenieros, constructores de barcos, y los artesanos ebanisteros que han diseñado la noria.

The Flow se compone básicamente de una plataforma flotante una casa y un molino de agua, construidos con madera reciclada, se completa con instalación solar que completa energeticamente el funcionaniento de la embarcación. Esta estructura flotante incorpora un motor basado en un tradicional "Shipmill '. Una rueda hidráulica que aprovecha la corriente del río Tyne. Con esta energía se utiliza para hacer funcionar una serie de sistemas electro-acústicos e instrumentos musicales que combinan la automatización mecánica y la tecnología digital para producir sonidos que son el resultado del seguimiento del estado del rió.

El Turbidatron un láser que genera sonidos de acuerdo con la turbidez del agua. Los engranajes y manivelas conducen el láser que emite un haz de luz a través del agua, creando en tiempo real del sonido. El Salinity Sampler Sequencer, con su cinta transportadora y sensores electrónicos, crea una melodía de las últimas 12 horas de los movimientos de la marea. El Bubble Synth + Bellows es un fuelle que crea sonidos de las burbujas, controlando la composición química del río.

The Flow abarca formas de expresión artística, combinando métodos tradicionales y contemporáneos, que combina la escultura, la tecnología de última generación, hechos a mano los instrumentos de madera, la arquitectura, la ingeniería de precisión y la música electrónica para crear una asombrosa obra de arte audiovisual de ambito público. Los instrumentos respondeN directamente a la situación cambiante del río. Los sonidos creados por cada instrumento también puede ser manipulado por los visitantes del Molino.

Una de las zonas geograficas del planeta Tierra, donde mejor se aprecian las desvastadoras consecuencias del cambio climático, es en lo que se conoce como el desierto de Mo'ynaq, y que hasta la década de los 80's del siglo pasado, durante la etapa soviética fue una prospera localidad, cuya economía se sustentaba sobre la actividad pesquera, que ejercía su numerosa flota de barcos, cuya preciada tras subastarse en la lonja, se trasladaba a la capital Moscu.

En la actualidad Mo'ynaq es una sombra de lo que fue, su pobración en una mayoría ha emigrado debido a la falta de expectativas, pero la imagen mas sobrecogedora de la desaparición del mar y su transformación en un erial donde apenas pueden sobrevivir unas cuantas malas hierbas, hay que buscarla en los antiguos muelles, donde permanecen amarrados a la arena sobrecalentada, en hilera los cascos oxidados de los pecios, testigos mudos, fantasmas de una época que ya no se reeditara.

El escenario surrealista parece extraído de una secuencia apocalíptica, de los mercantes abandonados a su fortuna, despedazados por el transcurrir inexorable, se convierta en termómetro de una situación que debido a su magnitud podría afectar al resto de la humanidad. El mar de Aral que perfilaba la costa de Mo'ynaq, ha retrocedido la estimable distancia de 150 kilómetros, dejando un panorama desolador entre su menguada población que asiste contrariada e impotente a la practica desaparición de su medio de subsistencia, que se encuentra en los escasos caladeros, donde todavía se desplazan algunas "cofradias" de pescadores.

Como se observa en la fotografía de agua la mayor mas de agua que bañaba Uzbekistán, se ha reducido practicamente un 90%, limitandose a una franja al oeste del país. Las causas de este desastre medioambiental hay que buscarlas en las políticas de irrigación, aplicadas a partir de los años 60's dentro, en la época de la antigua Unión Soviética, y que ha propiciado el empeoramiento del clima característico de la zona afectada.

Lo que era un vergel, se ha transformado en un cementerio improvisado donde cientos de barcos practicamente desmantelados de su armazón, debido a los actos de pillaje, que han encontrado en el comercio del acero con el que están fabricado una buena parte de ellos y en la venta de los diferentes elementos tecnicos como chatarra, actividad de subsistencia precaria, que esta suponiendo un impacto ecológico brutal sobre la zona, debido a los inexistentes planes para realizar un desmantelamiento ordenando, dejando numerosos focos de contaminación.

Los mas siniestro de esta dramática situación es que algunos "emprendedores", han encontrado la forma de rentabilizar el desastre, convirtiendo en una especie de parque temático los fosiles de los barcos que permanecen imperturbables, mientras son fotogafiados por miles de turistas, que en muchos casos acaban adquiriendo a modo de souvenir, las reliquias extraídas de los barcos en estado de ruina y vendidas por sus saqueadores. Mo'ynoq ahora sufre los veranos muy calurosos e inviernos bajo cero, y los barcos abandonados sirven como un recordatorio constante de lo que la ciudad solía ser, y lo que podría suceder en otros lugares al menos que el ser humano se da cuenta del impacto que tiene en el mundo que le rodea.

Escuchando la generosa muestra de sonidos, que pone a disposición del oyente curioso en su sitio web, uno puede llegar apreciar, la increíble cantidad de sonoridades que nos brinda la naturaleza.

Y que hemos sustituido por una serie insustancial de ruidos cacofonicos y artificiales que conforman nuestro sociedad cosmopolita. La compositora Cheryl E. Leonard con sede en San Francisco (Estados Unidos), fue un niña precoz, que mostraba gran habilidad a la hora de aprender e interpretar con su viola, mientras soñaba con ser estrella Rock.

Continuo con su formación, hasta que un día en una de sus frecuentes excursiones a la montaña, se dio cuenta del increíble material sonoro que representaba los paisajes que la rodeaban y los elementos que la componen. Desde entonces en cada proyecto que ha iniciado, ha ido registrando y documentado miles de sonidos.

Así como se ha convertido en una experta artesana en el diseño y fabricación de instrumentos, con los materiales que le ha ido proporcionando el entorno donde ha trabajado. Tomando los objetos y muestras de audio de origen de sus viajes alrededor del mundo.

Muestras que ya en casa utiliza para crear piezas musicales tan sugestivas como singulares. Huesos de pingüino del Antártico con 100 años de edad, conchas, piedras comunes e incluso sal marina son cuidadosamente manipuladas para crear sonidos que extrañamente reflejan la tierra de procedencia.

Pedazos de vidrio y piñas, glaciares, hojas... La música de Cheryl E. Leonard obtiene sus materias primas en cualquier lugar. A partir de estas diversas fuentes vienen obras que abarcan el espectro de posibilidades musicales: piezas compuestas de manera improvisadas.

Durante la última década Cheryl se ha centrado en investigar los sonidos, las estructuras y los objetos del mundo natural. No es fácil escribir sobre el sonido, así que quizás es mejor empezar con los objetos que las emiten.

En su ultimo proyecto como parte de un programa de la NSF, que invita a artistas y escritores para explorar la Antártida. Cheryl ha pasado seis semanas en el ambiente extremo con el único objetivo de recuperar sonidos únicos y los materiales para reproducirlos.

Cheryl tiene una licenciatura de Hampshire College y un MA de la Mills College, habiendose formado tanto en el ámbito de la composición musical como en el de la expresión creativa. En su trayectoria cuenta con numerosas colaboraciones y una discografia en solitario que se puede adquirir a través de su sitio en la red o AQUI o escuchar desde AQUI.

Con motivo de su participación en la ultima muestra de arte callejero austriaco Escape The Golden Cage, que se esta celebrando estos días en sus calles, el polifacetico y poliedrico artista Dan Witz.

Recupera el mobiliario urbano, o al menos el que nos es más cercano y reconocible, como son las señales de trafico que nos indican como desplazarnos de forma civilizada por el conjunto de calles, que conforman el espacio publico.

Elemento que el utiliza como soporte expresivo, sustituyendo los fríos y anodinos pictogramas por reflexiones e ideas alusivas a una diversidad de preocupaciones sociales. Algo que hace utilizando un lenguaje en el que a pesar de que está dominado por un espíritu crítico y mordaz, no se olvida de la ironía mostrando su sentido más informal.

Y que representa un paso coherente de lo que fue en 2007 su proyecto de arte callejero Do Not Enter, con el que inundo de proclamas incendiarias las ciudades de New York, Londres y Copenhague. Una acción global con la que queria reflexionar sobre los flujos de población y sus limitaciones e imposiciones administrativas.

Natural de la ciudad estadounidense de Chicago. A lo largo de su trayectoria que abarca casi dos décadas se ha creado una identidad creativa producto de un enfoque interdisciplinar de su práctica artistica. Aunque se ha hecho fundamentalmente conocido por sus ingeniosas pegatinas con las que ha creado toda una marca reconocible a nivel mayoritario.

Además de su selección de carteles serigrafiados en trampantojo titulados Holes realizados durante la segunda mitad de la última década del siglo XX. Un conjunto de intervenciones que tuvo como marcó el distrito de Brookly. En los últimos años, Witz se ha volcado en la pintura, buscando inspiración en la ciudad de Nueva York y combinando herramientas tradicionales y digitales en sus trabajos que estéticamente parecen collage.

Sus trabajos comienzan con fotografías digitales, las cualesedita en Photoshop y luego imprime las imágenes sobre lienzo. Al igual que los maestros holandeses, Witz aplica el color con técnicas tradicionales de veladura, lo que le permite crear ilusiones de profundidad, forma, luz y sombra.

Las experiencias pop-up (temporales), cada vez son mas frecuentes, se trata de iniciativas que aprovechan espacios o materiales, para darles una utilidad concreta durante un determinado intervalo de tiempo. En el caso del comedor Richmond, desarrollado por los estudios de arquitectura y diseño Foolscap y Right Angle, es el encargo del dueño de un edificio, que en breve lo demolera, para construir una torre de apartamentos. Pero que antes ha querido compartir con la comunidad las viejas instalaciones, dándole un contenido lúdico y social.

Se trataba de transformar una antigua fabrica de pianos, que en su ultima etapa habia albergado los estudios de una cadena en de televisión en la ciudad de Melbourne (Australia), en un centro destinado a realizar diferentes actividades con el propósito destinadas a enriquecer la vida de los miembros de la comunidad, muchos de ellos antiguos trabajadores de la fabrica, o de su descendencia, que han tenido la oportunidad de vivir el espacio donde han desarrollado su vida laboral de forma diferente.

Cada fin de semana decenas de familias se dan cita en The Richmond Weekender en los antiguos platos del Canal 9, ahora se puede degustar una delicioso menú cocinado, con los ingredientes que se cultivan en la parcela que recorre paralelo a la tapia, o deleitarse con los trabajos que han filmado los estudiantes de imagen de la ciudad, y que pasa en lo que era la sala de visionado. El primer fin de semana este proyecto atrajo a más de dos mil visitantes, lo que desbordo todas las previsiones de los organizadores, que ya han recibido nuevas propuestas para realizar proyectos similares.

Los tres espacios han sido enfocados de manera holística, por lo que el lenguaje estructural y la paleta de materiales se repite en todas partes. Uno de los objetivos clave para el diseño se ha ocupado de la fenomenología o la experiencia sensorial, y la forma en que interactúan con el espacio, estos entornos temporales deben ser lugares que exaltan y dan vida al usuario final.

Como no podía ser de otra forma los materiales, que se han empleado en el diseño y decoración interior de las diferentes salas, son de origen renovable. Así como los que se emplean en la elaboración de los productos que el visitante puede adquirir en el mercado de artesanos. Mesas y bancos construidos a partir de andamios, tableros y listones de madera proporcionan el café un aspecto rustico pero acogedor, consiguiendo que el visitante se sienta como en casa.

Quien no ha deseado alguna vez vivir en una isla desierta, donde poder crear su propio microcosmos, eso es lo que debió pensar Brendon Grimshaw, un ciudadano ingles que hasta 1.962 ejercía com editor y decidió dejarlo todo para adquirir una isla en el archipiélago de las Seychelles en el océano Indico. La adquisición de los 0,089 km2/0.034 millas cuadradas, de superficie habitable que comprende la isla, lo que le supuso al bueno de Brendon un desembolso de £ 8.000 (Alrededor de 10.000 euros), una cifra asumible en la actualidad, pero que hace cincuenta años suponía una cantidad apreciable de dinero, lo que para Brendon se tradujo en tener que desprenderse de las propiedades que poseía en Londres, cambiando una vida segura y confortable por una practicamente desconocida y donde en principio todo eran incertidumbres.

Hoy en día la isla Moyenne Island es un vergel que tiene consideración de reserva natural, acreditación que obtuvo en 1.970, tan solo ocho años después de que desembarcaran en sus paradisiacas playas Brendon y otro trotamundos que responde al nombre de René Antoine Lafortune, y con el que ha reforestado la practica totalidad de la isla, transformandola en un vergel con cerca de dieciséis mil arboles y la construcción de casi cinco kilómetros de senderos, que permiten a los visitantes recorrerla previo pago de 12 euros por visitante.

Aparte de la plantación de arboles provenientes de diferentes especies, labor conservacionista de la fundación creada, se extiende a la reproducción y cría de tortugas gigantes, habiendo convertido sus playas en lugar de desove donde cada temporada depositan en la arena cientos de huevos, que son supervisados por equipo de estudiantes de biología que completan su formación en contacto con la naturaleza.

Toda esta actividad ha supuesto un incremento de la valoración del islote, alcanzando la nada despreciable cifra de 34 millones de euros, suma que por supuesto es inadsumible para cualquier bolsillo, mas que nada porque este Crusoe moderno, que es el apelativo con el que se conoce a Brendon se niega a considerar ninguna opción sobre la posibilidad de traspasarla. Prefiriendo seguir promoviendo la conservación a través de la elaboración de nuevos y excitantes proyectos, algo que pese a su avanzada edad nunca dejara de hacer, desarrollando ideas con todo aquel que quiera colaborar con su causa.

La vida de Brendon Grimshaw, que ha sido objeto de la filmación del documental A Grain of Sand, filmado en 2.009, y dedicado a la memoria de Antoine Lafortune fallecido en 2.009, y que podéis ver integro aqui. Y donde a sus 86 años nos narra las motivaciones que le llevaron a cambiar de vida, además de tener enseñarnos los bellos paisajes que propiciaron esta aventura y que cautivaron su mirada.

En los proyectos de la artista visual Miwa Matreyek, explora los límites de la expresión creativa y su rendimiento más allá de lo establecido y ortodoxo. Con este enfoque en mente emplea la mayor cantidad de lenguajes creativas con los que crea trabajos multiformato.

Por lo que para lo realmente importante no es tanto el valor en terminos esteticos y sus cualidades conceptuales, sino los mecanismos y modelos que puede abordar e incorporar a su método de trabajo. El cual en ocasiones presenta herramientas más refinadas y sofisticadas.

Producto de combinar con más o menos fortunas herramientas multi-media con los que oxida imágenes hasta desnudadarlas y convertirlas en narrativas abstractas, en los que los elementos surrealistas afloran hablándonos del paso del tiempo y la memoria.

Utilizando el lenguaje corporal en su forma más minimalista y organica, en este sentido un simple parpadeo puede provocar en el espectador un efecto hipnótico que le abstraiga por un momento de la realidad. En otros trabajos, sin embargo opta por recurrir por lo esencial a la hora de describir y trasladar en términos plasticos.

Aquella idea que bulle en su cabeza y que se plasman en obras en las que el observador se percata de la tenue frontera entre lo real y lo irreal se difumina. En el corto de animación titulado Lumerence que podéis ver integramente AQUI. Se podría considerar que pertenece a este primer apartado integrando la instalación, la animación y el vídeo.

Originalmente inspirada en una visita al Observatorio del Monte Wilson, . El corto tiene como argumento el deseo humano de encontrar una conexión con el universo. Incluye la canción Quite de Careful que podéis escuchar AQUI.

Repasa cómo los cambios en la animación se combinan con el cuerpo y el espacio (y viceversa). Seleccionada para los galardones TED a los jóvenes talentos. Inicia su narración en el espacio y en los flujos de información que se producen y como transforma la realidad. Utilizando como discurso su propia sombra en movimiento, Miwa completa una hermosa pieza meditativa cargada de lirismo sobre el descubrimiento interior y exterior que tiene el sujeto sensorial como protagonista.

A ser de ascendencia japonesa, el trabajo de Matreyek se ha nutrido de los escasos recuerdos de su infancia, los cuales hacen referencia a los paisajes y la arquitectura japonesa así como del constructivismo ruso. Otra influencia destacada es la de cineastas franceses Georges Méliès y Michel Gondry.

El artista Jordan Griska compro el fuselaje de un avión Grumman S2F en eBay y lo transformo en un hangar en el oeste de Filadelfia. Cuando llegó, no tenía motor, los instrumentos ni las armas. Era poco más que un fuselaje y un par de alas. Después de restaurar el avión, Griska practico la deconstrucción del avión. Situada en Lenfest Plaza en Philadelphia, el fuselaje y las alas retorcidas para que el avión parezca estar accidentado o en medio de un aterrizaje forzoso .

La cabina interior se ha convertido en un invernadero donde cultivar hierbas y verduras para City Harvest, que alimenta a familias de bajos ingresos en la zona. Acertadamente, la escultura se llama Grunman Greenhouse. El espectador contempla instalación como una antítesis del objeto y su función original cambiando su significado en un contexto accidental.

Debido a su espacio limitado, Griska se basó en sus diseños anteriores que tiene en forma de origami y la adaptación futurista de objetos doblados. Aprovechando el espacio disponible en morro del avión convirtiéndolo en un pedestal natural, las intenciones artísticas era Griska proporcionar soporte estructural y permitir una entrada accesible al invernadero, que se encuentra en la cabina y la bodega de carga.

"cundiendo en el hígado de la posibilidad.
Cada palabra es un adn trashumante
Abro la puerta y la maleta desaparece
convirtiéndose en caballete de cirugía
confesionario cromosomático, embozado de noche sin clausura, ni precepto.
En el precipicio de una cruz. muy al sur"

(fragmento)

Si quieres leerla completa pulsa aquí

Peculiar el soporte elegido por el artista Nick Gentry para su ultima serie de retratos mezcla de acrílico y aerosol. Tras reunir la suficientes cantidad de antiguos diskettes de computadora de formato 3 2/1 entre amigos y voluntarios.

Toda una reliquia del pasado a pesar de que su vigencia en términos tecnológicos es relativamente limitada. Un formato que aparte de su escasa mostraba poca versatilidad a la hora de leerlos y escribir sobre ellos, por lo que cuando aparecieron las primeras versiones de almacenamiento desaparecieron.

Y con su desaparición inexorablemente y como no podía ser de otra forma, trillones de mega-bites de informacion digitalizada. Mayoritariamente imágenes, que en la mayoría de las ocasiones reunía una calidades muy limitadas.

Los ensamblo sobre un bastidor y pinto en ellos los rasgos de los modelos que posaban para el. El autor especializado en la utilización de materiales reciclaje, ha querido simbolizar en los diskettes de la pestaña.

La gran influencia que ha supuesto el desarrollo de las redes sociales y como este nuevo escenario, ha transformado nuestra forma de relacionarnos entre nosotros y con la tecnología. Modificando la percepción que tenemos de la realidad.

Yo sé que es vida esto que se mueve
entre estas venas rotas y cansadas.
No hay célula que tienda a resistirse.
No quiero ser inmune a nadie, a nada.

Yo sé, porque me duele cuando escribo,
que Amparitxu se acuerda de Celaya.
La poesía es un arma cargada de mercurio,
a casi todo el mundo se le escapa.
Y no sé por qué insisto en estos tiempos,
se nos van los poetas en silencio,
y luego el homenaje-navajada.

Hago trenzas de versos, me despeino.
Cuando se hace un milagro hay que dar caña.
Yo sé que es vida esto que se mueve
entre estas venas rotas y cansadas.
La poesía es un arma cargada de mercurio,
-hay una minoría que la atrapa-.
Los demás que se apañen con la nómina,
con el vídeo, la coca, o la esperanza.

Qué difícil es ver
a humanos caminando satisfechos;
casi tanto como es
alcanzar con palabras el silencio.

Tocó con sus palabras
los hilos de otros mundos.
El tiempo y el olvido
ya lo han dejado mudo.

Palabras como gotas
de lluvia en la laguna
que se juntan por miles
y no encuentras ninguna.

Cuando el silencio toma
de repente el asiento
es como si callaran
los motores del tiempo.

En contra de su ser
la soledad en que cree.

Toda ella deshabitada
peste
que la nostalgia traduce en distancia.

Regresa a sus montañas
recobrada
de origen
y de abismo.

En su contra
la cólera que se propaga
por el linaje del alma.
Llega
erguida a su falta.

¡Hola Mundo! es una instalación a gran escala de audio visual compuesto de miles de diarios en vídeo obtenidos de Internet. Cada uno de los 5.000 vídeos que componen Hello World! cuenta un relato que hace alusión a la vida de una sola persona.

Transmitiendo un testimonio en ocasiones más informal y en otras mas empleando un tono más cercano e intimo. Dirigiéndose con un lenguaje directo per pausado, hablando con franqueza a una audiencia imaginada de un espacio privado como un dormitorio, cocina o dormitorio.

El muro formado por centenares de pequeñas pantallas representan una cacofonía de voces que se desliza y penetran entre las personas creando una nube de ruido que desborda al espectador. Que apenas puede discernir alguno de los muchos monólogos que se acaban solapando.

Creada por el artista multimedia Christopher Baker en 2.009, se se podrá visitar hasta mediados de este 2.012 en la galería Saatchi de Londres. Baker, nacio en la ciudad de St. Louis en el estado norteamericano de Missouri.

Que originalmente se formó como científico, estudiando en la Universidad de Minnesota, obteniendo el titulo en Bellas Artes en el 2008. Hello world! es una meditación sobre la situación actual de los medios de comunicación en relación a las nuevas tecnologías.

La video-instalacción Hello World! es un artefacto inmersivo que refleja los efectos sobre el individuo de un entorno cuyo paisaje, se caracteriza por la cada vez más presentes avances tecnológicos que está provocando que su opinión se diluya en un marasmo de voces.

Y su influencia para "democrátizar" el acceso a la información convirtiendo a cada ciudadano en un creador potencial de contenidos. Suponiendo un desafío visual que nos pone en contexto sobre los beneficios e incertidumbres de vivir en una sociedad en la que la información no suele ser contrastada.

The Holstee Manifesto es una iniciativa civil que propone campañas a través de las que analizar, como mejorar la conviven en el espacio publico, realizada por el colectivo Hoolstee.

Persigue concienciar a la ciudadanía de lo importante que es la comunicación como germen para poner lo común en valor. Con el objetivo de alcanzar la máxima difusión posible encargaron la filmación de un video, a través de cuyas imágenes se explicarán muy brevemente y de la forma más elocuente posible los preceptos básicos del manifiesto y su filosofia.

Realizado por la productora DeMonstruos Productions, y que podéis ver AQUI. Su propósito es reinvidicar el uso de la bicicleta no solo como medio para desplazarse, sino como hilo argumental para contemplar la vida en otros términos. Los cuales sean más razonables y sensible con nuestro entorno medio-ambiental.

Adquiriendo otros habitós mas saludables y coherentes que nos posibiliten desarrollar escenarios donde poder establecer relacionas mas satisfactorias y enriquecedoras. La banda sonora esta firmada por Wakey!Wakey! con una pieza titulada Almost Everything.

El Manifiesto Holstee es un conjunto de puntos que definen el éxito e inspiran a la gente a vivir su vida al máximo. Fue escrito hace unos tres años en una de las muchas calles de Times Square en New York, por los fundadores de Holstee, Dave, Mike y Fabian, y sigue inspirando a la gente hoy en día.

El manifiesto enseguida se hizo viral gracias a la diseñadora Rachael Beresh comercializandose en una diversidad de formatos. El diseño y la impresión originales que iniciaron el movimiento Holstee se comenzaron a imprimir en Los Ángeles, California, en papel de algodón blanco brillante Stonehenge.

Vídeo filmado en time lapse por los tripulantes de la Estación Espacial Internacional ISS Ron, Garan y Satoshi Furukawa , editadas por Michael König en alta definición. Estas impresionantes fueron tomadas en una órbita de unos 350 kilómetros de altura. Desde esa posición en un intervalo de cinco minutos nos muestra diferentes fenómenos en otras tantas localizaciones a lo largo del globo.

Por orden de aparición podemos ver la Aurora Borealis Pase en dos áreas geograficas, por encima de los y el este de Estados Unidos, la Aurora Australis de Madagascar al sudoeste de Australia y la Aurora Australis esta vez filma en el sur de Australia. Despues se recogen panorámicas de la costa noroeste de Estados Unidos, Centroamérica América y parte de la costa del Sur en la noche. Vuelve a mostrar la Aurora Australis a su paso por el sur del Océano Pacífico N. Mas al oeste pasa por encima de África Central y Oriente Medio, se desvía hacia el desierto del Sahara y Oriente Medio, vuelve al continente americano haciendo escala en Canadá y Estados Unidos, donde nos muestra el sur de California y la bahía de Hudson, alcanza las Islas de Filipinas, pasa por encima de Asia Oriental y Guam, cruza el Medio Oriente por la noche, hasta llegar al Mar Mediterráneo finalizando su recorrido en Europa del Este

Producida en 2.008, El empleo es corto de animación realmente singular tanto en términos estéticos como narrativo. Que ha estado recibiendo galardones hasta sus ultimas exhibiciones en los diferentes festivales donde ha participado.

Cuya cosecha ha sumado nada mas ni nada menos que 102 premios en las diferentes categorías a las que ha optado. Realizada por el tándem que forma el director Santiago 'Bou' Grasso y Patricio Plaza al frente de su productora opusBuo.

Nos narra de forma sencilla y en clave muda, la jornada de trabajo de un empleado, que presta servicio como felpudo para un fantasma. A la espera del estreno de sus dos siguientes cortometrajes de animación titulados La cara de la luna y Padre respectivamente.

Los cuales se encuentran en la actualidad en fase de pre-producción. El empleo nos sumerge en un escenario "hipotético" donde el mercado laboral esta compuesto por ciudadanos zombis y alienados que guiados por la inercia de una dinámica social que se caracteriza por la confusión y el artificio.

En el corto de animación El Empleo nos describe de forma muy intuitiva y sin recurrir a excesivos artificios visuales, el drama laboral de un trabajador que es incapaz de adaptarse a un mercado de trabajo cada vez más volatil.

Se muestran resignados ante su destino. Técnicamente recuerda a las intervenciones en blanco y negro del street art italiano BLU, en este caso se emplea una paleta de colores mas amplia. Con más de 8.000.000 millones de visitas acumuladas en su cuenta oficial, El Empleo lo podéis ver desde AQUI.

La cartografía es una disciplina por la que los seres humanos hemos aprendido a reconocer el terreno que pisamos, a orientarnos en relación a punto en concreto del mapa, y a ubicarnos como miembros pertenecientes a una comunidad geográfica concreta.

También a lo largo de su dilatada historia se ha empleado políticamente para delimitar fronteras y legitimar derechos e identidades. La artista británica Susan Stockwell, se ha convertido en una consumada experta cartografa.

Desarrollando una singular técnica a la hora de perfilar los accidentes geograficos que conforman los perfiles topográficos de sus mapas. Ella emplea materiales de deshecho que recicla componiendo atlas en multitud de formatos y a diferentes escalas.

En su ultima colección actualmente en exhibición, rediseña el mapa mundi con componentes informáticos donados por la Universidad de Bedfordshire de su país natal. Como en precedentes, en ocasiones, partiendo de un proceso de elaboración que conjuga practicas sostenibles.

Susan elabora un discurso ecológico, obteniendo como resultado son una serie de piezas que refleja un mundo cibernético, donde la tecnología y la era digital forman parte de nuestras vidas. Aportando grandes beneficios para nuestro progreso y conocimiento.

Pero que también añade una cierta dosis de incertidumbre relativa al costo que puede suponer, por ejemplo acerca de la sobreexplotacion de recursos naturales necesarios en su fabricación. Y de la necesidad de racionalizar su consumo aplicando modelos basadas en políticas sostenibles.

JUMP INTO THE FUTURE:

In 2019 he presents the results of a map of North America, which is made from recycled digital waste. The large-scale composition was commissioned by the investment company BlackRock.

The result is a visual metaphor whose narrative transcends geographical boundaries. Questioning the limits of territorial realities as we perceive them in the present day. The raw materials lend themselves to topographical references, filled with colourful forms that offer an alternative visual language.

ALSO IN SPANISH:

En 2019 presenta los resultado de un mapa de América del Norte, el cual está elaborado con deshechos digitales reciclados. La composición realizada a gran escala fue encargo de la compañía de inversiones BlackRock.

El resultado es una metáfora visual cuya narrativa supera las fronteras geograficas. Cuestionando los límites de las realidades territoriales tal como las percibimos en la actualidad. Las materias primas se prestan a referencias topográficas, llenas de formas de color que ofrecen un lenguaje visual alternativo.

Auckland es una de las ciudades más antiguas e históricas de Nueva Zelanda, además de ser la más grande y poblada, lo que la convierte en uno de los centros turísticos más importantes del país. Situada junto a dos grandes puertos, Auckland combina belleza natural y paisajes urbanos, atrayendo a visitantes por ocio y negocios durante todo el año.

Es mundialmente conocida por contar con una serie de volcanes, islas y montañas. alicientes a los hay que sumar su singular belleza, siendo una ciudad que está salpicada de hermosos parques verdes, jardines y lagos que se suceden entre magníficos rascacielos modernos, lo que hace que el paisaje urbano de Auckland único y gratificante.

Una ciudad que se ha ganado una notable reputación por sus actividades de adrenalina, Auckland es un centro de deportes de aventura. Debido a la proximidad al agua y los puertos masivos, y también por contar con una nutrida comunidad de practicante de deportes urbanos entre los que destaca de especial manera el Skate. Hecho que se constata en el trabajo titulado Skateboarding VS Architecture: A Study of Public Space and Materiality in Auckland City.

Un excelente corto documental donde participaban graffiteros como Swoon, Blek Le Rat, Princess Hijab, Igor P., Nomad, Zasd, Misha Most y Rafael Suriani. Construido a través de sus testimonios exponían sus motivaciones para convertir el espacio publico de la ciudad en el lienzo mediante el que manifestar su faceta artística.

Brad Downey, uno de los participantes hablaba de su etapa como practicante de Skateboarding y de como en las conversaciones que mantenia con otros skate, se planificaba urbanisticamente la ciudad, a pesar de no poseer conocimientos sobre arquitectura, la experiencia sobre el terreno les proporcionaba la suficiente información sobre el espacio y los elementos que lo componian, como para hablar de ello.

En los 15 minutos escasos del documental grabado en las calles de Auckland en Nueva Zelanda, tanto los arquitectos como los skateboard, exponen sus puntos de vista de como perciben ellos los elementos arquitectónicos que conforman el paisaje de la ciudad y como condiciona su relación con ese entorno.

Las impresiones de arquitectos y skateboarding se alternan con secuencias de como los skate utilizan el espacio publico en sus desplazamientos en unas tomas donde la plasticidad de los movimientos de los Skate resultan realmente impactantes por momentos. Aunque lo realmente sugestivo son las declaraciones tanto de los Skate como de los arquitectos como de los encargados de planificar los diferentes espacios urbanos de la ciudad de Auckland.

Y de como la presencia de cada vez más practicantes de este deporte urbano no solamente no ha supuesto una molestia, sino que ha supuesto un reto inspirador cuyas apreciaciones sobre el terreno ha servido de inspiración notable. A la hora de contribuir a las mejoras en diferentes aspectos relacionados con el tratamiento del espacio publico.