Nomada Q : en la calle

en la calle

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Es demasiado pronto para saber si la tecnología inalámbrica finalmente triunfar sobre el sistema de casa montado en la pared de carga, y los fabricantes no han adoptado formalmente. Pero ya existen diferentes iniciativas de otros tantos constructores para que los inalámbricos de carga de vehículos eléctricos se conviertan en una realidad. Hay algunos obstáculos básicos que hay que corregir como la pérdida del 10 por ciento actual promedio de energía cuando se efectúa la transferencia de un transmisor montado en el piso a un receptor basado en el coche. Pero no hay duda de que la carga inalámbrica, lo que crea un campo magnético para pasar una carga eléctrica de una bobina a otra, sigue una trayectoria ascendente.

El Halo IPT es la tecnología que incorporara el próximo modelo comercializado por Rolls-Royce, el 102EX Concept equipara con un cargador inalámbrico que permitirá al coche eléctrico viajar donde quieras, cuando quieras. Se requiere el almacenamiento masivo de energía a distancia del coche eléctrico. Es el siguiente paso lógico la Transferencia inductiva de energía (IPT) de carga inalámbrica puede hacer esto, y la tecnología inalámbrica HaloIPT de carga se complementara para facilitar que la batería este siempre cargada. Transferencia de energía inductiva (IPT) es un innovador sistema de carga inalámbrica para vehículos eléctricos. Los vehículos eléctricos simplemente se estacionan en una libreta y comienza la carga de forma automática. IPT no requiere postes de carga o cableado asociado. Puede acomodar a diferentes tasas de carga de una sola unidad a bordo y la tasa de cargos o tarifas necesarias se pueden ajustar desde el interior del vehículo. No tiene cables ni conexiones visibles y sólo requiere de una plataforma de carga enterrada en el suelo y una toma integrada en el vehículo.

En el sistema que que integrara los nuevos modelos que Nissan comercializara a partir de 2.014, los conductores simplemente alinear su vehículo sobre una estera de carga inductiva. Un sistema de escritorio basado en la navegación utiliza sensores para guiar a las ruedas traseras a su lugar. La pantalla táctil inicia la sesión de carga regulando la cantidad de energía que precisa. Nissan está trabajando en la carga inductiva, para aplicarlo al modelo EV en 2014. Nissan ha desarrollado el Wireless Charging System de carga que es un 80-90 por ciento de eficiencia en función de qué tan bien alineado el coche a la zona de carga.

Por ultimo Evatran comercializa accesorios inalámbricos a un precio de 2.500 dolares. Como el Plugless Power sólo se tiene que aparcar su coche en el garaje. Utiliza la inducción de carga para reponer la batería del vehículo, el mismo proceso utilizado por cepillos de dientes eléctricos. Reconoce el coche a medida que se acerca y proporciona una guía de estacionamiento. Una vez que el coche está en la plataforma de estacionamiento, el sistema se comunica con el coche basado en el protocolo SAE J1772 utilizados en los sistemas de cable, y automáticamente comienza a cargarse. El panel de indicadores comunica el estado de carga. Cuando el coche está completamente cargado, el sistema se apaga. Y si tiene que salir antes de finalizada la carga, simplemente una copia de seguridad de la carga en curso se detiene. Estos solo son tres ejemplos de tecnología Inductive Charging (Carga inductiva) aplicada al vehículo eléctrico, pero hay muchos otros proyectos que pronostican que el coche eléctrico no se cargara a un poste de luz convencional, sino a redes inteligentes de energía distribuidas en cualquier sitio facilitando la carga de los vehículos eléctricos.

Mosfilm fue una productora fundada en 1.920 cuya sede y estudios sobreviven a duras penas al olvido a las afueras de Moscu. En su época dorada se filmaron títulos como destacadas El acorazado Potemkin (cine mudo), de Sergéi Eisenstein, Iván el Terrible de Sergéi Eisensten, Cuando pasan las cigüeñas, de Mikhail Kalatozov, Guerra y paz, de Sergei Bondarchuk, ganadora en 1968 del Óscar a la mejor película de habla no inglesa, Los hermanos Karamazov o Dersu Uzala (coproducción soviético-japonesa) de Akira Kurosawa ganadora en 1975 del Óscar a la mejor película de habla no inglesa. En sus mas de cinco décadas de historia se grabaron mas de 3.000 peliculas en sus decorados ahora destinados para que turistas fotografíen sus ruinosas instalaciones.

Estas fotos realizadas por el fotografo Dmitry Cristoprudov son reveladoras y estremecedoramente bellas, de uno de los estudios mas importantes de la época clásica del cine europeo, y que nos permite familiazarnos con una pedazo de la historia de la que recientemente se recupero parte de su filmografia a través del canal de vídeos Youtube, donde los muy cinéfilos pueden rebuscar como auténticos arqueologos del séptimo arte.

Como suena una melodía interpretada por la presión que produce el discurrir de agua, es lo que se preguntaba el artista polaco Trond Nicholas Perry cuando una tarde de muchas paseaba con su pareja Agata Sander (arquitecto de profesión), a orillas de uno de los muchos canales que existen en los alrededores de Varsovia (Polonia). Inspirándose en la mecánica de un organillo, y en el funcionamiento de un molino hidráulico, crearon Quantum Music machine, un híbrido de instrumento y mecanismo energético, interpreta una única melodía, que en función de la velocidad de la corriente, lo interpreta a ritmo de adagio o presto.

Del fruto de la colaboración entre las administraciones publicas y entidades sociales, en la localidad francesa de Saint-Etienne se ha transformado un solar de 670 metros cuadrados en deshuso, en un parque urbano. El proyecto para acondicionar una parcela en el centro de la localidad, se inician cuando los responsables de la gestión en el área de medio ambiente y urbanismo encargan a la asociación CollectifETC, un proyecto que partiendo de la participación ciudadana, culmine en la planificación y desarrollo cívico de un parque que cubra las necesidades de los residentes de la zona.

Inaugurada en Julio de 2.011 , la intervención se realizo sobre un terreno baldío en la intersección de dos calles. Responder a los cambios en curso en el espacio publico atendiendo a los criterios de los ciudadanos fue el primer criterio aplicar en el proceso de urbanización. El proyecto simula un primer paso del proceso en el que se ha diseñado un edificio y construido. La idea es determinar un plan de viviendas imaginario sobre el terreno y su sección en la pared. De esta manera las personas pueden tener la experiencia de vivir en un edificio virtual e imaginar su desarrollo a medio plazo.

Todos los días durante un mes, la obra fue abierta al público y las personas podían intercambiar y aprender unos de otros. Algunas asociaciones locales, artistas o músicos que fueron invitados especialmente para ayudar a la organización de muchas actividades, como pinturas murales, conciertos, talleres de circo habilidades, cine al aire libre, torneos deportivos, clases de tango, comidas especiales, mesas redondas ...

Al principio se comienza con una limpieza a fondo de la tierra con la construcción de terrazas, el diseño y el suelo la jardinería, entonces se sigue la fabricación de muebles de madera y todo, varios talleres animarán la tierra baldía. Esta es una oportunidad para realizar pruebas, compartir ideas, recopilar historias y, finalmente, dar lugar a eventos y actividades que pueden continuar más allá del sitio.

La colaboración con artistas y diseñadores que participan en el espacio urbano es un aspecto importante en el desarrollo del proyecto. Los street art, Ella et Pitr que han contribuido al proyecto con un gran mural fue hecho en la pared del frontón, se yuxtapone con el trabajo de ilustración realizado por niños de la localidad. Involucrar a los artistas locales. A continuación, una obra de dos diseñadores locales Magaud Bérangère y Leatitia Cordier, que colaboraron en todo el proceso del proyecto. se centró en tres diferentes intervenciones en el espacio público.

CollectifETC es una asociación de jóvenes arquitectos que se compone principalmente de arquitectos, diseñadores gráficos y el paisajistas. Que creen en la capacidad creativa de todos los ciudadanos. Con el fin de hacer de este proyecto, se crea ron tres tipos de talleres. Un taller de ebanistería y carpintería para construir todo el mobiliario urbano. Un taller urbano de diseño gráfico con el fin de dar vida a las carcasas de los edificios y un tercer taller de jardinería para diseñar los espacios verdes y zonas comunes ajardinadas en el centro.

Ever es el seudónimo de Nicolás Romero, un artista urbano argentino, que comenzó a pintar en las calles de Buenos Aires en la década de 1990. Desde el principio, se inspiró en el potencial de la calle para la expresarse.

Tiene una especial fijación con la capacidad de expresión de los ojos, pero mas como instrumento que modifica su entorno que como mirada que refleje una situación concreta. Y que el contempla como una proyección de la vida cotidiana que le rodea.

Por lo que sus retratos navegan entre lo solemne y lo místico, caracterizados por tener elementos surrealistas producto de su exploración interior. Aunque también experimenta con piezas conceptualmente más diversas, intervenciones casi siempre realizadas a gran escala.

En los que la intención de referirse a las tendencias materialistas socio-culturales se muestran a traves de una narrativa cuya identidad creativa esta muy bien definida. Y en la que emplea tanto aerosoles como pintura, con los que con frecuencia elabora un discurso muy accesible esteticamente con el que se aleja de los estereotipos.

En el estilo de Ever hay una influencia pictórica figurativa y formal, que adquirió en un viaje iniciatico a Paris, donde tuvo la oportunidad de entrar en contacto con los clásicos como Van Gogh o Klimt.

Recientemente ha comenzado a explorar la yuxtaposición creativa entre sus retratos de un realismo sorprendente y detalles abstractos, tales como el estampado de nubes y pensamiento brotando de los ojos de sus caras. En la actualidad, Nicolás desarrolla su trabajo en torno a las Naturales Muertas, con las que a través de la unión de diferentes elementos ha encontrado una manera de utilizar la imagen como medio de reflexión social e investigación antropológica.

El estudio Architects of Air con sede en Nottingham del Reino Unido, dispone de un enorme taller de 4.000 metros cuadrados donde diseñan unas estructuras equivalentes al espacio del que disponen, que ellos denominan Luminariums, se trata de monumentales estructuras inflables que contienen un laberinto de sinuosas galerías y el aumento de las cúpulas que muestra la belleza de la luz y el color. Desde 1.992, que iniciaron su singular actividad han creado innumerables diseños que han exhibido en 37 países contando con 500 exposiciones hasta el momento. El proceso de cada atracción consta de diferentes pasos en los que se invierte seis meses de trabajo, tras finalizar estos micromundos con apariencia molecular los exhiben el resto de la temporada.

Miracoco se parece a su hermana Mirazozo en su configuración y tipo de viaje que realice el visitante. Su particularidad y signo de identidad subyace en la interpretación y construcción de sus domos. Los domos dodecaedro siguen una geometría más precisa gracias al uso de bandas reforzadas que restringen la deformación por el aire y definen las formas de la estructura. Asimismo el uso de costuras de luz refuerza el poderío visual de la estructura. El domo central de Miracoco es el volumen más grande creado por la compañía desde sus inicios. Es una escultura monumental inspirada del Templo de Lotus de la India que presenta una enjambre en espiral que crea un despliegue de centellantes puntos de luz sobre un campo de matices resplandecientes.

El Cherry Avenue era un viejo puente ferroviario que quedo fuera de servicio como consecuencia de la reordenación de la red ferroviaria, que presta servicio en el extrarradio de la ciudad de Chicago en los Estados Unidos. El puente fue construido originalmente en 1902. Se trataba de una conexión ferroviaria que ha permanecido en servicio hasta nuestros días. El puente fue declarado monumento de Chicago en diciembre de 2007 y comprado por la ciudad de Chicago a la Terminal del Ferrocarril de Chicago por el simbólico valor econmico de $ 1 en septiembre de 2008.

Tras debatir con miembros de las comunidades que viven en las proximidades del puente y los diferentes proyectos de uso para la estructura. El puente nuevo se inauguró un Agosto 14, 2009. como vía peatonal y crril bici. La reconversion del uso de la instalación ha venido acompañada de otro tipo de actuaciones que han dinamizado los ejes de movilidad ambos lados del puente facilitando de esta forma el desplazamiento alternativo de los residente de una de áreas de la ciudad que presentaban uno de los índices de contaminación mas elevados de Chicago, debido a la concentración industrial.

Es bastante innovador y uno de los primeros de su clase. Se trata de una nueva forma aplicar un viejo concepto, ya que fue construido originalmente como un enlace ferroviario y peatonal. Se utilizó para acera fibra de vidrio y espuma para los pilares y los rieles. Recibió el Premio 2009 de Chicago Landmark de la excelencia en la preservación, restauración y reutilización de equipamientos municipales.

La actuación de rehabilitación fue encargada a la compañía Rausch Construction , La mayor parte del ámbito de aplicación de este proyecto de trabajo son las reparaciones de acero estructural. La edad del puente, así como un reciente incendio, son la causa de un grave deterioro y la corrosión en todo el puente. Como resultado, el cuidado extremo se debe tomar durante las reparaciones para que no sufra un mayor daño.

Dependiendo de la jurisdicción y en el ámbito en el que se aplique, los delitos prescriben en función de la magnitud del crimen cometido. Adelaida es en la actualidad una ciudad en expansión para muchos es detrás de la capital política Camberra y la económica Sidney la tercera en importancia. Pero no siempre fue asi tenemos que retrotraernos en el tiempo, hasta la década de los años 20 del siglo XX, para que en una ciudad de poco mas cien años de antigüedad, poblada por inmigrantes de origen europeo el crimen floreciera y convertiera sus calles apenas sin urbanizar en un nicho de maleantes y tahures que campaban por sus fueros al margen de la ley. Noventa años han transcurrido y el artista local Peter Drew, en un acto vintage ha empapelado las calles con las reproducciones de las fotos que figuraban en los antiguos expedientes de la policía local. Sus rostros desafiantes que tras largas horas de interrogatorios imploraban un poco de indulgencia, miran a los viandantes desde su istmo de historia.

Creado por un belga errante que respondía al nombre Albert Szukalski y con alma de artista, que en su devenir nómada convirtió un pedazo terreno de poco mas de 3 hectáreas en mitad del desierto de Nevada a 120 millas de Las Vegas en un lugar conocido valle de Amargosa, que tuvo su momento de gloria con la fiebre del oro, cuya actividad se concentraba en la ciudad ya abandonada Riolita. Lo que en principio iba a ser una escala mas en el peregrinar por el mundo, se convirtió en el año 2.000 tras la muerte de su percusor en el Goldwell Open Museum , un espacio expositivo a cielo abierto que aparte de exhibir las esculturas Szukalski, posee una colección que desde que se fundo añadido obras de otros autores.

Las instalaciones se completa con una residencia para artistas, y un centro de interpretación para visitantes donde se actividades como cursillos y visitas guiadas por las instalaciones. Desde que se instalaron sus piezas mas importantes, como La última cena, se compone figuras espectrales dispuestas como en la pintura La Última Cena de Leonardo da Vinci. Szukalski moldeo sus formas empapando de yeso una túnica arpillera sobre modelos reales, hasta que el yeso se seco lo suficiente como para sostenerse por sí mismo. En el mismo año, utilizando las mismas técnicas, Szukalski también creó a Ghost Rider, una figura de yeso preparando el montaje de una bicicleta.

Desde entonces la lista de aristas que han pasado por sus instalaciones que han contribuido con aportaciones al museo ha sido numerosa y variada. Nombres como Hugo Heyrman añadido la obra titulada Señora del Desierto: La Venus de Nevada, una escultura hecha con bloques de hormigón, en basada en la idea del píxel. Fred Bervoets, en homenaje a Shorty Harris, uno de los buscadores de minas cuyo descubrimiento del metal precioso en 1904 produjo la fiebre del oro en la zona. Dre Peters que creo Icara una versión femenina tallada a mano de Ícaro, el joven de la mitología griega que voló demasiado cerca del sol. O David Spicer que de su paso lego Chained to the Earth una escultura realizada con piedra de una cantera cercana.

Actualmente se esta exhibiendo en la ciudad alamana de Duisburg, Aunque su concepción se empezó a gestar en 2.009 cuando proyecto Tiger & Turtle Magic Mountain ganando ese mismo año un concurso en el marco del Festival de la Capital Cultural 2010.

Consistente en la creación de un obra para la Región del Ruhr. La instalacion supone un desafió para sus vistantes que serpentean por una estructura fabricada construida con 120 toneladas de acero galvanizado. Las pasarelas en bucle se asientan sobre 17 columnas para garantizar una sujeción, llegando alcanzar los 20 metros de altura en algunos puntos.

Las montaña rusa peatonal suma 220 metros, incluyendo iluminación LED en el pasamanos que se iluminan al contacto de los visitantes. El acero y materiales de zinc proporcionan la conexión histórica con el sitio donde el zinc se elaboraba y donde se encuentra Krupp Mannesmann.

Una de las empresas procesadoras de acero más importantes. Y que ejercía su actividad a lo largo de casi un siglo en el distrito de Wanheim-Angerhausen. En 2005, la empresa entró en quiebra. Poco después, se cerró. Tras desmantelar la zona industrial se transforma en un parque público en 2008. La cita en la escultura que se asemeja a una montaña rusa se abrió en el otoño de 2011.

La estructura de la Magic Mountain es una experiencia óptica, incluso desde muy lejos. Creada el dúo artístico Heike Mutter/Ulrich Genth. Sus trabajos orbitan entre la experiencia artistica y espacio público.

Siendo conocidos por realizar proyectos que alcanzan un efecto real en la gente a través de su participación activa. El desplazamiento poético de contextos que tiene lugar en sus instalaciones incide, en forma ligera y transitoria, en las condiciones halladas por ellos previamente en sitios específicos. Su interés se enfoca tanto en las condiciones especiales de producción y organización del arte, como en la investigación de fenómenos sociales, conceptos y jerarquías de valor.

Mag Magrela es una artista urbana que tiene como escenario las calles de Sao Paulo en Brasil. Una ciudad que se esta convirtiendo en referente de la expresión artística en el espacio publico en Sudamerica, teniendo como referentes a artistas como Os Gemeos.

Calles en las que comenzo hacer sus primeras incursiones en 2.007, a raíz de participar en el curso organizado por el artista Rui Amaral relacionado con el graffiti y que también es el principal artífice de que en 2.010 se celebrara la I Bienal Internacional de Arte de Rua.

Cuando ella en términos creativos empieza a dar sucesivas muestras de que está en instalada en una de inflexion. En la que tanto sus antecedentes artísticos observados en su obra como las del artista italiano Amadeo Modigliani y sus retratos estirilizados. Asi como las constantes estímulos que recibe de exterior etnico-nativas.

Contribuyen a crear y perfilar su personal estilo, en el que se contempla una diversidad de matices muy sugerentes de cara al espectador. Conformando una propuesta muy rica en matices que aborda unas veces empleando un tono donde predomina la denuncia y otras ocasiones adoptando un perfil más estético temas cotidianos y proximos.

Sus murales protagonizados por figuras de mujeres con rasgos indígenas, que ella representa en términos de lenguaje corporal aplicándoles una perspectiva plana y esterilizada.

Aunque lo que llama la atención es el efecto de la contorsión que muestran el trazo de sus cuerpos. Sus intervenciones en muchas ocasiones transmiten la sensación de urgencia, como si estuvieran realizadas de forma furtiva y casi clandestina.

Alojadas debajo de una escalera o parcialmente ocultas detrás de una puerta desvencijada. Estamos ante actuaciones que se enfocan desde una óptica narrativa, en la que muestra su compromiso con una realidad socio cultural.

Que según la percepción de Migrela, se convierten en fragmentos de una crónica cotidiana de la comunidad y las gentes, con las que se relaciona habitualmente en sus diferentes contextos tanto sociales como culturales.