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Charlotte Caron, Ed Fairburn y Diego Beyró, tres retratos de una misma historia


El lenguaje gestual es muy rico proporcionando mucha y variada información sobre la persona, el rostro y sus facciones suele ser lo primero que nos fijamos cuando nos presentan alguien. 

Los ojos, la boca, los pómulos, la nariz y como interactúan representan nuestra tarjeta de presentación en sociedad. Aparte de la impresión estética que proyecta de nosotros sobre los demás, nuestro rostro es como un mapa. 

Que describe nuestras preferencias, gustos, fobias, debilidades ante los demás y ante nosotros mismos. La artista y fotógrafa Charlotte Caron, aplica una tecnica mixta en su serie de retratos, sustituyendo el rostro humano por el de animales con los que se identifica.

Tratando de dar una respuesta a una forma de dualidad humano animal, desafiando al animal que llevamos todos en el interior, y que camuflamos con máscaras de humanidad. Para crear finalmente una ósmosis entre los dos medios, entre el animal y el retrato.
 


Por su parte el ilustrador Ed Fairburn traza las coordenadas de los principales rasgos del rostro humano, empleando como soporte mapas cartográficos que llegan abarcar varios países. Explorando el origen de la identidad múltiples de cada individuo y su vinculo con su entorno.

Entre la infinidad de retratistas, hemos seleccionado a tres que por sus peculiaridades son muestras de la variedad de técnicas que se pueden emplear a la hora de realizar un retrato.

Por ultimo el creativo y publicista argentino Diego Beyró, emplea de soporte el blanco inmaculado de una sabana como lienzo, para crear con el explicito titulo de Orgasmo. Una serie de retratos donde reproduce el momento justo en el que se produce el climax, provocando la liberación de cantidades ingentes de hormonas que nos proporcionan placer.


Las producciones de Diego se caracterizan por la fuerza, el impacto de sus imágenes y la combinación de la artesanía y el uso de las nuevas tecnologías y dispositivos. Tanto en su serie orgasmos, en la que pintó ese instante singular de éxtasis entre sábanas, y en sus vídeos más experimentales, o su trabajo digital, vemos el cuerpo como objeto de estudio a fondo. El cuerpo, como punto de partida, describiendo sentimientos en el ámbito privado.
 


Shawn Clover - 1906 + Today: The Earthquake Blend


El proyecto 1906 + Today: The Earthquake Blend  se origina a partir de la lectura del libro titulado San Francisco is Burning, escrito por Dennis Smith, en el se recrean los acontecimientos del terremoto de San Francisco, una catástrofe acaecida en 1906, y que en tan solo 25 segundos de actividad sísmica de la falla de San Andrés, desbasto la mayor parte de la ciudad.

Estos hechos traumáticos, han sido objeto de numerosos estudios a lo largo del ultimo siglo, documentación que tras ser recopilada, le ha servido al fotógrafo Shawn Clover, para elaborar las dos series que componen un trabajo, en el que rescata parte del pasado  trágico de San Francisco, y lo suporpone con fotografías realizadas recientemente de la ciudad. Esta dualidad espacio tiempo representa una postal donde habitan la memoria  y un presente que discurre aparentemente indiferente en relación a su historia.

David Lance - The Future Forms Of Life, el sueño de la forma en un futuro distopico


Las instlaciones cinéticas dotadas de movimiento del artista Theo Jansen tienen algo de cautivador y mágico, para el que las contempla. 


Sus movimientos acompasados poseen el ritmo de una coreografía, en la que cada pieza del autómata representa un gesto que se tiene que producir de forma sincronizada, el cual se repetirá infinitas veces. Basándose en los principios aerodinámicos de Theo, el animador y modelador David Lance.

Ha recreado en escenarios reales extraídos de la capital londinense,  a una criatura que experimenta una metamorfosis orinica, en paisajes urbanos cargados de electricidad. Cuya atmósfera surrealista nos traslada a un mundo interior en el que los elementos que los pueblan nos hipnotizan.  


En el cortometraje titulado The Future Forms of Life El cual podéis ver AQUI. Una fabula post/industrial, en la que el autor reflexiona sobre la conveniencia o no de que algunos sueños se puedan cumplir. Pues su resultados pueden ser realmente desagradables.


En su realización Lance ha utilizado aplicaciones de modelacion como  3Dsmax, Zbrush,  MatchMover o MD2. Consiguiendo un efecto realista que transmite al espectador la sensación de estar participando en  el relato que estás viendo. 

Una mención especial merece la banda sonora que acompaña todas y cada una de las imágenes del corto. Música que es una mezcla de electrónica y étnica que está firmada por Tomas Dobrovolskis.

David Lance es un estudio creativo centrado en la animación arquitectónica. Crea proyectos creativos e imaginativos para clientes que provienen de una variedad de orígenes, incluyendo arquitectura, ingeniería y desarrollo inmobiliario. Con quince años de experiencia en visualización arquitectónica y animaciones, cuentan con una larga experiencia con encargos realizado para clientes de Oriente Medio, Europa y América del Norte.



Kang Min Kim - Visit, volviendo a una ciudad en blanco y negro a través de los sueños


En el corto de animación titulado Visit asistimos a un reencuentro entre el personaje de esta historia y una ciudad ubicada en el sureste asiático, teniendo como referencia un faro, se mira en los numerosos edificios que se han añadido y en los que trata de reconocerse. 

Aunque se trata de una producción no muy reciente, Visit la cual podéis ver íntegramente AQUI. Fue seleccionada para la edición del festival de Ottawa de 2.009, considero que por los valores que representa, merecía la pena recuperar esta poética pieza firmada por el cineasta y animador Kang Min Kim

Un joven y prometedor narrador de historias con las que pese a su casi exigua trayectoria ha logrado forjarse una identidad creativa propia. La cuál se inspira en el entorno en el que creció en su Korea natal, pero que a pesar de las notables diferencias con la cosmopolita ciudad californiana de Los Angeles.


A la que se traslado para completar su formación instalándose a continuacion definitivamente. Ha sabido construir un lenguaje propio en el que conviviente aparentemente estos dos mundos que tradicionalmente han permanecido ajenos.


Para Visit Kim, quien se encargó de casi todos los aspectos de la producción, desde el diseño, la historia, la cámara, la animación, la edición y el post, invirtió poco más de dos meses en completarlo. Encargandose ademas del sonido y la música, Kim utilizó programas como Dragonframe, After Effects, Photoshop y Lightroom para producir el corto. 


Visit es un trabajo que forma parte de su esfera como animador, trabajo que alterna encargos publicitarios, con piezas donde muestra su capacidad para transmitir emociones, a través de composiciones donde el lirismo visual y el tempo narrativo lo marca el stop motion y la música firmada por el propio KIM.



Michael Marsicano/Mistaken series


Colaborador habitual de medios como de Playboy o Wired entre otros muchos de ámbito local, el ilustrador con sede en New York Michael Marsicano, tiene una inclinación especial por retratar a gente corriente en situaciones nada habituales.  Influenciado por el comic de la década de los 70s y el surrealismo onírico, los rotuladores de MM se adentran en la psique del individuo mostrándole como alguien que carece del sentido del ridículo.


Ben Heine hace collage en los que combina el dibujo y el arte digital inspirados en el reino animal


A pesar de que ya sabes lo que te vas a encontrar por precedentes entregas, cada "nueva" remesa de fotografías mixtas, del ilustrador y artista digital de origen belga Ben Heine, es devorada por sus cada vez mas numerosos seguidores como si fueran una autentica novedad. 

Quizás sea el entusiasmo y simpatía que desprenden, todas y cada uno de sus trabajos, además del efecto visual. Que supone el contraste de ver los trazos dibujados que representan escenas silvestres en los que la figura central es el alguna especie salvaje, combinada como si fuera un collage añadiendo parcialmente la version fotografíca. Dando como resultado trabajos realmente sorprendentes y cautivadores que suscitan admiración y los que a veces posa el propio Ben utilizando como set algún chroma de fondo

En este post hemos seleccionado los montajes digitales que hacen referencia al reino animal, en los que los que ejemplares de las diferentes especies dibujados a lápiz sobre los escenarios reales de las fotografías, nos ofrece una perspectiva sobre su comportamiento siempre con una sonrisa. 


Ben creció en la ciudad de Abidjan, Costa de Marfil. Allí vivió 7 años, junto con sus padres y sus 3 hermanas. Su padre era un ingeniero comercial y su madre una profesora de Jazz y de danza moderna. Todo cambió cuando la familia regresó a Bruselas en 1990. Ben se convirtió en un niño problemático y exigente. 

En 1994, descubrió por primera vez que su energía, sus miedos y sus inquietudes se podían canalizar a través de proyectos visuales y creativos, lo que supuso el comienzo de una carrera artística en la que el dibujo y la pintura como principales disciplinas. 



Ben tiene una licenciatura en Periodismo que curso entre Université Libre de Bruxelles y la IHECS en Bélgica y la Universidad de Utrecht de Ciencias Aplicadas en los Países Bajos. También estudió  Historia del Arte, Pintura y Escultura en la Hastings College of Arts & Technology en Inglaterra. Además es un autodidacta en el dibujo y la fotografía. 


Su trabajo esta notablemente influenciado por el surrealismo belga, el expresionismo alemán, arte pop americano, y el realismo social. La naturaleza representa para Ben una parte muy importante en su vida. Muchas veces pasa días o semanas caminando en las áreas vacías, bosques, desiertos o montañas, en busca de la paisajes increíbles que poder seleccionar para sus composiciones en los que encuentra el equilibrio y la inspiración.


PrimerFrame - FriendSheep, cuidado que viene el lobo


Seleccionada en la categoría de mejor corto de animación, en la edición de 2.012 de los premios Goya de cine. Friendsheep, es el resultado del trabajo realizado por los alumnos pertenecientes a la academia de animación 3D y modelación PrimerFrame que se en encuentra en Valencia (España). Galardonado con numerosos premios a lo largo de los dos últimos años. Nos narra en clave de moraleja, la historia de un lobo que se dedica al ingrato trabajo de limpia cristales, en un edificio de oficinas lleno de personal oficinista encarnado en ovejas. Un suculento bocado fuera de su alcance, pero que con un poco de ingenio lograra solventar accediendo a una plaza de suplente. Técnicamente es un trabajo impecable, realizado con la herramienta Maxwell Render, lo que ha facilitado la edición en alta definición. 




La fotografía publicitaria de Kevin Griffin

Kevin Griffin es un fotógrafo que incorpora elementos surrealistas con los que describe situaciones dramáticas, utilizando escenarios grandilocuentes.  Sus fotografías manipuladas combina una mordaz ironía y un despliegue muy cinematográfico, con lo que  captura imagenes donde el movimiento y la acción  consiguen hacerte participe de la fotografía.    Griffin nacido en 1964 en Londres. A los 18 años, compró su primera cámara. Trabajó como asistente del legendario fotoperiodista Don McCullin. Actualmente se trabaja con las principales agencias de publicidad.  

Anne Hardy - Mundos posibles



En cada composición realizada por la fotógrafa Anne Hardy, el tratamiento del objeto en relación al espacio describe un universo, donde hay una pauta que cohesiona y hace de hilo conductor de todos y cada uno de los decorados o escenarios donde hasta el mas mínimo detalle es símbolo de algo. Conjuntos cuidadosamente construidos, creados en su estudio, que luego fotografía. Los temas de las obras de arte de Hardy son por lo general objetos o basura que ha encontrado en los mercados, tiendas de bricolaje, contenedores urbanos o bazares. El tipo de objetos que elige van desde grandes muebles, cables de colores brillantes, los viejos árboles de Navidad, bombillas, balones de baloncesto, tubos de ensayo científico... Hardy combina estos objetos cotidianos creando ambientes inusuales, casi de ensueño.


Dimitri Daniloff - Publicidad surrealista


Echando una ojeada al extenso y variado portfolio del diseñador y publicista Dimitri Daniloff, te das cuenta de la increíble creatividad que despliega en cada una de sus encargos. Con sede en París,  Dimitri originalmente estudió matemáticas y ciencias. A la edad de 26 años recibió una cámara como regalo y se enamoró y obsesionado con la fotografía. Ha estado inmerso en su mundo desde entonces. Mientras que su trabajo inspirado a menudo por la fantasía y elementos surrealistas, es disciplinado en su método de trabajo donde el trabajo en el estudio es lo primordial, reduciendo al mínimo la dependencia de los efectos post-producción. 


Disfruta la oportunidad de trabajar con ideas y darles forma capa a capa hasta que consigue el efecto deseado. Su trabajo comercial ha obtenido una lista extensa e impresionante de premios, entre ellos el Gran Premio de Cannes en 2003 por Gran PS2, así como dos Leones de Oro y un León de Plata, dos premios de bronce premios Clio, siendo nombrado en la Campaña Anual de 2007 como uno de los 10 mejores fotógrafos. 



Goñi Montes, ilustraciones no sólo de superheroes


Pocos profesionales a su edad y con su escasa trayectoria pueden reflejar en su curriculum que han recibido y completado encargos para trabajar en proyectos para editoras de cómics tan míticas como DC o Marvel


Proyectos que alterna con otros realizados para marcas comerciales en diferentes ambitos. Pero es que cuando se trabaja con muchos elementos en un un mismo proyecto, cualquier pequeño detalle hace la diferencia. Y ese sentido de lo interespecifico, el ilustrador Goñi Montes lo sabe explotar muy bien.


Las líneas del boceto describen la idea general, marcando el perfil del labio superior en la ilustración, le da a cada personaje la apariencia que precisa dependiendo de la atmósfera en la que va actuar.

Sus imágenes son tan extravagantes en ocasiones como ingeniosas,  poblados en todo caso por personajes que están muy elaborados presentando expresiones y proporciones adecuadas. 


Otras de las características que define el trabajo del diseñador grafico Goñi Montes, es su escala cromática definida por los tonos cálidos y suaves, con los que consigue destacar el sombreado, muy influenciado por la expresividad del cómic clásico. Nacído en Ponce, Puerto Rico.


Obtuvo un MBA de la UPR en Mayagüez, y un MFA de la Comisión Científica de Atlanta. Comenzo a trabajar como ilustrador científico para el Puerto Rico Sea Grant. Desarrolla su trabajo en su residencia de Decatur, Georgia, con su esposa Jen que tambien es ilustradora, en la actualidad realiza encargos para diferentes medios.

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Pedro Sottomayor & José Adrião - Christmas Lisbon 2.011, menos decoración navideña y mas creatividad espiritual


Según se aproximan estas fechas tan sañaladas, cientos de ciudades en todo el mundo se engalanan, ofreciendo su particular postal navideña, en buena parte de los casos suele predominar un estilo rutinario y naif.


Pero como en todo se dan excepciones Lisboa capital de Portugal, ha decidido aplicar a su decoración navideña en tiempos de crisis criterios artísticos y a juzgar por los resultados, esticamente les ha quedado algo mas que bien. 


Partiendo de un encargo del consistorio lisboeta y el Museo de diseño y Moda, al diseñador Pedro Sottomayor y al arquitecto José Adrião, mas la colaboración del estudio de arquitectura ADOC. Han creado hasta siete instalaciones distribuidas en otros tantos puntos de la ciudad.  

Los elementos que forman parte de las instalaciones se caracterizan por su funcionalidad e interactividad en unos casos, por sus formas geométricas y como no podía de ser otra forma por su iluminación y simbolismo en otras intervenciones que apuestan mas por la interacción.  


Christmas Lisbon 2.011 es un conjunto de instalaciones que contemplan, tanto unas fechas tan señaladas como son las fiestas navideñas, asi como el espacio publico. Desde una optica que combina las referencias liturgicas y una decoracion mas creativa y lúdica.


El resultado es una decoración navideña que aparte de cumplir con el propósito y el espíritu ornamental de la navidad, introduce en su concepción elementos artísticos  y prácticos que enriquecen el espacio publico.




Jesús Orellana - ROSA, el amor por la naturaleza contra el apocalípsis medio-ambiental

Lo primer o que te llama la atención cuando comienza el cortometraje titulado Rosa que podéis ver integramente AQUI, es en la ambientación entre Steampunk y post-apocaliptica.


Atmósfera que te remite de forma inmediata a films de la talla de Blade Runer o The Matrix. Comparaciones que en principio pueden ser prometedoras para su autor joven Jesús Orellana. 


Centrándonos en el argumento que nos propone Rosa. Una odisea romántica donde el amor imposible lo encarna un entorno medio-ambiental que irremediablemente se está degradando, habiendo cruzado un punto de no retorno.

En sus poco más de nueve minutos su autor le añade una mezcla de referencias a la cultura del manga y de época victoriana vampirica. Uno de los cortometrajes del año que se ha exhibido en festivales como Stiges, o en las secciones oficiales de Seattle, Los Ángeles o Toronto.


Y cuyos derechos se están negociando por parte de 20th Century Fox con su creador para realizar una versión extendida. La animación nos narra la misión de Rosa una ciborg del proyecto Kernel. 


Su director y guionista ha invertido cerca de un año en crear una historia que te engancha desde el primer instante, en una trama tan romántica como cautivadora y comprometida con el medio-ambiente.



De ojos verdes tan enigmáticos como estigmatizados y desolados. Se ha embarcado en una lucha por evitar que la dregadación medioambiental acabe por destruir el mundo que conoce y que nos alberga, convirtiéndolo en un apocalípsis inhabitable. En el que apenas sobreviven formas de vida,  extinguiendose la practica totalidad de ellas. 


Orellana creó la obra con CGI en su casa, sin ningún presupuesto, lo que no hace mas que añadir mas merito a su trabajo. La película realizada para captar la atención de los estudios, se puede convertir en el debut y la mejor plataforma para que en un futuro cercano se ponga al frente de una superproducción. 


Gramazio & Kohler & Raffaello D'Andrea - Flight Assembled Architecture



Muchos de los procesos productivos que se realizan hoy están realizado por robots industriales, que son gestionados por personal especializado, uno de los sectores donde todavía la presencia de obreros cibernéticos es casi anecdótica es en el de la construcción. A principios de 2.011 los arquitectos Gramazio y Kohlercomenzaron a desarrollar un enfoque innovador en la formación de material dinámico aprovechando las herramientas digitales en el diseño arquitectónico y la construcción. Pertenecientes a una generación de arquitectos jóvenes que aspiran a utilizar plenamente el potencial del diseño y la fabricación digital, Gramazio y Kohler iniciaron una colaboración el ingeniero  Raffaello D'Andrea, cuyo trabajo se centra en la innovación y diseño de sistemas autónomos mediante la utilización de algoritmos informáticos, comenzaron a explorar las posibilidades de crear un prototipo de obrero especializado robotizado, destinado a la construcción.
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Flight Assembled Architecture es la primera instalación que será construida por máquinas voladoras. Concebida como una estructura arquitectónica a una escala de 1:100 metros de altura, la instalación explora nuevas formas de pensar y materializar la arquitectura como un proceso físico de la formación dinámica. Este proyecto se basa en el uso simultáneo de múltiples agentes móviles. Considerados como herramientas adaptadas para la construcción, estos robots voladores están programados para interactuar y captar, transportar y armar los módulos de la construcción de estructuras arquitectónicas. El Centro de FRAC en Orleans (Francia) apoya este nuevo proyecto, que a su vez en sus colecciones dedicadas a la arquitectura experimental. Pudiéndose ver hasta el próximo 19 de Febrero de 2.012.


Denis Chapon - 12 dibujos por día, 12 Drawings a Day, 12 Dessins par Jour


12 Drawings a Day - 12 Dessins par Jour, es el resultado de tres años de disciplinado trabajo por parte de su autor, Denis Chapon que cada día desde 2.008 ha dibujado 12 fotogramas, utilizando como herramientas unos folios y un lápiz. Ni sofisticados programas de animación ni la aplicación de elaborados efectos en  3D, todo muy artesanal, para contarnos de forma comprimida mediante una sucesión de skecth, donde nos describe las peripecias vividas por diferentes personajes, a lo largo de ese periodo de tiempo.
During 3 years (2008-2011) i have been drawing 12 drawing of animation every day, it make one second of film. I had no plans what so ever before starting the first drawing. And then, each of the folowing days, I took the 3 last drawing from the day before and kept on animating. I use a none erasable pen, and drew on the back side of used A4 paper.

opusBou - El Empleo/The Employment, el drama del mercado laboral en clave animada



Producida en 2.008, El empleo  es corto de animación realmente singular tanto en términos estéticos como narrativo. Que ha estado recibiendo galardones hasta sus ultimas exhibiciones en los diferentes festivales donde ha participado.

Cuya cosecha ha sumado nada mas ni nada menos que 102 premios en las diferentes categorías a las que ha optado. Realizada por el tándem que forma el director Santiago 'Bou' Grasso y Patricio Plaza al frente de su productora opusBuo

Nos narra de forma sencilla y en clave muda, la jornada de trabajo de un empleado, que presta servicio como felpudo para un fantasma. A la espera del estreno de sus dos siguientes cortometrajes de animación titulados La cara de la luna y Padre respectivamente.


Los cuales se encuentran en la actualidad en fase de pre-producción. El empleo nos sumerge en un escenario "hipotético" donde el mercado laboral esta compuesto por ciudadanos zombis y alienados que guiados por la inercia de una dinámica social que se caracteriza por la confusión y el artificio. 


En el corto de animación El Empleo nos describe de forma muy intuitiva y sin recurrir a excesivos artificios visuales, el drama laboral de un trabajador que es incapaz de adaptarse a un mercado de trabajo cada vez más volatil.


Se muestran resignados ante su destino. Técnicamente recuerda a las intervenciones en blanco y negro del street art italiano BLU, en este caso se emplea una paleta de colores mas amplia. Con más de 8.000.000 millones de visitas acumuladas  en su cuenta oficial, El Empleo lo podéis  ver desde AQUI.

Corrado Vanelli, ilustracion digital cuya magia surrealista se alimenta de los clasicos

 

Las ilustraciones digitales del creativo visual  italiano Corrado Vanelli navegan entre lo barroco de iconos como Caravaggio y el surrealismo más psicoanalitico de autoras como Leónorá Carrington. 


Se tratan por lo tanto de pequeñas ventanas abiertas por las que el subconsciente se filtra materializandose en una sustancia expresiva cuya comprensión nos maravilla como espectadores. Que contemplamos sus obras como universos mágicos cuyos parámetros narrativos obedecen antecedentes clásicos y figurativos. 


Obras que se nutren de historias y simbología mitológica en muchos casos. En otros lienzos sin embargo se inspira en la realidad más cercana e inmediata, o en hechos históricos que el representa dándole una atmósfera dramática a veces, mientras que en otras ocasiones recurre a la ironía para ofrecernos un relato estético que se alimenta de la ficcion.       

 

Desde pequeño en su pueblo natal Corrado Vanelli desarrollo una afición por el dibujo gracias a las historias que devoraba en la casa familiar. Herencia que posteriormente en su adolescencia provocó que comenzara a mostrar inquietudes por ámbitos como la ilustración o el arte digital.


Los trabajos de Corrado
 Vanelli se caracterizan por ser universos poblados por criaturas mitológicas, seres mutantes, o muñecas de mirada enigmática que cobran vida, conviviendo con personajes humanos en escenarios donde la es esencial estimular la imaginación del que las contempla.


Además su interés por la filosofía, o su afición por cultivar bonsáis, son según el referentes que influyen en sus trabajos. Aunque todavía utiliza instrumentos tradicionales como el roting, las nuevas herramientas digitales 2D y 3D han supuesto un descubrimiento, que aparte de facilitar el proceso de diseño de sus trabajos ha enriquecido su particular estilo.

Infografía que analiza los medios de transporte que utilizan los usuarios Foursquare en sus desplazamientos

Coincidiendo con el día de acción de gracias en Estados Unidos, la red social de posicionamiento geográfico Foursquare, ha publicado un estudio con la información aportada por sus miembros en el periodo comprendido entre la celebración de la festividad de Halloween y la finalización de la campaña navideña de 2.010.  La infografía analiza geograficamente los principales medios de transporte utilizados por los usuarios de la red social durante ese intervalo de tiempo. Lo modelos de transporte analizados son el avión, el tren y el vehículo privado, que se vinculan a otros tantos colores, el  azul para el avión, el rojo para el tren y el blanco para el coche. Aunque hay que tener en cuenta que es un análisis realizado con los datos aportados por los usuarios de Foursqueare, con todas las reservas que por eso merece, no deja de sorprender como observando la infografía, los usuarios que escogieron como medio de transporte el ferrocarril para desplazarse, en esas dos fechas tan señaladas fueron superiores a las otras dos opciones, sobre al idolatrado vehículo, uno de los símbolos de la cultura americana y que ocupa un papel secundario en sus preferencias.