Nomada Q : digital art

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A lo largo de buena parte del año pasado la ciudad de Berlin se convirtió en el centro de las celebraciones, que servían para conmemorar uno de los acontecimientos mas importantes con los que se completo el Siglo XXI.

Y que no es otro que la caída del iconico y mitico muro que simbolizaba la liquidación del bloque soviético, abriéndose una nueva etapa de esperanza y expectativas para millones de ciudadanos.

Y de cuyo trazado original apenas quedan unas pocas decenas de metros, que son observados por sus visitantes con una mezcla de asombro y nostalgia, siendo percibida como una reliquia que forma parte de un pasado remoto.

Situación que ha inspirado al artista Erdal Inci como enfoque para reproducir su propia versión, con este propsito ha empleado una impresora 3D con la que ha diseñado su propia versión.

Con una versión física realizada a escala real, Berlin Wall ha servido como modelo a partir de las que realizar una versión animada en 3D. Compuesta por 45.000 fragmentos que colapsan desde una altura de mas de 240 metros de altura.

Con la que su autor profundiza en los mecanismos de la memoria y en como esta relaciona automaticamente determinados objetos con acontecimientos pretéritos, convirtiéndolos en memes que se alojan en la misma memoria modificandose con el paso del tiempo.

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En nuestro entorno social, con el que nos relacionarnos habitualmente, tenemos a nuestra disposición múltiples referencias estéticas y físicas que a su vez influyen en la percepción que tenemos de nosotros mismos y de la imagen que proyectamos sobre los demás.

Complejo juego de retroalimentación social en el que mecanismos relacionados con el comportamiento marcan una evolución, que conforman diferentes tendencias en función de una época y sus gustos.

El artista digital Scott Chasserot tras seleccionar en un casting a una serie de candidatos, les realizo una serie de retratos fotográficos centrándose en las facciones de sus rostros. Realizadas al natural estas fotografías tras ser sometidas a una serie de retoques y filtros con aplicaciones de retoque fotográfico, mediante las que se modificaba sus semblantes originales.

Eran expuestas como diapositivas a sus protagonistas conectados mediante electrodos adheridos a su cuero cabelludo que registraban su reacciónes ante los rostros modificados. Lo que resultaba sugerente era que una mayoría de ellos indicaban como imagen que mas se aproximaba a la "real", la que habia sido sometida a posteriores modificaciónes.

El proyecto de Scott Chasserot nos ofrece información de como seria nuestro ideal estético y de las modificaciones que estaríamos dispuestos a realizar para lograrlo.

Original Ideal es un estudio que explora la psicología del individuo y la percepción que tiene de su fisico. Utilizando una combinación de fotografía digital e instrumentos de escaneo cerebral EGG que mediante la medición de la longitud de las ondas cerebrales de cada sujeto ante sus diferentes versiones.

Creado por uno de los participantes en el programa de carácter científico Veritasium. Evento dirigido a Estudiantes que generalmente que ponen a prueba su ingenio y conocimiento, volcándolo de forma creativa en experimentos de lo mas curiosos y estimulantes.

Y que ademas cuenta con presencia en una diversidad de redes sociales, a traves de cuyas plataformas informan a los millones de seguidores con los que cuentan. De las convocatorias que sirven para que decenas de miles de usuarios tengan la oportunidad de divulgar sus experimentos de una forma comprensible a la vez que amenaza.

Para muestra el realizado por Derek Muller, donde utilizando como mesa de mezclas una placa conectada a una llave de gas. Reproduce múltiples composiciones sonoras moduladas mediante un sintonizador que hace de intermediario entre una interfaz informática donde están almacenadas las melodías y la plancha gasificadas.

La matriz perforada por 2.500 orificios, representa de forma coreográfica diferentes combinaciones de frecuencias y sonidos. Pyro Board se basa en las variaciones de presión que producen las ondas de sonido y como afectan a la velocidad de flujo de gas inflamable describiendo diferentes alturas y colores.

En el siguiente video que podeis ver íntegramente pulsando AQUI, el espectador puede maravillarse con el funcionamiento de la instalación y los mecanismos acusticos que la componen. Asi como la experiencia sensorial que provoca en el que oyente y observador.

Porque no hay que obviar que se trata de una propuesta inmersiva en la que se precisa tanto del sentido de la vista como del oido para experimentarla en toda su plenitud. Los patrones que trazan sobre la placa perforada las frecuencias de sonido que emite desde
el ordenador Derek.

A veces la realidad obedece a causas mas sencillas de las que el observador pueda precisar a simple vista. Ante la supuesta complejidad de lo que cree ver o comprender se suelen abrir una diversidad de escenarios e interpretaciónes.

Viendo la serie titulada Aurora realizada por el artista digital Fabian Oefner se establecen estos parámetros entre lo que quieren mostrar y lo tu segun tus sesgos estas percibiendo como receptor de una realidad, que en la mayoría de las ocasiónes suele ser mas volátil y liquida de lo que parece.

La primera impresiones que obtiene el espectador cuando ve sus fotografías, es que se le esta mostrando unas placas con el resultado de impresión por rayos x de parte del encéfalo perteneciente supuestamente al cerebro de un ser humano. Mas concretamente al de un individuo adulto.

Pero si agudizas la mirada y prestas atención te percataras de que lo que esta representado en las falsas radiografias. No tiene nada que ver con las sinuosas formas de nuestro cerebro, y si con el efecto que produce visualmente la exposición a alta velocidad del alcohol en plena combustión.

Este fenómeno lo consigue al verter unas gotas de alcohol en una probeta de vidrio de gran tamaño. Después de unos momentos, la sustancia volátil se extiende de manera uniforme en el interior del contenedor. A continuación, enciende la mezcla de gases produciéndose la síntesis de esculturas de fuego efímeras que adopta formas orgánicas

El proceso artístico de Oefner es altamente metódico, requiriendo una amplia investigación, experimentación y colaboración con expertos en diversos campos. En una exploración en curso desde 2013, colaborando con científicos como el físico teórico Brian Greene e institutos como el CERN y el Centro Edgerton en el MIT, el artista creado ha creado series fotográficas como Black Hole, Big Bang e Infinite Moment in Time, que nos ayudan a entender mejor el concepto del tiempo.

En las composiciones Pop-Art del artista Scott ListField conviven elementos de la cultura americana e iconos cinematográficos. Elementos narrativos a través de los que crea atmósferas surrealistas donde la memoria del observador.

Recupera fragmentos de muchos de los iconos culturales de los que hemos sido testigos a lo largo de buena parte del siglo XX. Tratando cada episodio o evento aplicando un enfoque como vehículo mitologico.

En cuya trama existe un personaje o protagonista, un anodino astronauta que actúa de anti-heroe o outsider. Que se asoma a una realidad que no por no conocerla le deja de resultar ajena.

A pesar de su inexpresividad y su carencia de lenguaje corporal, el expectador es capaz de percibir su desorientación. Así como su indiferencia y soledad que experimenta en una arcadia digital.

Scott Listfield es conocido por sus fabulas creativas en las psicoanaliza la sociedad que le rodea a través de la mirada distante, anodina y aparentemente nihilista e irónica de un astronauta solitario. Que se muestra desorientado en un paisaje abrumador repleto de iconos de la cultura pop, logotipos corporativos y referencias a ciencia ficción.

Scott creció en Boston, y estudió arte en el Dartmouth College. Después de algún tiempo viviendo en el extranjero, Scott regresó a Estados Unidos, donde empezó a caricaturizar una sociedad que había crecido influenciada por films de ciencia ficción como 2001 Una Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick o Jurasick Park, así como series como Lost In Space. Relatos cuyas expectativas tuvieron con el paso de las decadas, un reflejo sobre el terreno y en términos domesticos prácticamente nulo, no materializandose prácticamente ninguna de sus predicciones.

En un contexto social sobre-estimulado por la publicidad, que le incita a un consumo voraz de bienes y recursos. Situación en la que el individuo se enfrenta a sus propias contradicciones y fantasmas personales.

El cineasta y documentalista Willie Witte, como complemento a su trabajo y entre documental y documental, realiza pequeñas piezas audiovisuales en las que usando un lenguaje visual

Donde el ilusionismo y la transición de imagenes fotografiadas previamente se mezclan obteniendo un collage animado. Grabado en blanco y negro Screengrab, se trata de una pieza experimental que se inspira en los juegos de manos clásicos.

Conocido por ser el autor de video-clips musicales para bandas alternativas como los prometedores Iron & Vine, de cuyo tema titulado Walking Far From Home y que podeis ver AQUI. Willie nos muestra su sensibilidad y sentido positivo.

En el caso de Screengrab que podeis ver AQUI, se trata de un experimento visual en el que recurriendo al lenguaje corporal de las manos y un folio de papel construye una pieza dinámica que consigue mantener tu atención como espectador.

The Web es la instalación del artista Jon Kessler se trata de una experiencia en la que el elemento principal es la tecnología, intervención con la que el autor quiere mostrar hasta que punto influye en nuestros habitos y nuestras relaciones sociales todo lo relacionado con la era digital.

Compuesta por elementos digitales, cinéticos y pantallas de ordenador alojadas dentro de una estructura de madera. En la que Kessler ha montado iPads, iPhones y otros equipos de Apple, mientras que las cámaras de vigilancia giran hacia atrás y adelante sobre soportes rotatorios.

Creando un perímetro supuestamente seguro que sin embargo no puede evitar que se oiga el zumbido silencioso de la maquinaria, que se ve interrumpida por el sonido emblemático de inicio un ordenador de Apple. El cual nos alerta como visitantes de que estamos inmersos en la nueva epifanía del siglo XXI.

En exhibición hasta el 28 de Abril en el Swiss Institute Contemporary Art de New York. Los visitantes también pueden descargar una aplicación para el iPhone, para poder exhibir las imágenes de su teléfono en los monitores.

Monitores de televisión que apilados crean un caleidoscopio de imágenes, en el que los visitantes sin que ellos sean conscientes aparecen formando de una narrativa donde su identidad deja de ser anomima para a ser de dominio publico.

En las obras de Kessler a menudo se trata las relaciones sociales en un contexto contemporáneo, y la influencia de la tecnología y su utilización política desde un punto irónico. Creando un relato crítico a la vez que comprometido en el que recurre a modos de presentación donde utiliza materiales de deshecho.

Convirtiendo la sala en un salón tecnológico de los espejos, el montaje de vídeo en directo y grabado produce un bucle confuso de personas que se observan a sí mismos y de paso a los demás. Mientras que ellos también son vigilados por esas mismas cámaras.

Jon Kessler empezó su trayectoria como becario en el instituto Guggenheim, en 1996 ocupo plaza como profesor en la Escuela de la Universidad de Columbia de las Artes. Esta actividad docente la ha compaginado con su carrera como artista exponiendo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1986), el Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh (1991), y el PS 1 en Nueva York (2005), entre otras.

Representaciones de animales, seres surrealistas y antigüedades comparten el espacio narrativo con elementos digitales que dota de movimiento a la ultima instalación Mecaniques Discursives, creada por los artistas visuales franceses Jacquet Yannick y Fred Penelle.

A partir de un discurso donde el material exhibido crea un microcosmos, el visitante se convierte en un espectador que interpreta su propia versión en un escenario que se proyecta hacia delante ocupando el resto de la sala.

Mecaniques Discursives es la continuación de Paleodictyon una instalación de caracter especifico fruto de la colaboración con el artista digital Simon Geilfus y el compositor Thomas Vaquié. La obra perfomance digital fue creada para ser proyectada sobre la cubierta del museo francés Centro Pompidou Metz representada en el marco de la celebración de pasado Nuit Blanche en Metz, Francia.

Su proyecto conjunto consistió en crear un reino visual inquietante y decididamente contemporáneo, trascendiendo edades y modas. Desarrollaron un vocabulario sofisticado a la vez que osado y un tanto petutbador, en el que fusionaron el grabado y el arte digital más ecleptico. Se trataba de trabajar con diferentes conceptos de forma que el resultado fuera lo más espontáneo posible.

Sus obras en ocasiones aparte de dramas a medias plantean respuestas inadecuadas a problemas importantes como el aislamiento social las desigualdades sociales. A menudo pinta escenas con figuras que emprenden acciones inútiles y no relacionadas para remediar el problema inspirando humor y sátira, siendo un reflejo de mis preocupaciones generales como artista

Las obras se crearon en su mayoría in situ, adaptándose de forma natural a los sitios, paredes y espacios que las albergaban, y convirtiendo las limitaciones técnicas en una fuerza creativa. Después de haber mostrado su trabajo en más de setenta exposiciones, Fred Penelle y Yannick Jacquet cuyo resultados aparte de lo artístico permitieron crear una biblioteca a partir de la que abordar y estudiar el subconsciente del individuo a través del arte.

Aires industriales y orinicos son constantes en sus trabajos

Paleodictyon cuenta con una aplicación para el smartphone, que facilitan aquellos que la instalen la posibilidad de experimentar la pieza de nuevo, esta vez desde otras perspectivas y puntos de vista.

Mecaniques Discursives es una obra que formo parte del programa del festival de arte audiovisual Mirage de 2013, mezclaba la proyección y grabación de vídeo, es una especie de maquinaria tan mecanica como poética que se reproducia en las paredes a la manera de un cadáver exquisito, tomando como punto de partida el principio de la reacción en cadena.

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En los trabajos y colaboraciones de Jacquet Yannick los caminos están marcados por el deseo de renovar formatos tradicionales enriqueciendo el lenguaje visual utilizando el espacio y la luz como soportes de visualización.

¿Que impacto tiene sobre la salud el uso de las atracciones de feria?, partiendo de este planteamiento en teoría poco científico, el joven realizador Till Nowak escribió y produjo el falso documental Centrifuge Brain Project.

El protagonista de esta inusual cinta es un ingeniero llamado Nick Laslowick fundador del The Centrifuge Brain Project o ICR, que con sede en el estado de Florida se dedica a estudiar el efecto que tiene sobre la conducta y la cognición de las personas los parques de atracciones.

La cinta que combina imagenes reales y fragmentos realizados con herramientas digitales, es una seudoparodia de la metodología científica y sus motivaciones. El planteamiento del "experimento visual" consiste en tratar de observar y analizar aquellos parametros.

Implicados en los efectos que provoca el uso de las atracciones de feria sobre el sujeto. Cuestionando cómo su exceso lejos de suponer un beneficio puede perjudicar y provocar efectos negativos afectando de forma notable al usuario.

Centrífugo Brain Project es un proyecto visual que desde la ficción explora el dilema de que la tecnología y el ocio como sujetos nos aporte sólo beneficios.

Exhibida a los largo de todo 2.012 Centrifuge Brain Project que podéis ver íntegramente AQUI, ha sido galardonada en festivales de cine como el de San Sebastian, Moscu o Hamburgo. Montado con fragmentos de grabaciones realizadas en diferentes parques de atracciones desde la década de los años 70´s del siglo pasado. Cada atracción que se muestra posee unas especificaciones relacionadas con su diseño, suponiendo su experiencia una mejora para el usuario, dependiendo de sus características.

Las intervenciones urbanas del artista de origen francés WK Interact afincado en New York. Se tratan de actuaciones que precisan de grandes superficies, tanto las realizada en interior como las hechas en exterior.

Concebidas como pequeñas secuencias extraídas de un corto de animación. Sus trabajos hacen referencias a hechos históricos como la revolución Mexicana. O como en el caso de su ultima obra titulada Project Brave, donde se hace referencia a la heroica labor realizada por el cuerpo de bomberos de New York en el transcurso de los funestos acontecimientos acaecidos el 11 de septiembre de 2.011.

Su proceso de elaboración parte siempre del mismo elemento, el estudio y reproducción del cuerpo en movimiento. Con este objetivo en mente primero realiza una sesión fotográfica, en la que a través de diferentes tomas captura las acción, que posteriormente trasladaras a plantillas troqueladas o murales realizados sobre papel.

Otra de sus constates es la consecución de sus palimpsestos urbanos es la utilización del negro sobre el blanco, con los que consigue destacar los rasgos figurativos. Procedimiento de efecto expresivo resulta sobresaliente y a través de los que destaca aquellos elementos claves del mural ejecutado.

Aunque comenzo su carrera en su París, ha sido gracias a sus numerosos trabajos realizados en diferentes localizaciones de los Estados Unidos, donde su trabajo ha conseguído suscitar la atención de los medios y el gran publico, teniendo la oportunidad de contar con colaboraciones de estrellas del deporte, como el jugador de baloncesto de Los Ángeles Lakers Kobe Bryant.

WK nació en 1969 en Caen, Francia. Ha vivido y trabajado en Nueva York desde principios de la década de 1990. WK está interesado en la capacidad expresiva corporal. Sus pinturas de figuras congeladas en movimiento implica seleccionar un dibujo o fotografía original mientras se está fotocopiando, lo que da como resultado una paleta monocromática y una apariencia aerodinámica de momento en el tiempo de los motivos seleccionados.

Las voluptuosas formas de las ilustraciones del diseñador freelance Denis Zilber, tienen algo de caricatura y naif.

Que recuerdan a los personajes clásicos de la animación de creadores como Walt Disney o Hanna Barbera. En su extensa trayectoria ha realizado trabajos cinematográficos, editoriales, diseño gráfico, publicidad, animación...

Para la realización de sus ilustraciones suele recurrir a programas de edición digital con los que realiza numerosas pruebas de un mismo trabajo.

Nacido en la ciudad de Minsk (Rusia) reside en Tel-Aviv (Israel), donde se traslada de niño con sus padres. De formación autodidacta es en su nuevo hogar donde descubre su pasión por el dibujo gracias a la actividad artística de sus padres.

Denis Zilber ed un ilustrador freelance y narrador visual con más de 16 años de experiencia profesional. Que trabaja en una amplia variedad de campos artísticos, incluyendo publicidad, ilustración editorial y de libros infantiles, videojuegos y juegos de mesa, diseño de personajes para animación y películas.

Denis Zilber a menudo se muestra en sus trabajos como un iconoclasta, con composiciones y dibujos poblados por personajes desproporcionados que cariturizan su expresividad.

Durante los últimos años ha tenido la suerte de trabajar con importantes revistas como GQ, FHM, Maxim, Playboy, Blazer, The Pitch, Russian Life, National Georgraphic y periódicos como Yedioth y Maariv. También ha participado en proyectos de trabajar con grandes estudios de animación como Hasbro Animation, Nickelodeon, Rythm and Hues, Eevolver.