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100architects, el espacio publico y su capacidad expresiva


En mas de una ocasión he tenido la oportunidad de encontrarme con las estimulantes intervenciones urbanas del estudio de arquitectura 100architects, proyectos donde el espacio publico se convierte en el principal protagonista.

A través del que adoptan un rol donde los elementos lúdicos, tanto los que componen el mobiliario como los que forman del grafismo de las calles, abandonan su carácter formal y paternalista al que estamos acostumbrados.

Para formar parte de un entorno creativo y dinámico que contribuye a reducir el estres social. Actuando sobre valores asertivos y por lo tanto fomentando una conducta ciudadana mas cívica donde la comunicación del sujeto con su entorno mas próximo, fluye eliminando barreras no solo físicas sino sociales.



ESTÉTICA Y CREATIVIDAD COMBINADA CON TRADICIÓN
 
Fundado en Shanghai donde desembarcan a mediados de la década pasada, enseguida se dan cuenta de que se encuentran en el sitio mas propicio donde experimentar nuevas estrategias. Tomando el pulso a una ciudad febril y en plena expansión, donde la tensión entre la tradición y la modernidad se encuentra en pleno apogeo suponiendo a la vez un desafío y una oportunidad.

Donde la planificación del territorio se debe realizar a partir de humanizar, tanto su gestión como su estética. Para ello consideran que la mejor formula que se puede aplicar es la que nos vincula directamente a nuestra capacidad expresiva.

Con este objetivo en mente crean una batería de tecnicas que se nutren, por una parte tanto de la observación in-situ de lo que denominan conducta social en un contexto emotivo. Como de diferentes corrientes artísticas, que tras ser extrapoladas al ámbito urbano.

Un espacio cuyas dimensiones según ellos a pesar de sus aparentes rigideces, se presenta ante sus ojos como una superficie cuya estructura y arquitectura es ductil y altamente moldeable. Al mismo tiempo que cretivo, pudiéndose desarrollar diferentes ecosistemas yuxtapuestos e hibridos dependiendo de los objetivos deseados.



GEOMETRÍAS Y COLORES VIVOS PARA UNA CIUDAD DINÁMICA

Que se manifiestan a traves de diferentes plataformas donde dependiendo de su diseño y función se crean una sinergias especificas. Diferencias de texturas, tonos y criterios aplicados que se pueden constatar, a través de lo que considero son sus tres proyectos mas representativos hasta la fecha.


Pudiéndose constatar una evolución a la hora de abordar las diferentes especificaciones del lugar sobre el que se va a operar. Por ejemplo en su encargo de 2014 titulado Bellas Artes, transforman uno de los principales de comunicaciones en Santiago de Chile.

En un espacio donde las ópticas comunes interactúan. Pasando de ser un simple equipamiento publico que utilizan decenas de miles de usuarios, para desplazarse cada jornada, a adoptar un papel por el que el usuario encuentra elementos tanto de descanso como de entretenimiento y de información publica que maximizan su utilidad en un contexto publico.


La plataforma de arquitectura urbana 100architects amplia los usos del espacio publico, introduciendo elementos lúdicos. A partir de lo que crear nuevas identidades estéticas urbanas, producto de conservar elementos heredados y nuevas practicas expresivas.


Propiedades que comparten con sus dos ultimas propuestas en la ciudad china de Jiading. Una inconclusa como la de Ground Market. Y que tiene como marco una zona comercial donde se trata de armonizar su carácter tradicional, con la incorporación de elementos que permiten la organizacion de otros eventos mas festivos.

Constante a la que incorporan el elemento del juego, como en la ultima propuesta que destaco. Un proyecto que a través del diseño de un parque lineal urbano, que convierte el principal centro financiero de la ciudad, en una suerte de patio de recreo donde a través de una selección de tonos rojos.


Se representan diferentes juegos populares tanto clásicos como actuales, añadiendo algunas muestras deportivas. Actividades facilmente reconocibles y que por lo tanto crean un fuerte sentimiento de comunidad entre sus usuarios y un espacio infrautilizado.

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Maud Le Car, Surf y Arte


La practica del Surf no deja de tener un componente creativo importante, el surfista traza sobre las olas diferentes trayectorias. Utilizando movimientos corporales con los que desliza con su tabla sobre las olas del mar.

Dibujando a través de ejercicios más o menos complejos parabolas, que si se pudieran trasladar a un formato físico donde se pudieran como por ejemplo a una cuartilla o un lienzo. Más allá del efecto abstracto del resultado, en muchos casos no dejaría de maravillarnos.

De hecho ha habido algún meritorio intento últimamente personificado por la figura, de ni más ni menos que Shepard Fairday (Obey) en términos artisticos. Que aparte de ser uno de los artistas urbanos más conocidos a nivel global.

Ha demostrado que aparte de ser un seguidor del surf, es un consumado practicante del deporte de las olas. Que libero una serie de laminas serigrafiadas, a través de las que trataba de mostrar su fervor por las tablas y compartirlo con sus numerosos fans.   


Utilizando como lienzos la superficie de las tablas que le regalan sus fans y amigos, en ellas representa simbolicamente su universo a través del surf, devoción que la muestra a través de formas creativas. 


Por eso no es de extrañar que haya surfistas profesionales como la Francesa Maud Le Car en cuya carrera ha logrado compaginar, alternando sus citas en la alta competición. Con otras de sus grandes pasiones como es el arte. 

Acercamiento creativo a través del que practica ha desarrollado una solida trayectoria. Que ha perfeccionado a través de cientos de diseños elaborados casi de forma artesanal, y los cuales se puede adquirir o encargar directamente entrando en la tienda online, a la cual se puede acceder directamente a través de su sitio web. 




Y en cuyas obra compuesta por cuadros y murales principalmente, realizados en tonos cálidos y realizados en su mayoría aplicando disoluciones cuya base princpal esta compuesta por acuarelas. Están plagados con múltiples motivos que hacen referencia al medio acuático que ella domina y conoce tan detalladamente que combina con retratos que se caracterizan por un estilo donde se fusionan los elementos Pop con una galería de personajes femeninos iconicos y fuertes a la vez.


Wang Yue, ha creado un zoo urbano pintado en los arboles


En mayor o menor medida todos los que residimos en una gran ciudad, tenemos relación con un paisaje donde los arboles están presentes. Aunque debido al estres al que estamos sometidos no solemos reparar en su presencia y contemplación.

Sin embargo la estudiante de arte Wang Yue en sus trayectos hacia a la academia donde esta finalizando sus estudios, si sopeso la posibilidad de utilizar el interior de los huecos que revelan la superficie de la corteza cuando se abre. Para utilizarlos como un medio expresivo donde anidar diferentes especies de animales que en condiciones normales no solemos ver.

Este particular zoo urbano realizado en colaboración con su amiga Liu Yu actúa como una reserva animal, donde los troncos de los arboles se convierten en lienzos de expresión en el ámbito publico. Expuesto a los ojos de cualquiera son el expositor idóneo desde el que capturar emociones.



Equipada con una mochila con algunas herramientas básicas de pintura, Wang trata los troncos de los árboles como su lienzo particular y crea postales naturales. Eligiendo mantener la belleza de la naturaleza en sus paisajes sobre la madera expuesta. 

Definidas por su autora con el nombre de Maitu (hermoso viaje o bella imagen), se tratan de intervenciones que utilizan elementos naturales como un medio de desde el transmitir ideas

Cada intervención obedece a un concepto que la autora denomina como Meitu (un juego de palabras que se traduce como "viaje hermoso" o "imagen hermosa"). Y que en terminos creativos se podria resumir en el deseo de explorar las posibilidades creativas del paisaje. Cada pintura toma alrededor de dos horas, aunque el proceso en conjunto toma un poco más de una semana.

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El diseñador Thomas Yang se inspira en la bicicleta para crear productos creativos y exclusivos



Creativo de profesión Thomas Yang es un apasionado defensor del uso de la bicicleta como medio de desplazamiento. Utilizándola cada día para cubrir la distancia que hay entre su domicilio y su estudio en Singapore.

En una de esas muchas mañanas, de camino al trabajo se percato de las múltiples aplicaciones técnicas y creativas que poseía. Un potencial que ha volcado en un proyecto que ha llamado 100 Copies

Plataforma a través de la que Thomas crea productos exclusivos a precios muy económicos y asequibles para casi cualquier bolsillo. Ofreciendo a sus clientes toda una gama de regalos realizados a partir del universo de la bicicleta.


Por ejemplo las huellas que dejan las llantas sobre la carretera, le ha servido como cenefa con las que ha realizado originales reproducciones, de algunos de los edificios mas emblemáticos y reconocibles por todos, por lo que es sencillo identificarse con sus propuestas.


100 Copies diseña productos creativos cuyo detonante e inspiración se basa se basa en la rica y variada cultura de la bicicleta. Aunque también trabaja  en otros ámbitos y con otros motivos, es su pasión por el uso de la bici por lo que este joven estudio ha conseguido crearse un nombre propio dentro de la industria.


Impregnadas en tinta a intervalos, las huellas de las llantas las cuales dejan su trazados sobre papel reciclado, dejándolo reposar unos minutos. Posteriormente realiza copias con una impresora offset, obteniendo litografías de gran calidad y textura.

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100 Copies es un proyecto que a partir del vinculo que existe entre los lugares y los materiales y su influencia en el origen y la fabricación de la bicicleta. Nos muestra sus cualidades desde una óptica creativa. En áreas tan diversas como la decoración, el textil, el diseño de complementos etc...




Numen/For Use - String Prototype, orientandose dentro de un cubo que simula el espacio


Pese a la frenética actividad del estudio de diseño y vanguardia urbana Numen/For Use, y a la contrastada calidad de sus proyectos. Algo que se puede constatar revisando alguno de los proyectos que forman parte de su extenso y variado portfolio.

Hacia mucho que no nos sorprendían, algo que por otro parte y conociendo su trayectoria se nos antoja osado. Pero con su ultima instalación titulada String Prototype, han conseguido de nuevo elevar su listón creativo. Ofreciéndonos participar en una propuesta inmersiva a través de la que podemos poner a prueba nuestras hanilidades espas¡ciales. 

Añadiendo a sus característicos volúmenes inflables. Un andamiaje interior formado por cables rígidos. El cual como usuarios utilizamos para recorrer el espacio interior aislado del interior, tratando de perder el equilibrio ayudándonos de los cordones que están tendidos a modo de guia.


Estos cables que cruzan en ambos sentidos el plano interior permiten recorrer la totalidad del recinto acolchado, que en esta ocasión es un cubo de grandes dimensiones. Por cuyo interior el usuario camina sin la necesidad de apoyarse en las paredes del cubo que las mantiene rígidas. 


Suponiendo una experiencia en la que el usuario explora el espacio prescindiendo de los elementos arquitectónicos con los que habitualmente se relaciona.

Realizada para una exhibición organizada en la ciudad de Viena en Diciembre de 2013, String Prototype propone como en otros muchos proyectos de sus autores. El estudio de los efectos que produce el entorno sobre el individuo y de su capacidad de adaptación tras un periodo de aprendizaje.



U-Ram Choe, naturaleza en movimiento cinético


 
El arte cinético presenta en su ejecución una fuerza visual que encandila al espectador, los diferentes elementos que lo componen deben estar diseñados de forma minuciosa, para que en funcionamiento estén perfectamente coordinados. 

Las instalaciones realizadas por el artista coreano U-Ram Choe representan escenas de la naturaleza en la que los movimientos elegantes de sus figuras, nos trasladan a mundos oníricos, donde el componente visual se aproxima a una variante del surrealismo que enriquece la acción narrativa.

Choe utiliza diferentes metales, motores, engranajes, incluso las placas de CPU personalizadas para controlar los movimientos precisos de cada escultura. Aunque se ha especializado en intervenciones a gran escala, también cuenta con una amplia muestra de pequeñas piezas donde el gusto por los detalles es destacable desde el punto de vista artístico.

PLASTICIDAD CYBORG DE VUELTA A LOS ORÍGENES DE LA POETICA

Choe que de niño ya mostró querencia por las manifestaciones artísticas, no en vano creció en una familia donde sus progenitores eran escultores. Sin embargo fue su relación con su abuelo con formación científica, la que influyo en su maduración como artista.

Las obras de U-Ram Choe describen con un lenguaje aparentemente corporal y orgánico basado en materiales como acero inoxidable, el latón o el aluminio. El rendimiento físico de la materia y su movimiento, explorando los limites de la morfología evolutiva. Para bautizar a sus creaciones emplea nombres latinos inspirados por las tradiciones lingüísticas de la nomenclatura científica. 


Como autómatas complejos las esculturas amorfas expresan de manera refinada a través simulaciones, que respiran con el movimiento evocando la ingravidez de las coreografías acuáticas, o de las exhibiciones de los cortejos rituales ejecutadas por diferentes especies de aves.


 

Random International - Rain Room, una instalaccion que te permite experimentar la tormenta perfecta


Cuantas veces has tenido que acelerar el paso ante la amenaza de los primeros goterones de lluvia y buscar refugio evitando calarte hasta los huesos.  En esas situaciones desearías que existiera alguna forma de evitar esa desagradable sensación de vulnerabilidad.

 
Independientemente de lo que hagas la humedad acaba haciendo acto de presencia teniendo que resignarte ante sus inescrutables designios. Ocupando una superficie de 1.700 metros cuadrados, la instalación Rain Room creada por el estudio postdigital Random International reproduce la tormenta perfecta. 

La instalación a la que pueden acceder un máximo de ocho personas por turno  emplea cámaras de seguimiento 3D, baldosas moldeadas por inyección y un sistema de reciclaje de agua. La instalación sigue los movimientos de forma interactiva, apagando y activando alternativamente cada aspersor dependiendo de la ubicación en la que que te encuentre.


Se aconseja marcar un ritmo más lento que el de los sensores. El sofisticado sistema se compone de una compleja red de reguladores de presión, válvulas de solenoide y sensores.



Rain Room es una experiencia creativa e inmersiva, que crea la sensación de estar en el centro de una tormenta en la que pese a la frecuencia del agua que se precipita desde los aspersores tu no te mojas. Aunque los sensores realizan un seguimiento de sus movimientos.


El suelo de rejillas permite el reciclaje de agua constante optimizando al máximo los recursos empleados. Rain Room que se puede visitar hasta el próximo 28 de Julio, esta instalada en el Museo de Arte Moderno de New York. 


JUMP INTO THE FUTURE:

En 2020 y pese a los retrasos producidos por el Covid-19, se presentó la versión actualizada de Rain Room en el centro Jackalope Art Collection de la ciudad Australiana de Auckland.  Con casi cien metros cuadrados de superficie en la intervención se pontenciaba los elementos multisensoriales.