Nomada Q : collage

collage

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Existen múltiples formas de contar una misma historia, dependiendo del lenguaje narrativo que se emplee para transmitirla ya se visual, escrito o auditivo la percepción y estímulos provocaran una interpretación cuando menos subjetiva que canalizados sensorialmente puede provocar en el receptor una diversidad de emocione casi infinita.

Nacida en San Petersburgo en tiempos de la antigua U.R.S.S, la artista Ekaterina Panikanova con sede actualmente en Roma, fue una artista precoz que a la temprana edad de cinco años ya había participado en su primera exposición colectiva por el Hermitage.

Crea collages a partir de los que desarrolla un metalenguaje visual propio, en el que las historias contenidas en los libros que hacen de lienzos, se extrapolan graficamente mediante grabados o ilustraciones realizados a tinta. Las piezas de Ekaterina logran transmitir una atmósfera bohemia cargada de lirismos, donde el expectador hilvana su propia historia.

Compuestos por miles de fotografías equivalentes a otros tantos momentos, los trece collages seleccionados para la serie Diorama Map, son el resultados de los viajes realizados por su autor el artista japones Sohei Nishino en el transcurso de los últimos diez años.

La muestra representa fragmentos del urbanismo realizados a vista de pájaro. La colección que se exhibe actualmente como parte de las actividades de la ultima edición de la feria Pulse Art que se celebra en New York.

Y que congrega a numerosos expositores y galeras de arte tanto de la ciudad como del extranjero. Se presenta en formato fotográfico de grandes dimensiones. Lo que permite al visitante sumergirse en cada uno de los cuadros reparando en cada uno de los miles de detalles que contiene cada obra.

SOHEI HACE FOTOGRAFÍAS QUE MAPEA CONVIRTIENDO EN DIBUJOS A GRAN ESCALA.

Aunque muchas de las fotografías están realizadas en color, ha sido necesario tratarlas en blanco y negro dándoles un aire retro, donde las sombras de los elementos mas significativos de cada ciudad seleccionada para la serie transmite un aire de nostalgia.

Su primer proyecto tuvo como referencia su ciudad natal de Osaka. En 2005, tras vagar por la ciudad durante un mes, disparó más de 150 rollos de película, a lo que añadió tres meses más reconstruyendo las imágenes de calles y edificios.

Empleando como herramientas unas tijeras y pegamento dando forma a la ciudad como la recordaba. Aunque una parte importante de la colección esta compuesta por ciudades localizadas en el sureste asiático, área que su autor Sohei conoce bien también ha tenido tiempo de retratar en su viajes ciudades de otros continentes, como Estambul, Paris, Rio de Janeiro o Jerusalen la única representante del continente africano.

La artista Shannon Rankin busca encontrar conexiones entre la cartografía tradicional, la anatomía humana y la botanica. Construyendo una narrativa similar a la de un collage de imagenes.

Una combinacion cuyos elementos visuales contemplados como mapas con ilustraciones anatómicas y formas naturales incrustadas funcionan muy de cara al espectador, que explora los diferentes órganos del cuerpo humano.

Siendo como un viaje en el que paisaje lo conforman arterias, neuronas, sinapsis... Así como los diferentes órganos que lo hacen funcionar. Representados todos y cada uno de ellos como si fueran los accidentes topográficos que se pueden identificar en cualquier mapa.

Shannon desde su estudio en el condado de Rangley en el estado norteamericano de Maine, muestra el funcionamiento vital del cuerpo humano, utilizando analogías como las cadenas montañosas, lagos, senderos y corrientes fluviales...

Convirtiéndolas en metáforas visuales de características biológicas, la anatomía reproductiva y las estructuras esqueléticas. Cuya exploración nos acerca de una forma lúdica a la vez que creativa a la esencia de lo que nos constituye como humanos.

Los toponimos de las ciudades se convierten en puntos de acupuntura y meridianos, los ríos representan un sistema interno de comunicación. Los patrones geométricos hacen referencia a diferentes estados de animo, lo que sugiere la posibilidad de un paisaje más amplio. El carácter efímero de los mapas, hablan de la fragilidad y el estado transitorio de nuestra vida y nuestro entorno.

A pesar de que ya sabes lo que te vas a encontrar por precedentes entregas, cada "nueva" remesa de fotografías mixtas, del ilustrador y artista digital de origen belga Ben Heine, es devorada por sus cada vez mas numerosos seguidores como si fueran una autentica novedad.

Quizás sea el entusiasmo y simpatía que desprenden, todas y cada uno de sus trabajos, además del efecto visual. Que supone el contraste de ver los trazos dibujados que representan escenas silvestres en los que la figura central es el alguna especie salvaje, combinada como si fuera un collage añadiendo parcialmente la version fotografíca. Dando como resultado trabajos realmente sorprendentes y cautivadores que suscitan admiración y los que a veces posa el propio Ben utilizando como set algún chroma de fondo.

En este post hemos seleccionado los montajes digitales que hacen referencia al reino animal, en los que los que ejemplares de las diferentes especies dibujados a lápiz sobre los escenarios reales de las fotografías, nos ofrece una perspectiva sobre su comportamiento siempre con una sonrisa.

Ben creció en la ciudad de Abidjan, Costa de Marfil. Allí vivió 7 años, junto con sus padres y sus 3 hermanas. Su padre era un ingeniero comercial y su madre una profesora de Jazz y de danza moderna. Todo cambió cuando la familia regresó a Bruselas en 1990. Ben se convirtió en un niño problemático y exigente.

En 1994, descubrió por primera vez que su energía, sus miedos y sus inquietudes se podían canalizar a través de proyectos visuales y creativos, lo que supuso el comienzo de una carrera artística en la que el dibujo y la pintura como principales disciplinas.

Ben tiene una licenciatura en Periodismo que curso entre Université Libre de Bruxelles y la IHECS en Bélgica y la Universidad de Utrecht de Ciencias Aplicadas en los Países Bajos. También estudió Historia del Arte, Pintura y Escultura en la Hastings College of Arts & Technology en Inglaterra. Además es un autodidacta en el dibujo y la fotografía.

Su trabajo esta notablemente influenciado por el surrealismo belga, el expresionismo alemán, arte pop americano, y el realismo social. La naturaleza representa para Ben una parte muy importante en su vida. Muchas veces pasa días o semanas caminando en las áreas vacías, bosques, desiertos o montañas, en busca de la paisajes increíbles que poder seleccionar para sus composiciones en los que encuentra el equilibrio y la inspiración.

La personalidad de un individuo es como las múltiples capas de piel de una cebolla, cada pliegue se traduce en un rasgo particular de una persona, conductas que determinan nuestras relaciones tanto en lo afectivo, como en lo intelectual y lo profesional.

Virtudes y defectos que a lo largo de su vida se repiten completando un ciclo en un ejercicio de reciclaje que le enriquece. El artista Patrick Bremer aplica la técnica del collage a sus retratos. Empleando recortes de periódico, crea retratos con múltiples capas de papel reciclado.

En los que cada tira de papel corresponde a un estado emocional experimentado por el sujeto a lo largo de vida. La obra transmite una sensación tanto de la violencia en los trozos gruesos combinados con una meticulosidad que los resultados de los retratos humanos muy detalladas o escenas.

Patrick Bremer nació en Brighton UK en 1982. Estudió pintura en Wimbledon College of Art en Londres. Su trabajo principalmente se centra en la figura y el retrato, al óleo o collage. En 2007 ganó el Premio Fundación DeLazlo por sus retratos en The Mall Galleries de Londres.

Aunque su retratos destacan fragmentados destacan por su luminosidad en otro contexto pueden recordar pueden recordar, a artistas mas barrocos y crudos como Lucien Freud o Ron Mueck.

Los collages de Bremer se adentran a menudo en el surrealismo. Surgiendo escenarios oníricos que desdibujan los límites entre la realidad y la imaginación. Su obra invita al espectador a adentrarse en estos mundos alternativos y a cuestionar sus propias percepciones.

Me pregunto si el artista Italiano se vera obligado a pagar derechos de autor, por utilizar la imagen de algunos de los iconos del arte de la animación del siglo XX, para realizar sus irreverentes caricaturas de dictadores genocidas, deidades e imagenes monoteístas y mascotas del consumo de masas y comida rapida.

Ejercicios iconoclastas que este outsider y elefant terrible de la cultura Pop más irreverente y de la forma bizarra posible. asocia con acontecimientos que representan hechos históricos, de los que como seres racionales nos tendrían que hacer reflexionar.

O al menos de los que tendríamos que guardar una memoria más o menos aproximada. Algo que lamentablemente no siempre sucede asi, provocandonos lapsus de anexia colectiva. Que lejos de ser casuales no parecen que queremos ignorar o directamente tergiversar determinados aconcentimientos historicos.

Que por su trascendia y connotaciones socio-politico deberíamos tratar de conservar en nuestra memoria colectiva sin ambigüedades. Y que Max de forma incisiva ya se encarga de recordarnos esta impostura devolviendonos un poco de la perspectiva perdida que tenemos sobre la realidad.

Un equilibrio necesario, al que el, por otra parte le añade ciertas dosis de humor, un tanto cáustico si se quiere. A medio camino entre la caricatura destinada a la sección de humor de cualquier rotativa y el periodismo de investigación.

Fue a raíz de cuando intervino realizando un gran mural a gran escala sobre una fachada de un edificio en el centro de Poznan en Polonia, accion activista que lo proyecta en la escena global.

El artista Max Papeschi, haciendo gala de una acidez y humor sardónico. Nos muestra sin tapujos cual el proceso por el que la mas cruda realidad se suele tamizar, para que nos resulte mas fácil de digerir.

Después de una experiencia como autor y director de teatro, televisión y cine, Max Papeschi se inicia con el arte digital. Como artista figurativo su acercamiento con el mundo del arte tuvo éxito inmediato entre los críticos y el público.

Su trabajo políticamente incorrecto muestra una sociedad globalizada y consumista, y pone de manifiesto de una manera irónica realista tanto lo positivo como lo negativo de nuestros hábitos de vida. Así como de nuestros temores y nuestras incertidumbres.