Nomada Q : collage

collage

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Perfecto conocedor de la realidad de su país y de las de las siniestras causas e intereses económicos, por los que el pueblo Syrio esta siendo masacrado provocando una diáspora entre su población.

Formada por millones de desplazados. El artista Tammam Azzam retrata todas las aristas de un conflicto poliédrico. Que describe utilizando como materia prima las ruinas y cascotes de un paisaje desolador, para transformarlos en simbolos a través de los que cicatrizar las profundas heridas que se están infringiendo

A una de las culturas mas antiguas del mundo siendo. Nacida a orillas de la cuenca del río Eufrates, considerada su territorio una de la cunas de la civilización. Formada por fotografías realizadas in-situ o cedidas por otros autores, los trabajos de Tammam refuerzan visualmente aquellos elementos de un paisaje humano y político y el difícil contexto social por el que están pasando.

Así como las consecuencias de este estrés cuyos efectos van mucho más allá de lo visible. En este sentido cada trabajo Tammam del que ya hablamos AQUI, es una composición retocada digitalmente donde la inmediatez en el mensaje y los hechos que narra deja noqueado al espectador dejando poco margen para retórica y la ambiguedad.

Los collages digitales del Tammam Azzam provoca que se cuestionen las causas de una guerra y sus numerosas preguntas sin contestar. En un trabajo donde yuxtapone imagenes actuales con referencias a iconos de la cultura Occidental que en conjunción reflexionan sobre las verdaderas "razones" de las diferentes partes implicadas en el conflicto.

Percepción que se acentúa gracias a la incorporación de vistas parciales de algunas de las obras mas importantes de la historia del arte de autores. Como Goya, Klimt o Van Gogh y algunas de sus más célebres obras como la Los horrores de la guerra, El Beso, La Noche Estrellada, transformando el mensaje de la pintura original. Pues los márgenes en los que se mueve Tamman son los dictan los acontecimientos de los que es testigo.

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Los collages fotográficos realizados por el fotógrafo italiano Andrea Costantin, nos muestra sujetos retratados donde se fusiona lo urbano, su arquitectura y los rasgos de sus protagonistas en una nueva epifanía renancestista.

Cada fotografía refleja un estado de animo diferente humanizando mediante reacciones emocionales de los lugares y sus características arquitectónicas, fotografías que realizan las veces de diagnostico causa y efecto del entorno sobre sus habitantes y de la forma que influye sobre su percepción del mismo.

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Utilizando recursos oníricos los elementos surrealistas definen una ciudad que brota del subconsciente en un deseo por vivir en un lugar diferente, producto de su idealización

Afincado en la capital de Ucrania, el director artístico Alexey Kondakov, compagina sus encargos para una diversidad de medios con la realización de collages, gracias a los que ha obtenido cierta notoriedad y repercusion.

Donde fusióna entornos urbanos y domesticos con las que una mayoría de público se puede identificar inmediatament. Con narrativas visuales con las que nos traslada a los siglos de movimientos pictóricos como el Barroco o el Gótico.

Es esta combinación entre lo clásico y lo contemporáneo lo que suscita la sorpresa dibujando una mueca de desconcierto, a la vez que la admiración. También destacar y agradecer ese matiz de movimiento que añade a cada trabajo.

Leve instante de acción que nutre la imaginación, transformando totalmente el contexto del cuadro y su simbolismo original. En el que el formato empleado y su lenguaje, no sólo actualiza el mensaje original de la obra, realizada hace cientos de años atras.

Sino que corrobora el acierto que supone incluir personajes recortados de algunas de las obras mas reconocidas pertenecientes al arte figurativo clásico, en fondos, que en muchos casos debido a sus características resultan distopicos.

Titulada Art History in Daily Life, la serie de collages se caracteriza por poseer el don de la ubicuidad, y por transmitir una fuerza visual que desborda los sentidos.

Serie de licencias creativas con las las que logra cautivar la mirada del espectador, gracias a efectos visualmente que técnicamente están notablemente ejecutados. No resultando escesivamente dramáticos ni epicos. No resultando en ningún momento excesivamente efectista ni pomposo.

Creande el contraste de atmósferas justo a través del que estimular la imaginación del observador. Que en una misma obra tiene la oportunidad de contemplar dos épocas diametralmente opuestas.

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Realizado en el marco de la ultima edición de la muestra de arte urbano Urban Nation celebrada en 2.014. Cuyo proyecto principal llamado One Wall Project, consistía en utilizar la fachada del edificio que acoge las instalaciones Fluxfm en Berlin.

Convirtiéndole en un descomunal collage, el mural autoría del artista Handiedan, nos traslada en el tiempo al Berlin mas cabaratero y bizarro. Se trata de una intervención de carácter monumental y de ejecución que viste la superficie del edificio teniendo en cuenta su estilo arquitectónico.

El boceto original diseñado por secciones previamente con la ayuda de un ordenador, el mural es el resultado de la combinación de estilos. Papel y pintura dan forma a una figura de una mujer a gran escala que se proyecta sobre la calle produciendo un efecto muy dinámico y expresivo.

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Como una llamarada que incendia la calle, los colores vivos con los que esta pintado se integra en el paisaje urbano de la zona

La gastronomía y los ingredientes de origen local con los que se elaboran, cada vez están mas presentes como aliciente turístico en las mejores guias del mundo. El paladar y la degustación de los mas exóticos platos como punto de partida mediante los que conocer la cultura y el carácter de un país.

Es el punto de partida de la serie de collages gastronómicos que ha creado el fotógrafo Henry Hargreaves. En los que ha sustituido los accidentes geograficos y sus elementos geológicos, por los diferentes ingredientes que tradicionalmente se relacionan con su país de origen.

La selección titulada Food Maps representa desde el punto de antropológico el mapa de cada país o zona geográfica, en donde se puede asociar visualmente aquellos ingredientes por los que tradicionalmente son reconocidos y que forman parte de su identidad.

Realizada en colaboración con la experta en dietética Levin Caitlin. La idea surge como resultado de los numerosos viajes realizados por los dos, y de como esas experiencias les han nutrido como personas, habiéndoles proporcionado una visión del mundo en el cual viven mucho mas amplia y variada.

En la serie titulada Food Maps, como en otros proyectos de Henry aborda los ingredientes que conforman nuestra dieta como una manera creativa de describir el mundo en el que vivimos.

Henry crecio en la ciudad de Christchurch, Nueva Zelanda completando su ciclo formativo desde desde la pre-escuela hasta universidad allí. La fotografía siempre fue un pasatiempo en su vida, pero nunca penso que se dedicara a ella profesionalmente. Fue cuando tras dejar su puesto en la industria alimentaria y comenzo a trabajar en la moda a principios de este milenio que contemplo la practica de la fotografia como un acto creativo que se podia aplicar a otros ambitos como la gastronomia.

Los collages realizados por The Lost Object nos describe una arquitectura donde la geometría componen formas cubistas, siguiendo un patrón de secciones que configuran un sucesión ordenada de colores y texturas que se corresponde con diferentes tipologías urbanísticas.

Para su realización se emplea materiales de reciclaje seleccionados por formas, origen y colores, con los que a modo de de piezas que formaran parte de un puzzle, TLO va situando sobre un bastidor de madera que hace de guia o mapa hasta completar cada obra.

Aunque en sus obras emplea predominantemente restos de madera que tras darles la forma y dimensiones deseadas sirve como material de construcción. Objetos domésticos como vajillas de loza, piezas de engranaje, cuerdas o tornilleria sirven para ofrecer paisajes que transmiten a través de una gama de vivos colores sensaciones optimistas.

Muchos de los proyectos de Hyland Mather fundador de este singular proyecto y natural del estado norteamericano de Oregon, en el que ha pasado buena parte de vida desde que naciera en 1971, parecen composiciones pictóricas que a mi me recuerdan a las pinturas cubistas de artistas como Joan Miro.

Las propuestas del estudio The Last Object se nutre de materiales reciclados, con las que su autor realiza paisajes completando que tiene su origen en los pliegues de la memoria del territorio en el que ha cedido.

Quizas sea por su forma de representar el paisaje reconstruyendolo a partir de objetos que ya en principio carecían de utilidad lo realmente conmovedor de las obras de Mather. Y que su autor contempla como un proceso a traves del que puede meditar mientras incorpora todos y cada uno de los motivos. Que finalmente daran contexto a cada de sus proyectos, que a su vez se nutren de otros muchos materiales mucho mas livianos como el papel, con los perfila las partes mas delicadas de cada obra.

Existen múltiples formas de contar una misma historia, dependiendo del lenguaje narrativo que se emplee para transmitirla ya se visual, escrito o auditivo la percepción y estímulos provocaran una interpretación cuando menos subjetiva que canalizados sensorialmente puede provocar en el receptor una diversidad de emocione casi infinita.

Nacida en San Petersburgo en tiempos de la antigua U.R.S.S, la artista Ekaterina Panikanova con sede actualmente en Roma, fue una artista precoz que a la temprana edad de cinco años ya había participado en su primera exposición colectiva por el Hermitage.

Crea collages a partir de los que desarrolla un metalenguaje visual propio, en el que las historias contenidas en los libros que hacen de lienzos, se extrapolan graficamente mediante grabados o ilustraciones realizados a tinta. Las piezas de Ekaterina logran transmitir una atmósfera bohemia cargada de lirismos, donde el expectador hilvana su propia historia.

Compuestos por miles de fotografías equivalentes a otros tantos momentos, los trece collages seleccionados para la serie Diorama Map, son el resultados de los viajes realizados por su autor el artista japones Sohei Nishino en el transcurso de los últimos diez años.

La muestra representa fragmentos del urbanismo realizados a vista de pájaro. La colección que se exhibe actualmente como parte de las actividades de la ultima edición de la feria Pulse Art que se celebra en New York.

Y que congrega a numerosos expositores y galeras de arte tanto de la ciudad como del extranjero. Se presenta en formato fotográfico de grandes dimensiones. Lo que permite al visitante sumergirse en cada uno de los cuadros reparando en cada uno de los miles de detalles que contiene cada obra.

SOHEI HACE FOTOGRAFÍAS QUE MAPEA CONVIRTIENDO EN DIBUJOS A GRAN ESCALA.

Aunque muchas de las fotografías están realizadas en color, ha sido necesario tratarlas en blanco y negro dándoles un aire retro, donde las sombras de los elementos mas significativos de cada ciudad seleccionada para la serie transmite un aire de nostalgia.

Su primer proyecto tuvo como referencia su ciudad natal de Osaka. En 2005, tras vagar por la ciudad durante un mes, disparó más de 150 rollos de película, a lo que añadió tres meses más reconstruyendo las imágenes de calles y edificios.

Empleando como herramientas unas tijeras y pegamento dando forma a la ciudad como la recordaba. Aunque una parte importante de la colección esta compuesta por ciudades localizadas en el sureste asiático, área que su autor Sohei conoce bien también ha tenido tiempo de retratar en su viajes ciudades de otros continentes, como Estambul, Paris, Rio de Janeiro o Jerusalen la única representante del continente africano.

La artista Shannon Rankin busca encontrar conexiones entre la cartografía tradicional, la anatomía humana y la botanica. Construyendo una narrativa similar a la de un collage de imagenes.

Una combinacion cuyos elementos visuales contemplados como mapas con ilustraciones anatómicas y formas naturales incrustadas funcionan muy de cara al espectador, que explora los diferentes órganos del cuerpo humano.

Siendo como un viaje en el que paisaje lo conforman arterias, neuronas, sinapsis... Así como los diferentes órganos que lo hacen funcionar. Representados todos y cada uno de ellos como si fueran los accidentes topográficos que se pueden identificar en cualquier mapa.

Shannon desde su estudio en el condado de Rangley en el estado norteamericano de Maine, muestra el funcionamiento vital del cuerpo humano, utilizando analogías como las cadenas montañosas, lagos, senderos y corrientes fluviales...

Convirtiéndolas en metáforas visuales de características biológicas, la anatomía reproductiva y las estructuras esqueléticas. Cuya exploración nos acerca de una forma lúdica a la vez que creativa a la esencia de lo que nos constituye como humanos.

Los toponimos de las ciudades se convierten en puntos de acupuntura y meridianos, los ríos representan un sistema interno de comunicación. Los patrones geométricos hacen referencia a diferentes estados de animo, lo que sugiere la posibilidad de un paisaje más amplio. El carácter efímero de los mapas, hablan de la fragilidad y el estado transitorio de nuestra vida y nuestro entorno.